¿Qué les ha pasado a Cloud Nothings entre su disco debut y este Attack on Memory? No me creo que todo sea culpa de Steve Albini, quien les sirve de “productor” a su manera. La actitud ha cambiado de manera radical en la banda de Cleveland, como si a Dylan Baldi se le hubiesen marchado las ganas de divertirse y de la locura juvenil y ahora tuviese que encararse con el mundo.

Que ha sido algo consciente lo lleva repitiendo el grupo allá donde alguien le da voz: Attack on Memory no es un título elegido al azar, querían que no quedarse rastro de lo que eran como banda. ¿Para bien o para mal? Pues me quedan dudas… pero eso es algo que, como bien sabéis los que leéis Hipersónica, ya me ocurrió en su anterior disco. ¿Todo cambia para que nada cambie?

La crisis y el final del “me siento bien”

No se puede decir que, en su debut largo, Cloud Nothings fueran unos optimistas. “I can’t“, cantaba Dylan Baldi, “I feel bad when nothing’s wrong“, en algo parecido a su “Happy When It Rains”. Pero aquellos sentimientos negativos se diluían en canciones urgentes, pero no rabiosas, más para montarse en skate que para lanzarlo contra los cristales del escaparate de algún Starbucks.

Ahora la cosa ha cambiado. Si antes estuvieron cerca del punk melódico, ahora se miran en el espejo del post-hardcore. Y se lanzan a escupir toda su rabia casi en forma de pequeños haikus rodeados de guitarras y bajos incendiarios:

Give up

Come to

No

We’re through

No hay futuro, pero tampoco hay pasado, con lo que se están negando a sí mismos. Y, a veces, como en ‘Wasted Days’ se ponen tan rock que parecen otros. O a lo mejor es que todas esas dudas del debut tenían que desembocar en un disco así, uno donde los pocos respiros que nos dejan son ‘Fall In‘ o ‘Stay Useless‘.

¿Es éste el sonido de esta crisis, de este clima ‘Hijos de los hombres‘ que estamos presenciando en tiempo real. “Solía tenerlo todo, pero ahora estoy sólo (…)) pero nada lo que podría hacer cambiaría lo que está pasando”, es el análisis de la situación que hacen en la propia ‘Stay Useless‘, debatiéndose entre el no hacer nada o el quemarlo todo.

I need time

Es probable que venza el sentimiento de que es mejor sentirnos inútiles, pero a Cloud Nothings no les queda muy claro si en el fondo esto no será un triunfo de los que quieren que nos sintamos atrapados, solos y cansados.

La domesticación de la furia

Precisamente el mensaje de ‘Stay Useless‘ es el que hay por detrás de las pocas pegas que le pongo a Attack On Memory. A veces, las propias canciones se contagian del saberse domesticadas, de haberse impuesto ser más rabiosas pero no sacar del todo la furia necesaria para funcionar. ‘Separation’, por ejemplo, se queda en poca cosa y, en cierto modo, no es difícil pensar en qué les ocurría a los discos malos de …And You Will Know Us By The Trail of Dead y esa sensación de fake que transmitían las canciones del grupo.

Decía Horacio que la ira es una locura breve, y que haríamos mejor en controlarla o nos controlaría ella. Con estos Cloud Nothings, sin embargo, tengo la sensación opuesta: me gustaría verlos arder completamente, ya que han emprendido el camino de destruir la memoria que teníamos de ellos. Pero, por ahora, no han llegado aún eso y no parecen desbocados: que se escuchen en ‘Lucifer’s Symphony‘ de Japandroids para abrir un poco más la brecha y escorarse más hacia la locura.

Cloud Nothings – Attack on Memory Tracklist

• 1. No Future/No Past
• 2. Wasted Days
• 3. Fall In
• 4. Stay Useless
• 5. Separation
• 6. No Sentiment
• 7. Our Plans
• 8. Cut You

Desde que a The Jesus & Mary Chain los viese Scarlett Johansson, los Reid ya no son los mismos. Fijaos que esta vez sólo han pasado cuatro años para que hayan tomado la decisión de reunirse y volverse a ir de gira.

De disco no quieren saber nada, y casi que mejor, virgencita, nos quedamos como estamos, pero la gira de momento ya tiene cuatro citas en marzo, entre ellas en el South By Southwest de Austin. ¿Cumplirán en ella todos sus mandamientos?

