El próximo 2 de agosto se estrena en los cines Guerra Mundial Z, una película de tintes grandilocuentes sobre una pandemia que azota a la humanidad (n.e: zombis basados en la novelaza de Max Brooks y convertidos en zombis-cucaracha-extra-rápidos para el cine). Para su banda sonora, y hablando de histrionismos y épica, no pueden ser otros que Muse quienes aporten su granito de arena en la sintonía musical de esta película, que por cierto estará protagonizada por Brad Pitt.

La película tendrá su preestreno en Londres el próximo 2 de junio. Tras este, Muse actuará en directo desde el Horse Guards Parade Ground, en St. James’s Park. Las entradas para dicha actuación se pueden conseguir a partir del viernes 29 de mayo aquí. Presumiblemente, los británicos repasarán los temas de su último trabajo, The 2nd Law, que formarán parte de la banda sonora de la película.

Si no iba a ser suficiente con Brad Pitt y el marcado carácter espectacular y repleto de efectos especiales de la película, Paramount Pictures se ha aliado con Muse para acabar de impulsar comercialmente la película. Es justamente lo que le faltaba a los de Matt Bellamy para acabar de explotar más aún su marca: poner sus ramalazos épicos y caricaturescos de su último álbum en una superproducción.

En resumen, son tal para cual. Ahora, quien tenga ganas de rascarse el bolsillo para ir al cine para ver Guerra Mundial Z, untada del dubstep de Muse y los falsetes de Bellamy, que vaya rascándose el bolsillo, sobre todo si la quiere ver en 3D. Si os lo podéis permitir o si estáis en Londres esos días, podéis ir a ver a Muse interpretando ese The 2nd Law al que tanto cariño tenemos. Además, interpretado en el mismo sitio donde tienen lugar las celebraciones de la monarquía inglesa. Ahí es nada el despliegue que han preparado para la película.

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Ante todo, dejar claro que aún no he visto Oblivion, y que ese “aún” puede prolongarse por tiempo indefinido. A priori, y más tras ver algún trailer y escuchar ‘Oblivion’, el tema central de la banda sonora, tenía muchas ganas de hacerlo, incluso tragando tan poco al acartonado Tom Cruise; qué le vamos a hacer; uno que es así de “friki” y la ciencia ficción, los mundos de fantasía y postapocalíptitcos le pueden.

Pero luego llegaron las críticas, y cuando llegan de medios con los que compartes gustos, suelen causar estragos. Conclusión: me espero a que la televisión o las redes provean material para llenar un rato sin otra cosa con la que ser rellenado, y mientras me conformaré escuchando la BSO, compuesta por Anthony Gonzalez y Joseph Trapanese.

Pero recopilemos un poco de información antes. Si seguís a M83, recordaréis que en los momentos de plena promoción de Hurry Up, We’re Dreaming, Gonzalez ya decía que se moría por grabar una banda sonora, así que no nos vamos a extrañar ahora de verlo inmerso en una titánica partitura, compuesta de 16 piezas orquestales en su edición normal más un tema vocal o de la poco despreciable cifra de 29 cortes en el caso de la edición de lujo de esta banda sonora.

En cuanto a lo propiamente fílmico, tampoco nos vamos a extrañar ahora de volver a ver a Joseph Kosinski tras su floja Tron Legacy, volver a las lides de la ciencia ficción, y querer volver a contar con un artista electrónico para componer la música para su cinta.

En aquella ocasión, Kosinski contó con el dúo de moda en estos momentos, con Daft Punk, quienes además se dejaron echar una mano por Joseph Trapanese; el mismo Trapanese que aquí cobra mucho más protagonísmo, no sólo por el sonido de la banda sonora, sino porque, para qué engañarnos, el nombre de Anthony Gonzalez no hace la misma sombra que los de Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem Christo.

