Le va bien los días lluviosos a la música de los de Nottingham, pura melancolía, delicadeza y nostalgia, aunque el contenido de este nuevo trabajo, que hace el séptimo en una carrera con altibajos en las que los dos primeros álbumes, ambos sin título, y Curtains marcaron su cima compositiva, no lo aconsejamos para quien tenga la moral por los suelos.

En The Hungry Saw sigue habiendo ese rock de cámara de filiación nocturna al que nos tienen acostumbrados, donde el teclado y piano de David Boulter y el violín, aunque ya no lo toque Dickon Hinchliffe, siguen haciendo de las suyas como en el instrumental The organist entertains y The other side of the world con ambos a pleno rendimiento como partes fundamentales de los enrarecidos cuadros sonoros retro que nos bosqueja esta formación ahora reducida a trío.

Stuart Staples, que ha navegado en solitario, desde que en 2003 Tindersticks editaran Waiting For The Moon, se nos vuelve a mostrar como uno de los más melancólicos vocalistas del continente, especialmente en Mother dear, una tremenda pieza que cada vez que la escucho me dan escalofríos, lo mismo que me ocurre al darle al play y sentir la cortante melodía de Feel the sun, o el quejido hiriente de Boobar.

Sitio oficial | Tindersticks

Además, no tiene ese halo de outsider o de derrotado que muestra Quique González, una pena, porque el granadino tiene canciones suficientemente buenas como para llegar al público de aquél. Es más, escuchando Cartografía noto cierto parentesco con el autor de Avería y redención #7, sobre todo en algunos momentos del disco como Cuando el ángel decida volver, primer single con tema inédito, o esa balada que lo cierra llamada Algo me aleja de tí. ¿Mismas fuentes o deuda real de González hacia Lapido?

Pero al ex 091 en su quinta entrega, cuya portada me parece tan bonita como la de Estratexa, de Manta Ray, sigue libre como el viento, con su propia discográfica y sabedor que de la música no va a poder vivir como con la banda que fundó en 1982. En estas doce nuevas canciones Lapido, uno de los mejores letristas de este país, reconoce que ha volcado sueños, sentimientos, obsesiones o estados de ánimo, y las ha aliñado con aparato acústico y eléctrico, siendo en los medios tiempos donde mejor se desenvuelve.

Sitio oficial | José Ignacio Lapido

porque no sé / por dónde empezar / porque hay demasiadas palabras / para una sola idea / (...) / porque las imágenes siempre son más bonitas / (...) porque sólo nos queda un hilo de voz / porque la mayoría de nosotros / sólo ve fatalidad / porque sólo queda un hilo de voz / para expresarlo / ¿quién tiene ganas de seguir escuchándolo?

¿Cómo se afronta un disco que nace derrotado, que en su primera canción, la contundentemente rockera Entendre ça, te golpea a la boca del estómago y te susurra: “ahora trata de seguir en pie”? Me hubiese gustado no convertir esta crítica en una sucesión de citas de canciones, pero me es imposible. Música y palabra van más unidas que nunca y no es fácil hablar de unas sin mencionar las otras.

Nous (en) sommes encore là es el disco definitivo de Expérience y parece difícil también que la banda sea capaz de hacer algo después de esto. Es tan perfecto en desarrollo y en concepto que se vislumbra como callejón sin salida. Porque, además de contundente y rico en sonoridades, Nous (en) Sommes Encore Là es una de las escuchas más incomodas del año, no tanto por cómo dice las cosas sino por lo que cuenta.