Esta vez, quienes vuelven son Jim y William, claro, junto a John Moore (también Revolution 9 y Black Box Recorder) y el bajista Phil King. De quién se sentará a la batería aún no se sabe nada.

Por cierto, que no pasa nada porque los Jesus & Mary Chain no estén sacando discos nuevos. Hace nada han vuelto a reeditarlos todos con pocas novedades, pero jugosos libretos donde ellos mismos hablan de su carrera (y cuando ellos hablan, hay que estar atentos, porque siempre dicen algo divertido).

Y, además, si echáis realmente de menos sus discos, siempre podéis echar un ojo a los discos de Sister Vanilla, donde esta la hermana de ambos, Linda Reid, con canciones como ésta ‘Can’t stop The Rock‘ de sonido muy familiar, ¿a qué sí?:

Ah, una última cosa. Venga, FIB, sal a bailar, que los Reid ya han tocado en tu festival…

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Port of Morrow promete más y más. Si ‘Simple Song‘ fue un primer adelanto magnífico de pop adulto y enrevesado, ahora James Mercer ha aprovechado que tenía que hacer una visita radiofónica para tocarse, el solo, ‘It’s Only Life’, nueva canción del nuevo disco de The Shins.

En concreto, Mercer recibió la invitación de la 91X de San Diego para tocar cuatro canciones. Junto a la inédita ‘It’s Only Life’, también se encargo de ‘Young Pilgrims‘ y ‘New Slang‘, además de la propia ‘Simple Song’. La nueva canción la encontráis en el minuto 3:56, aunque el vídeo que encabeza este post debería estar ya preparado para iniciarse desde allí.

Teniendo en cuenta lo mucho que a The Shins les gusta vestir sus canciones, cambiarles el fondo, arreglarlas y pulirlas, es difícil saber si ‘It’s Only Life’ va a tener una forma parecida en algo a este pedazo de baladón emocional que nos ha servido Mercer. En todo caso, será complicado arruinar algo tan bonito. En poco más de un mes, sabremos todo sobre Port of Morrow.

Vía | BPM
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No, no es una broma. Dinosaur Jr., ejemplos por excelencia del noise-pop, pequeñas cosas furiosas y guitarreras desde los años 80, van a ver cómo nueve de sus canciones más conocidas son transformadas en odas synth-pop.

La culpa es de Brett Nelson, bajista de Built To Spill que en sus ratos fuera de ese grupo también atiende al nombre de Electronic Anthology Project, y que justo pretende lo que dice: hacer una antología electrónica de lo que le gusta. Y Dinosaur Jr le gustan mucho.

Para colmo, ha logrado convencer a J Mascis de unirse al remake electrónico de su propia obra. Y al guitar hero emblemático del indie rock no se le han caído los anillos. Ahí está, codo a codo, haciendo que canciones como, por ejemplo,’Tarpit‘, suenen así:

¿Qué? ¿Cómo os quedáis? ‘Tarpit’, incluida en You’re Living All Over Me, sonaba así en su origen:

El tracklist del disco de versiones tiene casi todas las infalibles:

• 01 Sludgefest
• 02 Pond Song
• 03 Raisans
• 04 In a Jar
• 05 The Lung
• 06 Kracked
• 07 Tarpit
• 08 Little Fury Things
• 09 Feel the Pain

Si estáis de los nervios ya, tomaos una tila, porque hasta el próximo 21 de abril no se podrá saber cómo queda esta pequeña locura.

Vía | Pitchfork
Sitio oficial | EAP
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Veronica Falls van a iniciar ya mismo la gira con la que presentarán el disco que harán que todos vuestros festivales favoritos suenen a cacharerría pop de luto, gira que les traerá a nuestro país para el Primavera Sound, tanto en su versión española como en su gemelo portugués.

Y para aliviar la espera que hay entre que se pasan por Europa y llegan a España (hasta finales de mayo, nada), han grabado sobre un barco en el Tamesis el primer tema nuevo tras su debut.

Si había quien les decía que de cara al disco se habçian curado en salud, habían puesto el autobús para jugar a defenderse y se habían conformado con meter los mejores temas de sus singles y unas pocas canciones más… pues ya llega la primera canción post-disco de debut, que en vista de lo rápido que va todo, ya habrá que empezar a llamar “la difícil primera canción del difícil segundo disco”, ¿no?

‘My Hearts Beats‘ no es ni difícil ni nada. Es Veronica Falls en estado puro, campanamuertismo de tomo y lomo. Hora de disfrutar de nuevo del segundo mejor grupo de 2011.