Oblivion, ciencia ficción de sonido clásico

Pero si con la música de Tron Legacy tuvimos una partitura orquestal que supo mantener la identidad sonora de sus creadores, los de peso, Daft Punk, quiero decir, en este caso las similitudes terminan ahí. Para Oblivion tenemos una banda sonora con un Anthony Gonzalez plenamente implicado pero que no aporta mucho al conjunto, y cuya personalidad sonora queda completamente diluida por un lado por el hecho de estar trabajando en una banda sonora orquestal y por otro porque quizás en esta ocasión, la presencia de Trapanese esté pensada de igual a igual.

El que piense que va a escuchar un disco de M83 en esta banda sonora estará mucho más equivocado que el que pensara en escuchar una banda sonora daftpunkiana hace tres años. Trapanese es un tipo curtido ya en esto de la composición para ambientar imágenes; ya sea en el cine, en la televisión o incluso en el teatro, y eso ha pesado más que lo que podía aportar Anthony Gonzalez.

Es cierto que en algunos de los pasajes de la banda sonora, existen destellos reconocibles de la música de Gonzalez; melodías que cualquier seguidor de M83 sabrá relacionar con él sin mucha dificultad; pero esos momentos son los menos e incluso quizás se noten más en los temas de la versión extendida del disco.

Pero… ¿aquí dónde está M83?

Pero eso nos lleva a otra cosa más: el verdadero engaño que supone la portada de esta banda sonora. En ella vemos como, ante todo se nos dice: “Original Music by M83”, y un poco más abajo se nos aclara que el score está compuesto por Anthony Gonzalez y Joseph Trapanese. Así que, como diría Matías Prats: “cuidado con las ofertas gancho”, porque aquí la banda de Gonzalez sólo hace acto de presencia en el tema final del disco, ‘Oblivion’ y el que nos digan que la música está compuesta por M83 es un timo en toda regla, aunque matizado con el apunte sobre la composición del score: no nos vayamos a pillar los dedos; está todo claramente explicado en la portada.


Ese tema, es justamente todo lo que no vamos a encontrar en Oblivion (la BSO, no la canción). Es el gancho que todas las bandas sonoras lucen; el tema que hace caer a los fans de un artista en comprar un disco; es M83 en estado puro, con una interpretación magistral de Susanne Sundførd sobre la electrónica del proyecto galo, con el encanto añadido que le dan los arreglos orquestales que luce y sobre la melodía central de la película, como mandan los cánones de este tipo de trabajos.

Y salvado y aclarado este escollo, sólo nos queda decir que, lo que podemos encontrar a lo largo de los 17-29 temas instrumentales de Oblivion es una banda sonora típica; muy agradable, pero que no destaca absolutamente por nada.

Si habéis escuchado a John Powell en la trilogía de Bourne, o el inmenso trabajo de Hans Zimmer en Inception, sentiréis que los temas de esta BSO tienen mucho en común con la trilogía del primero y ese trabajo puntual del segundo (por poner un ejemplo de las similitudes con Inception, escuchad ‘I’m Sending You Away‘), aunque sobre todo, si recordáis algún trabajo de Steve Jablonsky, Oblivion os parecerá obra suya si no sabéis nada de ella; no en vano, este otro compositor (bastante más experimentado que Trapanese, por no hablar siquiera de Gonzalez) ya ha toreado en muchas ocasiones en plazas de la ciencia ficción, y su trabajo para la primera de Transformers o, mucho más incluso para La Isla os sonará demasiado parecido a el trabajo del tandem Gonzalez-Trapanese para esta cinta.

Así que, aclarado esto, ya sólo queda decir que para ser un campo algo ajeno para Gonzalez (por mucho que aquí vaya de la mano de Trapanese), los aparentes momentos de tensión y drama, los momentos de acción, la épica de una historia que afecta a toda la humanidad (o lo que queda de ella) y otros tantos sentimientos que se pueden reflejar en una película de estas características están perfectamente resueltos y cabe esperar que, junto a las imágenes a las que acompañan, cumplan con creces su cometido.