Ejemplos: Une Larme Dans Un Verre D’eau (myspace escupe ¿por qué hay tantos humoristas y tantas depresiones? . A ratos parece que la banda francesa esté en pleno mitín político, en un partido creado por ellos mismos para una república invisible. Pero aquí no hay falsos telepredicadores; en La Verité aseguran:

la verdad puede ser subversiva si es que todavía podemos darle un sentido a esa palabra
la verdad no se encuentra en una canción que escuchamos por la radio

Al nuevo disco de Experiénce no se le puede separar de sus letras. Su sonido (mezcla de rap, rock metálico, noise y otras cuantas cosas más) es rabioso y a ratos oscuro como un pozo sin fondo (salvo en la fallida Something Broken o en la cerebral y muy Sonic Youth Il Y A Toujours Une Lumière), pero sus palabras pegan aún más fuerte y una vez que las entiendes no hay escapatoria posible:

No eres nada / pasan por encima de ti / sueñas con convertirte en alguien / para pasar tú por encima de los demás

Todo el álbum de Experiénce radiografía la sociedad moderna. Ni medio vacío, ni medio lleno: el vaso está roto y nuestra labor es reconstruirlo, aunque para ello tengamos que tragar toda la bilis, vomitarla y después empezar a pensar en cómo construir un futuro mejor (¿qué he hecho? / ¿en qué me he convertido?, grita Michel Cloup).

O comulgas con lo que dicen o poco tienes que hacer con el disco, eso es cierto. Pero si piensas parecido, Nous (en) sommes encore là es absorbente.

En realidad, la tesis del disco, transparente y a disposición de todos, está en el primer single que escuchamos hace tiempo, Les Aspects Positifs Des Jeunes Énergies Négatives:

es un homenaje a los decibelios que suben desde el subsuelo, a los beats que arrasan, a los riffs que lo parten,a las líneas de bajo que te destrozan el tórax.

Eso musicalmente. Líricamente también en esa canción está clarito:

al principio creemos que no hay otra cosa que nos pueda salvar hasta que nos damos cuenta que todo lo que nos queda es la belleza del gesto

Los aspectos positivos de las jóvenes energías negativas. Héroes en vez de ídolos. Acción y reacción. La belleza del gesto y lo crudo de las palabras. Pese a todo siempre hay una luz. Y nunca se apagará, que dirían los Smiths. Fascinante.

Robert Cray, que alcanzará el trono del blues una vez que fallezca BB King, tiene una especial sensibilidad para unir rhythm & blues con soul, pop y blues clásico, llevando su particular haciendo su peculiar propuesta muy atractiva para todo tipo de público. Estos discos no son los mejores de su discografía pero en directo los temas ganan, sobre todo Right next door y Smoking gun.

En este Live At The BBC nos encontramos dos enfoques distintos del blues de Cray, el de la grabación para Radio 1, con el apoyo de ese maestro que es el saxofonista de David Sanborn, y el de 1991, con una nueva banda más compacta al servicio de R&B con pellizco soul del guitarrista.

Sitio oficial | Robert Cray

Idolum es una obra maestra pesa a quien pese. Siete temas que son auténticas cargas de profundidad que te dejan noqueado a la primera escucha y aún así casi te ves obligado a volver a darle al play en plan masoquista. Y eso que el último tema, esa pieza granítica llamada Void/Elephantom, llega a los veintisiete minutos tras una primera parte inquietantemente earthiana y una segunda en la que un bucle de acople parece haberse multiplicado ad infinitum, rematándolo todo con un magma que bien podrían haber firmado nuestros Moho.

Para los seguidores de Dylan Carson, Neurosis, Isis y del catálogo de Southern Lord, incluso de los primeros Nirvana, de quien encuentro algún eco en Stigma, Ufomammut ha lanzado una edición limitada de quinientas copias que incluye un doble vinilo de ciento ochenta gramos con tema extra y el CD, envuelto en una carpeta serigrafiada a mano. ¡Me pido una!

Sitio oficial | Ufomammut

“Post-romántico”, define David Berman a Lookout Mountain, Lookout Sea. Es una gran descripción para el sexto álbum de una banda que no ha sucumbido a la tortuosa vida de su líder y que, además, hasabido reinventarse con tino.

Después de su intento de sucidido, ya entrado en el nuevo milenio, David Berman decidió dejar de ser, musicalmente, la persona que hasta entonces había sido. Abandonó la estética de baja fidelidad y abrazó el rock en un gran disco de resurrección, Tanglewood Numbers, que le dio más hits que toda su carrera anterior al frente de los Silver Jews. Nadie se quejó, a pesar de que sus discos siempre habían tenido a un puñado de fieles seguidores que bien podrían haber protestado por la nueva orientación. No sólo es que sonase más limpio, menos loco, mejor; es también que había grandes canciones, que la inspiración seguí a en el nivel más alto.

