Trevor Bolder, bajista de David Bowie en Spiders From Mars y también en Uriah Heep, ha muerto de cáncer a los 62 años.

Bolder se unió a Bowie y sus Arañas en 1971 junto a Mick Ronson y Mick Woodmansey. Entre los discos en los que participó está parte de lo más cautivador de la trayectoria de Bowie: Hunky Dory, The Rise and Fall of Ziggy Stardust, Aladdin Sane y Pin Ups. Casi nada.

Más tarde se unió a Uriah Heep en 1976, donde estuvo hasta 2011, cuando por motivos de salud no pudo continuar. Bowie no ha tardado en querer mandarle un recuerdo:

“Trevor fue un músico maravilloso y una gran inspiración para cualquier banda en la que estuviese trabajando. Pero por encima de todo era un tipo tremendo, un gran hombre”

Tampoco Uriah Heep han faltado a este momento:

“Trevor fue uno de los grandes de todos los tiempos uno de los músicos más destacados de su generación, y uno de los mejores  y más influyentes bajistas que Gran Bretaña jamás haya dado. Su larga estancia en Uriah Heep llevó la música del grupo, y el virtuosismo y el entusiasmo de Trevor, a cientos de miles de aficionados de todo el mundo”

Vía | NME

Doble Pletina son un grupo Jabalina por excelencia. Canónicos en su acercamiento al indie sentimental y de bajas revoluciones, costumbristas, sin levantar la voz.

Ahora, ‘Terco‘ les sirve como adelanto de su muy mini-hypeado primer disco, con vídeo dirigido por Sergi Pérez, realizador de los últimos clips de Manel, y con la demostración de que, como cantaban Los Planetas, si te esfuerzas, y el mundo insiste, puedes desaparecer.

De lo concreto a lo general, el debut largo de Doble Pletina, se publicará el próximo 3 de junio.

9,99 dólares. Ése es el precio que Google ha anunciado hoy para la cuota mensual de suscriscripción de Google Play Music All Access, el rumoreado ataque de Google a la línea de flotación de Spotify. Streaming con acceso desde los dispositivos móviles y desde la web y con acuerdos con la industria discográfica para que el catálogo no deje de crecer (de momento, 20 millones de canciones, asegura Google).

De momento sólo está disponible en EEUU, aunque si os hicisteis con la cuenta de Google Music en la primera oleada, antes de llegar a España, os aparecerá la oferta de probarlo gratis. A estas horas, mientras todavía se desarrolla la Google I/O 2013, si queréis probarlo os dará error en el servidor.

Google Play Music All Access: servicios y precio

Este nuevo servicio de Google Play Music también nos dará acceso a radios y recomendaciones personalizadas en función de los artistas y grupos que hemos escuchado. También playlists diseñadas por la propia gente de Google Music. Y, claro, tendremos acceso a nuestra biblioteca personal con las canciones que hemos subido nosotros a la nube, sin necesidad de que estén dentro de las que ofrecen las discográficas. Un buen combo que mezcla lo mejor de Spotify con lo bueno de Amazon Cloud Player o iTunes Match… pero aún sin llegar a las capacidades de almacenamiento de la oferta de Amazon (hasta 250.000 canciones propias).

De momento, sólo se anuncia una única tarifa mensual, a 9,99 dólares, que habrá que ver cómo se transforma, si lo hace, en su salto al mercado internacional. Ni opciones de menor precio pero con funcionalidades capadas (como ofrece Spotify), ni pagos anuales con descuento respecto al mes a mes.

Play Music All Access: extras y disponibilidad

Google ha hecho hincapié en dos puntos fuertes del servicio: el motor de recomendaciones y ese caballo ganador que es permitir el streaming de lo que no tienes con lo que no tiene el propio Play Music All Access. Además, ha asegurado que habrá una “radio sin reglas”, que permitirá a los propios usuarios crear emisoras de cualquier artista en concreto.