En definitiva, una banda sonora mucho más clásica de lo que cabría esperar por el nombre de Anthony Gonzalez, que, como acompañamiento parece estar hecho a medida, pero que como música para escuchar independientemente no creo que cumpla con las expectativas que el nombre de M83 en la portada del disco pueda haber generado en los fans del proyecto.

Oblivion Soundtrack, tracklist:

01. Jack’s Dream
02. Waking Up
03. Tech 49
04. StarWaves
05. Odyssey Rescue
06. Earth 2077
07. Losing Control
08. Canyon Battle
09. Radiation Zone
10. You Can’t Save Her
11. Raven Rock
12. I’m Sending You Away
13. Ashes Of Our Fathers
14. Temples Of Our Gods
15. Fearful Odds
16. Undimmed By Time, Unbound By Death
17. Oblivion (feat. Susanne Sundfør)

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Wim Mertens es uno de los grandes de eso que se denomina música minimalista de tradición clásica, una propuesta que lleva defendiendo adaptada a distintos formatos y formaciones. El compositor belga volvía a Gijón para presentar su último disco A Starry Wisdom, su último disco de los más de sesenta que ha publicado en una carrera que comenzó en 1980. En la segunda parte de la gira española de siete conciertos está acompañado por Lode Vercampt (violenchelo) y el veterano clarinetista y saxofonista Dirk Descheemaeker, con quien lleva colaborando desde hace más de tres décadas.

Wim Mertens, un compositor al que le faltó un score como The Piano

Wim Mertens planteó su recital en dos partes. En la primera, de casi una hora de duración, se ciñó a revisar A Starry Wisdom casi en el mismo orden que aparece en el disco, cambiando únicamente el oden entre ‘Ausgedehnt’ y ‘The Scene of Two’. En estos ocho cortes se pudo ver a Mertens ejerciendo de pianista y contratenor, arropado por dos músicos brillantes que subrayaron cada una de sus matices e improvisaciones.

Wim Mertens estuvo sobrado en esa primera parte y logró convencer al público, que entregado se preparó para una segunda parte donde cayeron todos los clásicos, rematando un concierto de unas dos horas con generosos bises. Hubo feeling entre público y artista y eso se notó conforme iban pasando los minutos. Él lo agradeció levantándose de su asiento, pidiendo a sus dos músicos que hicieran lo propio y dando la impresión de que estaba muy cómodo.

En esa segunda parte hubo momentos deliciosos, comenzando por ‘Inergys’, ‘The Personell Changes’, siguiendo con ‘La Fin de la Visite’, y más tarde con ‘No Testament’. No había prisas, nadie ni él mismo la tenía, y la primera del bis fue ‘According To The Real’, acercándose a la música de cámara en este tema original de Zee Versus Zed.

En ese apoteósico final volvimos a darnos cuenta que a Wim Mertens le faltó la suerte que tuvo Michael Nyman con la banda sonora de The Piano, que pasó de ser un compositor de culto a un artista de masas. Y es cierto que entre ese score y el que él preparó para The Belly of An Architect, curiosamente también una película dirigida por Peter Greenaway, no hay grandes diferencias.

En definitiva, lo suyo es música popular, sino qué son acaso ‘Birds For The Mind’, ‘4 Mains’, ‘Close Cover’ o ‘Struggle For Pleasure’, piezas todas ellas ya clásicas e imprescindibles de su carrera musical. La ovación que se llevó por parte del público, que lo despidió de pie antes de que se encendieran las luces del teatro, es suficiente premio para un grande como Wim Mertens.

Sitio oficial | Wim Mertens
Fotografía | Alex Vanhee

Este fin de semana os hablaba de la banda sonora para la película protagonizada por Leonardo DiCaprio, The Great Gatsby, un film que parece venir buscando ser el sucesor de éxitos como Romeo + Juliet o Moulin Rouge!, películas en las cuales, Baz Luhrmann, su director ya demostró que le gustaba jugar con la transgresión de contextos, trasladando historias a épocas en las que no se han enmarcado tradicionalmente o mezclando música muy actual con ambientaciones de corte histórico.