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Ponerse a los pies de los caballos es algo que les encanta a Thee Brandy Hips… o lo parece. Tocar en (antiguos) puticlubs, que te confirmen festivales de música y que a los pocos días anuncien que no se van a celebrar, cantar en inglés siendo de Donosti y dedicarse a pasar rozando el larguero de los #putamierds.

Siendo sensatos, Thee Brandy Hips podrían ser un grupo para desdeñar a conciencia, como esos que se anuncian en casi cada festival del indi-tex que nace en España (no voy a decir nombres, si no los sabéis es porque quizás os gusten, y entonces es peor).

Thee Brandy Hips: vivir en la frontera

Podrían serlo, ya digo que parecen encantados de vivir ahí, en esa frontera de lo irrelevante y lo que, de puro mediocre, es odioso (por regla general, la medianía es irrelevante, pero hay algunas cosas situadas ahí que enervan). Que desde ese lugar se hayan sacado un disco como Raincoat tiene más mérito del que parece y más del que les concederéis en primera escucha. El problema es que la mayoría de las escuchas que se hacen hoy son sólo “primeras” y aquí os estaréis equivocando.

Raincoat, para empezar, le da mil vueltas a los primeros Brandy Hips, que sólo dejaban ver lo mucho que podían dar de sí en apenas una canción y media de su debut, We Are Love. La canción era ‘Mr. Thinman‘, la otra media la que queráis…

Demasiado pulidos para el gusto garage que profesan, demasiado luminosos para el post-punk con el que también a veces se autodefinían… No los citaban, pero de vez en cuando, en su mejor cara, se les escapaba un algo de los Kinks… y no mucho más, aunque sí que había y simplemente no se habían decidido a sacarlo.

Raincoat: La rebelión del copión

Ahora, por el contrario, los donostiarras han grabado un disco adictivo desde los mismos presupuestos: mucha influencia anglosajona, mucho semi-homenaje (con humor, que no falte: ‘Shoegazing (Literally)‘) y poco nuevo bajo el sol. Pero éste sol es el que más calienta de este invierno: te va a arreglar tus días. Y en primavera y verano lucirá igual. Para cuando sea otoño ya estaremos pensando en qué posición les colocaremos en las listas, pero calentará, que es lo importante.

A Raincoat hay que dejarle espacio, porque queda claro desde el principio que ‘Dissolve Your Love In Water’ es preciosa y que el comienzo del disco es muy efectivo en sacar sonrisas. Pero también, en la primera escucha, piensas en todos a quienes suenan. Y oyes a los Strokes, por ejemplo, y a lo mejor infravaloras a los Brandy Hips por copiotas.

El problema es que los otros, los Strokes, también lo eran (buenos copiotas) y, principalmente, que hace años que no se sacan un disco tan bueno como Raincoat. Y eso, pudiendo ser los Brandy Hips como Second (mira, uno de los ejemplos que no quería decir), es muy, muy, muy buena noticia.

+1 al signo de los tiempos

“Tienes más seguidores de twitter que espectadores de pago”, le espetaba el otro día en agria discusión el mejor escritor de ciclismo que hay en España ahora mismo al mejor director de ciencia ficción que tenemos. A los Brandy Hips también se les puede aplicar: este disco lo van a comprar cuatro (y el del tambor donostiarra, claro), muchos menos que los seguidores que tienen en sus redes sociales.

Podrían aspirar a más y con estas canciones, al menos, deberían intentar vivir un rato en la mentira de “con lo que ganan dinero los músicos es con el directo”. Pero si no pensáis comprarlo, escuchad Raincoat y, cuando lo veáis por ahí, dadle a “me gusta”, a +1, al repin o retwittead a cualquiera que hable bien de él. Porque es un disco divertido, disfrutable, se lo han sacado ellos mismos y su portada mola. Y con bastantes menos cosas que éstas ya dais cobijo en vuestros timelines a muchos gustos peores.

Sitio oficial | Thee Brandy Hips

El Caldero, nuevo disco de Joe Crepúsculo, es el que más tiempo le ha llevado hacer a Joël y también el que debería curar las heridas de aquellos que se sintieron atraídos por Escuela de Zebras y Supercrepus y se alejaron ante Chill Out y Nuevo Ritmo.

