Una ilustración propia de un boceto de Roy Lichtenstein o de Andy Warhol, es lo único que tenemos como imagen virtual de Los Invisibles, no hay más, ni fotos promocionales del grupo, ni siquiera una sencilla fotografía de los miembros de la banda. Los Invisibles en sí no son ni siquiera un grupo como tal, son un conjunto de amigos que se han reunido varias veces a hacer algunas canciones y se les ocurrió grabarlas.

La diferencia con el resto de grupos es que tras estas sesiones de amiguetes se encontraban músicos profesionales muy destacados de la escena española, encabezados por Banin Fraile (más conocido por ser el teclista y guitarra de Los Planetas), en lo que puede ser un proyecto personal del andaluz con el apoyo de, entre otros, Florent Muñoz, también guitarra planetero y de Julián Méndez, ex bajista de Lori Meyers.

Por ahora sólo hay una maqueta para escuchar, con canciones que a algunos les atraen más que a otros (Hikikomori la más destaca de ellas), pero Banin Fraile, quien nos habla del grupo, avanza que Los Invisibles en un futuro próximo le gustaría que fuese un proyecto más serio. Empecemos desde cero a conocerles.

¿De dónde viene el nombre del grupo?
De un tebeo de un escritor escocés, Grant Morrison. Lo recomiendo a cualquiera que tenga ganas de algo nuevo y excitante, aunque ya se han filtrado muchas cosas de él en el cine, Matrix lo fusila, pero ellos al menos fueron los primeros.

¿Con qué miembros ha contado el grupo?
Es un proyecto abierto, de hecho han entrado y salido ya algunas personas, pero los más participativos han sido Jose, batería, Julián, bajista y Floren. Ahora tengo planeado grabar algunas canciones con Limousine, un grupo buenísimo de Córdoba que sacaron un par de discos con Mushroom Pillow, también con un grupo nuevo de Granada, Possopotare, un curioso dúo de synth-pop ruidoso que prometen mucho, gente joven con ilusión y ganas que es lo habitualmente escasea cuando se ha pasado a la treintena.

¿Cuándo empezó el grupo como tal, año?
Antes que nada me gustaría decir que en realidad Los Invisibles no son un grupo como tal porque no ensayamos ni tocamos en directo, por ahora sólo nos juntamos para grabar. La primera vez fue hace un año aproximadamente.

¿Influencias?
La lista sería tan larga que me pasaría una hora diciéndote grupos y artistas porque son muchos años descubriendo y escuchando pero sin tengo que decirte algunos que he seguido escuchando y que me siguen gustando como el primer día esos podrían ser Brian Eno, Beach Boys, Van der Graaf generator, Velvet Underground, Neu, The Sonics, Kevin Ayers, R Stevie Moore, Ramones, Silver Apples, Syd Barret, Serge Gainsbourg, Psychedelic Furs, Mercury Rev, Broadcast, Morricone, Mancini… son los primeros que se me vienen a la cabeza.

¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?
Yo lo hago con dificultades pero reconozco que fuera de los circuitos de la industria es muy difícil.

¿Cómo veis la escena española?
Hace tiempo que no surge un movimiento que capte la atención del público como lo hicieron en su momento otros pero siguen saliendo grupos buenos con cosas que decir como Tarántula, Triángulo de amor bizarro o Tachenko por citarte tres que empiezan por T.

¿Existe un futuro?
El futuro te lo buscas tú, siempre va a ver gente inquieta que no se conforme y que quiera hacer algo diferente, es cierto que cada vez tienen a la gente más separada y alienada, estamos en pleno comienzo de siglo XXI y no ha habido esa euforia de otros principios de siglo, es como si el ser humano hubiera dejado de creer en si mismo, ya no hay grandes planes. La época de las ideologías pasó para dejarnos el pensamiento único que por ahora resiste, pero no sé por cuanto tiempo, la civilización se descompone justo ahora que es cuando más la necesitamos.

Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión? Unido a esto, las infraestructuras con que se cuentan en España en relación a salas es mínima… ¿Así cómo podemos disfrutar de la música? El sonido es infame en muchas, el aforo…
Eso está clarísimo, los grupos no pueden vivir de las ventas de discos, y menos ahora, la música grabada se ha convertido en una mera herramienta promocional. Pero siempre va a ver un público del objeto, ahora ha surgido un nuevo interés por las reediciones en vinilo por ejemplo. Respecto a lo de las infraestructuras es lo que hay, yo creo que tampoco hay que ponerse muy exigente, un concierto es una celebración, cualquier sitio es bueno.

En vuestro MySpace decís: “Los Invisibles, debieran dejar de serlo.” ¿Cuáles son las razones que justificarían este cambio? ¿Cuál es la propuesta de Los Invisibles al panorama musical?
Desarrollar nuestra creatividad al margen de nuestros otros grupos, tratar de dar con algo nuevo, seguir haciendo lo que nos gusta, compartir lo que pensamos y vivimos con los demás, comunicarnos de la mejor manera que sabemos hacerlo.

Las letras son de amor, relaciones, amistad… pero no se abordan estos temas desde los tópicos, sino que juegos como el Risk o cargas sociales, hacen de las letras un gran valor en las canciones ¿Qué tienen de especial?
Lo que tengan de especial deben vérselo los demás, nosotros no somos los más indicados para decir eso. Para mí las letras son tan importantes como la música, las canciones son la unión de esas dos cosas.

Unido con la anterior, hay una carga social ya mencionada, J decía que quizás la primera canción protesta de Los Planetas es “Reunión En La Cumbre”, y es del 2007… Vosotros primera maqueta y ya estáis metidos en el tema, ¿Es así? ¿Tiene que usarse la música como plataforma?
No necesariamente, la música y el arte en general se hacen para ofrecerle a la gente la visión del artista, los artistas han tenido siempre la capacidad de ver lo que viene o de mostrar con clarividencia como son las cosas, la sociedad en la que vivimos por ejemplo, con implicaciones políticas o sin ellas. Han habido artistas que se han comprometido de una forma muy militante, hoy desgraciadamente ha pasado a ser algo simplemente estético.

Respecto al protagonismo que alcanzas con este proyecto podría decirse que es casi un proyecto personal ¿Necesitabas expresarte con más libertad fuera de Los Planetas?
Desde luego, en Los planetas los papeles están muy definidos, a veces resulta aburrido, y por otro lado poco rentable, pelearte por una idea que aunque prevalezca nunca se te va a reconocer.

¿Cómo es contar con grandes compañeros como Florent, Julian y Jose?
Son músicos intuitivos y rápidos, con una gran cultura musical y personas diferentes al resto con una forma personal y única de ver las cosas.

Todos los seguidores queremos más tras finalizar la primera escucha de los cuatro temas, ¿Habrá algo en breve de Los Invisibles?
Por ahora seguiremos colgando en myspace lo que vayamos terminando, no puedo decirte si haremos algo más serio en el futuro.

¿Y la relación con las discográficas…?
Como te digo, por ahora no ha surgido la coyuntura necesaria para montar el grupo en serio, sacar disco e irse de gira. Estar en una compañía exige ciertos compromisos que por ahora no podríamos asumir así que seguiremos haciéndolo a nuestra manera.

Pregunta obligada, ¿Qué tal la experiencia de cantar los cuatro temas?
Hacía tiempo que no cantaba y tuve que acostumbrarme otra vez, pero no le di muchas vueltas, lo hice como me salió en ese momento y así quedó.

¿Dónde fue grabado y quién lo produjo?
Lo grabamos en un estudio de Granada, Producciones Peligrosas y luego en mi casa grabé las voces. No hubo ningún productor, lo hicimos nosotros, fue una grabación rápida de un par de días.

¿Los Invisibles será algo duradero con vistas a un futuro no muy lejano o es un grupo con el que divertirse y desconectar de Los Planetas?
Por ahora es más bien lo segundo pero me gustaría que se convirtiese en lo primero.

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Como le decía a Antonio Baños, guitarra y voz de Los Carradine, es un placer poder hablar sobre política con un grupo en la actualidad a la vez que se habla de música y del último trabajo publicado. Falta bastante implicación por parte de la música actual en este campo. En los años sesenta hubo una unión entre música y protesta, en los setenta de nuevo surge la relación, y en los ochenta va a tumbos. Desde los noventa en adelante ya no es lo mismo. Al parecer tiene que haber una situación social dura para que surjan grupos reivindicativos (The Clash, Bob Dylan, Patti Smith,…) y la supuesta tranquilidad de estos años ha podido dejar de lado la protesta frente a otros temas más típicos como la vida cotidiana y sus amores. Los Carradine traen consigo críticos versos bajo el brazo frente a la tranquilidad de la sociedad. Un disco como Sospechoso Tren de Vida pide guerra desde el comienzo y encima ahora nos enteramos de que habrá continuación en breve. Mientras esperamos, Antonio Baños nos habla sobre el grupo.

¿Cómo ha sido recibido Sospechoso Tren de Vida por la crítica, el público, vuestras familias y vuestros perros (si es que tenéis)?
La reacción ha sido diversa según miremos esos colectivos. La crítica mucho mejor de lo que esperábamos. El público mucho más cariñoso de lo que merecemos. Nuestras familias con estupor y preocupación. No tenemos perros pero sí hijos. Creo que convencerles fue duro pero muy satisfactorio.

Ahora en España faltan grupos que junten el punk pop con letras protestas aceptables y que el resultado final sea una canción buena. ¿Cómo veis la situación? ¿Volvéis a cubrir este hueco?
Muchas gracias por lo de las canciones buenas. Lo cierto es que hace muy poquito que los grupos vuelven a cantar en español y empiezan a currarse letras. Yo creo que en poco tiempo el hueco estará muy bien cubierto. Por ahora, ahí estamos.

¿La escena española posibilita a grupos con una propuesta como la vuestra o está más volcada en la música de fácil consumo?
¡Cómo nos gustaría que nos consumiesen fácilmente! Por ahora nosotros jugamos en otra liga y luchamos más por la supervivencia que por la Champions.

Billy Bragg, ¿Qué os dice ese nombre?
Para nosotros es un referente de cómo estar en el mundo de la música. Tanto por integridad como por actitud en el escenario, respecto a la industria y a lo que significa ser un punk con todas las letras a los 50 años y con camisas de franela. Además nos encanta su música. En cuanto a sus letras, hemos fusilado directamente su método de mezclar en la misma canción una historia de amor con temas sociales o políticos.

¿Cómo fue vuestra experiencia al tocar con él?
Conocer a tus ídolos ya es algo muy gratificante pero cuando los ídolos son exactamente igual a como esperas que sean, la cosa ya es la hostia. Fue él a quién se le ocurrió tocar con nosotros. El tipo llegó, le tocamos la canción y al instante ya nos estaba proponiendo arreglos para el tema. Todo humildad y simpatía. Eso es punk.

Ya habéis tocado con uno de vuestros ídolos, ¿con quién querríais tocar ahora?
Como es imposible tocar con peores músicos que nosotros, pues con gente que lo hace muy bien y nos gusta. En activo hay varios músicos con los que nos gustaría colaborar. Y puestos a pedir, con Glutamato, Siniestro y, ya que estamos, los Violent Femmes, por supuesto.
¿Tenéis alguna canción preferida de este último disco?
Creo que cada uno tiene la suya. Estamos muy satisfechos de cómo suena “Vietnam Sentimental” y nos gustan mucho algunas más lentas y quizá más tiernas que parece que no han tenido tanta suerte como “Antinana” y “Satélite”. Es que somos unos sentimentales.

La mía es No Es Que Fuera Mod, ¿qué historia tiene detrás?
Un día un carradine descubrió antiguas fotos de su padre. Estaba montado en una lambretta, con gafas de sol, en batería con otras lambrettas más y en una playa, mirando al mar podía ser Brighton y que estuviesen esperendo a los rockers pero no. Mi padre no es que fuera mod, es que era un macarra.

Efectivamente, el hombre lo máximo que sabía de música moría con Paquito el chocolatero pero la playa y la moto y la actitud “que te meto tío” era casi mod aunque sin saberlo. Luego se llevó a su novia (la madre de un carradine) de vacaciones a Mallorca montados en lambretta y de ahí la historia. Nosotros estuvimos cercanos (algunos más que otros) a la escena mod, es cierto. Incluso teníamos amigos que llevaban zapatos de ante y americanas de tres botones…

Habéis vuelto y habéis firmado un disco bien bueno, pero ¿qué va a haber a partir de ahora?
Durante mayo volvemos al estudio de Santi García (Ultramarinos). Vamos a grabar un disco de 8 canciones que irá junto a un libro infantil ilustrado por Juanjo Sáez que, si todo va bien, saldrá en navidad. Es un librodisco que pretende descubrir lo divertido que es el rocanrol a los chavales. Si uno solo apaga la PSP y se pone a mover las caderas, aunque sea un rato, ya valdrá la pena.

