La primera mitad del año deja ya discos y canciones para el recuerdo, así que ha llegado ya el momento de hacer recuento y que no nos perdamos entre tanto grupo y tanto lanzamiento nuevo. Las cosas van demasiado rápido, pero hay ya material como para que nos dure años y años.

Comenzamos hoy, en Hipersónica, un repaso en el que, durante una semana, cada uno de los editores dejará constancia de sus preferencias, de lo que más nos está gustando de este año.

Por mi parte, esta es la música que yo recordaré durante mucho tiempo. Éstos son algunos de los discos que más me han enganchado de estos primeros seis meses del año. ¿Y los vuestros?

Airbag – Alto Disco

El mejor pop acelerado en español lo cantan ellos. Letras sobre el verano del (des)amor, sobre ser joven y un punto friki, sobre ir a festivales jodido porque has discutido con la novia, sobre aquella vez que esperabas tenerlo todo y no tuviste nada. Airbag recogen la herencia de los Ramones y de algunos de los mejores grupos de powerpop en español y le dan vigor. Además, clavan himnos a punta pala.

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Charades – En ningún lugar

Paso de gigante para el grupo barcelonés. De estar situadas junto a tantas y tantas bandas de pop con guitarras, las Charades dejan diez canciones en apenas media hora y sin más complicación que la de haber conseguido quedarse cerca, muy cerca, de la canción perfecta. Como esto es un imposible, pero una idea obligatoria en el pop, En ningún lugar es disfrutable al cien por cien.

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Joe Crepúsculo – Escuela de Zebras

El Animalitos de este año. Joe Crepúsculo, miembro de Tarántula y, como éstos, defensor de la música en descarga gratuita, se lanza a la aventura de componer en solitario y deja el disco más extraño del año. Parece una broma y a ratos lo es, pero también tiene cargas de profundidad de sobra, muy en serio. Entre boutades y frases desarmantes, Joe deja canciones de alto nivel y arreglos imprevisibles. Lo dicho: más raro que el perro de verde de Hidrogenesse, aunque afrontando la música desde otra perspectiva a la de los Austrohúngaros.

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Los Punsetes

El mal rollo personificado. Guitarras frenéticas, de entre finales de los 80 y principios 90, para dar forma al grupo con mejor actitud. ¿Qué hacer cuando te miras en el abismo del mundo moderno y éste te devuelve la mirada? Pues escuchar a Los Punsetes mientras te tomas una copa. Y luego ir a verles en directo, para que te convenzan definitivamente. Oye: ¿tengo yo pinta de tarao?

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Varios – Papagayo!

Recopilación fabulosa, que ni siquiera sé si se ha editado en 2008, pero que a mí me ha llegado este año. Así que, libre de cualquier atadura del calendario, el paseo por el sunshine pop español de los 70 es una obra de orfebrería hecha por gente con mucha afición (que no es lo mismo que aficionados). Es hora de abrir las orejas y salir de los grupos que la crítica siempre cita en sus listas: gracias a Papagayo uno descubre que hay mucha tela que cortar en nuestro pasado menos reciente. España también fue de pop luminoso, incluso en épocas de grises.

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Boris – Smile

Recomendar este disco es algo que no quiero hacer. Porque es casi como incitar a tomar una droga terriblemente adictiva. Boris se marcan uno de los discos más brutos del año: en su batidora caben la psicodelia, el hard-rock de los 70, el metal y todo lo que se les ponga por delante. Ya lo dice un amigo: lo bueno y lo malo de los japoneses es que no pueden dejar de ser japoneses. Y pese a parecer una tontería, tiene mucho sentido.

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Fleet Foxes – Sun Giant EP

Para los que andan necesitados de otra dosis de Band of Horses o My Morning Jacket, ahora que ambas bandas han abdicado en no sé sabe bien qué (I). En cinco canciones, Fleet Foxes se revelan como una de las promesas del folk-rock norteamericano. No hay que añadir nada más, porque su encanto se resume en unas pocas líneas, en unos pocos temas.

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Destroyer – Trouble In Dreams

Dan Bejar es un tipo empeñado en meter demasiadas palabras en sus canciones. Pero, al contrario que lo que les ocurre a otros, eso todavía no ha conseguido ahogar la belleza de unos temas donde el glam y David Bowie siguen estando omnipresentes. Hoy en día, cuando mirar más atrás de Joy Division parece pecado, se agradece que Destroyer se ponga ese traje. Y con canciones como ‘Foam Hands’ o ‘My Favourite Year’, ¿cómo no íbamos a dar gracias también?

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Grand Archives

Para los que andan necesitados de otra dosis de Band of Horses o My Morning Jacket, ahora que ambas bandas han abdicado en no sé sabe bien qué (II). La huida hacia delante de Matt Brooke, que dejó la banda de los caballos en busca de nuevos proyectos, no ha podido salir mejor. Muy Byrds y un poco Beach Boys, el debut de Grand Archives es el disco mejor secuenciado del año: pese a no dar nada nuevo, nunca cansa. Y tal y como están colocadas sus canciones, te obliga a poner los cinco sentidos y a no perder la capacidad de sorpresa. Una joyita.

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Saioa – Matrisoka Heart

La magia de los discos que, tras una primera escucha, ya están llenos de recuerdos. Una obra enorme de folk, donde lo vasco y lo estadounidense se dan la mano, con la voz dolorida y rota de Saioa (nuestra Thalia Zedek) guiando el recorrido. Aunque lo parezca, éste no es un disco para lamerse las heridas, sino para salir a la calle y buscar maneras de cerrarlas. Y si no se encuentran, volver a las 3 a.m. con los fantasmas revoloteando.

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Los Campesinos! – Hold on Now, Youngster

Una obra de jovenzuelos para jovencitos. O eso dice el título, aunque uno, al borde de la treintena, se sienta adolescente cada ves que se pone el disco. Sobrecargado, rimbombante, a veces hasta cargantes (esas voces, esos chillos), el debut largo de Los Campesinos! tiene muchos defectos que se transforman en virtudes. A mí me cambió cuando lo escuché, a todo trapo, en mi coche. Ahí comprendí que la adrenalina de Hold on Now, Youngster tiene que salir a todo volumen.

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Silver Jews – Lookout Mountain, Lookout Sea

David Berman es un crack y ahora que parece haberse estabilizado, sus discos suenan a más gloria de lo que antes lo hacían. En Lookout Mountain, Lookout Sea hay más pop que en toda su carera, suena casi más optimista que su disco anterior y, además, no le da miedo volver a arrimarse al country para firmar maravillas como ‘Suffering Jukebox’. Una extraña victoria vestida de derrota.

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No Age –Nouns

Continuando lo emprendido en su Weirdo Rippers, el dúo troglodita de Los Ángeles se ha empeñado en conseguir que el ruido de los 90 pueda revisitarse sin necesidad de controlarlo. Y eso que en directo les pierde (al menos, en el Primavera Sound lo hizo), en disco lo hacen de maravilla, demostrando que tienen virtudes para la melodía, pero también para el feedback metido porque sí. Son un par de torpes, pero lo han vuelto a hacer.