Si os alejasteis, hicisteis mal, por cierto, pero eso es otra historia, que trataremos en otro momento. Mientras llega a Hipersónica la crítica del quinto disco de Joe Crepúsculo, hemos querido que él mismo despejara alguna de nuestras dudas: por qué gastar tanto tiempo en hacerlo, por qué recuperar la caja de ritmos, por qué hablar de La fuerza de la vida y qué pasó aquella semana con los polis. O bien otras cosas con las que remover El Caldero.

Un año en el estudio… ¿no te daba miedo “pensar demasiado” las canciones? ¿Has dejado que interferencias externas (amigos, otros músicos) vieran lo que hacías?

Al principio sí que temía que las canciones estuvieran demasiado masticadas, pero mediante lo iba haciendo me he dado cuenta que a la vez que las iba puliendo y orientando también las dejaba reposar. Me ha gustado mucho trabajar así y lo he pasado muy bien dando vueltas a los detalles y las cosas que envuelven este disco.

Tal vez sea el disco en el que menos han intervenido otros músicos o amigos, pues de hecho no hay ninguna colaboración, pero sí que he contado con ellos para los consejos finales, escuchas y todo eso de las inseguridades que te vienen cuando estás a punto de terminar.

El primer single nos pone ante un Joe Crepúsculo más claramente de amor que nunca. O quizás, más explicitamente “cantante de amor”, porque canciones como ‘Gabriela’ ya eran maravillosas en ese sentido.

¿Hay algo de cantante melódico en El Caldero? ¿Te gusta la canción melódica o alguien en especial? ¿O es una canción engañosa respecto al disco, como comentabas en alguna ocasión?

Me gusta mucho que una canción diga algo profundo y simple a la vez, eso pasa con las canciones de amor. Pero en estos momentos siempre estás caminando sobre una cuerda floja con dos abismos de fondo. No sé si he logrado mantenerme en pie pero al menos lo he intentado.

Estas temáticas las llevo repitiendo desde el primer disco y tal vez en éste parezca menos oscuro, menos irónico, tal vez porque buscaba una unidad de temáticas dentro del Caldero que fuera a la vez una especie de caos. Como si las canciones por separado tuvieran un sentido y dentro del disco como conjunto algo inverso, como un arma de doble filo.

Las letras siguen siendo puramente Crepus, con esos chispazos inesperados que pero algo más claras. ¿Las has tratado de forma distinta? ¿Cómo trabajas con ellas?

He tratado las letras como siempre, pero me imagino que a veces uno tiene cosas más interesantes que contar que otras veces y de una manera más claro u ordenada también debe depender cómo esté el cerebro dispuesto en ese momento.

Siempre he dicho que lo de las letras no se me da tan natural como la creación de melodías o sonidos, pero, bueno, intento tener claro lo que voy a decir y cómo.

Lo que quizás sí que se nota es menos influencia latina. ¿Necesitabas recuperar el espíritu de discos como Supercrepus?

Es probable que El Caldero se vea como una vuelta a los inicios y de hecho hay muchas cosas que lo relacionan con Supercrepus e incluso he puesto referencias directas. El hecho de grabarlo en mi estudio y volver a la caja de ritmos ya es muy causal, pero a la vez también he querido juntar muchas de las influencias de los discos anteriores y estrellarlas contra la pared, hacer un puré, un caldero y calentarlo todo.

Hay dos canciones latinas, hay algunas rocanroleras y mucho pop. No sé cómo va reaccionar el personal, pero yo estoy muy contento con el resultado y en parte con esto me basta.

¿Cómo ves tu evolución desde Escuela de Zebras hasta este ‘El Caldero’?

Veo mi evolución como un camino de aprendizaje. Cada vez que me pongo con un tema es como si lo anterior no existiera e intento estar abierto, dejar que las influencias que a todos nos entran nos atraviesen como un cristal, para luego dispar el rayo hacia fuera.

Tengo la sensación de que es muy importante saber qué se cuece tanto en nuestro territorio como fuera para tener los pies en el suelo, a la vez de estar siempre dispuesto a aprender del pasado, del presente y de su proyección hacia el futuro.

Lo que más me gusta de la música es disfrutar mientras la hago y tal vez eso es lo que quiero transmitir con los discos que he ido haciendo y sea ésa la constante que los relaciona, espero que por lo demás y las cosas que vengan, sean lo que tengan que ser.

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Beach Beach se estrenaron en 2010 con un vinilo/cdr de complicado título, Leeuwenhoek, ediciones limitadas de canciones que se miraban en ese gusto por lo tropical mezclado con el pop que trajeron para quedarse Vampire Weekend.