Vietnam Sentimental se centra en una situación actual y a la vez pasada ¿qué Vietnams hay hoy en día? ¿Se confundía Ernesto Guevara cuando dijo que EE.UU. sería destruido con la aparición de varios Vietnams?
El doctor Guevara iba bastante confundido, el hombre. Eso es cierto. Hoy tenemos dos tipos de Vietnams, los visibles (Irak, Palestina, África) y ahora nos meten en otros más sutiles pero quizá más peligrosos como la especulación con las reservas de alimentos, los biocombustibles, la peligrosísima economía financiera… Son Vietnams que nos los mantienen a media luz porque su crueldad nos afecta a todos

¿Cuál es el mayor problema de nuestra sociedad actual y por qué?
La codicia. Y el lenguaje. Hoy, palabras como agresivo, ambicioso, expansivo, éxito, no tienen ningún freno moral. Y eso alimenta la codicia. En otras palabras, que se premia la actitud hijoputa y se desprecia lo comunitario, lo retributivo, lo generoso. De ahí salen los demás problemas

¿Y España? ¿Va bien o seguimos trabajando en ellou?
España vive instalada en una ficción democrática desde hace muchos años. La crítica al sistema pasa por tribunales, la prensa está en dos o tres manos y, lo que es jodido, hemos basado la riqueza del país en fortalecer a las constructores y a los bancos (que son los mismos).
Ahora no hay pasta pero lo peor es que no hay cultura democrática (ni de la otra) ni criterio, ni opinión ni nada. Es lo más parecido a Resident Evil que existe en el mundo real, un país zombificado

Ya os he dicho varias veces por aquí que Los Punsetes son uno de mis grupos favoritos. Si ya con las canciones de sus maquetas apuntaban muy buenas maneras, su disco de debut (en descarga directa gratuita en su página) confirma que los madrileños viven en un universo muy especial.

Los años 80 más fríos y los 90 más indierockers se unen a unas letras de ésas de las que te hielan la sonrisa. Poseedores de un humor negro que sabe a gloria, sus canciones no paran de crecer y crecer. Ni inventan nada ni falta que les hace: se bastan y se sobran con los recursos que tienen.

Como LP es uno de mis discos del año, quise hablar con ellos (por segunda vez en menos de un año) para que contasen cómo se había gestado el disco y cómo había sido el recibimiento. También para que cubrieran los muchos vacíos y puntos oscuros que su música sigue dejando en mi mente. Hay mucho misterio en Los Punsetes y hablar con ellos siempre es un placer.

Las respuestas son de:
Ariadna (voz), Jorge (guitarra), Chema (batería), Gonzalo (bajo) y Manu (guitarra)

No pocas canciones de los singles y las maquetas previas se han quedado fuera. ¿Sois muy críticos entre vosotros? ¿Cómo hacéis el proceso de selección de temas?

Ariadna: Las canciones nuevas no pasan la criba hasta que estamos todos convencidos, creo que somos bastante críticos, tanto, que estoy segura de que muchas canciones buenas se quedan fuera
Jorge: Lo cierto es que esta vez no tuvimos muchos problemas para elegir canciones. Se grabaron pocas más – alguna de las maquetas -, pero no hubo mucha discusión.
Chema: Somos muy críticos y al tiempo laxos, así que, desde mi punto de vista, es todo fruto del azar y de la relativa inconstancia. Al menos por mi parte.
Gonzalo: Hay mucha autocrítica inicial, en mi caso provocada porque muy pocas cosas me entusiasman así de entrada. Lo peor es que lo pienso y lo digo. Menos mal que suelo cambiar de opinión con facilidad y me conocen. Las que no están en el disco es porque no debían estar. Cosas del azar, como dice Chema.

LP tiene una buena producción, que no se complica pero consigue brillar. ¿Han cambiado las canciones en la grabación final? ¿Creéis que reflejan lo que queríais hacer antes de entrar a grabarla?

Jorge: Las canciones están como eran, sin más. Pasando demasiado tiempo mezclando, pero creo que estamos todos contentos.
Ariadna: No hubo muchos cambios, salvo de arreglos, pero dentro de lo que ya teníamos ensayado.
Gonzalo: Algo han cambiado, pero porque tienes más posibilidades sonoras en el estudio. De todos modos, creo que se parecen bastante (alguno dirá que demasiado) a como suenan en directo. Quiero creer que es porque el trabajo de base está bien.

En la anterior entrevista que os hice, Manu aseguraba que todos teníais un pasado musical, pero que la mayoría prefiere no recordarlo. ¿Os pasará esto algún día con vuestro nuevo disco?

Ariadna: mi pasado musical responde a otras cosas diferentes que hice, y las recuerdo como algo bueno.
Jorge: no sé, espero que no.
Chema: Llegados ya a cierta edad uno va asumiendo mejor las cosas que hace y tiende a arrepentirse menos. Aún así no lo descartaría del todo, por si acaso.
Gonzalo: No creo que nos arrepintamos ninguno. Si acaso, miraremos hacia atrás con cierto pudor, ay, esos pecadillos… Esa afirmación respondía a intentos musicales fallidos y frustrados.

En mi caso, y lo voy a contar para no alimentar más la leyenda, tuve un amago de grupo en el que hacíamos versiones de Extremoduro, que a mí me horrorizaban y me horrorizan, además de que lo que le molaba al cantante eran Aerosmith y Offspring (¡ay, madre!). Pero conseguí colar una versión del Come together de los Beatles e incluso la canté en la plaza de toros de Cáceres en una cosa benéfica y a alguna chica le gustó, porque me lo dijo, y no era ni novia ni familiar. No he vuelto a cantar, gracias a dios
Manu: La madre que me parió. ¿Véis por qué lo decía?

Una pregunta que se hace mucha gente: ¿cuál es la versión de Daniel Johnston? ¿Por qué él? ¿Tuvisteis problemas al traducir sus historias de infiernos y fantasmas a vuestro universo particular?

Jorge: La versión de Daniel Johnston es “devil town”. Es la primera canción del “1990”. Daniel es dios. No tuve mucho problema, simplemente hice una traducción.
Ariadna: no encuentro la traducción muy complicada, de todas formas que algunos hayamos visto el documental de Daniel Johnston supongo que ayuda.
Gonzalo: Para mí no es dios, pero siento bastante más afinidad con él que con los Rolling, por ejemplo. Cualquier cosa que nos llene o nos sea cercana a los cinco, bienvenida sea.

Un grandísimo acierto: la secuenciación de las canciones. ¿Fue fácil hacerla porque os sobraban buenas canciones o la pensasteis durante mucho tiempo?

Jorge: gracias, fue sencillo. La tenía casi desde antes de grabar. Hay alguna servilleta del vips que lo demuestra.
Ariadna: grabamos catorce canciones, dos se quedaron fuera porque no nos convencía el conjunto y tampoco queríamos grabar un discon con tantas canciones.
Gonzalo: A mí no me gusta del todo, e introduciría algún cambio. Personalmente, estoy hasta las pelotas de que Queridoalberto y Dos policías vayan siempre juntas.

Básicamente, vuestro disco parece una especie de ‘El Caso’ interiorizado hasta que uno ya no puede más y se pone a cantar las desgracias con cierta sorna. ¿De dónde sale tanto mal rollo?

Chema: De lo feo que es todo en general, supongo. Nosotros incluidos. Unos más que otros.
Jorge: creo que te equivocas en las apreciaciones de mal rollo. Hay mucha más despreocupación y sentido del humor de lo que pueda parecer. Somos gente amable y divertida.
Ariadna: es sarcasmo, es todo menos mal rollo
Gonzalo: Son formas de ver las cosas. Yo me dedico a vivir y a exhibir mis vergüenzas ante mis amigos, que para eso lo son y es lo que les toca. Si hacen una canción de esas cosas, cojonudo. Luego ves que los demás tienen otra visión menos dramática de lo que sucede y, a veces, hasta funciona como terapia. En realidad, es todo más directo y simple de lo que pueda parecer.

Vuestras canciones no parece que hablen de lo que en realidad hablan. Es decir, el mensaje (el chungo, el que te rompe como oyente) parece estar en el subtexto. Por ejemplo, Dos policías. ¿Cómo os encargáis de las letras? Parecen muy homogéneas. ¿Hay un trabajo conjunto o cada uno llega con sus textos y cuadran porque hay conexión entre vosotros?

Chema: Las letras son de Manolo principalmente y de Jorge alguna hay también, eso sí, siempre que pasen la censura y el escarnio de los ensayos.
Jorge: Dos Policías empezó hablando de la cantidad de policías que paseaban por Malasaña y su fijación por entrar a los bares a cerrarlos. Dicho así queda muy feo y parece una canción protesta, pero es verdad. Hay canciones que llegan completas al local y otras que acabamos entre todos. Me suelen gustar más cuando hay trabajo conjunto.
Ariadna: el hecho de que dos personas sean las que escriban las letras y sobretodo una de ellas, supongo que hace todo más homogéneo.
Gonzalo: Hemos dejado la responsabilidad de iniciar el proceso en manos de dos personas. Normalmente se inspiran en cosas que nos pasan a cualquiera de nosotros, pero la criba es muy exquisita, y casi todos hemos leído dos o tres libros, con lo que el proceso es más largo de lo que sería en un grupo para los 40.

Psicópatas, accidentes, bebidas de garrafón. En la portada, insectos. ¿Para cuando una canción sobre trozos de carne en descomposición que atraen a miles de gusanos?

Ariadna: ese detalle ya sale en La dificultad: lo peor de las despensas es la carne descompuesta.

Ya en serio, ¿os veis haciendo canciones de amor?

Jorge: claro.
Ariadna: casi todas nuestras canciones son de amor
Chema: Yo creo que todas son canciones de amor.
Manu: Pinta de tarao por lo menos lo es.
Gonzalo: ¿De sentir el amor o de hacer el amor? Yo escribí una, pero no le hemos puesto música. Lo que más me gusta es el título, “etas y cañas de pescar, a pachas con Giorgi. A mí el amor me sigue dando la espalda, así que paso de él

-Unas cuantas pegas que os ponen con las que no estoy de acuerdo, a ver qué tenéis que decir vosotros:

Los Punsetes no inventan nada.

Chema: Es posible.
Ariadna: a lo mejor tampoco lo pretendemos
Gonzalo: No somos inventores, somos esponjas.

Las letras parecen de adolescentes

Chema: También puede ser, aunque no veo cuál sería el problema en tal caso dado cómo está el patio.
Ariadna: Qué malo es eso.
Gonzalo: Que parezcan no quiere decir que lo sean. La adolescencia, de todos modos, está infravalorada.

Están sobrevalorados

Gonzalo: Como la madurez.
Ariadna: Vale.
Chema: En el fondo todas estas cuestiones son impresiones de la gente, así que son y no son a la vez todo junto y por separado. Lo único que muestra es que poco a poco va surgiendo opinión sobre lo que hacemos. Y eso es lo importante del asunto, que haya quien se moleste en crear polémica acerca de nuestro trabajo, cosa que, supongo, es el camino de empezar a estar presente en alguna parte.

¿Os consideráis más hijos de los 80 y la parte oscura de esa década o de los 90 y el indierock?

Chema: Yo sí, tanto de la más obvia como de la menos. Me encantan Cocteau Twins o Psychedelic Furs, por ejemplo.
Jorge: de los 90.
Manu: de los 80.
Ariadna: todo influye y nada determina.
Gonzalo: Yo no, lo mío es el pop yeyé, pero a lo mejor me tengo que tragar mis palabras como casi siempre.

¿Por qué la decisión de editar el disco con licencia CC? ¿Nadie se os acercó o es algo que teníais previsto de antemano?

Jorge: estaba pensado y nadie se nos acercó
Gonzalo: Y si se llegan a acercar a lo mejor se llevan una buena.

Ponerlo en descarga directa tiene sus peligros. La pregunta va en serio y todo el que haya gestionado alguna vez una web sabe de lo que hablo: ¿a cuánto asciende la bromita que os ha metido la empresa del servidor por exceso de tráfico?