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The Mountain Goats – Heretic Pride

Premio al disco modesto del año. Justo cuando parecía que todos esperaban de The Mountain Goats una obra grandilocuente que (al parecer) justificase el hype, John Darnielle y sus colegas no se han vuelto locos y han entregado otro buen disco de folk-pop, con letras punzantes, algún que otro estribillo pegajoso y mucha emoción en clave baja. Pero sin levantar la voz, que queda mejor.

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Vampire Weekend

Que sí, que sigue mereciendo la pena. Que después de todo lo que se ha hablado de ellos, resulta que su disco de debut tiene canciones por un tubo. Y un espíritu amateur que se le sale por los poros. Suena a punto de deshacerse, pero con atractivo melódico y ganchos aquí y allá. Venga, me creo el pop africano pijo que se han sacado de la manga.

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The Notwist – The Devil, You + Me

Recuerda: las buenas mentiras siempre ganan, dicen The Notwist. Pero en música esto no siempre se cumple y los alemanes, que lo saben, han decidido no fingir. Cinco años con la banda parada, inmersos en mil proyectos, y va y vuelven para seguir casi donde lo dejaron. Como siguen teniendo temazos, yo no sólo no se lo reprocho, sino que alabo su necesidad de seguir siendo los mismos.

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Después de oír el disco de debut de Grand Archives, el grupo formado por Matt Brooke cuando abandonó Band Of Horses, no me cabe la menor duda: toda la magia de aquellos, que en el segundo disco parecía haberse diluido, se ha ido con él.

Porque Grand Archives firman un debut lleno de romanticismo, canciones con la piel desnuda y dispuestas a ser tu favorita del verano. Eso les ha ganado críticas bastantes duras. De hecho, la nota media de la mayoría de las publicaciones según Metacritic deja este disco al borde de bajar del 70. y eso, hoy en día, cuando se regalan por doquier estrellistas y sobresalientes, es casi un milagro.

Vamos, que la mayoría de los críticos que han escuchado a Grand Archives no los han entendido. Y volvemos a lo de siempre: uno de los grandes caballos de batalla de la crítica especializada (casi diría que uno de sus prejuicios más tópicos) es que del rock blando no pueden salir grandes discos ni grandes canciones.

Hace tres de años, parecía que eso iba a cambiar. Llegó gente como los Magic Numbers y reivindicaron una visión blandengue del pop y vencieron por KO. Cuando hay canciones, da igual que existan o no los riesgos, que suene muy radiofórmula o que hay hasta cierto punto un tono predecible en los discos.

Al debut de Grand Archives se le puden sacar tantos efectos como se quieran. Pero yo, cada vez que lo oigo, no puedo dejar de pensar en esa frase que cierto crítico que no recuerdo dedicó al debut de R.E.M. y que venía a decir que los ángeles estarían en el cielo tocando con Rcikenbackers estas canciones. En el primer disco de Grand Archives hay también mucho de celestial y de guitarras de doce cuerdas.

Perfectamente secuenciado, matizando las canciones débiles con las que vienen a continuación o las que las preceden, Gradn Archives es un disco que se empeña en enseñarte las virtudes por encima de los defectos. Es bonito y cuesta trabajo encontrar algo malo que decir de él. Como la mayoría de la crítica parece empeñada (en este disco, que no en todos) en buscarle los tres pies al gato yo prefiero decir que aquí ahí un buen puñado de canciones mágicas.

Algunas parecen joyas para disfrutar en la intimidad, otras son mucho más de concierto (y me chivan que sus directos son ¡la bomba!) y, finalmente, las hay válidas para todos los momentos. En cualquier caso, desde hace unos días, éste es el disco que más escuchan mis vecinos: siempre que me lo pongo, subo el volumen y, simplemente, me siento bien de ser feliz a ratos. Y con él sonando, siempre. Muy grande.

Escucha | Grand Archives en Imeem
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No es que sea un mal disco, pero el segundo de Wolf Parade, At Mount Zoomer, ni rompe ni rasga. Ni sorprende como el debut de la banda ni lleva tampoco un camino demasiado claro. Se queda a medio camino entre lo que fue Apologies to Queen Mary y lo que han sido los dos discos posteriores de Sunset Rubdown, el proyecto paralelo de Spencer Kraug, una de las cabezas pensantes del grupo, y el de Handsome Furs, de Dan Boeckner (la otra mitad pensante del grupo) .

Han necesitado tres años para continuar lo que su debut plasmó: canciones frenéticas, coros imposibles, voces esquizofrénicas y un sentimiento de épica indierock que daba gusto oír. Ahora, el factor sorpresa se ha perdido por completo y también, me temo, parte de la chispa de aquel magnífico primer disco. A At Mount Zoomer le faltan las canciones asidero que tenía Apologies to Queen Mary: esa ‘I´ll Believe in Anything’, esa ‘Fancy Claps’, esa ‘Dinner Bells’...

Todo en este segundo álbum es más predecible. La locura de ambos compositores nos la sabemos y sus canciones quebradizas imponen ahora menos respeto, aunque sigue habiendo momentos estelares: el comienzo del disco, con Soldier´s Grin, es fantástico; todo un puzzle de arranques y parones guitarreros que, además, seguido por la mucho más corriente aunque efectiva Call It Ritual (imeem) funciona a la perfección como puerta de entrada.

Sin embargo, poco a poco la brillantez inicial se va diluyendo en tramos de canciones más corrientes, en menos sobresaltos y en estribillos que no puedes cantar. Porque una de las virtudes de Apologies To Queen Mary fue que, entra tanta canción compuesta de 20 temas diferentes, siempre acababas cantando. Aparte de ‘Language City’, el pop de uso correinte casi ha desaparecido de su repertorio: ahora necesitan ser siempre los más enrevesados.

Además, Wolf Parade parecen mucho más cerebrales, menos épicos. A diferencia de Arcade Fire en Neon Bible, en vez de aumentar la fórmula, de hacerla más grande, ellos han optado porque la épica que utilizan esté hecha menos con el corazón que con la cabeza. Y eso termina por enfriar el conjunto, por hacerlo menos imprescindible.

Al final, prevalece la sensación de que el disco tiene muchas cosas por descubrir al oyente, pero que éste siempre acaba abrumado. A mí, todas las veces que lo escucho, At Mount Zoomer se me hace largo, agotador. Nunca llegó con fuerzas ni con ganas de afrontar los diez minutos finales de Kissing The Beehive en condiciones. Y siempre he tenido problemas con los discos que me dejan exhausto. Sinceramente, me esperaba más

Myspace | Wolf Parade
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R.E.M. necesitaron un año completo de desintoxicación para volver al mundo de la música. Obviamente, lo suyo no eran las drogas, sino la afición a dar giras extensas. La que sirvió para promocionar Green fue tremenda, larga y agotadora: cada concierto era un acontecimiento, como demuestra el estupendo docuumento visual recogido en Tour Film.

Así pues, Out of Time, su segundo disco con Warner, no llegó hasta 1991. Pero, cuando lo hizo, cambió sus vidas para siempre. Si Green les había convertido en un grupo masivo, su siguiente obra les convirtió en estrellas de ventas millonarias a lo largo de todo el planeta. Ellos, uno de los símbolos del undeground estadounidense de los 80, ya se codeaban con cualquier autoproclamado rey o príncipe del pop.