Ahora, con Lookout Mountain, Lookout Sea, Berman suena como el abuelo que narra batallitas de su vida. Y eso no es algo peyorativo: a este disco hay que escucharlo con la misma admiración que deberíamos tener por quienes, una vez que ya han vivido todo, lo recuerdan y nos lo cuentan porque, en el fondo, es su única posibilidad de que no se pierda en el vacío del tiempo.

Lookout Mountain, Lookout Sea tiene algo de batalla ganada a la posteridad. A Berman, con seis discos, ya no hay pegas que ponerle: sus textos siguen siendo inmensos, como el de Suffering Jukebox: la historia de la máquina de música que sólo tiene canciones tristes que casi nadie pincha, porque prefieren vivir fingiendo.

En esta canción, como en el resto del disco, Berman suena muy contenido. Quiere decirnos algo, pero no acaba de lanzarse, porque teme que la conclusión sea equivocada. O dolorosa. O falsa. Porque no sus protagonistas no se fían de los recuerdos, como tampoco lo hace David Berman o el abuelo de las batallitas, incluso aunque sean lo único que tienen.

Musicalmente, Berman compone 10 canciones con el Range Life de Pavement en mente y hace variaciones sobre ella una y otra vez, pero nunca suena monótono. No va a entusiasmar a nadie, excepto a aquellos que estén dispuestos a tirarse toda la tarde escuhándole y releyendo una y otra vez las letras. A gente dispuesta a “perder el tiempo” escuchando a los demás. Ya sé que eso ya no se estila, pero es algo que convendría no perder de vista.

Me alegra ver que Filter, después de 6 años sin actividad discográfica, todavía siguen en plena forma. Pese a que la banda lanzó su primer disco en el año 1995 no se puede decir que tengan una amplia discografía. Este Anthems for the Damned es el cuarto trabajo de los de Ohio…

Como nos adelantan en Soldiers of Misfortune, primer tema y single del disco, vamos a encontrar una buena dosis de melodías comerciales rodeadas de gordas guitarras por todos lados. Esto no quiere decir que Anthems for the Damned sea un disco blanducho, ni mucho menos. De hecho What’s Next, el segundo corte del CD, se aleja bastante de ese suave comienzo y apuesta por la mezcla de ritmos acelerados con otros a medio tiempo cargados de riffs asesinos.

Hay más temas en plan brutote, como The Take (bastante feo, por cierto) o el nu-metalero In Dreams, quizás el corte que más se aleja de la tónica general del álbum, aunque sólo sea por un rato. También tenemos tema acústico: Only You. Bastante bonito, aunque más cautivador resulta el corte final, Can Stop This, totalmente instrumental y muy ambiental.

No han venido a inventar ni a reinventar nada, pero su sonido sigue teniendo cierto encanto y me ha gustado volver a escucharlos de nuevo después de tanto tiempo.

Sitio oficial | Filter

Los Vengadores no tienen nada que ver con la mítica serie de los 60, es un grupo de Madrid que ahora presenta su segundo disco con Universal tras Sí. El sonido está bastante trabajado (detrás de ellos se encuentra Fernando Montesinos, productor de bandas como Pereza, El Hombre Gancho, La Pulquería…) pese a que las canciones se hacen un poco repetidas una tras otra, en las que las letras de amor y desamor se suceden con apariencia de mini hits vía 40 Principales.

Como decía DJ Yoda en la Rockdelux de mayo, de todo se puede sacar algo de provecho, y aquí el tema que más destaca es Si No Vuelves Hoy donde la combinación con los coros está bien lograda y el ritmo igual. Quizás Verde también se destaque algo más del resto con la voz de Coque Martín más tranquila.