Manu: Pues nos la van a meter doblá, para que nos vamos a engañar. La verdad es que hemos sido un poco inocentes soportando todo el tráfico de descarga del disco, y lo peor es que a estas alturas ya no merece la pena dar marcha atrás, pero en fin, en el futuro buscaremos vías alternativas e igualmente ecológicas.

¿Habéis calculado cuánta gente se ha descargado el disco? ¿Habéis notado ya mayor proyección desde que pusisteis las canciones gratis?

Manu: El disco tiene casi 2000 descargas en el mes que lleva a disposición del respetable. Obviamente, la gente lo escucha, a algunos les gusta, y de esos algunos nos lo cuentan. Vamos, que sí.
Gonzalo: Las canciones siempre han sido gratis, y esperemos que lo sigan siendo. Si te gusta el fetiche, tendrás que pagarlo, pero si lo que haces le puede gustar a alguien, ¿por qué ponérselo difícil?

Todo el mundo habla bien de vuestros directos. ¿qué tienen de especial?

Ariadna: No sé si tienen algo de especial, a mi lo que me gusta es que somos rápidos, llegamos, tocamos y nos vamos, yo no hablo entre canción y canción porque me gustan los grupos que llegan tocan y se van, si hablan mucho entre medias me desconcentro.
Chema: todo surgió poco a poco y sin pretender absolutamente nada. Es una manera en la que estamos más o menos cómodos y así seguimos. Somos directos y no damos rodeos, vamos al ajo, una detrás de otra, tal cuál llegamos nos vamos y, eso sí, todos metemos alguna cagada que otra en todos los conciertos. Igual el no inmutarnos cuando eso sucede es lo que nos hace interesantes para quienes así nos consideran.
Gonzalo: Lo especial es la gente que va a verlos. En serio.

“Lo natural es desconfiar, lo natural es que salga mal”. ¿os lo creéis? Y si es así, ¿puede sobrevivir un grupo siendo pesimista?

Ariadna: no es pesimista, es realista, si algo tiene que salir mal, saldrá mal, eso lo sabemos todos, lo que pasa es que hay gente que se lo toma como una desgracia y otra que se lo toma a guasa.
Jorge: soy optimista y aún así me creo la letra. No sé qué más decir.
Chema: en general el pesimismo es una postura muy cómoda en según qué casos. En éste en particular es que es así, aunque todavía no la conozcamos, tenemos fecha de caducidad. De todas formas somos muy felices sabiendo que la vida tiene fin.
Gonzalo: Hay que saber convivir con la desgracia, el mal y lo feo, y no tratar de eliminarlos. Pero creo que todos somos bastante alegres, optimistas y divertidos. Sobre todo a las 4 de la mañana.

Habiendo un parte visual que algunos de vosotros ya habéis desarrollado aparte del grupo, ¿os habéis planetado la posibildiad de darle un apoyo visual al disco, con una colección de vídeos o algo parecido?

Jorge: estamos trabajando en ello.
Gonzalo: Y hemos… dedicado tiempou… ayer pol la talde… yestamañana… a hablar deello sactamente…
Manu: La verdad es que somos todos de Comunicación Audiovisual, tenemos como amigos a toda una generación de talentosos y jóvenes directores, y aún así nos cuesta horrores levantar un vídeo. Lo que es la vida.

Calma es el segundo disco de La Media Luna, proyecto de la donostiarra criada en Barcelona Susu, conocida por compartir su vida con Shuarma, ex cantante y líder de Elefantes. Su pop acústico fusionado ligeramente con rock y aromas andaluces lo acaba de plasmar en once temas en los que destaca la exquisita instrumentación, unas letras profundas y una producción muy cuidada. El primer single es Barquito a la deriva y lo podéis ver abajo.

¿Qué ha cambiado en La Media Luna de En la arena a Calma?

Muchas cosas, han sido tres años entre uno y otro. Shuarma y yo hemos ido encontrado la manera de organizarnos. Él se va a dedicar a su proyecto en solitario y yo a La Media Luna, y cuando podamos colaborar juntos lo vamos a hacer. Hemos creado un equipo de trabajo para que ambos proyectos crezcan paralelamente. El disco tiene más ganas de reivindicar cosas, un poco más de crítica social, aunque el amor es la temática principal. Éste es un proyecto de distancias cortas.

¿Qué objetivos tienes con este disco?

El único es dejarme llevar porque en esta profesión es muy fácil montarse películas. Quiero que se reconozca que detrás de él hay una autora y que éste no es el proyecto de Shuarma.

¿Cómo encaja tu proyecto musical en un momento en el que parece que prima lo chabacano, el mal gusto o las cosas mal hechas?

Encaja bien porque es un opuesto a todo eso, estoy con los artistas que se involucran al cien por cien en el trabajo. Me siento como en la resistencia pero creo que tengo un sitio.

¿Por qué has optado por la autoproducción?

Me da la oportunidad de crecer. Si en una compañía grande no cumples objetivos en la primera semana tu carrera se va a la mierda.

Entonces, ¿la piratería es un mal menor?

Creo que sí porque la gente a duras penas llega a fin de mes y hay otras cosas prioritarias en que gastarse el dinero. Lo positivo de ello es que el artista se ha reinventado explotando más el directo y utilizando las posibilidades de internet se llega a gente y países que antes era imposible. Está claro que ya no se vive de la venta de discos.

¿Cómo serán las presentaciones de Calma?

No quería una promo de un mes y presentar el disco sin que la gente lo hubiera escuchado. Haremos unas pocas actuaciones ahora y en octubre empezaremos a tocar con la banda. Además, tengo otro disco grabado, que no pudo salir a la vez que éste por los costes. Se llamará De 0 a 99 años, trata del niño que todos llevamos dentro y saldrá en la próxima primavera.

Sitio oficial | La Media Luna
Vídeo | YouTube

Hidrogenesse es un grupo que si no existiera habría que inventarlo. Indispensables y marcianos. Inteligentes y graciosos. Sencillez y eclecticismo. Los polos opuestos se ven en su música tan unidos como los versos sobre animales o de máquinas. Genís Segarra tiene en Carlos Ballesteros a su pareja idílica para tener un elegante affaire mientras Manolo Martínez, la otra mitad de Astrud, decide descansar. Son ambos componentes quienes nos responden a un buen número de preguntas, explicando su filosofía o confirmando que no existe ningún rumor sobre una posible separación de Astrud. Bestiola es su última maniobra de locura presentada este año.

Para mí, los mejores grupos son los que crean su propio universo y sonido y experimentan con él. Vosotros sois uno de esos y cada canción es algo única. ¿Cómo entendéis vosotros la música?

Nos gustan los grupos que cuando los escuchas sólo puedes compararlos con cosas que han hecho ellos, que te hacen creer que no necesitas más, ni otros grupos ni otras canciones que las ellos hacen.

¿Y qué es Hidrogenesse? ¿Cuál es su filosofía?

Hidrogenesse es Carlos y Genís haciendo canciones juntos, pensando en la música y pensando en los demás. Queremos hacer canciones memorables, que la gente las use y las sienta como suyas. Nuestro rollo es el anti-autor.

¿Cuándo os comprasteis el primer vinilo de Kraftwerk y cuál fue?

El Trans-Europe Expresse o el Electric Cafe… Aunque nuestro favorito es Radioactivity.

¿Qué veis en la música alemana para que sea tan importante en vuestra música?

Cosas nuevas que no salen de los putos Beatles. Ideas, sonidos y estructuras endémicas de ese país, pasando de la tradición anglosajona. Es lo más cercano al folklore que puede interesarnos. Pero todo esto sólo se dio del 72 al 82, y sólo en algunos discos concretos de algunos artistas. No tenemos un conocimiento enciclopédico de la música alemana.

Ahora publicáis Bestiola tras el buen recibimiento que tuvo Animalitos. Decís que no es un nuevo disco, sino que es: Animalito: 39 minutos de música sin interrupción. Sintetizadores y baterías. Glam drone rock electrónico. Al principio entra como un disco menor, de canciones con menos calidad que las publicadas y parece que la maniobra es de reírse un poco del oyente tras el éxito anterior. Luego las canciones se antojan incluso mejores que las primeras, yo ahora no paro de escucharlo y me fascina ¿A qué se debe entonces este lanzamiento?

El disco lo hemos hecho con la misma ilusión, el mismo trabajo y el mismo cariño que los anteriores. No tiene temas nuevos, ni canciones inmediatas, pero precisamente queríamos escapar de la tiranía del álbum que tiene que tener 10 singles potenciales. Queríamos hacer música porque sí. Si además sirve de antídoto al hype, mucho mejor.

¿Y por qué nuevas versiones en vez de temas nuevos? ¿Teníais la necesidad de revisar algunas canciones que antes no tenían el sonido que os gusta ahora?

La idea era sacar un single de Animalitos con unas caras B, pero nos parecía pobre volver a meter la misma versión que en el disco, y esto se ha ido complicando hasta completar un álbum entero de 10 temas. Hemos preferido tardar más y hacer cosas nuevas con las canciones.

¿Cuál es vuestro tema favorito que ha quedado mejora ahora que antes?

Para nosotros Vuelve conmigo a Italia, con las baterías de Alfonso Melero y los nuevos pianos, por fin tiene un sonido a la altura del mito (la discoteca italiana).

Habéis compuesto una canción a partir de Morrissey, otra para unos animales, otra para unos tejanos, a Góngora e incluso a una máquina. ¿Qué os queda por reflejar en vuestras letras?

Los temas en los que estamos trabajando son: los viejos, las tormentas, las hermanas y el siglo XVIII. Tenemos material para toda una carrera.

A veces me he preguntado qué pasaría si no existiese Hidrogenesse, como no encuentro respuesta, os paso la pregunta a vosotros. ¿Qué pasaría?

Si te refieres a que no hay nadie parecido, estamos de acuerdo. De eso se trata. Si hubiera otros, si no cambiara nada sin nosotros, no habría necesidad de que nosotros existiéramos.

¿En Animalitos qué se esconde tras la aparente inocencia de los animales?

La inocencia es una idea humana. No procede pensar así en los animales. Es como el mito de que los niños son inocentes. Lo que es verdad es que los animales, a diferencia de las personas, no son capaces de ser malvados.

En vuestra web ofrecéis una completa información de vuestras canciones, desde la explicación pormenorizada de las letras hasta los programas que habéis usado para componerlas. Muchos músicos no quieren explicar sus canciones porque les parece innecesario, como desnudar y explicar un cuadro de arte moderno. Vosotros en cambio parecéis al revés. ¿A qué se debe tanta información y explicación?

En parte, Hidrogenesse es un método de autoayuda, y nos parece muy bien que la gente sepa cómo lo hacemos, aunque nuestras explicaciones sean bastante caprichosas. En el fondo, es un entretenimiento más que damos a la gente.

Empezasteis un poco tanteando terreno y ahora estáis como uno de los referentes dentro de vuestro género. ¿El ascenso ha sido imparable, no?

Hemos decidido usar más el grupo (sacar más discos, dar más conciertos) y la gente de momento está en sintonía, y está usando mucho el grupo también.

¿Ahora Hidrogenesse puede vivir de la música o sigue siendo imposible?

Tocando una media de dos conciertos al mes podemos vivir de la música.

¿Qué será de Hidrogenesse en el futuro? ¿Cuándo algo nuevo como disco?

El futuro será bastante parecido al presente, en general, no sólo respecto a Hidrogenesse. Estamos componiendo nuevas canciones, pero no tenemos agenda.

¿Con Astrud está todo bien? La caída del cartel de la 4º Edición del Low Club On Stage daba nos motivos un tanto intrigantes.

Los motivos que dieron los del Low Club On Stage deben ser una confusión o un malentendido. Astrud decidió entrar en un periodo de vacaciones, que puede llegar a año sabático, o quedarse en semestre académico.

Carlos, tú te dedicas a dibujar. ¿Cómo surge este placer? Tus dibujos varían bastante de unos a otros, pero sobre todo prima la búsqueda de unas formas simples, claridad en el diseño. ¿Qué te inspira para hacer los grabados u otros dibujos que ilustran las canciones?

Dibujar no es un placer. Verlos acabados a veces sí. Para hacerlos no me inspira nada. Sólo tengo que encontrar una imagen que me guste pero la quiera ver simplificada en trazos, o composición, etc.

En 2003 hubo una exposición en Madrid que recogió la obra de varios músicos bajo el título “Los colores de la música”. Carlos Ballesteros tenía dos. ¿Cómo es tu faceta de pintor? ¿Cuáles son tus pintores claves?