Para lograrlo, los de Athens editaron en Out of Time algunas de sus canciones con más gancho, pese a que el disco en sí diste mucho de ser sencillo o autocomplaciente. Sin embargo, la culpa de todo la tuvo una canción, ‘Losing My Religion’ (youtube), hito del pop desde el mismo momento de su edición.

Ese tema oscurece a todos los demás y supone, quizás, el punto culminante del grupo como escritores de pop clásico y profundamente conmovedor. Un vídeo perfecto, tan misterioros como la letra de la canción o la interpretación de Michael Stipe, fue el complemento ideal para arrasar en las listas. En unos pocos meses, Out of Time ya era top 5 de ventas en gran parte de los países del mundo.

Sin embargo, el disco es algo más que Losing My Religion. De hecho, Out of Time tiene un enfoque arriesgado plasmado en un sonido amable. Se trataba de hacer canciones para la radio, pero en tnatos estilos diferentes como canciones pudiera tener el álbum. Y R.E.M. le pegan a todo: al funk rapeado de ‘Radio Song’ (fantástico el discurso final de Krs-One), a la melancolía más dulce (‘Near Wild Heaven’, soft rock certero) o a las canciones complicadas y recitadas (‘Low’ – youtube – o ‘Belong’ son dos temas difíciles convertidos en momento pop).

Out Of Time supone, en cierta manera, el disco perfecto de pop para adultos. Tiene tanta carga nostálgica como momentos de puro disfrute descerebrado (‘Shiny Happy People’ – youtube -, con la tremenda Kate Pierson a las voces, es puro chicle pegajoso, una canción feliz porque sí).

Peter Buck confesaba en una entrevista a la revista Guitar School del año 1991, que el grupo no había considerado la posibilidad de tanto éxito:

No hay ninguna canción rockera, ni siquiera guitarras eléctricas. Éste es un disco basado en los arreglos de cuerdas. Pensábamos que era un buen álbum, pero no uno que vendiera mucho. Pero, entonces, en sólo diez días, vendió un millón en EEUU y pensamos: “Bueno, ahí está, eso demuestra cuánto conocemos el mercado”.

Para crear su disco más exitoso, R.E.M. tuvieron toda la libertad que quisieron. Se cambiaron instrumentos, probaron nuevas cosas. Buck lo explicaba así, en esa misma entrevista:

Por ejemplo, Bill salió mucho de detrás de la batería: tocó el bajo, la guitarra acústica o los bongos. Todo dependía del día y de qué tocase cada uno. (...) Fue divertido escapar del sonido de banda rockera después de tanto tiempo haciéndolo.

Esa obsesión por dejar de sonar a banda de rock, a loq ue había sido hasta (y especialmente en) Green, llevó a Peter Buck a coger la mandolina y eso a ‘Losing My Religion’.

Sin embargo, vuelvo atrás de nuevo. Como ya sabemos las muchas virtudes de la canción, como nos la sabemos de memoria, yo me quedó con otras dos del disco. La primera, la optimista y recargada ‘Texarkana’. Y la segunda, la brutal ‘Country Feedback’ (youtube), una balada donde las guitarras siempre me ponen los pelos de punta.

Ahí, en ambas, está la cumbre del cuarteto de Athens en este disco que, curiosamente, ahora algunos críticos parecen revisar en sentido negativo. Es imposible: por mucho que lo intenten, Out of Time tiene material de sobra como para defenderse ante cualquier acusación.

Más en Hipersónica | Especial R.E.M.: Chronic Town, Murmur, Reckoning, Fables of the Reconstruction (I), Fables of the Reconstruction (II), Life´s Rich Pageant, Document, Green (I), Green (II)

‘Alone Again Or’ contiene el que, posiblemente, sea uno de los arreglos de vientos y cuerdas que más grupos han homenajeado-imitado-copiado-contextualizado a lo largo de la historia del pop. Además, es una de las canciones de apertura más impresionante que yo haya visto, una de ésas que te obliga, por narices, a estar pegado al resto del disco y, luego, volver a empezar.

Grabada en 1967, ‘Alone Again Or’ encabeza Forever Changes, el disco con el que Love radiografiaron el final del sueño hippie. Aquel mito del amor libre y de la paz en el mundo empezaba a hacerse pedazos. Inconscientemente, este tema es irónico no sólo en su texto, sino también en cómo y por qué fue grabado.

Pese a que Arthur Lee era el líder del grupo, de una banda que, supuestamente, debería haber sido tan grande como los Doors, Alone Again Or la compuso Bryan MacLean, segundo de a bordo, inspirada en algo tan simple como una larga noche de espera a una de sus novias. Maclean la quiso incluir en 1965 en el debut de la banda, pero no llegó a dejarla terminada.

Yeah, said it’s all right
I won’t forget
All the times I’ve waited patiently for you
And you’ll do just what you choose to do
And I will be alone again tonight my dear

Sin embargo, dos años después, apenas unos meses más tarde de que Love editaran Da Capo (otro grandísimo disco), Maclean concluyó la tarea pendiente. Y todos vieron que aquella melodía dulce, bellísima, que enmarcaba una letra muy amarga, era la ideal para encabezar su nuevo disco, Forever Changes, en el que, precisamente, el grupo hablaba con un pesimismo brutal de todos los ideales del verano del amor. El título se lo cambió Arthur Lee. De repente, de un simple “sólo otra vez” la canción había pasado a una misteriosa frase que nunca concluiría.

‘Alone Again Or’ no es una canción de amor, aunque lo parezca y aunque contenga frases como “ya sabes que podría enamorarme de casi todo el mundo”. Ni siquiera el dulce arreglo de tonos mexicanos que llegó a la canción cortesía del productor (y que creó tanta escuela) suena amable después de leer la letra. La melancolía lo empaña todo.

Arthur Lee buscaba algo parecido. Después de oír Pet Sounds, quiso capturar un sentimiento similar. Si el disco de los Beach Boys fue el del final de la inocencia sentimental, el de la entrada de los alegres chicos de la playa en una madurez mal asumida, Forever Changes fue el que destapó las caretas: detrás de las flores y el amor de San Francisco había pérdida, esquizofrenia y gente como Charles Manson.

Pero, pese a todo, la canción, en el estudio, les seguía quedando demasiado dulce. La voz de Bryan MacLean no lograba recoger todo lo que Lee quería decir y, entonces, en un arranque de inspiración, Lee decidió que metería una segunda voz acompañando durante toda la melodía el fraseo de su compañero. De esa decisión nace un trenzado vocal arrebatador, tembloroso y cargado de tristeza.

‘Alone Again Or’ llegó por muy poco a entrar entre los cien singles más vendidos de 1968, cuando fue editada como single, pero su puente de guitarra española y trompetas ha hecho escuela. Y sigue siendo fresco y maravilloso.