En cuanto a dispositivos, se podrá acceder a Google Play Music All Access desde cualquiera de ellos, ya que cuenta con funcionalidad desde cualquier navegador. Además, estará disponible en Android y también en iOS a través de la aplicación nativa de Google Music que ya existe para ambos sistemas operativos. Por supuesto, habrá posibilidad de crear playlists desde la propia aplicación y otras funcionalidades que ya deberíamos dar por básicas y sin embargo no siempre se cumplen.

Ya están aquí otra vez. Daft Punk han vuelto. Han necesitado doce ocho años desde su último trabajo en estudio, si no contamos la banda sonora de ‘Tron: Legacy’. Y en Hipersónica les hemos preparado una completa bievenida que os invitamos a repasar:

Superchunk están de vuelta. Desde Majesty Shredding no han parado precisamente quietos, con conciertos por aquí y por allá, singles y EPs, pero ahora les toca regresar con disco largo, su décima obra en estudio que llevará por título I Hate Music.

Que ellos no odian la música es algo que ya sabíamos y que no hace faltar remarcar: basta con oír cualquier momento de su carrera para darse cuenta de que la aman… y hacen amarla. Pero el título tiene una explicación:

“No es ironía, sino más una pregunta que una afirmación rotunda: cuando tienes 20 años, tus mayores preocupaciones con los compañeros de curro vagos y los errores sentimentales. Dos décadas después, las grandes preguntas de la vida llegan a tu puerta para golpear de manera ruidosa buscando respuestas”.

El grupo describe el nuevo disco como el gemelo oscuro de Majesty Shredding, y asegura que es un disco que va más sobre el amor que sobre cualquier otro tema:

“amor por la vida, por vivir, por la gente y, sí, amor por la música”

De momento, tenemos el ya casi tradicional teaser y una razón más para parar en la carrera de Superchunk de nuevo. Como si hiciera falta.

I Hate Music Tracklist:

Se ha visto, de manera tradicional, el caso de Primal Scream como el de destalentados con suerte. Suerte de pillar la ola en el momento justo, de coger a los productores adecuados, de que se les aparezca Santa María de las Anfetas… Cualquier cosa excepto asegurar que Bobbie tenga tanto talento como parecía en algunos de sus discos. En algunos casos hasta se ha hecho acoso y derribo hacia un personaje que, no hay que negarlo, lo ponía bien fácil: bocazas y capaz de lo peor.

En realidad, creo que a estas alturas de su carrera, llegado a More Light, lo que habría que convenir es que Primal Scream son el mayor elogio a la normalidad que ha dado el rock británico en las últimas dos décadas. Son los tipos que llevan más de 20 años luchando contra sí mismos, trabajando (bueno, es un decir) por encontrarse la inspiración. No son genios, ni falta que hace, pero de vez en cuando se encuentran con que pueden ser mejores de lo que su día a día marca. Como tú, como yo. Common People sin cucharachas en las paredes, con exceso de anécdotas drogotas y con una bocaza como un templo de grande.

More Light sobre los taquígrafos de 2013

More Light demuestra, una vez más que "valen" para músicos, pero que sólo de vez en cuando son mejores músicos que la inmensa mayoría de la gente que "vale" para esto. Y pocas veces una canción de Primal Scream lo había dejado tan claro como '2013', ese single de purito AOR que, sin embargo, funciona y engancha, que les muestra una vez más tensos, con ideas que encajan de tal manera que forman parte de la genética de la canción (el saxo, el tramo que va del minuto 7 al final, las idas y venidas). Es sólo rock'n'roll para padres, y podrían habernosla calzado los mismísimo Dire Straits, pero a ellos les quedaría fatal y en manos de los Primal Scream de 2013 funciona como si la cantasen jovenzuelos y se la dirigiesen a otros chavales. De hecho, sólo cambiaría, ligeramente, el mensaje.

'2013' lo dice todo sobre nuestro día a día, les da un repaso a los Primal Scream de Beautiful Future y hasta te hace confiar en el grupo de nuevo. Nueve minutazos usa para reírse de todo a la vez que le da un par de leches a lo que está ocurriendo: "¿qué ha pasado con las voces de los disidentes? Se han vuelto ricos, supongo". Miradles, están ahí, en todas partes, fuera cual fuera su disidencia. Van a tocar conciertos nostálgicos para vosotros, semanas en el motor de un autobús. 2013:

21 century slaves, a peasant underclass Television, propoganda, fear, How long will this shit last.