Hace ocho años que no pinto. El último que pinte fue dos hombres en una piscina, que usamos para la portada de nuestro primer single “Así se baila el siglo XX”. Mis pintores favoritos son: Andy Warhol, Francis Bacon, Alex Katz, Ribera, Zurbarán, John Currin y David Hockney.

Es uno de esos discos que nacen en el underground porque suele pueden salir de allí y eso que hay bastante gente que no acaba de entenderlo o de entrar en su juego. Porque Escuela de Zebras revela que Joe Crepúsculo, además de ser miembro de Tarántula, tiene más vida interior de la que muchos presuponen a los componentes del grupo barcelonés.

Para despejar algunas dudas al respecto de su debut nos pusimos en contacto con él y hablamos de cosas tan dispares como Fray Luis de Granada, la modernez ortopédica de Barcelona el Chikilicuatre o la ciencia ficción.

Hay quien dice que le gustas, pero que no acaba de entender por qué. Otra gente te ve como una broma. ¿Crees que puede ser difícil de entender tu disco si no se comparte parte de tu sentido del humor?

Creo que el disco puede gustar ya sea por comprensión/descomprensión de los contenidos y también por lo musical en sí. Lo más agradable es que vayan las dos cosas juntas, pero cada cual tiene su forma de consumir. Tal vez pueda costar de entrar por el carácter deshumanizado del disco, ya que todas las canciones están des-subjetivizadas y eso puede llegar a descolocar o a tomarse como una broma. En cualquier caso, ésa era la intención.

¿Hay un universo especial en el que vive Joe Crepúsculo? ¿De dónde salen canciones como Los cuatro elementos?

Las temáticas suelen responder a a gustos y preferencias dependiendo del momento, Los cuatro elementos salen de un capítulo de un libro de Fray Luis de Granada, del siglo XVI, y luego se relacionan con la indestructibilidad de la materia de Empédocles, que según Diógenes se tiró por un volcán para demostrarlo.

¿Cómo escribes las letras? ¿Van primero que la música? ¿Hasta qué punto son importantes para ti?

Depende del tema. La mayoría hago antes una base y después busco una letra. Muchas ya tengo trozos escritos en la libreta y van saliendo. La letra debe ser tan importante como la música, eso lo he ido viendo con el tiempo. Antes tal vez no prestaba tanta atención, ahora creo que se ha vuelto esencial, o incluso tan importante como la música.

“Música de sanación y meditación” , reza tu myspace. ¿Crees en el poder curativo de la música? O es otra de las absurdas categorizaciones incluidas en myspace?

La música nos ayuda en muchas ocasiones, cuando estamos tristes o alegres, siempre hay un tipo de música que se adecua a nuestra estado de ánimo. Hay canciones que son capaces de cambiarlo y todo.

Escuela de Zebras parece debatirse entre lo moderno y lo rural. Entre la escuela de raperos y las fiestas de los pueblos. No sé por qué, pero siempre que tengo que hablar de Joe Crepúsculo o de Tarántula, me descubro pensando en una Barcelona que me gusta, alejada de las modas. Como de antes de los Juegos Olímpicos, con olor a fritanga. ¿Te ves así? ¿Crees que hay una capa escondida en esa Barcelona impoluta que medios y políticos nos intentan vender?

Cuando los JJOO apenas tenía 10 años, así que no conozco esa barcelona pre-olímpica de la que se habla. Mis amigos más viejos me dicen todo lo que se ha perdido, y esos garitos y lugares que habían antes, y lo que sí es cierto es que esta Barcelona de ahora es una ciudad de escaparate, con muchas cosas horribles y moderneces ortopédicas.

Hay quien te ha definido como una mezcla entre Chikilicuatre y Loquillo. ¿Tan complicado se lo pones al público?

No sé, eso es cosa de ellos.

Los viejos es un hit, pero descoloca. Es pedrestre respecto al resto de canciones y la letra tiene bastante más mala baba y peor rollo que el resto del disco. ¿Está realmente separada del resto de canciones o sólo lo parece?

La verdad es que la hice pensando en un proyecto que iba a hace con Sergio Telemathico y Roberto de Bolivia en el que íbamos a hacer grandes canciones hablando de conceptos, pero al final no se salió adelante y pensé en meterla en el disco de forma tardía. De todas formas, la amistad también es del palo y tiene la misma mala baba, lo que no es tan extensa y lírica.

Me gusta mucho como, detrás de supuestas bromas, hay torpedos de profundidad en tus letras. Después de la muerte, por ejemplo, tiene un fondo sabio vestido de perogrulladas. Y me gustaría saber qué lees (si es que lees algo). ¿Hay algún autor literario que te guste mucho o que pueda haberte marcado?

He leído muchas cosas en distintas épocas. Ahora tal vez esté viciado con la ciencia ficción, en este momento mi trabajo me permito leer mucho. Voy a una tienda que hay libros baratos y me voy pillando. Pero también paso por períodos de poca lectura.

¿De qué manera eliges las canciones para Tarántula y cuáles se queda Joe Crepúsculo?

Es diferente cosa. Las canciones de Tarántula salen de tres personas, siguiendo una dinámica en la que cada uno de los tres tiene su función esencial. Con las mías, en cambio, voy tirando según el momento y el flujo de apetencia.

Musicalmente, el disco está muy trabajado. ¿Las canciones llevaban mucho tiempo en tu recámara? ¿Han sufrido muchos cambios desde que nacieron?

Las canciones se han hecho a lo largo de un año más o menos y al principio no sabía si sacar un single o qué, pero al final me decidí por el disco. En verdad tenía una cuarentena de canciones y me quedé con trece.

¿Por qué tanta importancia a los arreglos? El disco parece esquemático en un primer vistazo, pero en realidad tiene mil y una capas sonoras, con muchos instrumentos y detalles que el oyente no capta en un primer momento. ¿Te consideras un músico detallista o simplemente salió así?

Creo que salió así simplemente, aunque muchas cosas sí que te empeñas en dedicarles atención. Cuando empecé a hacer canciones era muy perruno pero cada vez más me he ido volviendo más tenaz. En los últimos temas que llevo haciendo tienen más de cuarenta capas de sonidos. Por ejemplo con las voces, también me he acostumbrado a grabar muchas, en algunos estribillos puedes haber cinco o seis a la vez.

Otro tópico que derriba el disco de Joe Crepúsculo es que la gente de Tarántula no sabe tocar: hay tramos en Escuela de Zebras que parecen de virtuoso.

Descabello toca muy bien la guitarra y Vincent es un excelente cantante. El único de Tarántula que no sabe tocar bien soy yo, me equivocó mucho de tiempos, e incluso cuando grabo tengo que mover mucho las morcillas, cosa que me lleva su tiempo. Lo virtuoso me imagino que lo debes decir por alguna guitarra, creo que los arreglos son más bien simples y toscos, pero ésa es la cosa.

¿Cómo te has planteado llevar las canciones al directo? ¿En solitario? ¿Con gente acompañándote?

Toco con los Halcones, que son Nacho y Sergio, los Thelemáticos, y la cosa queda muy cañera y guay, por lo que dicen, mucho más rockero que el disco.

¿Cómo trabajáis en Producciones doradas? ¿Es un colectivo real, con conexiones constantes entre los artistas (al estilo Austrohúngaro) o sólo un refugio para espíritus perdidos?

La cosa la lleva Daniel Descabello. Es algo que creamos para autoeditarnos y se siguen editando cosas de la gente que nos envuelve, gusta y amigos. Más que un refugio es como una masía.

¿Por qué decidiste optar por la descarga gratuita en internet? ¿Ninguna discográfica se interesó por tus canciones? ¿O es una apuesta consciente por nuevas maneras de entender la música?

Así lo hicimos en Tarántula. Y creo que es la mejor opción, yo quería sacarlo con Producciones Doradas, mi sello, y ésta era la forma adecuada. Porque hoy en día es inútil ponerse a vender discos, y más en mi caso. Hay que ser práctico, pero también consecuente.

¿Qué grupos nuevos españoles te gustan?

Me gustan los Thelemáticos, Estrella de David e Internet2, que lo vi en directo hace un par de semanas y me gusto mucho.

¿Crees que hay una escena underground que está relevando a las vacas sagradas del indie o simplemente esto sigue siendo una guerra de guerrillas?

Hace un par de años nos metían en un underground falso, que ni siquiera existía. Tal vez ahora hayan grupos que parezcan confluir en intenciones, pero eso de las escenas suele estar impuesto desde fuera, no creo que haya una escena verdadera aquí en España hasta que no se deje de mirar a fuera continuamente buscando lo más moderno.

Llevamos as desde el Siglo de Oro, y sólo le hemos prestado atención a las cosas nuestras que se reverencian fuera, de forma espejil, eso es una vergüenza, y al final todos acabamos comiendo la mierda inglesa, sueca, americana y lo que es peor: las vulgares imitaciones de éstas hechas aquí.

¿De dónde viene el nombre Alamedadosoulna?
Es solo un juego de palabras que viene de mezclar “ALAMEDA DE OSUNA” (nuestro barrio) y “SOUL” (la música que empezamos a tocar).

Por Internet la información es mínima, ¿podéis resumir un poco la trayectoria de la banda para hacernos una idea de vuestro recorrido?
El grupo lleva existiendo desde el año 1999, con la única pretensión de divertirse, y escaparse de casa subidos en una furgo. Estuvimos 4 años haciendo gira en Mojacar, alquilábamos una casa en verano y tocábamos en todas las terrazas, chiringuitos de playa, garitos etc. En invierno no ensayábamos ni nada, todo era una excusa para tener un plan fijo de verano para el resto de nuestras vidas. En el 2003 fue cuando decidimos grabar una maqueta con versiones y tres temas propios titulada “verano al soul” y poco a poco empezamos a trabajarnos más los ensayos y a crear un show mezcla de humor, caña, y ska. Ska, música que hoy en día es la banda sonora de nuestro show… En el 2004 con “!!Skrak!!” fue la primera vez que nos planteamos el grabar un disco autoproducido, crear un show, promocionarlo, etc. Fue la toma de contacto. Desde esa primera experiencia en ese sentido, nos ha tocado aprender cómo se hace para sacar un proyecto así adelante, y lo cierto es que nos ha ido muy bien, porque no hemos parado. Hemos tocado por toda España, hemos salido a Europa y hemos visto que el espectáculo que hacemos gusta, y eso te demuestra que no estás loco, que vas por el buen camino. Y en 2007 grabamos el segundo titulado “Finísimo” disco que hoy en día seguimos presentando…

¿Influencias?
Nos gusta compararnos con grupos tanto musicales como teatrales. Nos ha influenciado mucho el humor de Monty Python, y toda la música jamaicana, aunque luego cada miembro del grupo bebe de sus propios gustos: Pop, jazz, rock, rumba…

En el disco parecéis tenerlo muy claro: mucha alegría para conquistar al oyente. ¿Cómo lo veis?
Es lo que nos rodea, el grupo se creó como un método de diversión, supongo que es normal que las canciones lo expresen.

¿La vida así se ve más motivada? ¿Qué papel tiene la música en el estado de afrontar los diferentes retos de la vida?
En mi caso los retos de la vida se han convertido en musicales.

Me ha gustado mucho la mezcla entre el ska y el reggae que hacéis, son dos géneros para no parar si se tocan bien. ¿Cómo veis vosotros esta música y por qué habéis tirado por aquí y no por otro lado?
Aunque al principio tocábamos versiones de soul, no tardó el ska en entrar en nuestro repertorio pues ya lo escuchábamos varios de la banda y con el tiempo nos dimos cuenta de que es: lo que más nos gusta, lo que mejor tocamos, y lo que mejor le va a nuestro show…

¿Cómo es posible organizar una banda de 10 personas?
Llevamos muchos años y poco a poco todos hemos ido aprendiendo y todos hemos ido viendo como a uno se le daba algo mejor que a otro y así… Hoy en día tenemos cada uno un cargo, una responsabilidad dentro de la “empresa”. Productor musical, director de espectáculo, diseñador gráfico, tesorería, vestuario, producción de eventos, archivo de imágenes y fotos, mensajería, Internet… (Risas) Parece una empresa de 100 personas pero No!! Es Alamedadosoulna cada cargo es a la vez un músico.