El caso es que, Luhrman, tras habernos dejado echar un vistazo al listado de temas que compondrán la banda sonora de esta revisión de El Gran Gatsby, nos ha dejado con más curiosidad si cabe sobre las sorpresas que nos pueda deparar la cinta, y más cunado vemos a artistas como Florence + The Machine ofreciéndonos temas tan buenos como los que podemos encontrar en sus propios discos.

Y posiblemente, o al menos así es para mí, el otro corte de la recopilación que más interés despierte sea el firmado por The xx, que también resulta ser un inédito y no una versión además, como si ocurre con el de Beyoncé, aunque ese despierta el morbo por otros motivos.

Porque los británicos, tras Coexist, nos han dejado con ganas de más, y, aunque la extensa colección de buenos remixes de los temas de este segundo álbum de la banda que se están publicando son un buen tentempié, lo cierto es que no sacian del todo las ganas de material “sin adulterar”.

Y para poner remedio a eso puede servir este inédito ‘Together’ que es el tema incluido en la banda sonora de The Great Gatsby.

‘Together’ es un tema típicamente de los xx, las señas de identidad que hacen inconfundible su sonido están ahí; la melancolía y la tristeza como sentimientos predominantes vuelven a estar ahí, y, como era de esperar, el tema es de nuevo cantado a dos voces, con Oliver y Romy en la misma buena forma de siempre.

La parte sorprendente del tema llega hacia el final del mismo, cuando se cuela una orquesta típicamente de banda sonora clásica y que, si bien es la primera vez que vemos en una versión de estudio junto a la música de The xx, no nos sorprende tanto tras habernos enamorado con aquella revisión del repertorio que el trío ofreció en aquel concierto para la BBC.

Dos muestras ya, las que levamos de esta BSO que por ahora nos hacen pensar que su música podría incluso ser mejor que la película en sí. Ya veremos cuando la escuchemos íntegramente, peor por ahora la pinta que tiene es estupenda.

En Hipersónica | Florence + The Machine – ‘Over The Love’: amor por las bandas sonoras

El remake de The Great Gatsby viene de camino; seguramente ya estéis al tanto de ello y con él, como es natural, se acerca una banda sonora con ganas de vender muchos discos y entradas para el cine: no hay más que leer el tracklist de la misma para darse cuenta de sus propósitos.

Para una película como esta debe haber un presupuesto acorde con ella, y los artistas escocgidos parecen estar a esa altura (de presupuesto, quiero decir).

Entre ellos, se cuela Florence Welch, con su Machine, por supuesto, que, tras haberse encargado del tema central de Snow White And The Huntsman (Blancanieves y la Leyenda del Cazador por estas tierras), parece haberle cogido el gusto a Hollywood y repite ahora con otro tema nuevo (que no todos los son en esta BSO) llamado ‘Over The Love’.

Otro de esos temas épicos, oscuros y tristes que tan bien se le dan, aunque suena un poco a más de lo mismo, y a Annie Lennox en ciertos momentos.

Lo malo para Florence en esta ocasión es que no está sola, y hay gente que se come su protagonismo por momentos. Porque debe ser muy difícil competir con Beyoncé interpretando un tema de Amy Winehouse o incluso con el ‘Love Is Blindness’ que interpretaba Jack White hace unos meses, por no nombrar a un grande como Bryan Ferry, claro.

Tenemos también a The xx o al últimamente ubicuo Gotye, por pasar por alto que, el rey del plagio, will.i.am también aporta uno de sus casos flagrantes de las últimas fechas, ese ‘Bang Bang’ del que ya hemos hablado por aquí.

Nos quedamos mejor con lo bueno, que no es poco en esta banda sonora, y a la espera de que se publique el disco, podemos marcar el 17 de mayo como fecha para poder ver si los faltos de ideas en Hollywood han dado en el clavo con esta enésima revisión o si es otra prescindible cinta más de tantas como tenemos en los últimos años.

