Javier Vargas ya tiene listo el nuevo disco de la Vargas Blues Band. Se llama Flamenco Blues Experience y saldrá a la venta el 15 de mayo. En él fusiona su blues rock y R&B con flamenco y lleva una portada increíble firmada por Bob Masse, clásico diseñador de carteles de rock para actuaciones en el Fillmore West de San Francisco.

El álbum se grabó en los Ardent Studios de Memphis, donde Vargas ya había trabajado anteriormente en sus elepés Texas Tango (1995 ) y Love, Union, Peace (2004), bajo la supervisión del ingeniero John Hampton (The Raconteurs, The White Stripes) y siendo el responsable de las mezclas Jason Latshaw.

En Flamenco Blues Experience han colaborado el guitarrista canadiense Frank Marino, uno de los grandes del blues rock, Devon Allman, hijo de Greg Allman, de Allman Brothers Band, Raimundo Amador, con quien Javier Vargas rubrica un duelo de guitarras en el tema Blues para Lucía, Rey Morao y The Cherry Boppers aportando fusión funk. Además, las voces las han puesto Tim Mitchell y Bobby Alexander, y la sección rítmica corrió a cargo del genial Steve Potts y David Smith.

El single de adelanto del disco es No pasa nada, con la voz de Bobby Alexander y la guitarra flamenca invitada de Raimundo Amador, una muestra de que la Vargas Blues Band con Javier Vargas al frente sigue estando en forma.

Sitio oficial | Vargas Blues Band
Escucha | No pasa nada

Como comentaba mi compañero probertoj hace unas horas, al hablar del regreso a los escenarios de Omega, aún hay más novedades acerca del célebre y controvertido disco que Morente publicara junto a Lagartija Nick, hace ya doce años, y que vuelve a estar más de actualidad que nunca estos días (aunque haya quien preferiría hacerlo desaparecer).

El granadino ha anunciado la adquisición del master original y los derechos de publicación del álbum, para ponerlo a la venta en la Red, completamente remasterizado y a un precio de 0’99 euros la canción. La distribución de Omega en formato digital ha comenzado hoy mismo a través de una web preparada para la ocasión, y como jugoso bonus incluye Oriente y Occidente, un tema grabado junto a los mismísimos Sonic Youth en el Greenspace del 2005.

Por cierto, decir que la presentación en directo del álbum, además de en el Primavera Sound y en el FIB, también llegará hasta Madrid, donde actuarán el 21 de junio en La Riviera. Además, Morente también ha anunciado su intención de publicar el trabajo en formato físico más adelante, incluyendo un tema de Leonard Cohen que en su momento no pasó el corte. Así pues, se trata de un momento excepcional, tanto para los confesos seguidores del inolvidable disco, como para aquellos que aún estén por descubrirlo.

Sitio oficial | Morenteomega
Vía | El País

Pero La Shica era un grupo que comenzó con el nombre Dios los Cría en la rebotica del tablao Las Carboneras de la capital de España. Los líderes era la cantante y bailairoa ceutí y el guitarrista carioca Fernando de la Rúa, y tenían junto a ellos un letrista rapero y un compositor invitado como José Luis Montón.

Ahí surgió la mescolanza, la fusión de flamenquito, hip hop, funk, copla, reggae y música brasileña que han paseado cientos de locales. No sé como acabó esa alianza pero tras La Shica sólamente aparece ahora esta mujer que debutó detrás de un micrófono hace más de cuatro años en La Lupe, un garito de Chueca.

En el disco hay copla aflamencada, en Carnes paralelas, el tema que canta a dúo La Shica con el cantaor badalonés Miguel Poveda, pero lo que más abunda es ese mestizaje en el que el hip hop se lleva la palma y que le traerá más de una comparación con la Mala Rodríguez.

Pero lo que nos da La Shica, que se autodenomina como flamenca rapera, es algo más ecléctico que lo de la autora de Malamarismo. Temas pegadizos como el single citado, un medio desfase a medias con Miguel Campello, cantante de elbicho, en Vicio, una copla clásica deconstruida en María de la O, desparpajo a raudales como el que podría ofrecer antaño Lola Flores o Martirio en El probador y Maricarmen, y rumba-rap en Suerte.