¿Podéis hablar algo sobre vuestros dos proyectos anteriores Gernica y Cabeza de Canoa y cómo os unisteis?
Éramos dos grupos de barrio, chavalines, los cabeza de canoa eran fans de los Gernica y viceversa. Un día decidimos hacer un concierto compartiendo escenario y al final una sorpresita para nuestros públicos (amigos familias jeje), se trataba de vestirnos todos de blues brothers y tocar unas versiones de Otis Redding… y qué más decir, ese fue el último concierto de cabeza de canoa y Gernika.

Algunos músicos dicen que sus canciones no tienen que ser explicadas, que pierden toda la gracia si se hace. Vosotros en cambio ponéis comentarios e introducís los temas en el disco. ¿A qué se debió este hecho?
Nos pareció original, donde todo el mundo esperaría que vinieran las letras poner una anécdota de cómo y porque se compuso esa canción.

Vuestros directos tienen fama de ser pura fiesta, ¿cómo afrontáis cada uno?
Ninguno es igual que el anterior, nos gusta jugar e improvisar, y hacer al público participe de ello… Y por lo demás, no vallas si no tienes ganas de bailotear a la pista…

¿Qué diferencia a Finissimo de sus predecesores?
Mejor calidad de grabación, canciones más elaboradas musicalmente hablando, todos hemos ido aprendiendo, menos Juanjo, nuestro diseñador y batería, que desde los principios ya era un crack…

¿Cómo ha sido la acogida? ¿Cada vez tenéis más seguidores?
El año pasado metimos 1200 personas en la sala Galileo de Madrid para la presentación de Finísimo y el año anterior llenamos cuatro veces la sala Caracol. Parece que en Madrid funciona de la hostia pero en otras ciudades aún somos desconocidos como para tocar en salas grandes…

¿Hay algún grupo en España al que os sintáis más cercanos?
Tokio ska paradise orchestra, por su música, Muchachito bombo infierno, por su potencia, Illana, por su humor surrealista, Emeterians, Canteca de Macao,… Igual no nos parecemos musicalmente pero tenemos un concepto de la música similar.

Con el cartel ya prácticamente cerrado, el Primavera Sound ha vuelto a demostrar por qué es una de las citas favoritas de muchos de los aficionados a la música, entre los que me incluyo. La oportunidad de ver a un buen montón de bandas que no son cabezas de cartel, pero tienen una calidad indudable, así como unos cuantos nombres estelares, vuelve a colocar al festival barcelonés en primer línea de calidad del panorama español.

Ahora que su trabajo se ha relajado (aunque sólo ligeramente, como él mismo confiesa), hemos querido hablar con Abel Suárez, programador del Primavera Sound y, por tanto, una de las personas con mayor responsabilidad respecto al cartel. Sin embargo, más que detalles sobre los nombres de este año, hemos querido conocer cómo trabajan los programadores de los festivales, cuáles son sus principales preocupaciones o qué factores determinan que actúen unos grupos u otros.

Además, le hemos preguntado por temas peliagudos de la actualidad, como la ya conocida guerra abierta entre eventos de este tipo o por el trato que se le da al público festivalero. Esto es todo lo que Abel Suárez (Dj Coco, en su faceta artística) nos ha revelado:

El oficio del programador, a ojos de los que no estamos metidos en las labores de producción de conciertos, parece el de alguien haciendo un sudoku de dificultad imposible

Yo te puedo hablar de cómo contratamos nosotros, que es diferente a cómo contrata el resto de festivales. Tenemos muy claro una serie de factores o de grupos que tiene que estar en el festival. Ahora ya estamos mirando para 2009, cogemos listas interminables de artistas y empezamos a contratar desde abajo, mientras la mayoría de festivales de aquí primero se agencian cuatro cabezas de cartel y luego rellenan. Eso es lo que veo, que siempre anuncian antes los cabezas de cartel y luego la parte media.

Para nosotros la parte media es la más importante, vamos rellenando el cartel con las cosas que queremos que estén en los festivales, grupos con carreras largas o nuevos con un single que nos gustan. A partir de ahí vamos construyendo la programación desde muchos ángulos a la vez.

Me comentas que ya habéis empezado a buscar grupos para 2009. ¿Cuándo empezó la ‘caza’ para la edición de 2008?

Desde marzo de 2007. Antes esperábamos un poco más, pero ahora hay que hacerlo así. El mes pasado estuve en Austin y ya vi grupos que nos interesan para el año que viene. Tal y como está la cosa, con la cantidad de festivales que existen, hay que empezar a contratar mucho antes, sin que ni siquiera haya empezado el festival del año en el que vivimos.

¿Y cuál es el momento más intenso de trabajo para los programadores? ¿Hay alguna época clave?

Para nosotros la parte más fuerte va desde septiembre-octubre del año anterior hasta el mes de febrero. Hay dos momentos de contratación: el primero, en el que tienes que contratar muchos grupos, y el segundo, en el que ves, cuando ha pasado el tiempo, que muchas cosas de las que querías hacer no van a pasar y tienes que mirar otras posibilidades, que para nosotros es febrero del año del festival.

¿A medida que se acercan las fechas del festival os podéis relajar algo más y pensáis en el año siguiente o seguís sin descanso?

Estas fechas que te decía ahora son las claves para contratar, pero a partir de febrero coges otro trabajo: el de que todo salga bien en el festival.

(Band of Horses, en el PS 2007; youtube)

¿Cuánta gente intervenís en la programación del festival?

Aquí muy pocos. Tres personas.

Mejor, supongo, a la hora de ponerse de acuerdo.

La verdad es que somos uno de los directores, una persona que trabaja conmigo haciendo booking y yo los que, con unas pocas ayudas exteriores, elegimos las bandas. Y, luego, una persona se dedica a hacer más internacional y la otra persona, que soy yo, se dedica a lo nacional o a los artistas de fuera que vienen a través de un promotor de aquí. Porque a nosotros no nos gusta trabajar mucho con el tema de exclusividades y también traemos grupos que están de gira; en eso también somos diferentes a otros. Nos da igual que el artista esté de gira o vaya a estar en otro festival.

Comentabas que os gusta trabajar la zona media del cartel y si a mí hay una cosa que me guste del Primavera Sound es las oportunidades que dais a bandas nacionales más ‘undeground’ o con menos tirón entre el público. ¿Es algo que vais a seguir potenciando?

Bueno, eso es algo con lo que ahora la gente no está muy de acuerdo contigo. Hay muchas personas que no lo ven así, que nos mide por el mismo rasero de otros festivales. Si hablo por mí, tengo muy claro que no vamos a hacer las bandas que hacen los demás ni tampoco vamos a tener tan poca cantidad nacional como la de otros festivales. No me gusta decir nombres, pero hay una serie de grupos que hacen todos los festivales y que me imagino que son los que venden más de diez mil discos. O tal y como están las cosas ahora, incluso algo menos.

Seguimos el mismo filtro que aplicamos con los grupos de fuera. No tendría sentido que después del cartel internacional que hacemos, luego trajésemos a Deluxe y Fangoria. No tendría ningún sentido.

Este año hay gente que se quejaba porque llevamos algunos grupos de metal nacionales, pero ¿cómo no voy a meterlos en el Primavera Sound si llevamos cinco años con grupos de metal de fuera?

Al respecto de esta cuestión, el festival se va abriendo estilísticamente y, sin embargo, mantiene la coherencia del cartel, no se acusa la incorporación de estilos como el hip-hop, el metal u otros.

Sí. Por un lado es porque hacemos muchos artistas. Ayer estaba contando y con las fiestas que hay en Barcelona en la semana del festival, estamos en ciento cuarenta y pico. Por tanto, que haya siete grupos de hip-hop y cuatro de metal le tiene que dar igual a una persona a la que no le gusten esos estilos, porque a esa misma hora va a poder ver un grupo de pop, uno de indierock o uno de electrónica, depende de la hora que sea.

Creo que todavía nos podríamos abrir más y espero que haya una gente que, como a mí, le guste de todo: Public Enemy, Beirut y otras cosas de electrónica o más poppies. Aunque esas personas quizás no sean ni el 50% de los que acuden al festival. Hay gente que se rasga las vestiduras con esto, pero yo veo factible que te gusten todas estas cosas a la vez.

Quizás se intenta compartimentar demasiado al oyente, ¿no?

Sí y a nosotros siempre se nos pone la etiqueta de festival indie o festival pop, cuando es sólo una parte y siempre hemos estado moviéndonos en mogollón de estilos.

(Epi y Blas se preparan para el Primavera Sound; youtube)

¿Recuerdas algún momento, en todas las ediciones del festival, que te haya dado especial rabia por un artista programado que, finalmente, no pudo actuar?

La verdad es que ninguno, por hay muchos artistas y nunca se nos ha caído un grupo grande en el último momento. Si ha pasado algo siempre ha sido mucho antes y nosotros siempre hemos tenido mucho artistas, con lo que nunca nos ha preocupado. Quizás sí que hay artistas que nunca hemos hecho y que nos gustaría hacer, pero eso nos preocupaba más los primeros años. Pero ahora, mientras sigan vivos, sé que los haremos.

¿Algún nombre?

Los que sabe todo el mundo: Neil Young, Tom Waits… Este año Neil Young viene a un festival que no sé si es el más apropiado para él, pero bueno… Claro que te molesta, pero, ya te digo, mientras estén vivos. Hombre, con Neil Young desde luego habrá que darse un poco de prisa (risas), pero no es algo que nos quite el sueño.

Te voy a decir un nombre que a mí sí me dolió especialmente y que se ha caído dos veces seguidas en la historia del Primavera Sound: Television Personalities. ¿No habéis tenido ganas de darle una tercera oportunidad a Dan?

No y hace poco vi que estaba en un festival de Madrid y hasta nos lo planteamos, pero… buff… da pereza poenrse otra vesz y más de la manera que se cancelaron las dos veces, que fue el mismo día de la actuación. Que te llame alguien de la banda para decirte: “Oye, que Dan nos ha dejado tirados”, por mucho que nos gusten TV Personalities, se te quitan las ganas de hacerlo.

(Low, en el PS 07; youtube)

¿Alguna edición de la que hayas estado más satisfecho? ¿O sois como los artistas, que cada disco nuevo es el mejor?

Pues sí, somos así. A mí esta me parece la edición más completa de todas las que hemos hecho. Cada año lo digo, pero antes hablábamos de hip-hop y este año hemos intentado cubrir aspectos como ése, que lo habíamos intentado, pero que no habíamos podido. Y en esta ocasión todo está equilibrado.

Ahora mismo, hay una guerra abierta entre festivales. ¿Cómo te afecta en la labor de programador?

Ya lleva unos años y a nosotros no nos afecta tanto como a otros, porque el 60% del cartel son bandas que a ninguno de esos festivales se les ocurriría hacer. Pero yo lo veo con bastante preocupación. Primero, porque el que sale perdiendo es el público, al que se le obliga a elegir.

Y luego veo promotoras que están trabajando en los márgenes legales, pero no de una manera ética. No creo que España sea un sitio en el que quepan 150 o 200 festivales. Hay una sobresaturación que no a hacer bien a nadie. La promotora que en un año se monta nueve festivales piensa que es bueno para ellos, pero yo no lo creo. No puede ser que haya 80 festivales con el mismo patrón y luchando por las mismas, porque no hay sitio para todos.

Más allá del Primavera Sound, ¿tienes algún festival favorito? Te lo pregunta alguien que es muy fan de los festivales pequeños.

Mi favorito es el Faraday y te diría el Tanned Tin por programación, pero, aunque parezca mentira, no he estado ninguno año. El South Pop también está muy bien. Y el FIB: hace como tres años que no voy, pero es el primer festival al que fui en mi vida y ha hecho las cosas bien y que está en el sitio que está porque, siendo un festival macro, siempre ha sabido dónde estaba y ha tenido mucha cabeza para programar.

(Wilco, en Barcelona; youtube)

Una última cuestión, que puede ser peliaguda por ser tu parte de la organización de un festival: ¿te convence cómo se trata al público de estos eventos? A veces parece como si sólo se tratase de apelotonar cuanta más gente, mejor.

Nosotros decidimos que había un sitio como el Forum, que era muy grande y que podíamos hacer que fuera super-cómodo para el público y que la única pega es que se nos iba a achacar que en el festival no hay mucha gente. Pero, mientras a mí me salgan las cuentas, prefiero que la gente esté cómoda. Otra gente hace festivales en el Forum y apelotona a todos en la tercera parte de espacio, no sé si para que los sponsors se piensen que es un éxito.