Pero otros temas como Perdón o Nadie Como Tú son la repetición de lo mismo todo el rato, bien hecho sí, pero falta una mejoría en las letras que parecen las típicas cartas de amor de un adolescente a su novia. Canciones con estribillo y ritmo fácil, que tendrán en determinado público una buena acogida.

Sitio Oficial | Los Vengadores

No hay diferencias entre estos discos, bueno ni con anteriores entregas, porque el neoyorkino sigue fiel a unos patrones musicales invariables: cantautor con guitarra acústica y batería todoterreno con pegada de jazz que le marca el ritmo que necesitan las canciones, aunque Our party will be on the beach lleva un aderezo de piano y un aire muy Tindersticks y When we refuse to suffer se apuntala en su segunda versión con una guitarra eléctrica con riffs muy roqueros.

Estos dos temas son de lo mejor de un álbum en el que nos encontramos con una versión de Here it is, que me apuesto el cuello que a Leonard Cohen le va a hacer mucha gracia. El resto del nuevo cancionero del ex The Modern Lovers transita por la extravagancia, el surrealismo, la frase a punto de desafinar, y las guitarras sencillas y sumamente melódicas.

Incluso nos regala una impagable canción en castellano bastardo, chapurreado y mezclado con el inglés, Es como el pan, con una letra que sólo Richman podría escribir, y un tema en francés, Les printemps des amoreux est venu, con una malísima pronunciación que le da un encanto especial.

Wikipedia | Jonathan Richman

Bueno, pues no lo hacen, pero tampoco hay que alarmarse: Esta vida pide otra (aún no se sabe si es un título optimista o uno pesimista) logra el mismo nivel que Tachenko ya habían conseguido, aunque mejoran ciertos defectos (las letras cada disco van a más) y vuelven a dejar una sensación de que no dan todo lo que prometen.

Para empezar, está claro que Tachenko han perdido cualquier rastro de locura psicodélica que pudiera quedar del recuerdo de El niño gusano. Ahora, ellos son más que nunca una banda de pop hipervitaminado, powerpop en estado puro.

Pongamos como ejemplo No hay ley que lo sostenga, donde el espléndido trabajo de guitarras sortea su tufillo a más-de-lo-mismo gracias a la indudable mejora de la banda, a su mayor compenetración y a su pericia instrumental.

Puede también que nunca se vayan a sacudir del todo las expectativas que han levantado, pero hay talento para el pop, algo que no es tan fácil como parece.

Mejora también el apartado vocal, cada vez más clásico (en Robar y compartir, por ejemplo), aunque queda la duda de hacia dónde podrán seguir avanzando los maños, puesto que sus discos comienza dejar entrever el peligro de estancamiento. De hecho, algunos de sus fans manifiestan por los foros que Esta vida pide otra no es el salto cualitativo que esperaban.

A mí el disco me gusta, aunque su recta final se me hace demasiado larga. Y reconozco que no se me acaban de disipar tampoco las dudas de si Tachenko dejarán algún día una obra que les saque de una zona media del pop nacional. Un lugar en el que yo siempre he creído que no deberían estar, pero en el que, de momento, parecen más que cómodos.

Dice la hoja promocional enviada por su sello que “Tachenko somos todos”. Ya. Pero a mí me gustaría que dejaran de ser como yo y subieran el escalón.

Myspace | Tachenko

No Reply son ocho jóvenes artistas que entienden la música como Jamie Cullum entiende a Frank Sinatra, los clásicos desde una perspectiva moderna, además de estar bajo un prisma cuidado y con todo sobre la mesa. El jazz, el swing y el ska, incluso el dixieland, tienen su sitio en la propuesta de la joven banda, donde entre trompetas y bajo todo puede ocurrir.

En especial destacan cuando tocan los terrenos del jazz y sus aledaños, cuando prefieren confundir el límite entre un género y otro, temas como Dick Crazy que no desentonarían en un club neoyorquino de los sesenta u otros como Bad Joke en los que el ritmo varía más, prefiriendo los constantes cambios entre la voz de Alejandro Serrano. Las adaptaciones de la música de la que beben también se hacen un hueco, cogiendo el clásico Summertime (de Gershwin) y culminando con un contrabajo y una suave voz de Pahola Gutiérrez, y Everything Happens to Me, inmortalizada, como todas las que tocaba, por Sinatra.