Vídeo | Youtube
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Envuelto en un precioso diseño de una muñeca rusa, Matrioska Heart, segundo disco de la cantautora vasca Saioa, vuelve a colocar el listón muy alto. Dueña de una voz dolorida que recuerda a la de Thalia Zedek , los 60 minutos del segundo disco de Saioa demuestran lo que su debut ya había dejado bien claro: que en pleno florecimiento de la música folk con voz femenina al frente, ella tiene un espacio propio.

Por un lado, su registro vocal limita con la ex-Come, por el otro se mira en el espejo de Anari. No es ninguna de ellas, aunque maneja, como ambas, los recursos del minimalismo: una guitarra que suena desierto, un slide, un armónica muy de vez en cuando, incluso un acordeón. Punto y final: eso basta y sobra para emocionar y puntuar con sobresaliente.

He dicho sobresaliente y no me arrepiento: aquí está uno de los discos que más me está emocionando de este año. Me tiene cogido por el cuello, acongojado, desde que me lo puse hace dos semanas. No quiero jugar demasiado con el símil de la muñeca rusa, aunque el diseño me lo pone fácil. Pero es que, aquí, a medida que vas sacando y sacando muñecas, el resultado final se hace más y más grande.

‘Hey River’, que abre el disco, pone las cosas bien claras nada más empezar. En Matrioska Heart nos vamos a encontrar la desazón dulce (o no tanto) de Leonard Cohen, el tembleque pelín ebrio de Matt Elliot, los experimentos folk-blues de los grupos indie que mejor supieron hacerlos (de nuevo, Come) y un buen puñado de cosas más, todas ellas magníficas.

Según escucho a Saioa en estas noches de verano, me vienen a la cabeza muchas cosas gratas (o tristes, pero de esa tristeza con la que se disfruta): el recuerdo gozoso de las fiestas de los pueblos (‘Trapezioan’ – imeem – es la canción que me gustaría oír este verano, después de comer, cuando los petardos callan y todos duermen la siesta); la gente que he ido dejando atrás y que no voy a recuperar (grande, muy grande, cómo juegan acordeón y voz a lo Chan Marshall en ‘Like If We Don´t Care’); la primera canción que escuché de Neil Young; el día en que me di cuenta de que Low se habían convertido en uno de mis grupos favoritos; cervezas y risas en la playa…

Y aún sí, a pesar de que este disco ya se ha llenado con muchas partes de mi vida, sé que cuando me lo ponga en otoño aparecerán otras imágenes y en invierno, otras aún más distintas. ¿No es eso, precisamente, lo que hacen los mejores discos, nuestros favoritos? ¿No reside la magia de la música en ese poder para hablar de cada uno de nosotros con las palabras de otros?

En Matrioska Heart están, además de los ya citados Migala, Mark Lanegan, Cat Power, Nirvana... Y, sobre todo, está uno de los mejores discos del año en el panorama nacional. Todos los amantes del folk deberían echarle un ojo.

Discográfica | Moonpalace
Escucha | Is it possible – Saioa (mp3)

Víctimas de ese síndrome del segundo disco que ha afectado a casi todas las bandas inglesas de la década, The Futureheads echaron a perder en News & Tributes gran parte del factor diferencial que les puso un peldaño por encima de sus contemporáneos con su debut. Ellos, que eran frenéticos, mecánicos y fantásticos, dejaron de ser la mejor banda de la nueva ola post-punk para transformarse en un simple grupo de rock.

Aquel fue un batacazo en toda regla, así que This Is Not The World sólo podía o mejorar las sensaciones o finiquitar al grupo. y hace lo primero, aunque tampoco sea un disco como para echar cohetes. La mejor definición de ellos se la leí al Village Voice y decía que habían cogido de los Ramones esa idea de que las canciones deben ser cortas, como la vida, y de los XTC esa otra de que deben ser complicadas, también como la vida.

Ahora, sus canciones siguen siendo cortas, ya no tan complicadas, pero, sobre todo, no parecen tan jóvenes como antes y para lo que en su día sólo necesitaron inspiración, ahora deben echar mano de mucho esfuerzo. Y se nota.

Ellos, que debían haber llevado sin problema la antorcha que se les dio a Franz Ferdinand y a Bloc Party, cometieron como éstos el error de sacar un segundo disco plomizo y ahora tratan de levantarlo volviendo a la esencia. Pero, en busca de la intensidad perdida (que se encuentra de nuevo gracias a la crudeza de la producción), los ramalazos nuevaoleros sólo se quedan en la cabeza en determinados momentos. Hay fuerza y falta chicle.

Ambas cosas estaban en los primerizos Futureheads, siempre y en todo momento. Ahora, viven separadas y sólo se juntan en determinados tramos del disco.

El prime single extraído del disco, ‘The Beginning of the Twist’ (youtube), sirve de ejemplo perfecto: no llega en un primer momento, no mata y sólo acaba venciendo después de muchos asaltos. Pero, lo siento mucho, los discos de los Futureheads han de estar hechos para noquearte con el primer golpe.

Lo mejor que tiene el disco es que el grupo parece ir volviendo a la senda correcta. Se han dado cuenta del error y rehacen el camino para volver a hacer cosas grandes. Y aunque cosas tan horribles (y tópicas) como Hard to Bear les devuelvan de nuevo al infierno, al menos, en sus cabezas vuelve a haber futuro. Ahora bien, como tarde mucho en llegar, ya no habrá nadie esperándoles.

Más en Hipersónica | The Futureheads

Les ha costado Dios y ayuda. Hemos llegado a sufrir por ver cómo, siempre, en el último momento, aparecía una canción nueva que acababa con las esperanzas de Los Campesinos! de llegar al primer puesto del Top Hipersónico. Parecían condenados a ser el eterno segundón, los Raymond Poulidor de nuestra lista. Pero, justo cuando parecía que ‘My Year in Lists’ empezaba a desinflarse, un nuevo estirón les ha puesto en lo más alto.

Los Campesinos! son nuestros favoritos para esta próxima semana. Son, también uno de los grupos ideales para recibir el verano, para poner a todo trapo de camino a los festivales, para bailar en la playa. Guitarras frenéticas, voces entre lo cándido y lo taladrante y letras de órdago. Todo ello servido con muchísimo descaro.

Casi han hecho honor al título de su canción, casi se pasan un año en la lista. Bueno, exagero, pero llevan desde que inauguramos el Top Hipersónico y siempre en posiciones altas. Así que ahora, cuando por fin han conseguido ser los primeros de la clase, casi que gusta más la canción.

¿Será que se acerca el Summercase y Los Campesinos! son uno de esos atractivos que salen en nombre pequeño? ¿Cómo sonará ‘My Year In Lists’ (youtube) en directo? ¿Controlarán su música o se les escapará tanta emoción?

En cualquier caso, la novedad más fuerte de la semana es la de The Gutter Twins. Mark Lanegan y Greg Dulli han firmado un buen disco y una canción magnífica, impresionante, que por momentos corta el aliento: ‘Idle Hands’ es uno de los temas rockeros del año, aunque en Saturnalia les cuesta conseguir repetirlo.

Y en el tercer puesto del top repiten Weezer, que también se han estabilizado ahí, con una canción con gancho y un vídeo fabuloso. Por poco desplazan a The Cure del top 3, aunque Robert Smith está empeñado en sacar singles buenos y quién sabe si un día de éstos no repetirá en lo más alto con otra canción de su nuevo disco. Pero veamos el resto del top.

