La religión y el misticismo siempre han estado muy presentes en la vida artística de Edwards ya desde tiempos de los aclamados 16 Horsepower, banda de la que WovenHand fueron una escisión paralela que se transformó en continuación tras la disolución de los primeros en el año 2007.

El misticismo como cebo y la tragedia como trampa

Para un ateo confeso y marcadamente practicante como un servidor la fuerte religiosidad de todo lo que desarrollan WovenHand podría actuar como un elemento disuasorio, sin embargo, paradógicamente sucede lo contrario, ya que precisamente en ese misticismo teatral y trágico es donde encuentro el principal atractivo de la banda y la carrera artística de Edwards. No se trata de obviar o ignorar la vertiente “evangelizadora” de la música de este oriundo de Colorado (USA), sino de tomársela como uno se toma el misticismo presente en la obra renacentista de Leonardo da Vinci, El Greco o Miguel Ángel (obviamente huyendo de las comparaciones), es decir, como un mero elemento más de una pieza que artística o técnicamente es exquisita.

Lo primero que nos viene a la mente cuando escuchamos a WovenHand es la notable influencia que bandas como Bauhaus o los primeros Sisters of Mercy han ejercido en la evolución artística de David Eugene Edwards, lo cual se hace patente nada más escuchar las primeras voces presentes en ‘Long Horn‘, el comienzo de The Laughing Stalk. Peter Murphy invade la garganta de Edwards y se adueña de ella, dejándole una voz rota y áspera ideal para cantar al apocalipsis y el viaje a los infiernos de la espiritualidad humana.

Sin embargo, la presencia gótica no es más que otro ingrediente más de una propuesta que se centra en la música de raíces norteamericanas (hasta aquí llegan los tentáculos del maestro Neil Young), en la cultura india y sus músicas folklóricas y lo abyecto de la conciencia humana, todo con ello mediante una medievalidad que se encarga de cohesionar todos los elementos anteriores.

La luminosidad asoma pero David Eugene Edwards logra esconderla

The Laughing Stalk no es más que otro ejercicio circense en el que David Eugene Edwards nos presenta una función en la que el apocalipsis y el mal se enfrentan a la salvación y la bondad en un oscuro y trágico escenario en el que almas tortuosas danzan al ritmo del lóbrego folk rock que WovenHand nos traen.

Los momentos más lúgubres son norma, aunque por momentos parece que la luz entra en la propuesta musical de la banda cuando la voz de Edwards así lo anuncia de forma repentina, momentos que afortunadamente son breves pues lo que le pedimos a WovenHand está más que claro, queremos oscuridad y castigo a nuestros pecados, no queremos ni optimismo ni salvación pues no la merecemos.

Sumando rock a todo lo anterior

Para los fans este disco ha significado una ligera decepción pues han encontrado fuera de lugar esa apuesta por endurecer el sonido de la banda, pero personalmente un servidor considera que es un elemento más que necesario para cohesionar todo eso que David Eugene nos quiere contar, atendiendo sin duda al endurecimiento del mensaje transmitido y la realidad que WovenHand pretenden describirnos en este álbum.


Estoy convencido de que WovenHand pueden perfeccionar esta fórmula, ya que a pesar de la gran calidad del álbum se percibe algún que otro altibajo que roba futura trascendencia a la apuesta de este 2012. Sin embargo, momentos como ‘Long Horn’, ‘King O King’, ‘Maize’ o ‘Glistening Black’ son argumentos más que suficientes como para considerar a The Laughing Stalk como uno de los mejores discos de este tragico año que al fin, parece que termina.

Tracklist de The Laughing Stalk:

Sitio oficial | WovenHand
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Tampoco era el miércoles buen día para un concierto en la ciudad, al menos eso es lo que a priori podría parecer. Me temía lo peor en la Sala Acapulco, una total desolación, porque los merengues se jugaban su paso a la final de la Champions. Y no fue ni lo uno ni lo otro, mientras en una pantalla los más fanáticos acababan abducidos por ese nuevo opio del pueblo, los teloneros, los locales The Pilgrim Rose, mostraban su repertorio de country.

Aunando os tradiciones a priori reñidas: country y punk

Se demoró el comienzo del recital de Bob Wayne & The Outlaw Carnies, no tanto como el final de un partido que acabó a penaltis y los que se habían quedado viéndolo jugaría que mostraban una sonrisa de oreja a oreja. Mientras tanto este songwriter, con aspecto de paleto sureño, de Alabama más concretamente, había descargado una buena parte del arsenal sonoro que traía en su bandana.