Cuando derivan hacia el reggae y el ska, el fogonazo no es tan pegadizo, aunque sí que guarda su gancho; están más en la línea de grupos como The World/Infierno Friendship Society o Ska Cubano. Walls contagia, tiene una buena melodía, y en especial una letra reivindicativa (“Yes, pray… but don’t for hand guns.” “Everything you dreamed is burning down!”)

Todo esto lo acompañan de una pequeña botellita de un whisky conocido en el formato promo, un obsequio que no necesita su música. Nada de alcohol para poder disfrutar del ritmo o la energía de estos músicos. Ellos ya la ofrecen en cada tema y en directo tienen que ser pura dinamita. Swing para el 2008.

Un año después del magnífico Metheny Mehldau Quartet, el gran pianista, para mí junto a Keith Jarrett el mejor en activo, nos encontramos con este directo en el Village Vanguard neoyorkino con el gran Mehldau dejándose literalmente la piel con el bajista Larry Grenadier y el pianista Jeff Ballard, que sustituyó en 2005 a una pieza fundamental en el trío como Jorge Rossy.

Es un doble álbum en directo densísimo, con temas que van de los ocho minutos y pico hasta los veintitrés y medio, un tour de force en el que el trío sale reforzado con su magistral interpretación en la que estrenaron dos temas nuevos: Rubys’s rub y Buddha realm.

Pero aparte del material propio, no es extraño encontrarnos en este disco versiones de piezas ajenas al jazz, una curiosidad que honra a Brad Mehldau como mente abierta dentro de un mundo tan cerrado como el de los jazzmen. Abren con Wonderwall, exquisita apropiación de Oasis que el trío logra transformar en un tema nuevo.

Pero no es esa la única sopresa, revisan la bossa nova O que será, de Chico Buarque, Black hole sun, de Soundgarden, que llevan hasta los veinticuatro minutos en un auténtico espectáculo de improvisación, magia y talento del que Chris Cornell puede estar orgulloso, y se las apañan para llevar a su terreno More than you know, un lejano éxito de Barbra Streisand. Delicioso sería poco calificativo para esta grabación que se cierra con Countdown, de John Coltrane, quizás sublime le quede mejor.

Sitio oficial | Brad Mehldau

Aquel año publicaron Adrenalize, que no era como Hysteria (1987), posiblemente su obra maestra junto a Pyromania (1983), pero que dejó a sus seguidores muy contentos. Porque ni Euphoria, ni X colmaron las expectativas puestas en ellas.

Éste Songs From The Sparkle Lounge la banda británica no vuelve a aquel pasado en el que mezclaban como nadie metal, hard rock y glam rock, aunque intentan encontrar el camino perdido en temas como Bad actress o Nine lives, primer single en el que participa el cantante country Tim McGraw, pero yerran al ir por otros derroteros como en Go y C’mon, C’mon, temas auténticamente infumables. Incluso tiene cierta gracia la balada Love o un par de medios tiempos como Come undone y Only the good die young.

Sitio oficial | Def Leppard

La mayor traba que tiene este trabajo, a la hora de acceder a él, es acordarse de St. Elsewhere (2006, Warner). Una perfecta combinación de hits con electrónica y música negra que daba en la diana sin dilación, con Crazy o Smiley Faces como buques insignias para tirar adelante. En cambio The Odd Couple no tiene eso, no tiene hits, no tiene canciones que puedas ver un ritmo pegadizo, que te hagan bailar o disfrutar sin parar. Para entender bien este trabajo hay que olvidarse de la electrónica y el ritmo, hay que poner la mente en blanco y recordar la época del soul con gente como Sam Cooke o Sly and the Family Stone, pero eso sí, en su vena más lenta, nada de recordar el Stand! (1969, Epic) de los segundos, hay que ver a un Al Green influenciado, eso sí, bajo la psicodelia que Sly o Funkadelic tenían en su momento. Entonces ahí sí, el disco crece, y de qué manera.