Sitio oficial | La Shica

Lo que sí es indiscutible es que Son de limón es un gran disco de fusión, con un sonido modélico y una producción de Javier Limón intachable. El guitarrista se rodea de un elenco de grandes músicos de aquí y de allá para realizar una interesante mezcla de sonidos caribeños, jazz y patrones de pop flamenco.

Sin embargo Javier Limón, como si quisiera adoctrinarnos sobre su propuesta nos dice que Habanerías, el sorprendente y genial corte que abre el compacto, son unas bulerías cuando no deja de ser más que jazz fusión con la voz rota de Concha Buika. Lo mismo sucede con Misterios del amanecer, otra bulería que podríamos adscribir a la herencia de Ketama.

Por eso el no iniciado debe de tomar con precaución la nomenclatura que el productor de Cositas buenas, de Paco de Lucía, utiliza en este álbum en el que hay detalles de quitarse el sombrero como el bolero Consuelo y candela, y la rumba Laberinto de canela. Ah, y se me olvidaba, Madruygá, sí que tiene el pellizco de la bulería.

Sitio oficial | Javier Limón

Pero puestos a rescatar material inédito, ¿por qué tan sólo nueve cantes? Eso sí, el material es de primera pero peca de haber sido retocado en demasía y ser demasiado heterogéneo y tener por ello un sonido nada homogéneo. Éste es el caso del medley Por tangos que abre el compacto, la Soleá del Chaqueta, el martinete Las 12 acaban de dar y La saeta, a los que parece que se le ha añadido arreglos de orquesta que no tenían originalmente.

En concreto, la versión de La saeta, acompañado de Serrat, que está extraída de una grabación realizada en un programa de Mercedes Milá de 1991, es bien diferente a la que ya circulaba por internet. Así y todo, estos cantes nos dan una idea de lo grande que era Camarón, un cantaor con un dominio del compás increíble y una jondura y una técnica que no ha sido superada ni posiblemente lo será nunca.

Especialmente ponen los pelos de punta la interpretación de la bulería Soy fragüero, acompañado de guitarra de Tomatito, palmas y bajo, y el fandango en directo La víbora rabiosa, con el público entregado.

Ya puestos en gastos casi es mejor hacerse con la edición limitada que incluye una camiseta serigrafiada, un libreto de dieciséis páginas, cinco fotografías del cantaor y un DVD con un documental titulado Cámaron en imágenes que incluye actuaciones en directo cedidas por RTVE.

Wikipedia | Camarón

Hacía falta una Antología de Antonio Molina, una de las voces más importantes de la canción española de la mitad del siglo pasado. Por fin se publicará el 25 de marzo un doble compacto más un DVD que incluye sus cuarenta grandes éxitos acompañados de imágenes de actuaciones en TVE y una entrevista.

El cantante malagueño cumpliría ahora ochenta años y ha sido esta fecha la que ha decidido a su compañía discográfica a rescatar aquella voz de falsetes imposibles que unió la canción andaluza con el flamenco. Soy minero es el tema más conocido de Antonio Molina pero Cocinero, cocinero, Adiós a España o Yo quiero ser mataor son algunos de los títulos que los mayores reconocerán como sus más populares.

Antonio Molina, que fue el primer cantante en actuar en plazas de toros, debutó con un EP de cuatro canciones que incluía El agua del avellano y El macetero, dos temas que aparecen en este recopilatorio. Se presentó por primera vez en Madrid en 1952 con el espectáculo Así es mi cante y en 1953 grabó su primera película El pescador de coplas, donde cantaba los pasodobles antes citados Yo quiero ser matador y Adiós a España. Murió en Madrid en 1992.

Vía | Emi
Wikipedia | Antonio Molina

Tocaba parada de la gira de Jarabe de Palo en Salamanca, una gira supuestamente marcada por la reinvención, y pese a todo les he dado una oportunidad para que me convenciesen de que siguen siendo los mismos que compusieron aquella joya de la música en castellano llamada Agua.

Pues comenzó en Salamanca este Reciclando Tour, y se notó que Pau Donés no ha hecho muchos amigos con sus declaraciones estos últimos años,sino más bien al contrario, pues el recibimiento quizá fue algo frío con un Auditorio lleno en sus tres cuartas partes, que se queda en poco para una banda como la de Pau Donés, con 12 años en activo ya.