Presentaba Till The Wheels Falls Off su segundo disco internacional con People Like You, un sello especializado en punk que ha tenido muy buen gusto a la hora de su fichaje, pues este sureño reúne dos tradiciones, a priori como el agua y el aceite, como son el country y el punk.

No en vano, su gran valedor y amigo ha sido Hank III, nietísimo de Hank Williams Sr., y miembro de los hibernados Superjoint Ritual, donde él también hubiera encajado.La herencia de Waylon Jennings, Johnny Cash o Merle Haggard si estuvo presente pero esa actitud punk, los tatuajes y su pasión por las carreteras le delatan como un auténtico outlaw.

Porque además de sus adicciones, superadas o no, él country para él ha sido como una tabla de salvación que lo ha sacado de la cuneta. Y en directo, y con una dispar banda de apoyo, The Outlaw Carnies, con una nueva alineación que comenzó la gira el 8 de marzo en Nashville (Tennessee): Liz Sloan (violín), Jared McGovern (contrabajo), Ryan Clackner (guitarra) y Joe Mitchell (batería), un veterano que sin grandes aspavientos fue quien llevó el ritmo con el punki contabajista.

Da gusto ver como Bob Wayne y sus músicos improvisaron un magno repertorio en el que hubo temas de sus dos álbumes y ‘Workin’ Man’, aquel dueto de su cosecha que grabó con su amigo Hank III en Damm Right, Rebel Proud. Empezaron por el nuevo single, Till The Wheels Fall Off y no hubo ningún momento de bajón.

Disfrutamos en grande con temas tabernarios como ‘There Ain’t No Trucks in Heaven’, auténticas virguerías más folkies como ‘Devil’s Son’ e incluso una anti canción de amor en forma de balada ‘Love Songs Suck’. También recupero ese himno canalla a su tierra natal ‘Everything’s Legal in Alabama’, un tema muy épico y fronterizo, con voz más grave, que es ‘Reptile’ o la añeja ‘My Only Friend’, muy Pete Seeger, que encontramos en Blood To Dust, una de sus múltiples CD-R publicado en 2009. En menos de un año ha pasado por estas tierras dos veces pero repetiremos. ¡Hell Yeah!

Facebook | Bob Wayne
Fotografías | Víctor R. Villar en Flickr
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Gretchen Peters no es ninguna recién llegada. Con siete discos de estudio a sus espaldas y dieciséis años de carrera ininterrumpida, se trata de una de las cantautoras de influencia country más asentadas e interesantes de la actualidad. Con el suficiente peso como para convertirse ella en influencia y no en influenciada, ha escrito su nuevo trabajo, Hello Cruel World, como una compilación de situaciones cotidianas no carentes de lirismo tratadas con una profunda ironía y una intimidad expuesta que nos hace sentir voyeurs por momentos.

Todos los sentimientos que aparecen deslizándose canción a canción por el ajustado tracklist de once temas están teñidos por cierta amargura, cierto regusto ácido con el que trata cada uno de los momentos universales de los que habla. Aborda así desde la maternidad hasta el desengaño agridulce, los problemas familiares y casi cualquier otro tópico común donde todos nos terminamos encontrando, tarde o temprano.

La pérdida (in)voluntaria de oportunidades

El trayecto vital de cualquier persona discurre inevitablemente entre la pérdida de oportunidades y las elecciones erróneas que hacemos y con las que debemos vivir. Peters recoge todas estas baldosas del camino y las coloca en forma de canciones llenas de una profundidad no obligada; ninguno de sus temas se fuerza sobre ti, sino que te plantea una ventana por la que entrar. Tuya es la decisión de quedarte y ver lo que hay más allá, o de pasar de largo hacia la siguiente tras un vistazo superfluo.

Vídeo | Youtube

Todo este bagaje se condensa perfectamente en los dos primeros versos que abren el tracklist con la canción que da nombre al disco, ‘Hello Cruel World‘:

Haven’t done as well as I thought I would
I’m not dead but I’m damaged goods

La metáfora para plasmar estos momentos de grisácea resignación se hace patente en canciones como ‘Saint Francis‘ o ‘The Matador‘, donde la identificación no elude ni al más despistado. Quizá no sea en este aspecto su técnica más acertada, pero es eficaz como pocas. Esa afición inherente al ser humano a involucrarse en relaciones complicadas con personas imposibles.