Aquellas canciones, que pueden escucharse y descargarse en su Bandcamp, anunciaban varias cosas que quizás no cristalicen en su nuevo disco, Tasteless Peace, y otras cuantas que seguro sí estarán. A saber: la excitación, el tono saltarín, la urgencia entendida desde el lado pop y las disonancias que encajan, que suenan como si todo estuviera perfectamente afinado.

Digo que todo eso estará porque ya aparece en la primera canción que han decidido dejar en adelanto de su disco. ‘Tasteless’ muestra al grupo, mitad barcelonés mitad mallorquín, en un corte dulce, con el viento soplando a su favor.

Su presencia en el próximo Primavera Sound 2012 les debería colocar ante su nicho de público perfecto: cuentan además que quienes les han visto no tienen más que palabras entusiastas para sus directos.

Quizás sea porque con ellos dan ganas de pasarlo bien, a la vez que te abren puertas al post-core o al noise… Que no, que no están en sus canciones de manera directa, pero que sí se pueden ver. Son como mezclar a los Evens con Extraperlo, algo demasiado goloso como para pasarlo por alto.

¿Sin gusto? Eso dicen. De momento ya lo demostraron en el vídeo de ‘Leeuwenhoek’, pero creemos que, en realidad, hay mucho criterio. Ojo con ellos, que el disco se edita en marzo.

Tracklist de Beach Beach – Tasteless Peace

• 1. Worries
• 2. Tasteless
• 3. Plants
• 4. Easier
• 5. Monster
• 6. Cards
• 7. Trembling
• 8. Manouvre
• 9. Desired

Sitio oficial | Beach Beach

Que te muestren su mejor cara, eso es lo que te gustaría pedirles a todo grupo cuyo debut te ha impresionado cuando le toca volver. Y Tennis gustaron mucho a una parte del equipo de editores de Hipersónica: de Cape Dory dijimos que definía bastantes palabras buenas, bonitas, y aprovechamos para auparlo entre los mejores discos de 2011.

De su nuevo disco, Young & Old, ya probamos ‘Origins‘, el segundo de los cortes, relajado y del pasado. Joven y viejo a la vez, viejoven quizás.

‘My Better Self‘ da otra muestra de su mejor cara, del perfil que nos tiene contentos. No es, ni mucho menos, su tema más pegadizo, ni el más inspirado, ni el que te va a hacer conectar con ellos. Pero en esta foto siguen quedando bien: se la hicieron en Nashville y le dio al click Patrick Carney de The Black Keys

Young & Old se edita el próximo 14 de febrero, San Valentín. Te quieren, regálatelo. O que te lo regalen y déjate de bombones (esos ya te los comprarás al día siguiente).

Tennis – Young & Old (Tracklist)

• 1. It All Feels The Same
• 2. Origins
• 3. My Better Self
• 4. Traveling
• 5. Petition
• 6. Robin
• 7. High road
• 8. Dreaming
• 9. Take Me To Heaven
• 10. Never To Part

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Que Saint Etienne estén de vueltas debería servir para callar de una vez por todas todos esos chistes a costas de los Mayas y sus predicciones que lleváis haciendo desde que comenzó 2012. Si se tiene que acabar el mundo que sea con nuevo disco suyo bajo el brazo.

De momento aún no sabemos que título le han puesto al disco largo, pero sí que tenemos, por fin, nueva canción, que acaba con el letargo de un grupo que desde 2005 no ha editado nada nuevo. Claro que durante ese tiempo, si aún no teníais el gusto de conocerles, os deberíais haber empachado con las reediciones de sus discos, tan gloriosas como los originales.

Dice Bob Stanley que ‘Tonight‘ va de ese estado de excitación que tienes cuando vas a ver a tu músico favorito. Verlos a ello en vivo siempre ha sido un placer y durante un tiempo fue bastante sencillo que cada canción que nos dejaban pareciese la mejor.

De hecho, según la web oficial aún por construir de Saint Etienne, el nuevo disco, como la canción que le sirve de adelanto, habla del…

“primario y atávico impulso que toda la buena música pop lleva consigo, de cómo la emoción inalterada de una gran banda o de un concierto pueda conectar directamente con tu corazón”

En el nuevo tema(zo) les producen y mezclan Xenomania y Richard X. Ahora si queréis que se acabe el mundo, perfecto, que ya lo cantan ellos:

“This could save my life”

Vía | Pitchfork
Descarga el mp3 | ‘Tonight’ – Saint Etienne