Esta semana nos dejan tres de las novedades que propusimos (Alpha Blondy, Jose James y María Mena), uno de nuestros números uno (a Presidentese les ha acabado el fuelle demasiado rápido) y The Lodger, cuyos ‘Good Old Times’ siguen sonando a gloria pero ya llevaban varias semanas coqueteando con el adiós.

A cambio, os proponemos cinco entradas muy golosas. Por ejemplo, la de Madonna junto a Kayne West, con ‘Beat Goes On’. También Speedmarket Avenue, que tienen encantado a mi compañero Andrés Milleiro. Portishead logran meter una segunda canción en lista con ‘The Rip’. The Ting Tings presentan ‘That´s Not My Name’ y Los Punsetes nos muestran sus ‘Dos Policías’.

Me entran sudores fríos, porque acabo de poner a cargar en youtube el vídeo de ‘El venao’. Y no es que le tenga miedo porque la canción sea un horror, sino porque implica volver atrás más de diez años, trece en concreto, y recordar uno de esos placeres culpables de la adolescencia.

Porque sí, ‘El venao’ es una de esas tonadillas de tipo taladro que acaban triunfando por no sé qué tipo de alineación cósmica. Vamos, que si lo piensas, es mala hasta rabiar. Pero, ay, salió en verano y las fiestas patronales de los pueblos, donde yo vivo, tienen mucho peligro: tienes que aguantar toda la noche despierto para luego poder coger el autobús de vuelta a casa. y eso implica que acabarás oyendo canciones como El Venao (o la también tremendísima El tiburón, de Proyecto Uno) cuatro o cinco veces por noche. Y, al final, las acabas disfrutando

Pero, que conste, yo no he escrito nada de eso ni vosotros lo habéis leído. Son rumores, son rumores.

El Venao arrasó en 1996, casi un año después de ser publicada. La tocaron todas las orquestas de los pueblos, no sólo de España, sino de casi toda Latinoamérica. Fue tal su capacidad de seducción que llegó a provocar discos enteros de versiones de la canción.

La “obra maestra” fue de Los Cantantes, un grupo liderado por el dominicano Ramón Orlando que, como tantos, acabó siendo víctima de su propio éxito. De hecho, el combo intentó repetir el éxito con otra canción de analogía animal, llamada El chivo. Fue un fracaso absoluto, claro. Y es que no es fácil dar dos veces en el clavo.

El Venao narra la historia de un cornudo, un pobre hombre que sospecha que su mujer se la pega con todos. Alguien que, encima, debe soportar las burlas de los demás.

Ay,mujer,la gente está diciendo por ahí
que yo soy un venao,soy un venao
que estoy amarrao, estoy amarrao,
ay, mujer,dime que eso es un cuento, por favor,
que no soy un venao, no soy un venao
y que sigo pegao, sigo pegao

El tema es pachanga pura: casi más hablado que cantado, con los típicos “teclados-trompetilla” (fundamental si uno quiere triunfar siendo latino) y con unos coros demenciales, que imitaban a los que se reían del protagonista de la canción. Como no estaba en español neutro, cada uno en los pueblos de España la acabó cantando a su manera. Creo que casi nadie decía “tiguere”, ni cosas así. Lo bueno de las canciones del verano es que, aunque les cambies un poco la letra, siguen teniendo su gancho.

Que cuando fui a Puerto Rico estabas llena de chichones,
no hagas caso,esa jugada,son rumores,son rumores
y que un tiguere te vio andando en los callejones
no hagas caso,esa jugada,son rumores,son rumores,
que cuando fui a Nueva York tenía amantes por montones,
no hagas caso,esa jugada,son rumores,son rumores,
y que de botellas vacías estaban llenos los rincones,
no hagas caso,esa jugada,son rumores,son rumores.

Y luego estaba el estribillo, una cosa absolutamente inenarrable: pegajoso como una lapa, e igual de molesto que una sanguijuela. Lo más común era ver a la gente vociferándolo y demostrando que sí, estaban de fiesta, y sí, llevaban más copas de las recomendables.

Y que no me digan en la esquina
el venao,el venao
que eso a mi me mortifica,
el venao,el venao
que no me abucheen en la esquina
el venao,el venao
que eso,mira,a mi me mortifica
el venao,el venao.

Dice la leyenda (pues hasta las canciones del verano tienen leyenda), que en algunos pueblos de Centroamérica el tema llegó a provocar el suicidio de varios hombres. Y no por malo, no: se ve que otros utilizaban el temita para burlarse de las infidelidades de sus mujeres. Por aquí yo nunca he sabido de nada parecido. Pero, de vez en cuando, al enterarme de alguien a quien le han puesto los cuernos, aparece en mente el dichoso venao.

¿Qué hizo de algo como El Venao un éxito? Nunca lo sabremos. Sin duda, tenía gancho para todas las edades: daba gusto ver a las abuelas meterse con sus maridos y gritarles “el venao, el venao”. Permitía, además, que en pleno alarde de amistad alcohólica, la gente se agarrase por los hombros y berreara (sí, como auténticos venaos) mientras no paraba de dar vueltas. tenía, en el fondo, el sonido descerebrado y machacón y las letras tontainas que deben tener las canciones del verano. Y sí, da algo de vergüenza oírla ahora, pero sólo porque un día la bailamos, la disfrutamos.

¿Sí? ¿Lo hicimos de verdad? ¿Llegamos a pasarlo bien con ‘El venao’? Son rumores, son rumores.

Vídeo | Youtube
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La última jornada del Sónar 2008 presenta más propuestas acordes al espíritu inicial del festival que el resto de días de conciertos. Electrónica pura y muy poco pop, pero ojo, que el que hay es de órdago. A Barcelona llegan, entre otros, Yazoo, padres de tantos grupos de pop con sintetizadores.

Esta es una pequeña guía de recomendaciones para apurar hasta el último sorbo el Sónar. Hoy, en cualquier caso, es un día ideal para probar cosas nuevas y salirse de cualquier guión establecido.

Camping

Menos apegados que antes a las subidas y bajadas que Mogwai establecieron como norma de estilo, Camping han ganado en Politics of Love, su tercer trabajo, amplitud de miras y de recursos. A los catalanes ya no les pega la etiqueta de vanguardistas ni falta que hace, porque canciones como Battle (youtube) pueden ser disfrutadas igualmente, sin necesidad de sentir la tentación experimental. Quizás uno de los conciertos menos ‘avanzados’ del Sónar 2008.

Sábado 21. SonarComplex. 13.00

Matmos

‘Exciter Lamp and the Variable Band’ (yotube) es el primer single que Matmos han sacado de Supreme Balloon, donde su corta y pega ya no es tan extremo, sino que ahora parece ser casi pop. O, bueno, tan pop, por ejemplo, como las canciones menos idas de Animal Collective. Lo de Matmos es, cada vez más, digno del lema “a la felicidad por la electrónica”. Jugueteos que pondrán la banda sonora a algún futuro Super Mario Bros.