Pero no, yo creo que en la mayoría de los festivales de aquí no se trata bien al público, aunque nosotros estemos trabajando para que así sea. Lo intentamos, como me imagino que todo el mundo, aunque hay sitios en los que buscan que la foto del periódico se vea que está muy lleno. Pero no estás trabajando para la prensa, sino para la persona que ha pagado 100 euros por una entrada. Ésa es la primera persona que se merece que se le trate bien.

Paco Loco ha sido testigo de excepción, del nacimiento y posterior asentamiento de la escena indie en España. Desde detrás de la pecera de su estudio de grabación, el asturiano, ahora residente en Cádiz, ha estado presente en algunas de las obras más importantes de los últimos quince años en este país.

Desde los míticos debut de Australian Blonde o Manta Ray hasta algunos de sus últimos trabajos con Remate, Nacho Vegas o Lori Meyers, los nombres de los grupos que han grabado con Paco Loco bien podrían servir de resumen de todo lo que ha acontecido desde que lo indie aterrizase en nuestro país para quedarse, con una infraestructura que tiene grupo, sellos, salas de conciertos, festivales y hasta unos pocos productores de renombre; entre ellos, él.

En Hipersónica tuvimos ocasión de hablar con Paco y de que nos contase cómo está cambiando la industria, por qué los productores tienen tanta fama de tener mal genio y cuál es el disco que le hubiera gustado producir.

¿Ha cambiado mucho el mundo de la música desde que empezaste a producir hace 20 años?
Creo que sí, que ha cambiado en muchos aspectos para bien y otros para no tan bien. Ahora el artista es un poco más dueño de su carrera, antes tenía una compañía de discos y no podías hacer nada y ahora hay un mundo (el de las páginas web y el myspace) ha abierto un gran futuro a muchos grupos que antes no tenían posibilidad de ser escuchados ni por compañías discográficas.

Y eso es lo que hace que también haya una parte mala, que hay una masificación brutal y nosotros mismos nos ponemos muy pocas cortapisas a la hora de subir al myspace proyectos que igual no merece ni la pena subirlos.

¿Ha podido afectar esa tendencia a dar salida a todo al trabajo del productor?

Yo creo que sí es perjudicial para la música, ahora mismo hay una nueva nomenclatura que es el Home Studio que lamentablemente quiere sustituir al estudio profesional. Digo lamentablemente no porque los grupos tengan que grabar en un estudio grande, sino porque hay gente que trata de hacer cosas de estudio grande en estudios pequeños y con ello sufre tanto la calidad sonora como la artística.

A la hora de afrontar un disco ¿tienes un modo especial de enfocar la grabación?

A mí hay muchas manera de cómo me gustaría trabajar y luego hay una manera, que es la que trabajas. Por suerte o por desgracia, hay que adecuarse un poco a los tiempos y generalmente los presupuestos son bajos y hay que intentar hacer los discos lo más rápido y lo mejor posible o, incluso, lo menos malo posible. Ahora ya no se pueden hacer escuchas de las canciones en el estudio antes de empezar a grabar. Gracias a Dios existe el myspace y puedo escuchar las canciones antes de que hayan llegado aquí.

¿Incluso en la escena independiente se ha notado la bajada de presupuestos?

No tanto bajada, sino más bien “no-subida”. Mi intención es trabajar en una dirección, con mejores equipos y más tiempo, y llega un momento en que te das cuenta de que sigues haciendo los discos en el mismo tiempo.

¿Qué has ido aprendiendo a lo largo de estos años? ¿Dónde has ido mejorando?

Lo que he aprendido es a cumplir un poco los horarios y las fechas. Si tienes que hacer en ocho días un disco, he aprendido ha hacerlo lo mejor posible en esos ocho días.

¿Y hay algo que te siga costando especialmente cuando entras al estudio? Recuerdo una entrevista en RDL donde decías que no entendías del todo a los baterías.

Puedo decirte que tengo fama entre mis amigos de ser un poco inconformista con todo y que nunca me gusta nada de nadie y yo creo que lo que más me cuesta todavía es volver a escuchar las grabaciones que hago. Siempre pienso que podrían haber estado mucho mejor. Soy muy crítico con todo el mundo, pero con el primero conmigo y en un porcentaje muy grande casi nunca me gustan las grabaciones que hago. No creo que estén mal, pero tampoco es la grabación que yo soñaría.

(Tachenko con Paco Loco, en Cádiz, Youtube)

¿Cuál es la producción más complicada que has tenido que afrontar en tu vida?

Son casi todas por igual, aunque las que quizás me hayan costado son las que he hecho con artistas de fuera, por los problemas de comunicación. He trabajado con Golden Smog y te cansa un poco el hecho de pensar en otro idioma, pero ninguna fue problemática. De hecho, son grandes amigos míos.

Lo que hago son todas grabaciones rápidas en las que no te da tiempo a tener problemas. Si tuviera grabaciones de dos meses, probablemente sería otra cosa, pero en diez días no.

Hay una fama, no sé si justificada o no, de que el productor es un ser arisco, que tiene que enfrentarse al grupo en el estudio. ¿Es real?

Yo no tengo un carácter fuerte, pero tengo muchas veces muchos encontronazos con los grupos. Al fin y al cabo, cuando haces producción, sólo hablas de gustos personales. Por mucho que le digas a un tío que ese solo está fuera de tono, si al tío le gusta, él tiene la última palabra. Yo me enfado mucho, de hecho voy a casa y se lo cuento a Muni, mi mujer (ex Maddening Flames), y me dice “pues déjalos, pasa de ellos, si no quieren…”. Es el pan nuestro de cada día.

Supongo que influye el carácter perfeccionista que comentabas.

Yo no soy perfeccionista de los meticuloso, sino que es el perfeccionismo de que lo único que quiero es que cuando ponga el disco en casa me llegue tanto como llegue cualquiera. En cualquier caso, siempre me da la impresión de que mi mayor fan es Muni, que me dice “que eres muy bueno” y yo “que no, Muni, que soy muy malo, que esto no se puede comparar con los discos de Lou Reed” (Risas).

(El guisante mágico, grabando con Paco Loco, Youtube)

¿Crees que has recibido el reconocimiento que mereces, habiendo estado en algunos de los discos más importantes de la escena indie de este país? Quizás tu papel ha estado en un lugar secundario.

Sí, probablemente, pero, bueno, lo que espero es que la gente con la que trabajo esté contenta con lo que se hace aquí, que se vayan contentos, y lo que se demuestra es que el 90% de los que han grabado conmigo repiten. Realmente es lo que merece la pena. Está claro que si fuese un poco más cerebral y pensara un poco más en cómo es mi trabajo y lo extrapolara a lo que se hace en otros países… posiblemente sería otra cosa, pero es lo que hay. No voy a quejarme porque tampoco va tan mal.

¿Cuál es tu producción favorita?

Siempre digo que mis discos favoritos de producción son los clásicos de los Beatles y todo eso, pero el favorito de toda la historia es el Berlín de Lou Reed. Ese disco lo flipas como suena. De hecho, mi mayor logro de producción fue grabar al lado del productor de Berlín; después de eso pensé que ya me podía retirar. De hecho, me compré la misma mesa con la que lo habían grabado, pero ni con eso puedo imitarlo (risas).

O sea, que también hay fetichismo entre los productores

Sí, por supuesto.

¿Y un disco español de los últimos 20 años con el que te hubiese gustado trabajar?

Siempre me hubiese gustado trabajar con El inquilino comunista. Y creo que hay unos cuantos más, incluso más de lo que he hecho. De todas maneras, tengo suerte de que he tenido suerte y me gustan mucho los grupos que han pasado por aquí. todo lo que grabo,

(Paco Loco tocando con Remate, Youtube)

¿Centrarte en la faceta de productor te ha obligado a dejar de lado tu carrera musical?

Sí, me tiene un poco absorbido. Intento seguir tocando y ahora aquí hemos montado el Paco Loco Trío y procuramos ensayar una vez a la semana para que los dedos no estén atrofiados.

Pero tu relación con Remate no ha sido algo circunstancial, ¿no?

No es tan momentáneo como yo pensaba. De hecho, la semana que viene empezamos a grabar su nuevo disco y la idea es hacerlo entre él y yo e incluso él me había propuesto firmarlo a medias, pero tampoco me parece justo. Acabamos de venir de tocar de Austin y nos vamos a Londres y estamos muy a gusto.

¿Y cuáles son tus planes futuros?
Estoy embarcado con un grupo de Murcia que se llama Closer; luego con Remate; con Abraham Boba, después voy a hacer un proyecto un poco extraño para mí, unas canciones del disco de Quique González; en julio, el disco de Nacho vegas; tengo, por suerte, casi hasta el año que viene sin un hueco libre.

Single son Teresa e Ibon, que ya se había encontrado en Le Mans, ayudados en sus conciertos por escuderos de lujo como Joan Vich y Tito Pintado (Penelope Trip, Anti, Telefilme). Desde que hace ya un tiempo editaran Pío Pío, su disco debut, el grupo se ha revelado como una excepción en la música española. Todos los pasos que dan desconciertan y entusiasman. Son un lujo, pero aún no se les trata como a tal.

En 2008, Single han comenzado a irse de gira, han editado vídeos y han lanzado un nuevo single (perdón por la redundancia). Pianístico vuelve a mostrarles como perseguidores de un imposible, como músicos capaces de que cuadren cosas a priori enfrentados, como valientes creadores de canciones que, al final, sólo son pop.

Antes de que esto derive en una presentación a lo José Luis Moreno, queda decir que en Hipersónica quisimos hablar con el grupo y que esto fue lo que nos contaron a través del correo.

Cuando se editó Pío Pío, parecía imposible que el grupo diese conciertos, ¿qué os hizo cambiar de opinión?
Influyó que varios amigos nos animaran a ello. Eso hizo que empezara a apetecernos. Al empezar los ensayos y ver que nos lo pasábamos la mar de bien ya no tuvimos dudas; por el momento nos apetece y lo pasamos muy bien.

Es curioso también que un año después, también hayáis editado otro vídeo, ¿implican ambos movimientos una mayor implicación de todos con el grupo?
Mmm…No entiendo bien la pregunta. No estoy segura de a quién te refieres con “todos”. Si hablas de Elefant, o de Ibon y yo misma o del mundo. Nosotros siempre hemos estado muy implicados en lo referente a la composición y grabación de las canciones. Otra cosa es tocar, salir en vídeos y ese tipo de cosas que sí, nos daban más pereza.

¿Estáis satisfechos de cómo han rodado vuestros primeros conciertos? ¿Ha sido complicado trasladar el lenguaje de un disco tan complejo como Pío Pío a los escenarios?
Hemos tocado poquito y no ha sido igual de bien en todos los casos, pero en general estamos contentos, sobre todo con el hecho de tocar, pero necesitamos actuar más y aprender.

Hay quien se queja de que vuestra puesta en escena es demasiado austera, ¿tenéis previsto incluir algún apoyo visual o ni siquiera lo habéis pensado? ¿Os sentís demasiado solos en el escenario o preferís que haya lo mínimo?
No somos de la misma opinión. Salimos y tocamos las canciones, lo que nos parece suficiente y de momento no queremos tener más. Realmente no nos sentimos nada solos en el escenario, que vamos con unas canciones maravillosas (con perdón).

Es curioso, porque una de las sorpresas de Pío Pío era los rapeos de Teresa, pero también me he encontrado a mucha gente que cree que es algo sin lo que las canciones de Single brillarían mejor, sobre todo en directo. ¿Os encontráis cómodos con el lenguaje hip-hop en directo? ¿Os habéis planteado abandonar los rapeos?
Lo siento; quiero rapear.

También pregunto eso porque en Pianístico, las nuevas canciones muestran a Teresa cantando y no rapeando, mientras que lo que se complica más y más es la base instrumental. ¿Es una vía de futuro?
Yo no lo veo tal y como lo planteas. Creo que lo que hay en Pianístico es bastante próximo a Pío Pío en general, sólo que en vez de quince canciones nuevas, hay tres. Nos hemos dado cuenta de que a pesar del nombre que escogimos, con los singles quizá cueste más que se entienda cómo sosmos que con un elepé.

Tengo curiosidad por saber cómo componéis las canciones. ¿De dónde partís? ¿Cuál es el esqueleto? ¿Se construyen con una melodía de guitarra o alguien aparece con un sampleado que le gusta y se parte de ahí?
Es que no hay un método claro; algunas salen con la guitarra, otras sampleando algo, y otras mezclando las dos cosas.