Se notó eso si que la banda pretende cuidar hasta el más último detalle del espectáculo, no por la decoración del escenario,consistente en unas simples bombillas de colores, sino en un folleto repartido a la entrada en el que, a modo de folletín teatral la banda comenta el por qué de esta gira y ofrece una lista con el repertorio , la ficha técnica del espectáculo y la discografía de la banda (curioso que no se incluya el Grandes éxitos que editó Virgin). De todas maneras, el folletín me parece una buena idea para amenizar la espera, algo recomendable de lo que deberían tomar nota muchos artistas.

El repertorio, consistente en todos sus grandes temas, como Depende, Lado oscuro, Pura Sangre, Duerme conmigo, Agua, Bonito, La Flaca….pero bueno, ahora paso a detallar en qué consistió la reinvención que mostró Jarabe de Palo en Salamanca.

Uno de los detalles que destaca de esta gira es la videopresentación del espectáculo por Andreu Buenafuente, algo que a algunos nos hizo recordar a la presentación que Iñaki Gabilondo hizo este pasado verano en la gira conjunta de Joaquín Sabina y Joan Manuel Serrat.

Depende fue una version a medio ritmo entre jazz,funky y reggae, pero ciertamente fue la primera canción que me gustó, y evidentemente también al público por el mero hecho de ser el éxito que es. Otro de los clàsicos revisionados fue un El lado Oscuro con tremenda influencia de jazz que no me convenció sobremanera pese a la extraordinaria interpretación a dúo entre la guitarra eléctrica y el saxofonista de la banda.

Buenafuente se dignó a hacer varios gags: el primero fue uno acerca de el típico crítico musical que no entiende mucho a las bandas,el humor de Buenafuente. El segundo gag de Andreu fue una parodia del mánager de la banda, bastante cómico acerca del mundo de sus comisiones y sus ideales. Curioso fue a los 45 minutos de comenzar el concierto un pequeño parón, anunciado explícitamente “para echar un cigarrillo o ir al WC”, sin duda una muestra más de la similitud entre esta gira y una obra de teatro.

Curiosa la forma de presentar Déjame vivir, a través de un gag en el que Buenafuente imitaba al típico locutor radiofònico que emite sin apenas gusto musical, curioso cuando menos el mensaje, Pau Donés sigue haciendo amigos. Destacar otro momento de la noche, concretamente en Me gusta como eres, donde uno de los miembros de la banda fue repartiendo rosas entre algunas de las mujeres del público mientras la canción sonaba, a modo de homenaje.

Sin duda alguna, la mejor versión de la noche fue la de Duerme Conmigo, sin palabras. Una versión simplemente con el propio Pau y una guitarra encima del escenario, desnudando a la canción de todo artificio y dándole un toque fantástico, sin comentarios.

Curioso fue tambièn el comienzo de Agua, con un “espontáneo” que saltaba al escenario quejàndose de la ausencia de guitarras en el tema, que fue recibido con un “agradable” recibimiento por parte de el público y de la banda. De todas formas, la versión de Agua no me gustó absolutamente para nada. Se le dió un toque entre flamenco y jazz que hace que el tema pierda la magia que le da la simplicidad de instrumentos que tiene en la versión original.

La reaparición del guitarrista apaleado fue en Yin Yang fue tocada de una manera bastante sutil, dàndole protagonismo a la percusión tocada a dúo y a la guitarra en una versión que, pese a no distar mucho de la original le añade algo màs de percusión que agradecí.

Bonito fue tocada bastante acelerada y de una manera muy funky, algo que hizo ponerse a todo el auditorio de pie, comenzando el colofón de un concierto que estaba siendo rodado gracias al público,pese a haber comenzado frío y temeroso.

Terminó por un momento el concierto con La Flaca, presentada de nuevo por Buenafuente fue tocada con un ritmo distinto dificil de describir, un poco màs acelerada y que volvió a levantar al público de sus asientos.

Comenzaron los bises con A tu lado, reconocida al momento por dar música a un anuncio de TV y tocada de una manera semejante a la del disco. Terminó el concierto con Grita, un tema cantado a coro y botada por todo el público, que junto con el chute de optimismo que ya la canción supone consiguió cerrar un concierto que fue redondo, chapeau. Y lo dice un enemigo de Pau Dónes, de veras.

Flickr | Fotos de Jarabe de Palo en Salamanca
Más información | Web oficial de Jarabe de Palo

Bellas, primer single del segundo álbum de Canteca de Macao fue para mí una de las mejores canciones de 2007, y ahora la formación madrileña nos soprende con un estupendo segundo single de Camino de la vida entera.