Sábado 21. SonarHall. 17.00

The Black Dog

Otros clásicos del techno de los 90. Encajados en esa etiqueta tan horrible como es la IDM (Intelligence Dance Music), The Black Dog fueron cola de león o cabeza de ratón de los nuevos sonidos electrónicos de la época. Aunque posiblemente no se centren en su primera etapa, el trío calavera que forma The Black Dog sigue teniendo ritmo en las venas. Y también esos bajones ambient tan característicos.

Sábado 21. SonarHall. 20.30

Yazoo

El concierto más sonado de Sónar 2008. Vince Clarke, quien en su día fuese responsable de los primeros éxitos de Depeche Mode, decidió negarse a seguir el camino casi rockero que la banda exigía y se puso a hacer canciones pop con el sobrenombre de Yazoo. Así, con un puñado de sintetizadores, Yazoo amasaron joyas de lo que hoy es puro sonido 80, como ‘Only You’ (Youtube).

Ahora, cuando llegan con un recopilatorio cuádruple, Vince y Alison han decidido revisitar el pasado y el Sónar se marca el tanto de ser el primero en verlos en directo.

Sábado 21. SonarClub. 23.30

Soulwax

Cuando unos tipos han logrado que tantos y tantos dejen sus prejuicios para bailar, como si de Prodigy se tratara, al ritmo de Robbie Williams (youtube), habrá que aceptar que su reinado bastardo merece la pena. Soulwax (2 Many DJs) llegan a Barcelona a presentar su recopilación de las remezclas que han estado tanto tiempo haciendo. Sólo hay un hilo conductor: pura diversión.

Sábado 21. SonarClub. 01.30

X-102 discovers The Rings Of Saturn

El trailer del proyecto (youtube) no deja lugar a dudas. Lo que Mike Banks y Jeff Mills van a poner sobre el escenario es una revisión de una de sus propias obras para poner música a las imágenes de la exploración espacial de Saturno. Dicho así, suena hasta un punto pedante, pero puede ser toda una experiencia de ciencia ficción.

Sábado 21. SonarClub. 03.15

Neon Neon

El hip-hopero Boom Bip y el Super Furry Animal Gruff Rhys pretenden convencernos de que su retro-pop hecho electrónicamente va mucho más allá del divertimento ocasional y que lleva carga de profundidad. Mientras dudamos, se nos quedan un puñado de canciones tan atractivas como ‘I Lust You’ (youtube)

Sábado 21. SonarPark. 00.00

A Sinnamon, organizadora del Summercase, se le acumulan en las últimas horas las desgracias respecto al cartel confeccionado para el inminente Summercase, que se celebrará el 18 y el 19 de julio en Madrid y Barcelona. Hoy se ha anunciado oficialmente que los británicos The Long Blondes cancelan su gira europea. La hospitalización de Dorian Cox, guitarrista de la banda, ha obligado al grupo a posponer su gira europea, que comenzaba mañana en Estambul.

La baja de The Long Blondes se une a la de M.I.A., por lo que es de suponer que habrá contrataciones de última hora para cubrir los huecos dejados en el cartel, que en el caso de la británica es de las de órdago. Sin embargo, Sinnamon aún no ha anunciado si habrá nuevos movimientos en el cartel para reemplazar las bajas.

De momento, el festival se mantiene a la expectativa y cuenta con nombres tan jugososo como Primal Scream, Mogwai o Los Planetas entre sus grandes nombres. Ahora, que teniendo el FIB enfrente, pocas caídas más de cartel se puede permitir.

Sitio Oficial | Summercase

Segundo día de Sónar 2008 y más propuestas interesantes. La noche del viernes apuesta por el baile más desprejuiciado, por las propuestas que mezclan el rock con la electronica y por las canciones que te hacen bailar aunque no tengas ni idea de hacerlo.

El día, por su parte, da más oportunidades: desde el pop melancólico con clicks y cuts hasta la experimentación rock, pasando por autényticas máquinas rítmicas. Como en botica, hay de todo. Pero nuestras recomendaciones son éstas.

First Aid Kit

Barceloneses, canciones modernas susurradas y, encima, en formato dúo. A priori, el típico grupo que la gente más puesta de Barcelona alaba y resulta ser un bluff. Sin embargo, First Aid Kit tienen una noción de pop electrónico, suave y terso que no implica para nada que sea inofensivo ni tópico.

Hay canciones de sobra como para disfrutar con ellos, que en directo suman un componente para dar más empaque a su propuesta, bien recibida por casi toda la prensa especializada. Dos discos hermosos demuestran que lo de Agnès Aran y Carles Querol va en serio.

SonarHall. 13.00

El Guincho

Aunque en el Primavera Sound me decepcionara, la mezcla de Pablo Díaz Reixa funciona bien en disco. Toda la música negra y cualquiera que haya salido de una isla dieron forma a Alegranza, su disco de debut, aclamado mundialmente. Veremos si su propuesta en directo sigue siendo tan preparada y tan poco sorprendente o, poco a poco, va encamiándose hacia algo más que poner el disco, cantar por encima y darle golpes al cencerro. ‘Palmitos Park’ (youtube), en su versión grabada, sigue conservando la magia.

SonarVillage. 14.00

Tender Forever

Melanie Valera lleva ya unos cuantos discos donde el “hazlo tú misma” aplicado a la electrónica ha dado como resultado deslumbrante canciones de pop en baja fidelidad. En directo es otra cosa: absolutamente sorprendente, ha dejado con la boca abierta a la mayoría de los que la han visto subirse a un escenario.

Que de canciones apocadas y de habitación como < 'strong>How Many’ (youtube) ella sea capaz de sacar un directo vibrante es un misterio que sólo se responde viendo como una sola persona llena tanto los escenarios de todo el mundo.

Viernes 20. SonarHall. 17.00

Yellow Swans

Tormenta sonora. El dúo de Portland lleva ya unos cuantos años llevando al extremo la búsqueda de la psicodelia a través de la distorsión y los sonidos repetidos. Sus mantras electrónicos, llenos de ruido, no cobran sentido hasta que, una vez que has entrado en el huracán, empiezas a ver el patrón melódico que hay detrás. Por ejemplo en ‘I Woke Up’ (youtube)

SonarComplex. 19.30

Nisei y Za

Ojo con ellos. Por separado Nisei, que llegan con un gran disco, y Za están siemrpe buscando el ritmo. Juntos, con dos baterías, dos bajos y tres guitarras, ¿hasta dónde pueden llegar las canciones de cada uno de ellos? Parece fácil pensar que ‘Èxodes’ (youtube) puede convertirse en algo inenarrable.