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El tono se aligera, por suerte y para evitarnos una depresión de caballo, en la colaboración central del disco, ‘Dark Angel‘. En ella aparece Rodney Crowell en un tándem sensacional que condensa la esencia del country, esos dúos de desamores compartidos que terminan arrancando una sonrisa a todos los que han estado metidos en esa misma harina.

There is no heaven, there is no hell There’s only you, my dark angel

Vídeo | Youtube

La zona central culminante funciona a la perfección como desengrasante, tanto por este tema como por el siguiente que encontramos en el tracklist, ‘Woman On The Wheel‘, una sucesión encadenada de malas decisiones encarnadas en la figura que da título al corte.

Had a sweet little baby in Coeur D’Alene, he was an acrobat
Took me out on the wire man i never knew love could feel like that
But in the end he was a man who couldn’t keep his feet on the ground too long
In the end it’s just another highwire act gone wrong

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El descenso al recuerdo

‘Five Minutes‘ es el tema más representativo de todas las cualidades que Peters tiene como compositora e intérprete. Estilísticamente simple, todo el peso recae sobre la historia de la letra, una narración vital en toda regla, desde el recuerdo de la pérdida del amor adolescente hasta una actualidad marcada por las decisiones del pasado, que pesan incluso en generaciones posteriores.

Son mujeres cotidianas, mujeres con las que puedes cruzarte en cualquier situación profana, que no viven vidas de película ni amores desgarrados de novela. Son mujeres complicadas que se debaten entre lo que se supone que deben hacer y lo que realmente desean hacer. Como dice la propia Peters, tómate otro trozo de tarta, otra copa, otro cigarrillo.

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La segunda mitad del disco se compone esencialmente de una cadena de tristes acontecimientos amorosos que recordar acodado en la barra de un bar, envueltos en tiempos lentos donde la música instrumental no es más que una excusa para soportar la voz de Gretchen Peters. Perfectos monólogos con traducción melódica.

En ‘Camille‘ volvemos a encontrarnos con una mujer que lleva a sus espaldas una carga edípica, un equipaje traumático de una infancia traicionada, donde el eje de la confianza de quiebra convirtiéndose en el centro del tumulto, en la espina hincada entre la uña y la carne, durante años.

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La penúltima canción del disco, ‘Idlewild‘, mezcla el recuerdo de una familia que no es inmune a rupturas, que es quebradiza y frágil, con el de la política de los años sesenta. Los enfrentamientos callejeros diarios en la lucha por los derechos civiles en el marco de una guerra que nadie deseaba y donde el asesinato de los líderes políticos se convirtió en el pan nuestro de cada día.

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Gretchen Peters compone en Hello Cruel World toda una propuesta coherente y cohesiva, con un hilo narrativo que empieza desde el primer verso y que no pierde pie en ningún momento a lo largo de las once canciones. Once canciones íntimas, de una profundidad humilde e irónica que permiten atisbar más allá de las notas, más allá de la metáfora, a otra época, otras personas y otras historias. Pero que, en el fondo, nos son comunes a todos.

Año tras año, la fiebre por el tema villancico prende a finales de noviembre, y este mes no iba a ser menos. The Killers son unos aficionados tremendos a esto de sacar canciones navideñas, y desde hace cinco años, cumplen religiosamente y lanzan un villancico siempre por estas fechas.

Es más, este año les ha dado la vena más solidaria y no sólo van a lanzar un villancico, sino que tienen preparado todo un EP que recoge todas las canciones anteriores y la nueva de este año, a la que han bautizado como ‘The Cowboy’s Christmas Ball‘. Ni que decir tiene que los rendimientos económicos que The Killers obtengan a raíz de esta venta irán destinados a la campaña que ya conoceréis, Product Red, liderada por el omnipresente Bono, y que se dedica a la lucha contra el SIDA en África.

‘The Cowboy’s Christmas Ball‘ es en realidad una canción original de Michael Martin Murphey, uno de los míticos del country americano con más de treinta álbumes a sus espaldas y un porrón de nominaciones a una cantidad ingente de premios.