Contigo es la canción elegida por esta banda de mestizaje que ha optado por la autogestión de su proyecto a pesar de haber firmado con un sello multinacional. Se trata de una rumba cantada por Ana Saboya, de quien ha sido la idea original de un videoclip que mezcla animación e imagen real.

Con una estética próxima a la de Tim Burton, Gorka Vázquez, autor de Acabo de llegar, de Fito & Fitipaldis, ha dirigido este divertido clip producido por Sayaka Producciones que puede dar el espaldarazo definitivo a Canteca de Macao, un grupo que se mueve en el mismo terreno que Elbicho y Ojos de Brujo.

Sitio oficial | Canteca de Macao
Vídeo | YouTube

La onda expansiva de Veneno no fue como la de una bomba, inmediata, atronadora y capaz de barrer con todo. No, fue más bien como la de la piedra que cae en el agua: círculos concéntricos que van apareciendo silenciosamente, pero que se extienden hasta el infinito.

Lo que sigue aquí es un análisis de por dónde se dejaron ver algunas de esas ondas calladas, de quien quiso continuar la tarea de Veneno. Por supuesto, esta enumeración de ocho discos está afrontada muy subjetivamente. En algunos casos, es obvio que Veneno tuvo la culpa de su existencia, en otros podría discutirse y en unos pocos me he puesto a hilar tan fino que es posible que me haya pasado de frenada. En fin, para rebatir lo que queráis tener los comentarios. O para aportar vuestras sugerencias. En cualquier caso, cualquiera de estos ocho discos harán más feliz vuestra discoteca particular.

Camarón: La leyenda del tiempo (1978)

La referencia más clara, casi un disco nacido en el mismo momento. Camarón abandona el “De la Isla”, se deja barba y se pone al contraluz en la portada. Y, aconsejado por Ricardo Pachón, productor de Veneno, se rodea por la locura: junto a él están Tomatito, Raimundo Amador y Kiko Veneno.

El rock y el flamenco tienen ya, gracias a la máxima estrella de este último estilo, carta blanca para aparearse todo cuanto quieran. Kiko le prepara a Camarón un hito histórico del pop (Volando Voy, single del disco) y le da también “Mi niña se fue a la mar” (firmada a medias con Pachón), así como le prepara le trae preparada la la versión de Omar Kayan, poeta persa.

No obstante, Ricardo Pachón, Kiko Veneno y Raimundo Amador difieren en qué parte de culpa tuvo cada uno en el origen de La leyenda del tiempo. En cualquier caso, lo más importante, más allá de los egos, ya estaba hecho: éste es un disco de los que borran prejuicios con el flamenco y parada obligatoria para cualquiera que se diga aficionado a la música.

¿Y la reacción?: Pachón cuenta que los gitanos viejos devolvían el disco en las tiendas porque decían que ése no era Camarón.

Imprescindible para comprenderlo en toda su extensión este artículo de Luis Clemente, quizás el mejor crítico que ha tenido el flamenco.

Pata Negra: Blues de la Frontera (1987)

Diez años después de Veneno, los hermanos Amador firman su último disco juntos como Pata Negra. Lo que vendría después es una fea historia, pero este Blues de la Frontera consagra su fusión, denominada por ellos mismos la bluesería (blues + bulerías). Desde la emotiva Bodas de Sangre hasta la final Lunático (que si la oyen Primus se mueren), lo que hay en este disco es algo más que un nuevo sonido o una fusión que lleva al terreno gitano el blues, el reggae, el rock, el pop, el jazz (preciosa How High The Moon) o el funk: lo que se esconde tras la portada son nueve canciones como la copa de un pino.

Quizás en Guitarras Callejeras, su segundo disco, la experimentación sea mayor, pero nada es tan consistente como la despedida de Pata Negra. Dicen que lo acaban de reeditar con el sonido mejorado. Seguro que Rafael sigue cantando tan alejado de la ortodoxia flamenca como en aquel entonces e igualmente capaz de romperte. Pasa la vida se ha convertido en un tópico por culpa del mal uso que la televisión ha hecho de ella, pero metida aquí, en medio de sus acompañantes sigue siendo una de las mejores piezas que haya dado el pop español. Por si fuera poco, Blues de la frontera consiguió reconocimietno internacional y abrió otra nueva puerta de entrada al flamenco.