Viernes 20. SonarComplex. 21.00

Madness

Hay una leyenda que asegura que en la zona en la que se celebraba un festival inglés de música los lectores de movimiento sísmico recogieron un pequeo terremoto. Dice el mito que la culpa fue de Madness, que actuaban en ese mismo momento. Y no es para menos: su adictivo ska (que acabó virando hacia un pop elegantísimo) es lo más cercano a la fiesta desenfrenada que va a tener el Sónar 2008 entre su programación. Fueron un mito y tienen canciones por un tubo. Todos juntos: ‘One Step Beyond!’ (youtube)

Shackleton

Tremendo. El dubstep en estado puro. O, bueno, no tanto: más bien contaminado por ritmos étnicos. En cualquier caso, es otro de esos casos en los que el adjetivo hipnótico hacer verdadero honor a la música que sale de los altavoces (que, por cierto, sufren de lo suyo con esos sonidos graves).’ I Am Animal’ (youtube), dice. Y tanto: una bestia parda

Viernes 20. SonarLab. 00.45

The Pinker Tones

Cazadores de karma. ‘Karma Hunters’ (youtube). Canciones como ésta han convertido al dúo-trío barcelonés en la comidilla de muchos aficionados a la mezcla musical. Lo suyo se mueve sin rubor entre el pop, el funk, el breakbeat, la psicodelia y cualqueir cosa que hayan escuchado recientemente. Se les puede acusar de todo, menos de aburridos. Groovy.

Viernes 20. SonarPub. 01.00

Justice

Qué bárbaros. A mi compañero Natxo le encantan y no voy a negar que a mí también me tienen ganado. Son la demostración de que el rock todavía puede encamarse con la electrónica y seguir provocando espasmos. Como los mejroes Pordigy. Como los mejores Chemical Brothers. Como Daft Punk (e igual de franceses), pero en más bestia. Sí, casi todo el mundo les quiere y, de momento, está más que justificado. ‘Stress’ (Youtube)

Viernes 20. SonarClub. 02.00

Hercules and Love Affair

El supersonido de los 70, que diría Tarantino, en versión remodelada y con algún que otro invitado de lujo, como Antony. Dicen que van a ser la sensación dance del año, y canciones como Blind (youtube) son díficiles de rechazar cuando uno está cerca de una pista de baile. ¡Esos teclados!

Tengo que admitir que Travis me caen bien. Son un grupo muy normal, no desde luego esos genios que algunos creyeron ver durante un tiempo. Le han pegado a todos los palos: primero probaron con el britpop al más puro estilo Oasis y luego descubrieron que podían ser como Radiohead, pero sin ningún riesgo ni arista. O sea, más en versión FM. Y la cosa les funcionó. Sacaron un disco al que se le podían poner pocas pegas, The Man Who, y luego nunca han vuelto a alcanzar ese nivel, aunque han seguido llenando sus discos de buenas canciones pop.

También es cierto que tienen una facilidad innata para el relleno, algo que se ha ido agudizando con el paso del tiempo. Aunque The Boy With No Name, su último disco, mejoraba bastante los réditos obtenidos con 12 Memories, ambos eran álbumes ideales para el ipod: cortas las canciones que no te gustan y te quedas con buenos eps de pop adulto.

La banda, comandada por el cantante Fran Healy, vuelve ahora, en 2008, a preparar su nuevo disco. Esta vez no esperarán cuatro años más, como hicieron la última vez. Y, de momento, ya dejan escuchar alguna de sus nuevas canciones, como ‘J. Smith’, que casi titulará el disco, llamado Ode to J. Smith.

¿Qué queréis que os diga? Después de escucharlo, me parece otro de esos temas en los que Travis no han estado demasiado afortunados. Los tonos más rockeros nunca les han sentado bien y, por si fuera poco, ahora, a estas alturas de su carrera, han decidido hacer canciones con mil requiebros y, en este caso, con un coro horroroso. ¿Qué iban? ¿A grabar la segunda parte de Excalibur?

Lo siento, pero creo que lo suyo siempre ha sido mucho más dulzón (a veces hasta el empalago) y que cuando se han intentado mover de ahí, ha sido peor. Veremos por dónde van los tiros en su nuevo disco.

Escucha | J. Smith – Travis (mp3)
Vía | So Much Silence
Sitio Oficial | Travis

Hace ya tiempo que el Sónar dejó de ser exclusivamente ese festival de música electrónica por el que llegó a ser conocido en toda Europa. Poco a poco, sin que apenas nos diéramos cuenta, el festival barcelonés comenzó a acoger otras propuestas que sirvieron para abrir su foco y también apra dar cabida a los espectadores a los que su música, muchas veces, nos quedaba muy lejos.

Ahora, cualquiera puede ir al Sónar y encontrar actuaciones de pop, hip-hop e incluso de rock. Sí, no suena nada bien cuando se pone al lado del Sónar y, desde luego, el rock del cartel barcelonés no va a ser el del Kobetasonik, por ejemplo. Pero la variedad a la hora de programar ha hecho al festival aún más grande: sigue manteniendo la coherencia interna, pese a no dedicarse ya sólo a un estilo.

A continuación, algunas de las propuestas a mi juicio más interesantes del cartel de este año. Desde hoy y hasta la madrugada del sábado al domingo, hay en Barcelona música para todos los gustos.

Destaca este año en el cartel la presencia femenina. Ahí, por ejemplo, llegará Leila, británica de origen árabe que trae nuevo disco bajo el brazo y sigue demostrando un nivel envidiable. Desde que debutara con Like Weather en 1998 (de dónde sale ‘Feeling’; youtube) su música no ha perdido el misterio original. Una gozada.

Leila actuará a la 1 de la noche de hoy jueves.

Por contra, Alison Goldfrapp decidió cambiar el turbador paisaje de su primer disco, Felt Mountain, por el petardeo discotequero, el grupo que lleva su apellido ha ganado en audiencia lo mismo que ha perdido en singularidad. Goldfrapp llega a Barcelona con un supuesto retorno a sus raíces que deberá pasar la prueba del directo, porque en disco es más bien soso. Ahora, que con temas como Utopia (youtube) cualquiera levanta un directo.

Goldfrapp actuarán a las 23.00 horas, en el Sónar Park.

No obstante, la tarde empezará con auténticos platos fuertes, como los británicos Pram, supervivientes de los 90, preferidos por la crítica de medio mundo y poseedores de un puñado de canciones hipnóticas, como esta ‘Track of The Cat’ (Youtube), que seguramente sonorá en el concierto del Sónar Hall, a las 17.00 horas.

En el mismo espacio, pero a las 19.00 horas, convendría echar un vistazo a lo que hacen Clive One y Clive Two, dos pirados del mítico ZX Spectrum que han decidido llamar a su banda así, en homenaje a ese ordenador personal que introdujo a tantos en la informática. Hijos de lo que Clive Sinclair (creador del invento) pensó un día, la revolución de los 8-bits sigue presente en las canciones del dúo que, sí, tocan con Spectrums canciones como ‘x+x=0’ (Youtube).

Y una apuesta que siempre me da miedo. Los finlandeses Pan Sonic llevan muchos años en esto y ya han pasado, de una manera u otra, por Barcelona, pero su sonido sigue siendo crudo, como una banda sonora nunca hecha para Cabeza Borradora (David Lynch). Capaces de poner de los nervios al más pintado, Ilpo Väisänen y Mika Vainio servirán apra recordar que el Sónar aún podría mantener la etiqueta de música avanzada.

La noche se cerrará con la sesión de DJ de Ben Watt, el que fuera mitad de Everything But The girl. En cualquier caso, en este primer día hay nombres de sobra como para no aburrirse.