Se puede confiar en estos Primal Scream, que afortunadamente nunca serán Kasabian y que, por desgracia para ellos y por suerte para nosotros, tampoco serán los Stones. Da miedo, sí, como también lo hace el que veas el tracklist, compruebes la duración de las canciones y, antes de escucharlas, quieras saltar por la ventana en vez de elegir escuchar un álbum de ellos que, a estas alturas, sume canciones de cinco, siete y nueve minutos y en casi ningún momento decida bajar de los 3 y medio. 'Miss Lucifer' ha abandonado el edificio y Bobbie se pone los dedos como cuernitos en la cabeza. Se descojona de todo una vez más.

Semejante quicio de entrada no puede continuar. Pero 'River of Pain' no aburre ni un pelo, ni siquiera enganchándose con historias truculentas o achuchillando a la Sun Ra Arkestra con el peor clímax imaginable. Y les funciona. Ahí lo tenéis, va a pasarles más veces a lo largo del disco: se empeñan en querer mezclarlo todo, a volver a caminar por el lado auto-indulgente de su vida, que no ha sido excaso. Les sale bien y empalma con una 'Culturecide' donde quizás ya no sean peligrosos, pero sí son excitantes (y algo Scary Monsters). Excitantes, quién me iba a decir a mí que a estas alturas aún lo seguiría pensando sobre Primal Scream. Bobbie, you're a miracle. Realmente. Y Dios sabe que seguimos necesitando uno.

Primal Scream: concurso de eliminación

Tampoco vamos a decir que este sea el discazo inapelable con el que Primal Scream de vez en cuando suelen obsequiarnos (cuando el esfuerzo, el gusto y el talento se ponen de acuerdo, que es ciertamente complicado que ocurra). 'Goodbye Johnny' colará las primeras veces, como lo hacen las canciones más juguetonas e intrascendentes de Nick Cave. Y es en esas, en las que cuelan aunque sabes que podrían ser un horror, donde está todo el empaque de un disco que, sí, es demoledor en sus hits y poco pronunciado en sus bajones. Dice Javier Camiña, haciendo tiempo para no escribir por aquí que "nada dignifica más a un grupo que mostrar orgullo cuando se pone en ridículo". Primal Scream se pasan todo More Light sacando pecho al borde de ese acantilado por el que van a despeñarse. Y claro que se van a despeñar, todo el mundo lo sabe. Pero ahí aguantan, titanes, mientras les funcionan canciones como 'Elimination Blues' (con Robert Plant) o 'Walking With The Beast', que en cualquiera de sus discos malos no habrían aguantado ni una escucha. (Ergo éste no puede ser uno de sus discos malos).

'I Want You', con los Troggs en vena, la patillera 'City Slang', el auto-homenaje a sus propios homenajes que hacen en 'It's Alright, It's Ok' (tirando a por 'Movin' On Up') o en 'Invisible City' (esos teclados horrorosos, esa ida y vuelta a Rock). Si More Light es la frase que dijo Goethe antes de morir, estos 70 minutazos deberían ser la muerte de Primal Scream: nunca más volverán a estar tan al límite de sus propios defectos sin apenas tocarlos.

Bobbie está sereno y ha conseguido, junto a la atenta mirada de un David Holmes que contribuye al eterno toque vacilón del disco, que su grupo haga el mejor disco de AOR británico del año. Nadie va a estar tan bien haciendo tanto mal.

Primal Scream – More Light Tracklist

• 1. 2013 9.01
• 2. River Of Pain 6.59
• 3. Culturecide 4.36
• 4. Hit Void 4.10
• 5. Tenement Kid 4.46
• 6. Invisible City 4.41
• 7. Goodbye Johnny 3.29
• 8. Sideman 3.54
• 9. Elimination Blues 5.47
• 10. Turn Each Other Inside Out 4.35
• 11. Walking With The Beast 3.58
• 12. Relativity 7.29
• 13. It’s Alright, It’s OK 5.09

¿Hasta cuándo se puede ordeñar la fábrica de hits del indie del nuevo siglo, ése que ha consistido en meter euforia, colorines, guitarrazos y un poco de psicodelia a casi cualquier cosa? Guards, grupo de Brooklyn, se ponen en los zapatos de casi cada banda que ha sido tratada con mimo en esa zona donde también habitan Passion Pit, los primeros MGMT y un sinfín de aspirantes más. Y en In Guards We Trust sueltan, una vez más, el enésimo disco similar.