Ketama, Toumani Diabate y Danny Thompson: Songhai (1988)

El mejor disco de Ketama, el que justifica toda su existencia como banda y el que puede hacer más llevaderas las veleidades que vinieron después, aunque también sirve para sacar los colores a la posterior evolución del grupo que formaron los retoños de los Habichuelas y los Sordera.

África se da la mano con el flamenco. Dicho así, puede quedar un eslogan demasiado publicitario, pero es sorprendente cómo casan los ritmos y las cuerdas de Mali (espléndido Toumani Diabate) con los distintos palos y el contrabajo juguetón de Danny Thompson. El NME lo nombró el año de su salida mejor disco no aglosajón y aún hoy sigue siendo uno de los discos que más hace por darle a la etiqueta World music un sentido más allá del puro marketing discográfico.

Si en Veneno era el rock y lo anglosajón lo que venía a visitar al flamenco, aquí es África, el Islam, los gitanos y lo inglés lo que se une en la mezcla perfecta. Groovie es la palabra, como demuestra Jarabi...

Ray Heredia: Quien no corre, vuela (1991)

Otro de los reeditados recientemente (en concreto, el año pasado) y quizás el disco con la leyenda trágica que parece ser inevitable en cualquier estilo. El nuevo flamenco tuvo en Ray Heredia a su joven mártir talentoso, pero lo duro de su final (murió a los pocos días de concluir el que iba a ser su debut en solitario) no ha de ser el morbo que impulse la calidad de este disco. De hecho, Quien no corre, vuela no necesita de nada extra a su propia música para ser el disco canónico del Nuevo Flamenco, ambigua etiqueta en la que se ha dado cabida desde lo mejor (este disco) hasta algunas excursiones de flamenquillo pop barato de dudosa valía.

Lo más impresionante es cómo Heredia pone voz a la melancolía. No hay quejío, sino otra manera de afrontar el dolor. Si me lo permitís, mucho mejor que Jeff Buckley. Que su tema más conocido se llame Alegría de vivir sólo demuestra la absurdo de un mundo que no le dio el reconocimiento popular que este disco se merecía. La crítica lo entendió y lo alabó nada más salir, pero muy pocos más. Aún así, un monumental tratado de tristeza, que casa con el humanismo de las letras de Kiko Veneno y que, en lo musical, ahonda en la fusión del flamenco con el pop más universal.

El último de la fila: Enemigos de lo ajeno

El camino contrario al de Veneno (o al de Kiko Veneno en solitario). Culpables de que el pop español pudiese aflamencarse y, en este disco, de algunas de las mejores canciones de la historia de la música española, El último de la fila consiguieron que lo mediterráneo, la Barcelona urbana pre-1992, el flamenco light (aquí no en sentido peyorativo) y el pop inglés (yo sigo viendo mucho de los Smiths en este disco y si me apuran, hasta de los Go-Between) se uniesen sin que aquello pareciese un pastiche. Si Veneno fue un disco para colgados y mentes alucinadas, Enemigos de lo ajeno trat de adaptar parte de su lenguaje para la gente de los extrarradios. Claro, triunfaron. Además, “el nuestro no es un amor perfecto pero tampoco los ángeles tienen hélices” es una frase muy de Kiko.

Albert Pla: No sólo de rumba vive el hombre

Lo dice Kiko, no yo: Albert Pla puede ser de alguna forma continuador de mi trabajo. Empezamos a hilar fino, sí, pero no es difícil unir a Pla y a Kiko con una línea imaginaria que atraviese a todos los librepensadores, a los heterodoxos, a esos músicos libres de modas y sólo plegados a su propio universo interior. De hecho, si alguien decide hacer un día una buena recopilación de cantautores españoles dejando de un lado a todos los que copiaron el modelo anglosajón, Kiko y Albert deberían estar en primer líena de fuego. Si la obra de Kiko iba de flamenco, la de Pla, al menos en sus primeros tiempos, se escribía con r de rumba. Pero ambos recuperaban la tradición con una visión descarnada y extremadamente íntima de las viejas canciones y de los ritmos antiguos. No sólo de rumba vive el hombre es un disco de los que te vuelan la mente y te ayudan a matar prejuicios. Justamente como Veneno.