Es bastante fácil imaginar a Brandon Flowers eligiendo este tipo de música para el villancico de este año, y lo cierto es que independientemente de que el country pueda gustar más o menos a este lado del charco, se agradece el ritmo y el bueno rollo que transmite. Si es que dan ganas de echarse a bailar cogiéndose unos a otros del brazo.

Vía | NME
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Taylor Swift le ha sacado todo el jugo posible a su último disco, Speak Now, con la friolera de cinco singles, un envite que no aguantan muchos en el panorama más comercial a día de hoy. El disco ha vendido más de tres millones y medio de copias en todo el mundo, pero ya va siendo hora de que empiece a pensar en cuál será el siguiente paso en su carrera.

De momento no parece estar muy preocupada por el asunto, en parte quizá debido a la gira que la está llevando a recorrer cuatro continentes con un total de más de cien fechas. De hecho, el último single que ha lanzado Taylor Swift, ‘Sparks Fly‘, tiene mucho que ver en este sentido, ya que es el corte con el que abre sus conciertos. Sin embargo, no es ni de lejos su mejor elección hasta la fecha, y podríamos decir que es el sencillo más flojo de todos los que han salido de Speak Now. Carece de la pegada en el estribillo de su inmediato predecesor, ‘The Story Of Us‘, ni de la tranquila lírica que sí comparten un buen número de cortes del tracklist como ‘Enchanted’.

El vídeo de ‘Sparks Fly’, como bien habréis supuesto, nos la muestra en el pleno apogeo de sus macro conciertos capaces de llenar estadios verdaderamente descomunales sin sentirse apabullada. Un pequeño cebo para quienes todavía no la hayan visto en directo y tengan la oportunidad, y un recuerdo para los que acudieron a cualquiera de sus citas.

Vídeo | Youtube

Amy LaVere se ha tomado cuatro largos años para lanzar su nuevo álbum desde que Anchors and Anvils vio la luz en 2007. Cierto es que hubo un EP entre medias, pero tras la salida al mercado de éste, la composición de la banda de LaVere se fue desintegrando progresivamente. Su mentor, Jim Dickinson, murió en 2009 tras una cirugía cardíaca y poco a poco todo se fue desmoronando.

Steve Selvidge, el guitarrista, y Paul Taylor, el batería, salieron del radio de acción de LaVere y ella tuvo que recomponerlo todo antes de poder continuar con la grabación de Stranger Me. Finalmente, y como podréis imaginar, lo logró, en parte con la ayuda de Craig Silvey, productor que acababa de participar en la grabación de The Suburbs, y Rick Steff, que ha añadido a los teclados un toque feérico perfecto para algunos cortes.

Experimentando hacia la evolución

Stranger Me conserva la esencia de los anteriores trabajos de la bajista, pero supone un salto adelante en lo que a riesgo se refiere y en la búsqueda de ese lugar de la música americana donde finalmente puede verse encajar. Para ello ha retomado el drama lírico que plagó su anterior álbum y lo ha dado una nueva vuelta de tuerca, acercándolo más a la crisis personal y combinándolo con una instrumentación que compone lo más interesante del disco.

Con ese aire sureño que da a cualquier balada un giro en el que es imposible imaginar qué va a terminar sucediendo. Alejándose del típico relato de chico conoce chica, chica se enamora, chico la abandona, chica llora, LaVere se imagina a sí misma dándole la vuelta a la tortilla y tirando el cadáver el interfecto al Missisippi.

Vídeo | Amy LaVere – Red Banks (Youtube)

El álbum abre con uno de los cortes más impecables, por no decir el más redondo del tracklist. ‘Damn Love Song‘ resume en cinco minutos lo que podremos encontrarnos canción a canción. Es un clímax a partir del cual poco a poco se va deshaciendo de cuanto no necesita, simplificando la ecuación hasta culminar en la creación de una atmósfera turbia, agridulcemente oscura que viene fundamentada en gran parte por la habilidad que tiene LaVere para componer desde el lado menos luminoso de la realidad. La disonancia, usada con discreción, y las tonalidades menores, presentes en casi todos los cortes, contribuyen a este ambiente de resaca, de tristeza tras el abandono.