Supuestamente, debería ser un álbum vibrante, de tono contagioso, que mezclase el pop de siempre con la crudeza de la psicodelia garagera y los brillos de épica sintética que tan bien podrían resumir los últimos 5 años de música indie for the masses.

Se les queda corto, es indudable: meten demasiadas ideas en la misma bolsa y aún no están preparados para sacarlas con tino. Del dance-pop veraniego que no se baila de 'Nightmare' a la muy Ziggy '1&1', hay un trecho nada sencillo de recorrer. Difícil por lo sobado, por lo pasado de rosca de los giros que hay que acometer para que todo cuadre y porque ese camino está hasta arriba de gente con las mismas ínfulas… y casi nadie que quiera escuchar realmente.

¿Aspiran Guards a un hit y ya? In Guards We Trust parece construido sobre esa dinámica, "si no lo conseguimos con ésta, lo haremos con la siguiente", de manera que vamos dando saltos y picoteando por las tendencias más in justo cuando ya nos tienen hasta las narices. En busca de algo diferente, recalan en las costas de una New Wave pasada de cocción ('Giving Out'), de guitarrazos Pixies en estructuras tópicas ('Coming True')… Ya veis. Si no salen de ahí, la cosa se queda en discretas canciones de euforia Prêt-à-porter, que ya es Primavera y para las vacaciones hay que llegar con un mini-arsenal, a ver si cuela.

Lo mejor es que el grupo resuelve esas ganas de hacer discos y canciones a salto de mata con una notable falta de trascendencia y con apuntes de gracia: la producción de 'Nightmare', menos obvia de lo que parece en principio; las campanadas de 'Ready To Go', himnazo de tomo y lomo, Spector regurgitado por la generación anglo-indietex. No mucho más.

Poco perdurable en la memoria, In Guards We Trust dejará alguna canción en la lista de lo mejor del año de alguien. Que no es poco ni tampoco mucho, es simplemente lo que hay. Aunque ese espacio de “lo que hay” lo tengamos ya hasta reventar de grupos similares.

Guards – In Guards We Trust Tracklist

• 1. Nightmare
• 2. Giving out
• 3. Ready to go
• 4. Silver lining
• 5. Heard the news
• 6. Not supposed to
• 7. I know it’s you
• 8. Coming true
• 9. Your man
• 10. Can’t repair
• 11. Home free
• 12. 1 & 1

The Men se han convertido en cuatro discos en uno de los grupos más inesperados de la actualidad. Parecían meros continuadores de tradiciones que, de tan manidas, ya estaban pasadas de rosca y, sin embargo, se han ido buscando su propio lugar.

Con su reciente New Moon, muchos consideran que el grupo que se formó en Brooklyn en 2008 con Nick Chiericozzi, Chris Hansell y Mark Perro como núcleo fundador ha dado un salto de gigante. ¿Para tanto? Lo vemos en este repaso a su discografía.

The Men – Immaculada (2010)

Dos años se pasaron The Men buscando la manera de debutar. Primero lanzaron un EP, We Are The Men, con el que cubrieron la cuota de 2009, pero fue en 2010 cuando la banda de tópico nombre se lanzó a la piscina con Immaculada, un disco cargadísimo de fuzz y de ambiente tan opresivo como esa portada a medio camino entre el trip hippie y el giallo.

The Men abren su carrera con un disco infavalorado, asilvestrado, garagero y hard a la vez. My Bloody Valentine meets Mayhem, dicen en Rate Your Music al respecto, y aunque no hay ni de uno ni de otro, sí que sirve para transmitir el mensaje de un grupo que se incendia en ‘Problems/Burning Up‘ y desde ahí ya no levanta el pie del acelerador.