Run (I’m a Natural Disaster) es el hit que todas las bandas lanzaban para poder competir en las radiofórmulas y tener así al público ganado y poder experimentar en el resto de canciones. Danger Mouse, productor y principal cabeza pensante del sonido de la pareja extraña, parece tener esa idea en la mente: arriesgar lo máximo, sin establecerse en lo fácil (si hubiese habido una continuación de su debut el camino hubiese ido rodado…) pero también satisfacer a alguna que otra persona para no cortar tanto por lo brusco. Por tanto, “Run…” es un dardo directo, de los que escuchas y tienes que subir el volumen para aprovecharlo al máximo. Pero ahí se acaba, ya no hay más, la velocidad, la electrónica, las ganas de fiesta se dejan de lado para apuntar alto al llamado neo soul.

Ahora es Surprise la que puede aunar bien lo que apuntan a hacer en el futuro. La mezcla es perfecta, una base tranquila, pausada y con una leve subida para el estribillo, mientras que la voz de Cee-Lo cada vez gana más enteros al situarse y recordar a los clásicos. Irónicamente, la canción que puede simbolizar el cambio es la misma que dice en uno de sus versos: “Don’t be surprised!”, función que hasta ahora Gnarls Barkley no han dejado de hacer. Going On tiene la estructura idéntica, de partes con más marcha y breaks más pronunciados, mientras que de fondo parece escucharse un órgano de iglesia. Como Blind Mary, más pop.

Por la vía lenta, de balada y más desnuda, le sigue el tema No Time Soon, una dura canción de amor emotiva, con un buen uso del coro en toda la canción; también Who’s Gonna Save My Soul?, estructura y mensaje igual que las tradicionales; y Neighbours más oscura.

Lo han vuelto a hacer, The Odd Couple es para escépticos que quieran comprobar que un grupo puede dar una vuelta de 360º y seguir siendo explosivo. Cuesta hacerse a la idea de la desaparición del ritmo, pero cuando se adueña de uno el disco, no te suelta, sino que cuanto más lo escuchas crece y crece, en especial la voz de Cee-Lo. Tienen una cultura música tan extensa que la próxima jugada puede ser otra de quitarse el sombrero.

Sitio Oficial | Gnarls Barkley

Aunque Air, el primer y único álbum hasta la fecha de Agua de Annique, tiene unos meses, he decidido reseñarlo a raíz del post de ayer donde comenté el trabajo que está llevando a cabo The Gathering sin Anneke van Giersbergen a la voz.

Anneke dejó The Gathering a finales del verano del año pasado para formar Agua de Annique, su actual proyecto, en el que se encarga tanto de las voces como del piano.

Lo que hemos podido disfrutar de la bonita voz de esta chica durante tanto tiempo no queremos perderla de vista, pero ¿es Agua de Annique el sustituto perfecto? Pues a mi parecer no del todo.

Air cuenta con la voz de Anneque, pero no con unas composiciones al nivel de las de los trabajos de su anterior banda. Las sensaciones son algo contradictorias: me gusta escuchar su voz, pero no me acaban de cuajar los temas.

El disco tiene momentos muy buenos, como ese arranque con Beautiful One o la algo más alegre My Girl, pero en general resulta un poco aburrido. La gran mayoría de temas son a medio tiempo y con estructuras bastante sencillas, algo negativo a medida que las pistas se van sucediendo.

Así pues Air resulta un disco para ser escuchado por partes y que calma la sed de escuchar a Anneke a medias.

Sitio oficial | Agua de Annique

Al disco debut de los Ruby Suns se le está poniendo al lado del de Vampire Weekend. Se les está emparentando por cómo desde una perspectiva de indie-rock USA se acercan a a otras músicas, de ésas habitualmente empaquetadas en la fórmula ambigua de “World Music”.