La redención llega en pequeñas dosis

Stranger Me está salpicado de pequeños instantes en los que la ironía arranca una sonrisa, en que LaVere plantea una ofrenda pacífica, en que la amargura sarcástica se suaviza y se deja entrever que hay algo más allá del regocijo en la pérdida. En este álbum pasa por los cinco estados del duelo, algunos con más peso que otros, pero la aceptación termina llegando al final de la compilación, por un lado reconociendo el sufrimiento y por otro buscando la esperanza más allá del dolor actual.

Vídeo | Amy LaVere – Cry Me Eyes Out (Youtube)

Esta purga emocional en progresión termina con tranquilidad, con paciencia y con ganas de continuar, a pesar de los deseos frustrados de asesinato, de las lágrimas devastadoras y de las ansias de venganza desesperada. Quizá la única canción que se desmarque de esta línea argumental es la versión que hace de la canción del 78 de Captain Beefheart ‘Candle Mambo‘, una reinterpretación muy personal que encaja en la tónica instrumental del resto del disco pero que descoloca en cierto modo respecto del resto del tracklist.

Amy LaVere continúa con enorme coherencia su carrera, construida con gran solidez con discos como este Stranger Me, donde da un paso más allá sin perder su planteamiento vital y abordando de nuevas maneras los problemas de siempre.

Taylor Swift ha ido acumulando últimamente el estreno de los videoclips de sus últimos dos sencillos. El que acompañaba a ‘Mean‘, su tercer single, apareció a primeros de mes y sólo un par de semanas después ha decidido sacar el vídeo de su cuarto single, ‘The Story Of Us‘.

La canción es uno de los cortes más entretenidos del tracklist de Speak Now, donde Taylor Swift se aleja de su parte más delicada y apuesta por un perfil más cercano al rock pero sin perder esas raíces country que sustentan todo el estilo del álbum. Con casi cinco millones de copias vendidas, puede decirse que su fórmula le funciona, sin necesidad de intentar explorar el territorio del pop mainstream tan superpoblado y aburrido últimamente.

El vídeo, dirigido por Noble Jones, nos muestra una vez más los esfuerzos de la cantante y su entorno por intentar crear piezas que tengan algún tipo de correspondencia con la historia que se narra en la canción y buscar así potenciar lo más importante que Swift considera que tiene su trabajo, lo que se cuenta y lo que inspiró cada una de estos temas. Ahora bien, tampoco podemos decir que hayan descubierto la penicilina…

Vídeo | Youtube

Taylor Swift es una de esas raras aves que pueblan la fauna comercial rodeadas de buitres y flamencos de plumas teñidas y a las que no se les pega ni lo artificioso ni la chabacanería de muchas de sus compañeras aladas. Con su más que digno tercer álbum, Speak Now, esta joven de aspecto tímido y vocecilla cálida ha ido escalando poco a poco hasta convertirse en una de esas artistas que merece la pena tener en cuenta.

‘Mean‘ es el tercer single de este álbum, y a pesar de que ya hay un cuarto – ‘The Story Of Us’ -, su correspondiente vídeo se ha hecho esperar un poco más. La canción refleja a la perfección lo que nos podemos encontrar en líneas generales en su disco, una propuesta tremendamente sencilla, con un aire country sutil pero bien sazonado y con letras personales sin ornamentos recargados ni barroquismos innecesarios.

El vídeo de ‘Mean’ nos muestra a una Taylor Swift narrando las tristes historias de cuantos han sufrido en sus carnes la exclusión social en entornos especialmente dados a la hijaputez como son el instituto o el trabajo. Esto es algo que ya han hecho otras como Pink con quizá demasiado ahínco y dramatismo, así que se agradece que se aborde la cuestión desde cierto punto de vista caricaturesco y con frescura. Que para culebrones ya tenemos la sobremesa diaria.

Vídeo | Youtube

Pocos artistas han sido tan explotados a título póstumo como Johnny Cash, pero en el caso del Hombre de negro el expolio está hasta justificado, porque gracias a ello estamos disfrutando de grandes obras como American VI: Ain’t No Grave que de otra forma habrían caído en la cruel nada. Iniciativas como The Johnny Cash Project tampoco están nada mal, y ayudan a acercar esta irrepetible figura a nuevas generaciones de oyentes que probablemente no hubieran tenido otro contacto con el country.

La idea consiste literalmente en colorear fotograma a fotograma el videoclip de ‘Ain’t No Grave’, empleando para ello las herramientas que se ponen a nuestra disposición en la web del proyecto. La aplicación de dibujo es bien sencilla, así que no hará falta ser ningún experto en diseño gráfico para poder aportar nuestro granito de arena a la causa, por supuesto exclusivamente en blanco y negro.