Noise, punk, una cara A muy superior a la b, citas a Madonna, a Yoko Ono y un gran título de canción: ‘Praise The Lord and Pass The Ammunition‘. Debutar con sangre (en el cuerpo, ellos; y en la cara, tú, si es que te metes al barullo en uno de sus conciertos con estas canciones) es posible.

The Men – Leave Home (2011)

En la primavera de 2010, justo el día después de que se lanzase Immaculada, me fui a Peru y estuve un tiempo con un chamán participando en las ceremonias de Ayahuasca. Eso tuvo un impacto tremendo sobre Leave Home. Empezamos a grabar el disco al poco tiempo de mi regreso. – Mark Perro

¿Hay algo realmente ritual en el segundo disco largo de The Men, como cuenta Mark Perro? Sí, siempre que se escarbe en esa amalgama de noise, punk, hardcore de la que, de vez en cuando, emerge una melodía. Los desarrollos de las canciones van desde lo shoegaze (’If You Leave‘) hasta lo metálico, con el krautrock en mente (ahí de nuevo, lo repetitivo, el mantra, el chamán).

The Men firman las canciones de manera conjunta, pero con tres compositores el resultado es como el de los discos de Sebadoh, donde a cada vuelta de la esquina te encontrabas algo totalmente diferente e inconexo con lo anterior y, sin embargo, encajado como si las piezas no fueran de diferentes puzzles. La frenética ‘Lotus‘ encaja con la quebrada ‘Think‘. Y de allí a la catarsis post-hardcoreta e inofensiva de ‘L.A.D.O.C.H.‘, el frenesí imprescindible de ‘()‘ o el surf-sin-olas de ‘Shittin With The Shah‘

A otros, la dispersión les sienta fatal. A The Men les ha ido dando más y más empaque como grupo y en Leave Home, pese a los momentos de bajón, les muestra como unos tipos de ideas fijas, sí, pero de varias ideas fijas a la vez.

The Men – Open Your Heart (2012)

El arreón más finales de los 80 y canónico de The Men. Aparcadas gran parte de las intenciones post-hardcore, rebajado el fuzz, The Men aparecen ahora como trasuntos de Dinosaur Jr, como gente que se ha aprendido de pe a pa lo que SST Records nos enseñó del underground USA de la segunda mitad de los ochenta.

Open Your Heart es también el disco más accesible y melódico de una banda que, eso sí, no rebaja la velocidad ni un pelo. Con la incorporación del batería Rich Samis (hasta ahora, Perro y Chiericozzi compartían esa labor) hay más espacio para las guitarras dobladas y los juegos entre ellas.

Spacemen 3 por aquí (’Country Song‘) y por allá (’Presence‘), los Wipers y Sonic Youth (’Ex-Dreams‘), los Telescopes (’Cube‘)… El rock de guitarras que lleva siendo necesario desde 1983. O siempre, ya que estamos: Neu!, Silver Apples. La madre del cordero, hasta el infinito y más allá.

Porque, ojo, a pesar de todo, ya hay espacio para lo que vendrá después: en Open Your Heart The Men se lanzan a citar a los Rolling Stones y a MC5 y todo parece normal, porque es ahí donde tienen que estar, en canciones como las que recorren Open Your Heart. No comparto el entusiasmo de Mohorte con este disco hasta donde él lo lleva, pero tampoco eso que dice Black Gallego de que estos The Men son en realidad The MEH.

Crítica en Hipersónica | The Men – Open Your Heart: ahora somos unos viejos, pero un día fuimos así de jóvenes

The Men – New Moon (2013)

Lo mejor de New Moon son The Men. Sus ganas de tomar el pelo. Su manía de no quedarse quietos. Su necesidad de timarse a ellos mismos. Agarran el country-rock y lo ponen en country-garage, a ratos cowpunk y en otros momentos como si alguien les hubiese prestado un disco de Neil Young y una piscina llena de cerveza.