Sr. Chinarro: El fuego amigo

Podéis ponerle todas las pegas que queráis a esta elección pero Antonio Luque, como Veneno, ha sabido sacar geniales canciones de cantarle a las cafeteras (Sabina dixit). Y en El fuego amigo, además, acentúa su giro costumbrista, hace su música menos críptica y sus letras se acercan a la concepción del mundo que tiene Kiko Veneno. No es que esto sea flamenco, desde luego: aquí el influjo sólo está en la mente del oyente. Pero ¿en serio cuesta tanto imaginar canciones como Morado, Humor Amarillo, El cabo de Trafalgar o El Rito en el cancionero de Kiko? A mí no. Y, además, éste es un disco que hay que citar siempre que se pueda.

Morente y Lagartija Nick: Omega

La destrucción de todo lo establecido, el paso más allá de a donde Veneno llegaron; el adiós al Nuevo Flamenco, frase acertadísima con la que recibieron este disco algunos críticos. Enrique Morente, el flamenco al que muchos puristas no consideran tal, el inquieto hombre que siempre está buscando nuevas experiencias, recluta a Lagartija Nick, una de las mejores bandas rock de nuestro país, para cantar a Lorca. Y si en La Leyenda del Tiempo, Camarón puso al poeta granadino en clave rock, aquí Morente y Lagartija Nick lo llenan de ruido y trash. El poeta en Nueva York recibe los tremendos cánticos de Morente que, pese a que brilla en las piezas más tradicionales, donde se desata es en aquellas en las que le acompaña el grupo granadino encabezado por Antonio Arias.

La furia y la tristeza, la rabia y lo jondo, conviven en un disco sin parangón desde entonces. Omega, la canción, es posiblemente, una de las mejores piezas que hayan dejado tanto el rock y el flamenco, con esos sampleados de antiguos discos y ese crescendo hacia lo irreal. Otro de los que te barren por completo, de los que te dejan tumbado, de los que te hacen sentir muy vivo y muy orgulloso de haber podido participar de una experiencia sonora de tal calibre. Un disco para el futuro, justamente como lo fue Veneno.

Como ejemplo de lo que se hizo allí, Ciudad sin Sueño:

“Imprime la leyenda”, decía John Ford a través de un periodista en El hombre que mató a Liberty Valance. Veneno es, desde un poco después de su publicación, una leyenda, que cada vez difiere más de los hechos reales. Lo que se ha hablado de ese disco lleva el sello del recuerdo magnificado, de la consciencia, por parte de sus creadores, de que el disco es uno de los mejores de la historia del pop/rock español.

“Esto es como la muerte de Manolete. De aquel disco sólo se vendieron 500 copias y el grupo sólo dio unos diez conciertos y apareció dos veces en televisión. Es verdad que provocó una explosión, pero no tuvo continuidad. Veneno es un mito que ha sido redescubierto después”.

Así de claro habla Pedro Barbadillo, director de ‘Dame Veneno’, el reciente documental sobre el grupo, en el que trata de reconstruir lo que pasó para que se creara aquel hito. Y aquí seguimos, imprimiendo al leyenda, ante la imposibilidad de acceder a los hechos reales. Todo queda más bonito así.

Hoy, nosotros vamos a hacer algo parecido alo que Barbadillo consiguió en su magnífico documental. Así se hizo Veneno, a través de las declaraciones que sus principales protagonistas (o los testigos del momento) han ido realizando, a lo largo del tiempo, a diferentes fuentes:

O es una mierda como una casa o esto es algo genial

(Cita apócrifa atribuida a un ejecutivo de la CBS, compañía en la que se iba a editar el disco, tras escuchar por primera vez una maqueta de Veneno).

“Eramos jóvenes y un poco alocados”.

(Rafael Amador, La Factoría del Ritmo)

“Yo estaba con la Familia Montoya, un grupo muy bien considerado, que actuaba en la Trocha, y ganaba dinero. Después conocí al Kiko, empezamos a tocar los temas de Veneno, y ya no gané más dinero y me quedé a dos velas. Hicimos el disco de Veneno y fuimos muy criticados por todo el mundo, los flamencólicos , los jipis…. decían que si estábamos locos”.