Al acceder a la página se nos permite elegir entre varios fotogramas que aún están disponibles, y como podéis comprobar en el vídeo que encabeza estas líneas, la cosa está quedando bastante maja por el momento. Una interesante oportunidad de formar parte de pequeño aunque significativo pedazo de historia de la música.

Vía | Furia contra la máquina
Vídeo | YouTube
En Hipersónica | Figuras irrepetibles de la música: Johnny Cash >>> Johnny Cash – American VI: Ain’t No Grave: hurgando en el cadáver

The Hazards Of Love, su ambicioso disco de 2009, fue una suerte de experimento y como se dice vulgarmente: los experimentos con gaseosa. Esa obra de pro-rock conceptual me pareció una majarada y no esperaba que los de Colin Meloy pudieran sacarnos la espina que nos clavaron.

Claro está que comparando The King Is Dead con aquél uno parece el día y el otro la noche, uno la cal y la otra la arena, la claridad y la oscuridad. Uno entra a la primera, al otro costaba dios y ayuda entrarle, así que la balanza se inclina claramente hacia su nuevo álbum.

The Decemberists han vuelto al country, a las guitarras con raíces, a un country que les mantiene en la misma línea argumental trazada por popes como Bob Dylan o Neil Young. Las guitarras acústicas se parten el pecho junto a la pedal steel, el órgano, el acordeón, la pandereta, la armónica o el bouzuki.

The King Is Dead, country en la acepción de Dylan o Neil Young

Picaresque (Kill Rock Stars, 2005) fue un muy buen disco pero yo sinceramente prefiero The Crane Wife (Capitol, 2006), su salto de una indie a una multinacional que les sirvió más que nada para tener mucha más promoción y llegar a otro público. En un escalafón inferior se sitúa The King Is Dead, en el que parece que los de Portland están de vuelta con las pilas puestas.

Nos volvemos a encontrar con un cancionero cantado por Meloy y por Gillian Welch, una auténtica estrella del bluegrass y la americana, que aparece en siete de los diez temas, y cuyas voces empastan perfectamente. El enérgico y perfecto single, un corte redondo por cierto, Don’t By The Water (YouTube) es un buen ejemplo de lo dicho y la presencia de Peter Buck, hace que sus líneas de guitarra, o la mandolina en ‘Don’t Carry It All’, recuerden a los R.E.M. más roots.

The Decemberists van aquí al grano, no hay tiempo para chorradas, para ornatos excesivos. La producción que Tucker Martine a dado a The King Is Dead es tan simple que parece que el grupo está tocando en directo.

Si el single Down By The Water tiene vocación de clásico, ‘January Hymn’ y su reverso, ‘June Hymn’ (YouTube), son cortes melancólicos, íntimos, nada sobra ni siquiera la armónica dilanesca de Colin Meloy en el segundo corte.

Si estos cortes citados son buenos, ‘Rise To Me’ (YouTube) es el gran hallazgo del álbum. Un medio tiempo con todos los ingredientes del sonido Decemberists: Meloy cantando casi mejor que nunca, tocando la armónica como los ángeles, esa slide guitar que nos sitúa en el espacio y ese aroma tan folkie del Young de Harvest de los de Oregón.

Tracklist de The King Is Dead de The Decemberists

• 1. Don’t Carry It All
• 2. Calamity Song
• 3. Rise to Me
• 4. Rox in the Box
• 5. January Hymn
• 6. Down by the Water
• 7. All Arise!
• 8. June Hymn
• 9. This Is Why We Fight

• 10. Dear Avery

‘Calamity Song’ nos recuerda tiempos pasados y R.E.M. vuelve a estar en la mente del oyente y ‘Rox In The Box’ es un tema folk tabernario, para bailar tanto en bares de carretera como en un hipotético concierto en el festival de Lorient. Espectacular el violín de Annalisa Tornfelt, de Black Prairie. ¿Un notable? No, un notable alto. Y si eres un acérrimo fan te recomiendo la Deluxe Box Edition, una edición limitada a 2.500 copias que se vende exclusivamente en la página web del grupo a un módico precio de 165 dólares.

Sitio oficial | The Decemberists
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