No sé si es premeditado o no, pero las letras, tanto del disco como del ep, parecen cuidadas hasta el extremo. Son, o así lo veo yo, un trabajo de orfebrería a la altura del colchón instrumental. ¿Les dais importancia real o es que os salen así? ¿Cómo surgen puntos de vista narrativos tan atípicos como el de Pío, Pío o Mi Perrito Librepensador?
Las letras de las canciones nos importan, me refiero no sólo a las de las nuestras sino en general. Disfrutamos con las letras de las canciones que nos gustan, y luego en las nuestras ponemos todo el empeño.

¿En qué momento o, más bien, por qué decidisteis Ibon y Teresa reactivar vuestra actividad musical juntos? ¿Hubo algo que os hizo añorar los viejos tiempos?
Queríamos seguir haciendo canciones juntos, ya desde que acabamos con Le Mans. Y luego está pues que hacer música nos alegra la vida.

El disco fue muy bien recibido por prensa y aficionados y, además, su importancia va creciendo con el paso del tiempo, hasta el punto de que el anuncio de que ibáis a dar conciertos fue recibido con una excitación inusitada, sobre todo teniendo en cuenta de que a Le Mans se le hacía caso más desde la prensa especializada que en lo referido al público. ¿Habéis notado que ha cambiado algo en el panorama? ¿Hay más gente en España ahora dispuesta a aceptar vuestra manera de entender la música?
No lo sé, la verdad. Tampoco estos muy segura de esa excitación inusitada de la que hablas. Quizá ha sido un poco una sorpresa entre la gente que nos haya seguido un poco, porque el hecho de que no tocáramos en directo siempre fue un tema que gustaba a los periodistas. Y luego está el hecho de que ahora no empezamos de cero.

¿Qué planes de futuro hay para Single? ¿Por dónde van a ir vuestros siguientes pasos?
Terminar de componer para un nuevo elepé, ensayar, empezar a grabar pronto y tocar por ahí.

Finalmente, me gustaría que nos recomendaseis diez grupos que os hayan entusiasmado recientemente.
Te doy revueltos algunos nombres de cosas que me encantan: Odetta, Hidrogennesse, Rye Rye, Randy Newman, Carole King, Judee Sill, Moondog, Ingrid Caven, Biff Rose, Anti, Lotte Lenya, Lil Mamma, Scratchy, Wiley, Altea and Donna, Janet Kaye, Solex, Dolly Parton, Jacob Miller, Minnie Riperton, Brigitte Fontaine, Timbaland, Mingus, Yusef Lateef, Bobbie Gentry, Tony Joe White, Missy Elliot, Magoo, Judy Henske y Jerry Jester, José Mario Branco, y Larry John Wilson, con ese vozarrón.

Vídeo | Youtube

Boy Omega me han hecho tilín. Primero os lo dije aquí y luego os lo avisé de nuevo en la lista de discos de enero. Sin ser un album de que se pueda sacar un single rutilante, uno que te llegue nada más lo escuches y se te quede para siempre, la atmósfera general de Hope On The Horizon merecen la pena.

Después de hablar con el sueco Martin Henrik Gustafsson, alma mater de Boy Omega, tengo más claro que uno de los obstáculos a la hora de escuchar Hope On The Horizon (editado en España por Acuarela) era buscado: éste no es un disco de singles, sino un bloque compacto que te pide que le dediques 40 minutos de tu tiempo cada vez que te apetezca escucharlo.

A pesar de que casi parece contra natura en estos tiempos de escuchas veloces, esa intención no es algo malo por sí misma. ¿Os acordáis del Disintegration de los Cure? Pues yo nunca me lo he podido poner a canciones sueltas: o lo escuchaba al completo o no me apetecía ponérmelo.

Esto es lo que dio de sí la charla virtual con Martin.

En una entrevista anterior, dijiste que tu próximo disco, planificado para 2007, iba a tener 12 canciones y que nueve ya estaban grabadas. Asumo que hablabas de Hope on The Horizon, pero me pregunto cuántos años tienen las canciones incluidas en él?

Sí, hablaba de Hope On The Horizon. Algunas de sus canciones las escribí hace 3 ó 4 años. Tengo la sensación de que siempre estoy un año por delante de los lanzamientos de mis discos. Supongo que debería empezar a escribir menos canciones

En el disco da la sensación de que has intentado crear un “muro de sonido” con los arreglos de cuerdas. ¿No tenías miedo de arruinar las canciones con tantos añadidos?

No, realmente no. Elegí con mucho cuidado las canciones del disco para que pudieran cuadras con los arreglos ‘pomposos’ que tenía en mente. Creo que ha funcionado y que todavía hay espacios en los que puedes respirar dentro del disco. Sólo tienes que buscarlos.

A diferencia de en otras ocasiones, ahora Boy Omega parece más una banda como tal más que un proyecto de un cantautor. ¿Fue algo intencionado?
No, todo ocurría de manera natural. Tres de los músicos del disco (Per-Ola, Andreas and Karin) habían hecho giras y tocado conmigo desde hace un par de año, así que fue algo muy natural ensayar, arreglar y grabar las nuevas canciones con ellos. Pese a todo, aún sigo haciendo conciertos en solitario y seguro que grabaré más discos así en el futuro. No pienso mucho en ello, no lo planeo: Un día hay banda, al día siguiente estoy yo sólo. Me gusta funcionar así.

Creo que Suffocation Street es muy diferente del resto del disco. ¿Por qué la escogiste como single?

¿Sí? ¿De verdad lo piensas? No lo había pensado hasta ahora. La elegimos como el single del disco porque a mi compañía británica le gustó para sacarlo en ese formato y yo di el ok.

¿Por qué son tus canciones siempre tan tristes? ¿Es la tristeza tu principal musa para escribir?

Yo no diría que son siempre tristes, pero, por alguna razón, me es más fácil componer cuando estoy de bajón que cuando estoy bien.

Por decirlo de otra manera: Puede que no sea el chico más feliz en torno a la mesa, pero aún así me como los cornflakes cada día.

¿Has tenido problemas con tus canciones en directo? Quiero decir, son muy personales y a mí me resultaría muy difícil cantar mi intimidad en un escenario.
Diría que depende mucho del momento: a veces es complicado, a veces no. Sin embargo, trato de no pensar demasiado en ello. Sí, escribo en primera persona, pero, pese a lo que parece, no cada canción es autobiográfica.

Hope on The Horizon tiene una estructura singular: al principio cantas que no hay esperanza, pero a la altura de True Haven parece que por fin la has encontrado. Irónicamente, ésa es la canción más dramática de todo el disco. ¿Era algo tan planeado como parece?

Sé que te he dicho antes que no me gusta pensar demasiado las cosas, pero en este caso sí: eso estaba planeado. Para mí, es importante que mis discos tengan un hilo conductor o un tema común, algo que los haga más cohesionados. Preferiría que la gente los escuchase de principio a fin, por lo menos la primera vez que lo hacen.

Hoy en día, parece que a la mayoría les gusta oír música en Myspace o servicio similares. Y yo entiendo la belleza de eso: es rápido y fácil, pero por contra la calidad del sonido es bastante mala. Casi parece que las canciones se han convertido en los pequeños bombones de una caja de chocolate. Das un mordisco, pruebas uno, lo saboreas unos segundos y, más rápido que Lucky Lucke, pasas a otro.

Es decir, no me gusta alquilar una película y que sólo me cuenten el final.

He leído que tienen más de 200 canciones en tu ordenador. ¿Has acumulado más? ¿Tienes planes para ellas?

Bueno, mi ordenador murió a principios de diciembre, así que tengo que empezar de cero de nuevo…

No, es broma: hice copias de seguridad de la mayor parte del material. (Risas)

En respuesta a tu pregunta, sí, tengo más de 200 canciones listas para ser grabadas, pero aún están lejos de que se puedan editar. La mayor parte de ellas son sólo yo, mi guitarra acústica y un micrófono de baja calidad. En algunas sólo canto cosas sin sentido: la melodía está hecha, pero faltan las letras. Así que tendría que tomarme mi tiempo para arreglarlas y grabarlas en un estudio, pero espero poder hacerlo.

Antes, mi sueño era editar tres discos cada año, pero ya no quiero eso. El mundo gira cada vez más rápido, por lo que creo que es muy importante pararse a respirar, a pensar.

Eso sí, si cuando me muera tengo cien o incluso mil canciones mal grabadas, la gente puede hacer lo que quiera con ellas. Incluso gastar el dinero que saquen en hacer discos duros de mayor calidad (risas).

¿Y nunca has sufrido un bloque artístico? ¿El síndrome de la página en blanco?
No. Me estoy volviendo cada vez más meticuloso, especialmente con las letras. Hace un par de años, tardaba dos minutos en acabar una canción y ahora me cuesta dos horas. Pero no llamaría a eso un bloque artístico.

¿Y qué hay del futuro? ¿Qué esperas?
Quiero sacar un nuevo disco de Boy Omega y otro doble reinterpretando viejas canciones, vistiéndolas con nuevos ropajes. Además, mi amigo Martin y yo estamos planeando terminar el segundo disco de nuestra banda Kubot..

Pero, siendo honestos, no espero mucho. Escribir canciones es una obligación para mí. No estoy metido en esto por el dinero. Si no, hubiera escogido otra profesión diferente.

¿Te veremos pronto en España?
De momento no hay nada planeado, pero espero hacer una gira en el futuro.

Jardín es uno de los discos de pop psicodélico (en la acepción clásica del estilo) más estimulantes de la música española en los últimos años. Un disco que llenó de entusiasmo a varios de los próceres radiofónicos de Radio 3 y que permitió a la banda vallisoletana dar el salto a un estudio de grabación.

Jardín es una excursión de indudable aroma retro, lo que no significa que sea sólo copia de esquemas prefabricados ni que sea obra de un grupo corto de miras. Aquí hay rock y pop psicodélico de altos vuelos.

Como, además, la música española actual no anda precisamente sobrada de bandas del estilo ni tampoco de grupos tan solventes musicalmente como Dehra Dun, todo brilla más. Si Los negativos forman parte de tu memoria musical, deberías echarle un oído a un disco del que gracias a Roberto Terne, voz y guitarra, hemos podido saber más.

¿Cómo surge la posibilidad de grabar un disco bajo el auspicio de Junk-Grabaciones en el Mar?

Yo creo que la llave de todo ha sido “Jardín”. Es una canción que nada más ponerla Chema Rey en su Bulevar nos abrió ciertas puertas. Pedro Vizcaíno (responsable de Grabaciones en el mar; n.e.) ya nos conocía de anteriores canciones pero fue después de que Chema nos pinchara este tema cuando nos llamó para interesarse por más canciones. Con Junk hablamos casi mientras estábamos grabando el disco en el estudio de Paco. Al final nos decidimos con Grabaciones en el Mar aunque al final por acuerdos y cosas así, la historia quedó en algo conjunto entre ambos sellos. Supongo que edición y distribución o algo así. No estoy muy seguro. En cualquier caso, Pedro nos conocía de varias intentonas previas. Pero Jardín fue la que terminó de convencerle.

Dado el maltrato habitual por parte de la prensa al pop de raíces tan claramente sixties, ¿no tenéis miedo a quedar encasillados en una escena revivalista?

Es que no creo que seamos un grupo sixties. Cualquiera que escuche el disco se dará cuenta de que nuestras referencias sí que vienen de los clásicos pero eso no quiere decir que seamos un grupo de revival. Jardín es un disco de rock psicodélico. Pero no olvidemos que la Psicodelia ha sido absorbida por generaciones posteriores a los 60 por bandas como The Cure, Echo & The Bunnymen, U2 o unos primerísimos Primal Scream.

Dehra Dun está alejado totalmente del típico grupo retro. Aunque ello no quiere decir que no disfrutemos con ciertos grupos retros. Lo mismo que podemos disfrutar, por ejemplo, con un disco de The Cure o de los Pixies.

¿Os consideráis un grupo power pop? ¿Creéis que el powerpop es un estilo poco popular hoy en día e incluso desprestigiado?

Tampoco nos consideramos un grupo Power pop. Para nosotros el Power pop es The Parasites, Bum o algunos temas de The Buzzcocks. Para nada creo que estemos en esa dinámica. Yo creo que actualmente hay pocos estilos desprestigiados. Hay público para todo. Otra cosa es que los medios de comunicación musicales tanto comerciales como independientes sigan intentando marcar el pulso de la gente con mayor o menor fortuna del gusto individual de cada uno. Y otra cosa es que la gente entre al trapo. Lo de toda la vida, vamos.