(Raimundo Amador, Lisergia)

“Estuvieron seis meses metidos en un piso que tenía Kiko en Nervión, encima de una farmacia, fumando porros todo el día. Ellos decían que aquélla era su farmacia de guardia. El encuentro lo propició Ricardo Pachón, que había sido productor de Lole y Manuel. Él oyó hablar de Kiko y provocó el encuentro de éste con Raimundo. Y Kiko invitó a los dos hermanos a su piso. El propio Rafael cuenta en la película que el primer día que entró allí se puso unos cascos y se quedó flipado con una música que él nunca había escuchado: Pink Floyd”.

(Pedro Barbadillo, ABC)

Tuvimos plena libertad (...) Respirábamos unión y libertad. Sólo tuve un problemilla con los percusionistas, cuando me di cuenta de que eran un bluff, los eché del estudio

(Kiko Veneno, Efe Eme)

Ellos han cabalgado siempre en una línea muy estrecha entre la inspiración y la locura, algo lógico cuando se reúnen tres monstruos de la creación que no tienen nada que ver entre sí: un universitario de clase media que se compró una guitarrita en América y dos gitanos callejeros.

(Pedro Barbadillo, ABC)

Íbamos a tope, nos expresábamos a tope y lo pasamos alucinantemente bien. Las canciones se grabaron en una sola toma, excepto “Los delincuentes”, que tiene un pinchazo a la mitad que se nota un montón

(Kiko Veneno, Efe Eme)

Aparecieron actuaciones en Televisión Española y fotos inéditas de la grabación tanto de La leyenda del tiempo como de Veneno. Las de este último son buenísimas. Viéndolas te das cuenta de que todo lo que se dice sobre el descontrol en aquella grabación es cierto.

(Gervasio Iglesias, productor del documental Dame Veneno; e-sevilla)

La ciudad acepta mal a los creadores más individualistas. Deben entrar en sus mecanismos de automitificación y celebrar sus rituales oficiales, desde la Semana Santa hasta la Feria de Abril. Y yo pretendía sacarle poesía incluso a lo más sórdido

(Kiko, sobre la influencia de Sevilla en el disco; El País)

Si soy políticamente incorrecto ahora, imaginaos cuando tenía 25 años. Me decían que me adelantaba a mi época. Claro, el negocio lo hicieron más tarde. CBS vendió más de 300.000 copias de “Veneno” a precio reducido: según el contrato, no sólo no tenían que pagarme royalties, es que no tenían ni que comunicarme la cifra de ventas.

(Kiko, en su manifiesto de liberación)

“El disco de Veneno cambió nuestras vidas, fue un punto de partida feliz que marcó nuestra trayectoria”

El trabajo del que estoy más orgulloso, por su frescura, por su fuerza, ¡lo mejor de cuanto he hecho nunca!

(Kiko Veneno, en su web oficial)

Fue un momento germinal. Allí está el origen de la fusión del flamenco con las músicas contemporáneas.

(Pedro Barbadillo)

En 1977, Londres ardía en el invierno del descontento de toda una generación que no quería ver el mañana. No lo necesitaban; no, al menos, para seguir así. La sociedad se había quedado anquilosada en un status quo que debaja fuera muchas cosas. La música también. Y llegó el punk para convertirse en la mecha incendiada de esa pólvora acumulada a lo largo de tantas derrotas, de tanto tragar.

En 1977, España no ardía, pero casi. Aquí el status quo estaba cambiando tan rápido que amenazaba con descarrilar antes de llegar a su destino. La triple A ya había entrado a Atocha para tratar de acabar con el creciente poder sindical y dar un aviso a navegantes. La mecha también había prendido, aunque, como siempre por aquí, el fuego era interno.

El punk llegaba a España como las olas a las costas: dejando sólo una ligera huella de lo que había sido. Aún tardaría algo en calar en forma de disco, aunque La Banda Trapera del Río (el referente fundamental, más allá de pollos fritos) ya estaba formada. Mientras, en Sevilla, la marea británica se juntó con el aprendizaje de un joven en la Costa Oeste de los EEUU (Kiko Veneno) y las raíces profundamente flamencas de dos hermanos talentosos, los Amador. Juntos, y con el productor flamenco que más ganas tenía de darle la vuelta al mundo (Ricardo Pachón), decidieron que había llegado el momento de grabar un disco.

Esos son los mimbres con los que se construyó Veneno, uno de los pilares fundamentales de la música española (elegido mejor disco nacional del siglo en las listas de Rockdelux y Efe Eme). Se cumplen, pues, 30 años de aquel hito y a mí, que me da lástima ver que sea tan difícil de encontrar en las tiendas y comprobar que casi ningún medio le ha dedicado un espacio preferente o un reportaje especial con motivo del aniversario, me han obligado a esto: un especial en tres partes sobre aquel disco y sus consecuencias.