The Great Gatsby Soundtrack, tracklist:

01. Jay-Z – 100$ Bill
02. Beyoncé and André 3000 – Back to Black
03. will.i.am – Bang Bang
04. Fergie, Q-Tip, and GoonRock – A Little Party Never Killed Nobody (All We Got)
05. Lana Del Rey – Young and Beautiful
06. Bryan Ferry with The Bryan Ferry Orchestra – Love Is The Drug
07. Florence and the Machine – Over The Love
08. Coco O. of Quadron – Where The Wind Blows
09. Emeli Sandé and The Bryan Ferry Orchestra – Crazy in Love
10. The xx – Together
11. Gotye – Hearts a Mess
12. Jack White – Love is Blindness
13. Nero – Into the Past

En Hipersónica | Florence + The Machine – ‘Breath Of Life’, el tema para Snow White And The Huntsman: a ellos no les crecen los enanos

Wim Mertens vuelve a España para ofrecer una gira de siete conciertos que abrirá hoy en Alcázar de San Juan (Ciudad Real). El compositor belga presentará su último trabajo A Starry Wisdom acompañado por Bart Lemmens (violín) y Lode Vercampt (violenchelo), aunque en mayo éste último será sustituido por el veterano Dirk Descheemaeker (clarinete y saxofón), con quien lleva trabajando desde la década de los ochenta.

Wim Mertens trae éste nuevo trabajo, publicado en febrero, un álbum que fue resultado de una comisión encargada por el festival anual de Gante. Se trata de una obra en su concepto próxima a Skopos y Receptacle, alejándose de lo que ofreció en Zee Versus Zeed o Series of Ands – Inmediate Givens.

El compositor, pianista y contratenor lleva desde 1980 ofreciendo música minimalista de tradición clasicista asombrosamente bella. En varios momentos sus temas han sido utilizados en bandas sonoras cinematográficas. Suya es la música de The Belly of An Architect, película dirigida por Peter Greenaway en 1987 y protagonizada por Brian Dennehy y Chloe Webb, que supuso su acceso al gran público, o la de Je pense à vous, de Luc y Jean- Pierre Dardenne, Li – Between The Devil And The Deep Blue Sea de Marion Hänsel y Father Damien de Paul Cox.

Wim Mertens ha compuesto en su carrera obras para diversos formatos y formaciones diferentes, desde pianos a obras de cámara. Hitos en estos más de treinta años de actividad son los discos Struggle For Pleasure, Maximizing The Audience, After Virtue, Motives For Writing y el DVD What You See is What You Hear, que en 2006 resumió en dieciséis composiciones su historia musical.

Cada concierto suyo es especial e irrepetible. La improvisación es un elemento fundamental, dejándose llevar por el ambiente del auditorio y el calor del público. Así pues, no sería un buen plan perdérselo si actúa en vuestra ciudad.

• 18 de abril, Alcázar de San Juan, Auditorio
• 19 de abril, Córdoba, Gran Teatro
• 3 de mayo, Santiago de Compostela, Auditorio de Galicia
• 4 de mayo, Gijón, Teatro Jovellanos
• 16 de mayo, Úbeda, Auditorio del Hospital de Santiago
• 17 de mayo, Alcobendas, Auditorio
• 18 de mayo, Cádiz, Teatro Falla

Sitio oficial | Wim Mertens

‘Starwaves‘ es la primera pieza que M83 nos dejan oír de ‘Oblivion‘, la banda sonora que ha preparado para la película del mismo nombre protagonizada por Tom Cruise. Ya antes habían dado muestra de su gusto por la ciencia ficción y por su música, pero ahora van más lejos y Anthony Gonzalez se ha encargado al completo de este trabajo.