Lo fácil hubiera sido quedarse en otro Open Your Heart: fácil, aburrido y poco sincero, al menos para ellos. A ellos lo que les encaja es cogerse la imaginería country, mimetizarse con los Crazy Horse y tratar de tocar como ellos cuando sólo eres a) un chaval, b) un borracho, c) un copiota, d) un tío con más talento del que dices tener.

Meat Puppets, The Gun Club, también retazos de Big Star, ellos dicen incluso que Bob Dylan. Qué más da: lo han petado.

Crítica en Hipersónica | The Men – New Moon: abrieron las puertas de su corazón y se coló el country

Decir Acuarela es hablar de uno de los nombres fundamentales del indie español desde los 90. El sello de Jesús Llorente, que ha sido responsable de la edición de algunos de los discos fundamentales de la música nacional desde los 90, cumple ahora 20 años. A lo largo de 2013 lo va a celebrar con un buen número de eventos que dan comienzo el próximo 11 de mayo en la sala Siroco. Allí, a las 21.30, Manu Ferrón, El Faro y A Veces Ciclón, tres de los nuevos fichajes del sello, se encargarán de dar el pistoletazo de salida.

Antes de que lleguen las celebraciones, le propusimos a Jesús Llorente un juego: nosotros elegíamos 20 canciones de la historia del sello, una por cada año, y él nos decía qué opinaba sobre ellas, o sobre los grupos que las crearon… o sobre cómo era Acuarela entonces. Recordad que hace cinco años ya repasamos cuáles eran los 15 discos más importantes de la historia del sello.

1993: Sr. Chinarro – En el Panal (Pequeño Circo)

El flechazo y posterior enamoramiento (al escuchar la primera maqueta de Sr. Chinarro) alcanzó categoría de amor incondicional con “En El Panal”. Si hoy estoy escribiendo esto y me enfrento a dos décadas de canciones es gracias a Antonio Luque, probablemente la persona, de largo, que más me ha hecho reír y llorar en toda mi vida sin llegar a romperme el corazón. – Jesús Llorente

1994: Medication – Greenhouse (EP)

Ruido del bueno. Ruido en la onda de Loop o Spacemen3, el ruido del síndrome de abstinencia tras el colocón, ruido circular, noise que no llegaba a ser shoegazer, ruido muy del norte, ruido frío, ruido alemán, ruido pre-post-rock. Ruido que estuvo a la altura durante sus dos únicos singles. Y luego, el inevitable subidón del bajón.

1995: Beef – X (Tongues)

El primer grupo que fichó por Acuarela habiendo pertenecido antes a otra discográfica, y el primero que se marchó cuando vivimos nuestra primera mini-crisis, todo vivido desde una aplastante normalidad. El talento de David Rodríguez para hacer mucho con poco, y al mismo tiempo concretar lo que parece una vorágine (de sonidos, de estímulos) es admirable.

1996: Paperhouse – El Soldado (Adiós)

Empezar así el único álbum de Paperhouse tiene mucha valentía. Y estremece. Todavía lo hace. Este tipo de slowcore iba más allá de lo que se estilaba entonces, y tenía ya influencias brasileñas e italianas, que luego derivarían en Nacho Umbert. De momento, aires a Low, a Codeine, sí, pero también bossa, y la canción perfecta para empezar un mixtape y mandárselo a alguien con quien hayas roto y que todavía te duela.

1997: Sr. Chinarro – Tu casa o la mía (El porqué de mis peinados)

“Agua viva en el lavabo / Déjame ver en el cuarto de tus padres (…) ahora que somos vecinos”. Sr. Chinarro podrían estar en la canción escogida para cada uno de estos sucesivos años, hasta el 2003, y tendría sentido. Vergüenza siento al recordar que por entonces (también con “Sal De la Tarta” de Compito) me daba apuro que alguien mencionase que sonaba a unos El Último de la Fila indies, o que cantar con acento andaluz resultaba raro. Pecadillos de juventud.