Suele ocurrir con los debuts que son recopilaciones de los mejores temas de la época maquetera de los grupos, por lo que muchas canciones se han quedado viejas antes de que salga el disco en sí. ¿Os ha ocurrido esto?

Nos pasó con temas que por esa misma cuestión no incluimos en el disco. Por desgracia, desde que grabas los temas hasta que una compañía se decide y te lo edita pueden pasar no meses si no años. Nosotros tuvimos que hacer varias intentonas hasta que por fin Pedro Vizcaíno de Grabaciones en el Mar y otros sellos se animarnos a editarnos el disco. Pero claro….había pasado demasiado tiempo para algunas canciones.

Lo que hicimos fue recopilar los temas antiguos que más tuvieran que ver con la línea de los temas nuevos. Así creo que hemos conseguido mantener una línea coherente. Canciones potentes como Luces Orgánicas no desentonan con temas más dulces como Disparos de soledad. Al fin y al cabo, todas son nuestras canciones con nuestro sonido.

¿Cómo fue el proceso de grabación?

Muy enriquecedor como siempre que nos ponemos en manos de Paco Loco. De hecho siempre intentamos no llevar el trabajo herméticamente cerrado al estudio con el objetivo de que Paco meta mano con total libertad. Creemos en los productores. Y luego está la barita mágica de José María Rosillo en la masterización. Esperamos repetir el mismo equipo en el próximo disco.

Normalmente siempre intentamos grabar la batería y el bajo en una primera sesión y después incorporamos el resto. Algo habitual. Solo que cuando está todo el grueso grabado es cuando empezamos a disfrutar incorporando todo tipo de matices: 2 baterías para una misma canción, jugar con los cacharritos de Paco, palmas….hasta que paramos para cenar, comer y echarnos un Fifa con la Play Station. Por cierto, que Paco y yo solemos competir bastante en este aspecto. Él se elige al Sporting y yo a la selección brasileña….y aún así, me gana en más de una vez.

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El disco suena rico en matices y muy cuidado en la producción. ¿Os encontráis satisfechos del sonido conseguido o se han quedado cosas en el camino del estudio?

Nos encontramos muy satisfechos. El sonido del “slide” al estilo Pink Floyd o Harrison ha quedado muy bien a pesar de que tan solo llevaba 3 meses tocando el slide cuando entré en el estudio. Y los arreglos de teclados y del sitar también han quedado muy bien. Es difícil sacar sonido al sitar en medio de tanto arsenal sonoro…pero Paco lo logró estupendamente. Es una lástima que a veces en los directos tengamos que lidiar con entornos adversos.

Las letras se mueven en lo que se espera de un grupo de pop psicodélico: viajes interiores y exteriores e imágenes de muy distinta índole solapadas entre sí. ¿Era por honrar a los maestros? ¿Os sale así de natural? ¿O hay drogas de por medio?

Las letras van en consonancia con el entorno musical que se ha compuesto previamente. Si compones con guitarras al revés, sitares y bajos intensos te saldrán letras que transmitan sugerencias, ambiguedades, paisajes….es como si estuvieras escribiendo para New Age o algo así....

Por otra parte, mi vida personal actualmente está lo suficientemente equilibrada como para no andar escribiendo sobre desamores, tensiones y cosas así. Así que cuando compongo letras me gusta escribir pasajes escapistas, libres que transmitan liberación y que intenten hacer flotar tanto como lo hace la música que hay debajo. Lo de componer bajo influencia de las drogas, imposible. Demasiada ansiedad y estrés. Eso sí: la cafeína y el vino de Ribera que no falte.

¿Hasta qué punto son Los Negativos una influencia en la forma de hacer de Dehra Dun?

Hasta un punto importante. Para mí, siempre han estado ahí. El Piknik Kaleidoscópico cambió mi perspectiva musical tanto como lo hizo el Sgt Peppers. Y lo hicieron los dos discos a la vez cuando yo tenía 17 años. Y hasta ahora.

Lo de George Harrison no sólo va en el nombre, sino también en guitarrazos marca de la casa. ¿Es el punto de unión entre los integrantes de la banda? Por cierto, ¿cómo os juntáis para forma Dehra Dun?

Es un punto de unión aunque hay que confesar que unos componentes del grupo tenemos abrasados de George Harrison a otros sufridos componentes. Pero en general, George Harrison nos gusta. Tanto como lo que le rodeó en su vida: Tom Petty, Travelling Willburys, Eric Clapton, Dylan, Beatles... solo nos faltan las carreras de Fórmula 1.

Lo de juntarnos los cinco componentes en el grupo procede de una transición larga desde la separación de mi antiguo grupo (Substitutos) hasta la formación del grupo. En todo ese tiempo estuvimos en grupo de transición y cosas asi. Nos conocemos de toda la vida ya que Valladolid es muy pequeño. Hay dos hermanos dentro de la banda, un matrimonio y un batería muy tronado como lo están todos los baterías del mundo. Pero le queremos.

Por cierto, que me causa curiosidad saber por qué vuestro nombre va a veces escrito como Dehra Dun y otras como Dhera Dun… ¡Incluso en vuestro propio myspace!

Es una ida de pelota colectiva en la que nosotros también hemos caído. En el myspace lo hicimos a posta ya que existe un artista estadounidense que se llama Dehra Dun y que está registrado previamente a nosotros. Así que nos tocó intercambiar la “h”. En los autógrafos del disco a veces suelo firmar como “The Radún”... Algunos amigos nos llaman “Durán Durán” o “Dan darandúl”. No es un nombre fácil de asimilar a la primera pero al final acaba gustanto y teniendo musicalidad. Creo.

Afirmáis hacer (y es fácil comprobar por qué) rock psicodélico. Y en vuestra influencias aseguráis “purismos fuera”. ¿Cuáles son esas bandas psicodélicas que a vosotros os gustan y que consideráis maltratadas por los puristas?

No tenemos ni idea de que es lo que estarán maltratando los puristas actualmente. En parte porque no hacemos ni puñetero caso a los puristas. Como si no existen. Pero sí sabemos lo que nos gusta. Y ya te digo, en lo referente a psicodelia está desde la época flower power del 67 (Pink Floyd, Byrds, Beatles....) hasta la nueva psicodelia inglesa de los 80 (Echo, Psychedelic Furs, Robyn Hitchcock...) sin olvidarnos de la psicodelia estridente de Jesus & Mary Chain o de bandas con sonidos que te hacen despegar como los mismísimos U2 (¡The Edge el delay-man!) o el colorismo pop de The Cure.

Nos encanta el pop cromático. Deberíamos de inventarnos un estilo con ese nombre. Chema Rey estuvo cerca con lo de “La Revolución de los Colores”. ¡Ah! Por supuesto, nos chiflan The Bangles. Nos hubiera gustado un montón ir a verlas en Nochevieja a Las Vegas.

¿Y cuáles son vuestros grupos no psicodélicos favoritos?

De hecho, no escuchamos psicodelia normalmente. Manuel (batería) flipa con el Acid Jazz y la música negra. Jaime está hecho un fan de Dylan. Fernando tiene fijación por Pixies, Franz Ferdinand, Bowie, Cure. Rosalía se pasa el día viendo películas de Bollywood y escuchando música india actual que va desde Anouska Shankar (a quien conocimos en persona) hasta música tradicional y comercial india. Por cierto, que Rosalía también pudo conocer en persona a Ravi Shankar cuando fue a verle tocar en Londres el pasado año. Baluji Srivastav (el sitarista que ha tocado con Oasis en la regrabación del Sgt Peppers del 2007) es el gurú que enseña a Rosalía a tocar el sitar. En fín… me estoy liando. Y yo estoy todo el día escuchando a los míos: George, Paul, John y Ringo. Tanto juntos como por separado.

Habéis sido uno de esos grupos en cierto sentido mimados por la radio pública (Radio 3). ¿Os ha facilitado esto las cosas?

Sí. De hecho en la misma semana que Chema Rey pinchó “Jardín” fue cuando logramos conseguir la atención de varios sellos discográficos. Fue una pasada. Jesús Ordovás también nos pinchó a rabiar y nos llevó al IPOP. Ahora la situación dio un vuelco bastante drástico al desaparecer ambos periodistas de Radio 3. Un capricho de la mala suerte. Dehra Dun igual que otras bandas ya no sonamos tanto como antes. Aunque Julio Ruiz nos hizo una entrevista en el Lemon Pop y Juan de Pablos también nos apoya. Esperemos que para el próximo disco contemos también con apoyo de Radio 3. Si no, siempre nos quedará internet y futuros formatos y proyectos.

Tengo entendido que Roberto es periodista, crítico musical y agitador de la escena indie de Valladolid. ¿No se cansa de lidiar con cierta indiferencia?

Bueno, lo de crítico musical y periodista pertenece casi más a mi pasado que a mi presente. Soy colaborador de un periódico local de Valladolid. Pero no soy periodista. Antaño estaba bastante centrado en esta actividad. De hecho era mi único sustento. Pero ahora me dedico a mi empresa de sonido y de organización de conciertos y sigo colaborando en el periódico en la medida de lo posible junto con otros colaboradores y periodistas. Lo de agitar la escena indie…bueno….también es algo más de los años 90. Digamos que me dedico profesionalmente al mundo de la música. Y que lo de lidiar y cansarme forma parte del oficio. Lo mismo que motivarme y entusiasmarme.

¿Cómo veis el futuro para la banda? ¿Qué planes tenéis?

El futuro lo vemos perfectamente. Esperamos seguir haciendo canciones y discos todo el tiempo que podamos. Tenemos un plan muy interesantes que es el de hacer una mini-gira con un grupo de nuestra ciudad que se llama Arizona Baby (un trío acústico de rollo americano que complementa muy bien nuestra propuesta musical) Cada uno tocaremos nuestros respectivos temas y luego en directo nos juntamos todos (8 musicos) tocando temas de The Who, Travelling Willburys y más sorpresas. Luego queremos grabar un nuevo disco que esperamos editar este 2008. A finales. Eso sí: Lo próximo de Dehra Dun será algo mas que psicodelia. No podemos estar de tripi toda la vida aunque vivir sobreestimulado no está nada mal.

Vídeo | Myspace
Vídeo | Dehra Dun en el Lemon Pop (Youtube)

El codazo de Tassotti es un disco muy notable, que debería enamorar a la cada vez mayor legión de seguidores del indie patrio menos underground. En él, Deneuve han suavizado los planteamientos de El adiós salvaje, pero mantienen la misma intesidad con la que ya se hicieron notar en El amor visto desde el aire.

Este triplete les ha puesto en boca de muchos, ha conquistado los corazones de unos cuantos aficionados a la música en castellano y les ha hecho sobresalir en festivales como el Contempopránea, la única apuesta integramente nacional de este país, por lo que su éxito allí es aún más valioso.

En Hipersónica hemos querido hablar con la banda y Adolfo, su cantante, es quien nos respondió a través del correo electrónico.

¿Es éste el primer disco sin concepto o el primero en el que no lo contáis a la prensa y a los oyentes? ¿Cansados quizás de tener un hilo argumental?

Creo que los discos en realidad se conceptualizan casi siempre a posteriori. Ves lo que has hecho y te das cuenta de que la suma de todas las canciones tienen un significado muy compacto. En este último disco había factores que impedían que le diéramos forma de disco conceptual. Fundamentalmente la participación en el proceso compositivo de todos los miembros del grupo, cada uno con sus circunstancias vitales, y nuestra intención de que la coherencia del disco viniera por criterios musicales.

En El Adiós Salvaje, el romanticismo guiaba no sólo las letras, sino también a música, apasionada y por momentos excesiva. Ahora volvéis a sonar más acústicos: ¿cuáles han sido las razones de ese cambio?

Bueno, eso es así a medias. Es verdad que en algunos momentos este disco recoge el espíritu de “El amor visto desde el aire”, pero también es cierto que la electricidad tiene un protagonismo claro en “El codazo de Tassotti”, así como el tono excesivo que mencionabas. Más bien diría que este disco perfectamente podría definirse en cuanto a sonido como un compendio de lo hecho por Deneuve a lo largo de nuestra carrera.

Vuestro anterior disco era truculento y morboso en bastantes momentos de las letras. Pienso, por ejemplo, en Hostal Nuria o en Kindergarten. Ahora, sin embargo, se nota una mayor dulzura, incluso en los reproches. ¿Fue premeditado o sólo como consecuencia de vuestras circunstancias personales?

En parte premeditado. Realmente nuestra actitud vital como ind