Oscuridad y épica musical al uso para un film cuyo guión está basado en un cómic de Arvid Nelson. Andrea Riseborough, Morgan Freeman, Melissa Leo, Olga Kurylenko y Nikolaj Coster-Waldau completan el reparto de ‘Oblivion’. La historia está ambientada en un futuro en el que la Tierra ha evolucionado hasta ser irreconocible y gira en torno a un hombre que se enfrenta al pasado y toma el camino de la redención mientras lucha para salvar a la raza humana…

‘Oblivion’ se estrenará el próximo 19 de abril y su banda sonora, el 9 de abril. Éste es el trailer:

Recordad que M83 forman parte del SOS 4.8 2013

Alt-J, también conocidos por más de la mitad de los editores de Hipersónica como Alt-JAJA, compondrán la banda sonora del film independiente británico Leave To Remain. No lo harán sólo sino que colaborarán en las tareas de poner música con Bruce Goodison, guionista del film.

La película narrará las desventuras de un grupo de adolescentes problemáticos que escaparon de su pasado para huir al Reino Unido y, desde entonces, tratan de sobrevivir allí. Si creéis que esto no encaja suficiente con el modo de ver el mundo de Alt-J, se lo decís al propio Goodison, que precisamente asegura haberles llamado porque escribió el guión con An Awesome Wave como colchón sonoro.

“De inmediato me conquistó la naturaleza sentimental de su música. Creo que es el acompañamiento perfecto para el viaje emocional de mis personajes”

No, cosas así no van a hacer que el 20% de editores que soportan y hasta aman (EJEM, Javimetal, EJEM) a Alt-J consigan cambiar la opinión del resto, que bastante se cebó con ellos en las votaciones de Los mejores discos de 2012.

Vía | NME

¿Os acordáis de aquel ‘How You Remind Me’ (Youtube) que hizo mundialmente conocidos a Nickelback? Supongo que muchos no, y otros llevarán mucho tiempo tratando de olvidarlo, aunque también sabemos que son legión los fans de la banda de Chad Kroeger, y para ellos la cosa será diferente… De aquello hace ya la friolera de una década, aunque parezca ayer y, aunque aún fuera casi una niña, la que no parece haberse olvidado en ningún momento del tema estrella del Silver Side Up de los canadienses es Avril Lavigne, que se atreve ahora a versionarlo.

Tanto Nickelback como Avril Lavigne hacen una música dirigida al mismo público objetivo, así que la versión no debería sorprender a nadie, aunque claro, ahora que sabemos que ambos cantantes están comprometidos, la cosa tiene mucha más lógica.

En esta ocasión, el cover se lo debemos a la banda sonora de una película, si bien la cosa viene a ser más que sorprendente por la cinta en cuestión, porque este ‘How You Remind Me’ en versión Lavigne en lugar de venir a ambientar sagas vampíricas para adolescentes (lugar que le hubiera sentado de maravilla) viene a ser el tema central de One Piece Z, que a su vez es nada menos que la duodécima entrega en formato largometraje para la inagotable saga del mismo título pero sin la Z (los seguidores de Dragon Ball y otros animes y mangas no necesitan explicaciones sobre la afición de los japos a añadir letras a sus títulos, ¿no?).

Y muchos diréis, ¿doce películas y yo no sé ni que existen? Pues sí, porque se trata de anime, basado en concreto en la serie One Piece, una historia de piratas con protagonista “elástico” a lo 4 Fantásticos, que en Japón va ya casi por los 600 episodios: vamos que ni Goku ni Santa Barbara le hacen sombra en duración.

De ahí lo llamativo de esta versión: no es muy habitual ver temas occidentales, y mucho menos de gente consagrada, como es el caso de Avril Lavigne, en el anime japonés, aunque sabiendo el tirón que tiene la canadiense en el país del sol naciente, tampoco es de extrañar que ella haya sido la elegida para una serie con tanta solera.

Y bueno, tras las aclaraciones cinematográficas, queda decir que el tema… pues eso; que si el original era aburrido, la novia de Chad Kroeger consigue incluso que su versión sea soporífera cuánto menos ahondando en el aspecto balada del original más que en las guitarras y dándole un toque oscuro que así, a priori y conociendo One Piece no sé a cuento de qué viene en la película más allá del gancho comercial. Eso sí, los fans de unos y de la otra estarán contentos: lo que el mundo rosa ha unido, que no lo separe la música.