1998: Migala – Gurb Song

Una letra de la que me siento muy orgulloso (n.e: el propio Jesús Llorente firma la letra de esta canción de Migala). Mantiene toda su verdad, no ha envejecido nada, y la historia merece un cómic, o un cortometraje, y es posible que llegue a tenerlo el año que viene. Me hace pensar que he cambiado poco desde entonces, para bien o para mal. Para bien Y para mal. Para mí fue un orgullo que quisieran grabarla, Migala son el grupo en el que yo hubiera querido estar de tener alguna habilidad musical. Como curiosidad, Jamie Stewart de Xiu Xiu recitó el texto en un concierto con Migala en Huelva. Fue escalofriante.

1999: Hefner – Karen (The Hefner Heart)

Otro motivo de orgullo, trabajar con Darren Hayman, y hacerlo con Hefner en su mejor momento creativo. Este EP ha sido junto a uno de The Decemberists de lo más vendido en toda la historia del sello. Y esta canción me hace pensar que hay un hilo conductor en Acuarela en lo que se refiere a cierto pop inglés: Hefner- The Wave Pictures- Tigercats. Cierta coherencia por los años de los años.

2000: Flow – Te Quiero (Sensazione)

¡Qué mal se nos ha dado el pop en Acuarela! Bueno, no del todo, y depende de qué estemos hablando. Publicamos el primer Ep de Astrud, y un poco antes, el 7” de debut de los escoceses BIS. Ambos pasaron fugazmente por Acuarela. El caso de Flow fue diferente. Creo que “Sensazione” era un disco enorme, con grandes estribillos y canciones notables. Echamos el resto con la promoción, pero a pesar de telonear a Los Planetas, de reseñas positivas y buena cobertura mediática… aquello no cuajó. Y este era uno de los mejores temas de aquél elepé.

2001: Greg Weeks – The Waves (Acuarela Songs)

¿Una canción o una oración? ¿Dos canciones en una misma canción? El primer volumen de Acuarela Songs es quizás la mejor de todas las recopilaciones que hemos publicado, y este tema –con una producción parecida a la que luego destacaría en el segundo álbum de Aroah, The last Laugh- son 6 minutos de barroquismo pop desarmante.

2002: Mus – Al oeste de la divisoria (Mus)

Mus son una banda a reivindicar –y La Jr, que podrían estar en esta lista perfectamente- desde el primer tema de su primer EP hasta la última canción del último disco. Y “Al Oeste de la Divisoria“ es lo epítome de su sonido: lánguido, hiriente, perfecto para esos momentos en los que te das cuenta de que quieres a alguien que no tienes a tu lado. Y empiezas a hacer planes para que deje de estar lejos.

2003: Úrsula – Siempre vas a disfrutar mucho con Acuarela (Acuarela Songs 2)

El grupo de David Cordero siempre ha estado muy cercano a Acuarela, y por una u otra razón no ha formado parte del sello, por indecisión mía, por mejores opciones suyas, por dudas (quizá innecesarias). En esta canción nos dieron, a su modo, las gracias, sampleando muchas canciones de nuestro catálogo, en un recorrido emocional que tiene mucho de Arab Strap y de una ingenuidad que me hace sentir bien.

2004: Migala – Lecciones De Vuelo Con Mathias Rust (La Increíble aventura)

Cuando veo el videoclip de esta misma canción, que acompaña a la edición de CD+DVD del último álbum de Migala, se me pone un nudo en el estómago. Ya lo hace la canción en sí, con sus muchos meandros y afluentes de ruido y melodía, pero verles a ellos en el estudio de Paco Loco, en una especie de síntesis de su relación de amistad y como músicos… puede conmigo. Rubén, Abel, Kieran, Rodrigo, Abel, Coque, Diego, Nacho. Siempre imagino que fue la última vez que hubo camaradería, compañerismo y cercanía entre todos. Entre todos nosotros.

2005: What The Fuck Am I Doing In This Battlefield? – Matt Elliot (Drinking Songs)

Matt Elliott es sin duda una de las personas clave en la historia del sello, y por motivos tanto personales como profesionales. Con títulos como este se ha ganado buena fama de persona tan comprometida como pesimista y depresiva. Pero la realidad tiene más capas que el guardarropa de El Zorro, y donde otros ven decadencia yo veo romanticismo. Absentismo. De Absenta.