Y aunque no sea tan arrebatador como el de VW, queda claro en una primera escucha que la mezcla de psicodelia californiana, ritmos polinesios y experimentación asequible funciona muy bien.

Debe ser algo que han echado al agua, o un virus, porque las bandas indies de todo el mundo están incorporando a los continentes desconocidos a su manera de hacer música. Y todos a la vez: ya había cantos hawaiianos en Person Pitch, de Panda Bear, pero eso se entiende porque también los había en el fallido Smile de los Beach Boys.

Pero es toda una sorpresa que, a la vez, haya gente mirando a la Polinesia, a África y a a todo a la vez (ElGuincho, tropicalista con clase de sobra para ser considerado como algo más que “el Carlinhos Brown del indie”, que ya lo oigo mucho por ahí).

De hecho, el mismo disco de Ruby Suns pone las cartas sobre la mesa. Su última canción; Morning Sun, es el reflejo de lo que habrían sido hace cuatro años: una agradable melodía pop sin soprpresas, con una suave base shoegaze y poco más.

Pero en vez de conformarse con eso, los Ruby Suns han creado un potaje muy saludable, en un viaje por el Pacífico que parte del desierto californiano (Oh, Mojave, tremenda canción de roots rock alucinado), se monta en una tabla de surf en Baja California al ritmo de Brian Wilson, hace una parada en Hawaii mientras escucha el Caribou de los Pixies (There Are Birds) y acaba con en el otro extremo del mundo, disfrutando de las mismas delicias playeras que los hombres del Bounty, en un viaje meramente turístico.

Porque si algo se le puede achacar a Sea Lion es que su exceso de ambición, su amplitud de horizontes y sus ganas de ser casi una libreta de viaje musicada le hace perder algo de fuerza. Tal vez sea que soy incrédulo por naturaleza, pero no puedo evitar la sensación de que determinadas canciones lucen menos de lo que deberían porque han sido calculadas al milímetro.

Pese a su atmósfera de parque temático, Sea Lion se luce en un primer tramo de disco hermoso y no baja la guardia demasiado. Que pueda sonar en Port Aventura no es algo excesivamente malo, ¿no?

Hipo ha sido elegido por el festival Contempopranea como grupo revelación de 2008, por delante de otros como Klaus & Kinski o Band Apart. El premio del festival llega tras un 2007 en el que fueron finalistas del mismo certamen y del I Concurso de maquetas del Lemonpop; ganando además el I Concurso de maquetas de Badajoz. Un grupo que no ha dejado pasar las oportunidades que los concursos dan a los noveles, aunque sólo sea para que amplíen el alcance y el número de seguidores.

Detrás del grupo se encuentra Emiliano Fernández (también en Cajón de Sastre), cabeza pensante e impulsor de Hipo desde que en 2002 grabase una maqueta de forma casera. Está acompañado a partir de 2006, fecha en la que empieza de verdad Hipo, por Noemí Castillo, Joaquín Pagador y Rodrigo Gómez.

Son sólo cinco canciones pero convertidas en auténticas perlas cuidadas en un pequeño mini CD (el diseño es impecable) que crecen desde la sencillez. Es el recuerdo a un indie pop neblinoso, a un lo-fi que Sebadoh tocaba en algunos palos. Hipo más bien prefieren la tranquilidad antes que la potencia, aunque Después de un Tiempo sea un instrumental atractivo, de la mano de las guitarras, que tendrían que explotar más en próximas referencias. La aproximación a nombres del extranjero como Trembling Blue Stars y su pop hermético puede verse en Una Línea Roja, próxima a los primeros La Buena Vida, después Ama y ahora Nadadora (sin contar su último experimento electrónico). Dicho tema, entre finos punteos y tanta oscuridad en el susurro de la voz de Emiliano Fernández, crece cuando llega el final, más crudo y distorsionado.

El antes y el después va por la misma línea, casi inteligible la voz, pausado y hermoso. Cajon de Sastre se mantiene en la pequeña burbuja creada por las guitarras, y Negociación con apariencia de una subida tras un riff mantenido durante toda la canción y el dúo de voces con Noemí Castillo.