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Hay discos que nunca entrarían a formar parte de las listas de lo mejor del año. Por no alcanzar unos niveles mínimos, porque el artista o banda de turno es demasiado popular (o sea, mainstream) o porque el estilo que practica(n) no interesa. Posiblemente, ese sea el caso de Pusher, el álbum con el que Orbital alcanzan ya el tres en su cuenta particular de bandas sonoras. Aunque claro, no es por el hecho de que sean ellos, o porque su estilo no interese, sino porque es realmente difícil encontrar una banda sonora en esas listas. Y bueno… las cosas por su nombre: en esta ocasión, esta banda sonora no es precisamente de lo mejor del año.

Otros de sus “congéneres”, como The Chemical Brothers con Hanna y Daft Punk con Tron Legacy, ya han probado suerte en el sector con cierto éxito, así que parece un terreno abonado para proyectos como el de Orbital y su electrónica si bien, y, a diferencia de los otros dos dúos, el de los Hartnoll ya conoce bien el terreno, contando en su haber otro par de soundtracks como los de Octane o Event Horizon, así como la revisión del tema central de El Santo (Youtube). Al fin y al cabo, sólo hay que aplicar los mismos métodos de trabajo que ya se emplean a la hora de poner música a películas, aunque, en lugar de emplear música orquestal se haga desde un estudio bastante más pequeño y delante de ordenadores y sintetizadores.

Orbital, sin orquesta para ellos

Pero pongámonos en situación. Al hablar de Pusher, estamos hablando de una remake de la cinta del mismo título del director danés Nicolas Winding Refn, dirigida por el español Luis Prieto. La historia, es básicamente la de un traficante que “toma dinero prestado” de su jefe, pensando que no habrá problema alguno para devolverlo, aunque la cosa se complica y se le va de las manos.

Orbital – Pusher Theme

Nicolas Winding Refn dio su bendición al proyecto hasta el punto de implicarse en él a modo de productor, así que los más avispados habrán pensado que esta banda sonora podría convertirse en objeto de culto de la misma forma en que lo ha hecho la de su más reciente obra, Drive. Nada más lejos de la realidad. Lo que nos ofrecen Orbital a lo largo de los 26 temas del tracklist (23 propios y 3 de otros artistas) nada tiene que ver con las atmosferas que crea la música de Drive, y mucho menos con la música mucho más instrumental de trabajos como el de Daft Punk en Tron Legacy.

En ese aspecto, la música creada por Orbital está más cerca de la de los hermanos químicos para Hanna que la del dúo robótico galo. Mientras los franceses se dejaban un poco a un lado su identidad sonora para adecuarse a las exigencias de Disney y sonar de una manera más clásica, los británicos mantenían su personal electrónica y, conseguían mezclar de forma creíble su propio universo sonoro con el de la música para películas.

Orbital por el contrario, siguen la fórmula de los Chemical Brothers, pero caen en tierra de nadie y no consiguen cumplir con los objetivos de la misma manera. La música que proponen para Pusher se basa en temas muy cortos, algo normal en la música para películas, completamente electrónicos; ellos no sienten la necesidad de usar música orquestal o mezclarla con música de sintetizadores, y, en su mayoría nos ofrecen temas que no llegan a ajustarse al estilo que practican habitualmente, quedando un álbum difícilmente disfrutable por separado de la película.

23 Track 23 Guns And Party

En el álbum, los temas carecen de cohesión alguna, y son casi pequeños fragmentos de música de baile con otra más oscura y dramática, que, acompañando a determinadas imágenes de una cinta violenta como esta pueden funcionar muy bien, pero que así, por sí mismos no dicen prácticamente nada.

Algunos de los cortes de esta banda sonora se ajustan más al estilo de los hermanos Hartnoll, como por ejemplo el encargado de abrir el disco, ‘Pusher Theme’ o ‘Cutting And Doing’, aunque debido a lo escaso de su duración, cuando comenzamos a disfrutarlos se han diluido en algún tema mucho menos llamativo.