2006: Manta Ray – Por qué evadirse a otros mundos aún más pequeños (Torres de electricidad)

Publicamos los dos últimos discos de los asturianos, donde grabaron sus temas más enrevesados y –dicen- difíciles. Este es probablemente mi favorito de este periodo final de su carrera, una especie de mezcla de CAN, Afghan Whigs y Fugazi: “todo el mundo contra la pared / todo el mundo quieto y sin hablar“. Me emociona cada vez que la escucho.

2007: Portastatic – Sour Shores (Be Still Please)

“There’s a place where even the old and used can hide / Until the light spills out of the open door / And you feel young again at the offer of a ride“. Por alguna razón esta canción me hace pensar en olas y en mar, bodysurfing y coronitas. Y cuando termina siempre me acuerdo de la mirada de ni abuelo cuando yo llegaba a casa después de un día de playa.

2008: The Clientele – George Says He Has Lost His Way In This World (That Night, A Forest Grew)

Por alguna razón que se me escapa The Clientele solo han alcanzado cierta popularidad en Alemania, Japón y los USA (en este caso, enorme popularidad), y nuestros intentos por abrir brecha en España mediante singles y numerosas giras no han producido resultados visibles. The Clientele tienen personalidad, elegancia a raudales y un sonido característico. Como en esta canción de pop brumoso y espectral. Es jodido dar siempre lo mejor de ti y que los demás no se den cuenta.

2009: Nacho Umbert – Colorete y Quitasueño (Ay)

O cómo hacerte un sitio por derecho propio entre los otros grandes letristas de pop en castellano –Alfaro, Vegas, Luque, Jota, sin olvidarnos de Manolo de Astrud- con un primer disco y una capacidad narrativa envidiable. Sencillez en las formas, dominio de la palabra (casi recitada), guiños al oyente y humor privado (pero del que no nos priva en absoluto). Nacho me parece un poeta muy hábil y me siento orgulloso de haber publicado sus dos primeros trabajos en solitario.

2010: Za! – Polígamo industrial (Macumba o muerte)

Quizás debería limitarme a recordar este texto que escribí sobre Za! hace ya tiempo, bastante premonitorio. Pero añadiré que nunca entendí a Za!, no les entiendo ni les entenderé nunca. Me encantan, de forma epidérmica y visceral, pero he renunciado a analizar canciones como esta.

2011: The Wave Pictures – I Just Want To Be Your Friend (Susan Rode The Cyclone)

De The Wave Pictures me gustan todas sus canciones. Y todos los conciertos suyos a los que he asistido tienen algo especial. Me entusiasma esa mezcla de pop-folk callejero con letras aparentemente simples, pero que en realidad son más elaboradas de lo que parece. Y David canta aquí como una especie de Tom Verlaine adolescente. Sin ellos yo tampoco estaría escribiendo esto ahora. Me salvaron la vida. Digámoslo así.

2012: Darren Hayman – Winter Makes You Want Me More (Essex Arms)

Otra figura clave para entender Acuarela. De una capacidad compositiva que supera discográficas y la lógica de la industria musical (la de antes y la de ahora). Darren es uno de los mejores letristas vivos en inglés, capaz de manejarse con maestría en diversos géneros y formatos, un camaleón que solo muestra su verdadero color cuando se mira al espejo.

Ya hemos oído esa ‘Alien Days‘ que MGMT nos dejaron para el Record Store Day, pero ahora el grupo prepara más sorpresas en ese camino que les llevará hasta la publicación de su nuevo disco. De momento, tendremos otro mini-lanzamiento con un single de siete pulgadas compartido a tres bandas por ellos mismos, Spacemen 3 y Spectrum y que editarán The Great Pop Supplement.

La nueva canción de MGMT se lanzará como cara b de ese single y se llamará ‘Something To Do With Prince’. En la cara A, habrá un descarte de Spectrum de las sesiones de Soul Kiss (1992) llamado ‘Bo’s Web’ y una demo instrumental de ‘Why Couldn’t I See?‘, del Recurring de Spacemen 3.

El propio Peter Kember/Sonic Boom (que ya produjo el espectacular Congratulations) es el encargado de hacer la portada de este single cuya edición se ha limitado a 1.000 copias.