Hipo es una cita que no podrá faltar en el Contempopranea de este año. Ahora a la espera de poder disfrutar de nuevas canciones tan rápido como fue el paso de Apéndice (su anterior maqueta) a este Tormentoscopio. Una propuesta: Si este grupo lo cogiese como productor Julio de la Rosa, ¿qué saldría? Seguro que magia.

MySpace | Hipo

Los angelinos han incluído aquí el tema titular, que ya se conocía por el recopilatorio Trash Metal Warriors, más una nueva versión de Walk with death, de su EP Barrage Of Noise, el primer instrumental de su carrera, 100.000 strong, y un reprise de Lucifer’s infierno, el tema que abre sus conciertos.

Por lo que parece, Hirax y Katon W. De Pena siguen en plena forma y a pesar de no ser uno de los grupos más famosos de la escena trash podemos apostar a que se van a quedar bastante tiempo entre nosotros. De momento, la portada de este EP rememora los mejores momentos del estilo.

Sitio oficial | Hirax

Manual del Perfecto Cardiaco es la continuación de Sintonía Nuclear, el trabajo que les valió para presentarse en 2006 con Subterfuge Records tras ganar el Proyecto Demo de 2004. LA diferencia entre ambos trabajos se ve en el ambiente. Si su primero prefería más tenebrismo, atmósferas más apagadas y menos fuerza; el segundo va por un campo contrario. Siguen los mismos elementos, siguen las voces masculinas de Olatz y Charly muy presentes, pero ahora se sitúan con más presencia y fuerza; siguen las melodías oscuras entre bajo y batería principalmente, pero también se modifican para sonar más claros.

Detrás de los mandos, y como responsables de los cambios dos conocidos de la escena española: Juanjo Reig (Krakovia) y Guille Mostaza (Ellos, Krakovia) —además de contar con David Kano (Cycle, Krakovia) en la mezcla y masterización—. Con nombres así, (salvo Guille Mostaza que podría ser más pop) la intensidad del disco era de esperar.

Este cambio les da más papeletas para sonar mejor, con referentes como Alaska y Dinarama muy presentes (El Baile de los Huesos y Sidecar de Hielo recuerda mucho a ellos), sólo que el protagonismo de las voces prefiere caer en el componente masculino, algo que Alaska habría variado; también otros nombres como Los Nikis en su fuerza y habilidad para firmar hits pegadizos (Escalofrios bien podía haber sonado veinte años atrás en El Imperio Contraataca); y cómo no, Aviador Dro se pasa también pero sin sonar tan eléctricos (Gugenheigen).

Virüs abordan su propuesta entre guitarras y contundencia, en vez de caer en las manos del techno-pop como hacían los grupos a los que suenan; su campo es el electro-rock muy cercanos al punk y Manual del Perfecto Cardiaco se convierte en su mejor baza para contagiar a la gente.

MySpace | Virüs

Van Morrison ha escrito los once temas de este álbum, algo que no hacía desde Back On Top, que hace el trigésimo quinto en su carrera y además se ocupa de todo lo demás, incluidos arreglos y producción. Es un disco severo desde la portada, con un retrato del cantante hierático, casi enfadado, sobre tonos azulados.

Keep It Simple entronca con Pay The Devil, un disco completamente country, a través de Song Of Home, un maravilloso tema guiado por banjo y pedal steel guitar, con un solo de Hammond brillantísimo. Lo que más llama la atención son los preciosísimos arreglos de los temas, donde apenas hay metales como antaño y no se echan en falta con esos detalles de guitarras, violines, coros, teclados e incluso la armónica y el saxo que aporta el propio Van Morrison.

Sin duda el irlandés nos regala un cancionero que vale un potosí con su particular y madura voz que se adapta perfectamente al jazz, blues y soul, haciendo un ejercicio de introspección en temas como That’s entrainment o Lover come back, estando absolutamente pletórico en el blues swing How can a poor boy?, en el irónico blues Don’t go to nightclubs anymore y en la citada Song of home.

Sitio oficial | Van Morrison