Sitio oficial | Sónar

‘Toe Jam’ confirma que Norman Cook (Fatboy Slim) no ha hecho nada realmente original desde que estuviese en los Housemartins, uno de los mejores grupos de los 80 y uno de los menos reconocidos. Lo cual no quiere decir que no haya hecho música divertida por un tubo.

Ya con su alias Fatboy Slim nos puso a bailar por festivales y discotecas con una versión facilona de lo que los Chemical Brothers habían hecho en su primer disco. Tenía mérito, porque bailamos hasta quienes no nacimos para el ritmo.

Después de ir perdiendo, poco a poco, la visibilidad con ese proyecto (Fatboy Slim ya era, cada vez más, una nota a pie de página en las revistas), Norman Cook lo intenta de nuevo con otro sobrenombre, The BPA. Y aunque vuelve a pecar de agarrarse a la última moda, lo cierto es que ‘Toe Jam’, la primera canción extraída como single, tiene su gracia y, sobre todo, cae bien gracias a un vídeo divertidísimo.

Para los que piden tetas y culos, aquí las tenéis, pero pasadas por el prisma del divertido sentido del humor de Norman Cook (que ya se dejaba notar en The Housemartins y sus chispeantes vídeos). Lo malo de ‘Toe Jam’ es que te das cuenta de que el éxito de Vampire Weekend va a traer de regreso lo bueno y lo malo del Peter Gabriel al que le encantaba la mal llamada World Music. Lo bueno: que con vídeos como éste, no me apetecen poner más pegas.

El debut de The BPA se pondrá a la venta el próximo 7 de julio.

Myspace | The BPA

El Festival Ebrovisión, que se celebrará entre los días 18 y 20 de septiembre en Miranda de Ebro (Burgos), ha confirmado a cuatro grupos españoles para su cartel, en el que ya brillaban con luz propia Mando Diao o Teenage Fanclub (especialmente estos últimos, que en directo son infalibles).

Así, Dorian, Half Foot Outside, The Sweet Vandals y The Gurus ayunda a completar el cartel, que aún tiene que confirmar otros cuantos nombres. Además de los ya mencionados, Fangoria, Los Salvajes y Standard también actuarán en Miranda, donde pincharán DJ Amable, Sergio V., de Tachenko, o Mindruss.

El festival va completando así un cartel bastante atractivo, donde se mantienen las líneas de programación que han primado en anteriores ediciones, aunque, poco a poco, los nombres grandes van subiendo en caché. Además, propuestas nacionales como las que anuncian hoy permiten que el festival siga dando oportunidades a los grupos españoles, puesto que ése fue su origen. Sin embargo, a veces esas apuestas le crean conflictos.

Aún recuerdo el primer Ebrovisión, en 2001, cuando de repente aparecieron por allí unos recios La vacazul entre Sidonie, Los Piratas, Deluxe y Art School. La broma más comentada en aquel momento fue que el festival, en realidad, había querido llevar a La Casa Azul. Por supuesto, era un rumor nunca confirmado, posiblemente una broma, pero lo cierto es que los chicos de Lavacazul estuvieron desubicados, por decirlo suavemente.

Desde entonces, el Ebrovisión ha ido ganando nombres y más público, hasta llegar a una asistencia de más de siete mil personas en su pasada edición. Ahora, en su octavo año, el evento organizado por la Asociación Cultural Rafael Izquierdo vuelve con ganas. Sólo por Teenage Fanclub, que tocarán el viernes, ya merecerá la pena el viaje (sí, soy fan).

Sitio oficial | Ebrovisión

He aquí otro interesantísimo mash-up para los que usen Last.fm o para los que estén, además, acostumbrados a ir de conciertos muy a menudo. Lastmusicmap une la base de datos de Last.fm con Google Maps, para que así podamos buscar geográficamente cuáles son los próximos eventos de nuestros artistas favoritos.

Su uso es tan sencillo como introducir en el buscador el nombre de un grupo o solista. Tras ello, se nos situará en el mapa aquellos puntos donde próximamente se van a producir eventos relacionados con ellos, ya sean conciertos en sala, festivales o citas de otros tipos. Junto a esos puntos geográficos hay un enlace a través del cual se nos guía a la página de Last.fm donde está la información del evento.

Un mashup muy sencillo, pero muy útil también para los que os encanta ir de concierto. ¡Ah, para usar Lastmusicmap no es necesario estar registrado en Last.fm, así que una razón más para darle muy buena nota al servicio!

Vía | Genbeta
Sitio oficial | Lastmusicmap

A lo mejor lo repito unas cuantas veces en poco espacio, pero he aquí una de mis canciones preferidas de lo que llevamos de 2008. Llevo unos cuantos días enganchado brutalmente al debut de Grand Archives y, siempre que llega el corte 8, tengo que parar cualquier cosa que esté haciendo y, simplemente, escuchar.

Del disco hablaremos largo y tendido otro día, pero no podía dejar de recomendaros Sleepdriving. El tema, rodeado perfectamente por el resto de canciones del disco, empieza como una canción que no resalta demasiado, pero, a partir del minuto 2:25, acaba por recoger la misma capacidad emotiva que tenían Band of Horses en su primer disco. No en vano, Grand Archives es el proyecto que el guitarrista Mat Brooke creó tras dejar esa banda.

El vídeo de la canción está hecho por fans y ni me va ni me viene, pero, pese a todo, merecía la pena colgarlo para hablar de ella. Una de mis favoritas del año. No lo había dicho, ¿verdad?

Vídeo | Youtube

Ya sabéis que en Hipersónica el fenómeno fan nos llega muy de rebote. De vez en cuando, cuando sus discos y sus canciones se lo merecen, entramos a hablar de aquellos artistas que copan las listas más tradicionales, pero, por la propia concepción del blog, muchas veces nombre de éxito quedan fuera de él.

Hoy queremos compartir con todos vosotros el nacimiento de Fandemia, el nuevo blog de Weblogs SL dirigido al público adolescente. En Fandemia hablarán largo y tendido de esa parte de la música que en Hipersónica apenas tratamos, así como de los los programas de televisión que causan furor, de las estrellas del cine y los mejores estrenos.

¿Qué podréis encontrar en Fandemia? Por ejemplo, cómo se vive una gala de OT desde dentro. O la decadencia de algunas estrellas.

Además, allí veréis cosas… bueno… qué cosas.

Más información | Fandemia

Tremenedo, tremendo, tremendo. Todavía estoy sin parar de reír con el vídeo que se han montado Ugly Pictures a costa de una hipotética batalla a muerte entre diversas portadas de discos a lo largo de la historia.

¿Pink Floyd desafiando a Coldplay? ¿ACDC disparando a Depeche Mode? ¿Rick James tratando de cargarse a Eminem? ¿Por qué desapareció la cuarta pata del perro de Alice In Chains? Todo eso lo responde este vídeo, que en dos minutos y medio da un buen repaso a la historia del rock a través de sus portadas de un modo delirante.

El momento de Ozzy Osbourne saliendo disparado a comer cabezas es impagable. ¡Aviso: este vídeo puede producir carcajadas en tu lugar de trabajo! Repito: tremendo.

Vía | En Estéreo
Vídeo | Youtube