Tenemos también algún viejo conocido por ahí, como ‘Wonky’, que aparece aquí reconvertido en ‘Driving And Clubbing’ y convenientemente acortado, perdiendo gran parte de su gracia, que se concentraba en el final del tema original.

‘Chase’ es una mezcla entre los temas atmosféricos que dominan la mayor parte de la banda sonora con la electrónica más desenfrenada que sugiere una película de este tipo. Sirve además para preguntarnos por qué son tan escasos estos momentos en el disco, siendo esos momentos etéreos, cargados de tensión y de atmósferas oscuras y opresivas, como ‘Turkish Tension‘ o ‘Bridge Deal‘ los que llevan la voz cantante en casi toda la partitura (si es que un trabajo como este se puede llamar partitura, claro).

Marcus Marr – The Music (Instrumental)

Pusher: ¿a la tercera (banda sonora) va la vencida?

Lo mejor del disco se concentra hacia su parte final. Por un lado, cuando Orbital se sienten más libres y dejan correr los minutos les salen temas que, al estar menos encorsetados nos ofrecen la esencia de su música. Los algo más de 11 minutos de ‘Go With The Flo’ o el algo más corto ‘Guns And Party’ son exactamente lo que todos los seguidores del dúo buscaríamos y esperaríamos oír en uno de sus discos.

Por otro lado, los tres temas incluidos al final del disco son todo un acierto. Se mantienen dentro del estilo general del disco y no desentonan demasiado con la música de Orbital. No se han ido muy atrás en el tiempo para encontrarlos; de hecho, el más antiguo de los tres es el firmado por Austra, ‘Beat And The Pulse’, mientras que el ‘The Music’ de Marcus Marr es el contrapunto perfecto a la tensión creada por Orbital en sus 23 temas, gracias a ese toque ochentero y divertido que luce.

Orbital – Go with the Flo

‘Higher’, de Lloyd Perrin bien podría venir firmado por los mismos Hartnoll y no nos estaríamos llevando ninguna sorpresa. Es otro tema que no se sale de la línea musical de Orbital, aunque si de lo que ofrecen en Pusher; siendo más bien digno de cualquiera de sus álbumes convencionales.

En resumen, estamos ante una banda sonora, y, como en tantas ocasiones no funciona sin las imágenes a las que acompaña. Los temas buenos son muy buenos y se pueden escuchar perfectamente por separado, pero el conjunto es demasiado amplio y la mayor parte del listado hace aguas a la hora de mantenerse por sí mismo y desmerece a lo que sobresale. Orbital se mantienen dentro de sus límites habituales pero a la vez se salen de ellos, sobre todo al ser un dúo que acostumbra a ofrecer temas bastante largos y este lenguaje tan escueto les es un poco ajeno.

No hay necesidad de pasarse las dos horas de música que ofrece el disco ante el reproductor porque de ellas la mayor parte de los minutos no nos dirán absolutamente nada. Mejor irse directamente a lo seguro; los dos temas del principio y los cinco del final, y ahorrarse una parte central aburrida y prescindible que nos muestra a Orbital como peces fuera del agua.

Pusher, tracklist:

01. Pusher Theme
02. Pay Me The Money
03. Driving And Clubbing
04. Turkish Tension
05. Bridge Deal
06. Cutting And Doing
07. Chase
08. Cell
09. Frank Mirror
10. Haken Bar
11. Serious Pet Shop
12. Vvip
13. Heroin Bath
14. Pet Shop Suicide
15. Frank Car Freak
16. Kiss
17. Coffee Kneecaps
18. Cab To Danaka s
19. Safe Kitchen
20. Party Freak
21. Post Nipple
22. Go With The Flo
23. Guns And Party
24. Lloyd Perrin – Higher
25. Marcus Marr – The Music (Instrumental)
26. Austra – Beat And The Pulse (Still Going Remix)

En Hipersónica | Orbital – Wonky: cambiar de sonido para que todo suene igual