Veneno se grabó, casi del tirón, en junio de 1977, con Ricardo Pachón a los mandos. La CBS acogió con reservas el entusiasmo del productor ante un grupo formado por dos gitanos y un universitario de origen catalán y sentimiento andaluz. Pocos les miraban con gusto (demasiado ‘jipis’, decían), pero Pachón había dado el campanazo antes con Lole y Manuel y, claro, su ascendencia sobre la compañía no era nada despreciable.

En una semana, Veneno, el disco, quedó concluido, visto para sentencia. Con un sonido algo arrastrado, aún hoy sorprende lo vívido que resulta. La sensación es que el grupo está tocando en el salón de tu casa, con todas sus imperfecciones pero también con todo el embrujo de las actuaciones en directo.

La leyenda cuenta que, en la segunda noche de grabación, un ácido cayó en la tetera y apareció la inspiración absoluta. Si el primer día sólo se había grabado No Pido Mucho, en ese momento de locura lisérgica se grabó casi todo el disco: una obra repleta de magia a la que el tiempo ha tratado como corresponde, otorgándole el título de disco fundamental de la música española.

Veneno es el momento en el que el flamenco se abre a la música pop, al rock de raíces extranjeras. La aparente colisión de culturas no es tal: todo en el disco fluye como si fuera lo más natural del mundo. Podría parecerlo, pero la cantidad de obras que han intentado lo que Veneno consiguieron sin lograrlo demuestran que aquella unión contra natura fue fruto de la genialidad y la locura. Incluso sus propios autores han tenido problemas para darle una sucesión digna.

En Veneno conviven por igual Bob Dylan y los carnavales de Cádiz; solos de rock ácido con la imaginación de la guitarra flamenca; los crujidos y la pureza con el hachís y la iconoclastia. La experimentación llevada al límite.

El disco se abre con Los animales, más de cinco minutos con un inicio racial que desemboca en pura improvisación. El flamenco se construye como una Jam rock, en una canción de ida y vuelta. Kiko recita un texto de RD Laing y se mueve a bandazos, como el propio tema: cálido al inicio, tormentoso en la mitad y, de nuevo, con calma y tranquilidad en el final, cantos de pajaritos incluidos. Sí, esto es rock progresivo, pero sin necesidad de dar la lata. A mí me recuerda a la parte más folk de ese Un Gran Día de Ia & Batiste.

La muchachita es blues flamenco, del que luego darían taza y media Pata Negra, y se une en el disco por medio de las guitarras de los Amador a la Canción Antinacionalista Zamorana, una diatriba en clave íntima a favor y en contra de la Sevilla de aquellos días (“los dulces me atan, el ruido me alimenta, no me sirve el paraguas cuando viene la tormenta, las mosca me pueden, los gatos me hieren, los niños me pintan en las paredes”). Luce mucho el pulso rítmico desbordante y terriblemente contagioso. Una actuación en directo del año pasado la recoge con Kiko y Raimundo haciéndola brillar:

Canción Antinacionalista Zamorana

Indiopole, el tema que sigue a esa tormenta de inspiración, llega como el único instrumental del disco y la vez en que la bulería ha estado más cerca de los Nuggets de la Norteamérica de los 60 en toda la historia de la música.

El disco no baja de intensidad en ningún momento. Culminado el maridaje entre el rock y el flamenco en la anterior canción, llega hora de hacerlo con forma de hit. Los delincuentes es, desde luego, la canción más directa. Con un estribillo contagioso a más no poder y un ritmo vacilón que hoy tratan de imitar varios grupos (entre ellos, los que sacan su nombre del propio título), la canción podría haber sido un single perfecto si alguien hubiese entendido a Veneno. Genial la caña gaditana.

Quedan aún tres canciones para el final del disco y la capacidad de seducción de este debut ya está totalmente desplegada, pero entonces entra con fuerza la influencia de Bob Dylan. Aparta el corazón de las mangueras la exhibe ya desde el título, en la canción más pasada de rosca de todo Veneno. ¿Demasiado ácido en aquella segunda noche?

San José de Arimatea, el santo porrero, es, como han dicho muchos críticos, el Memphis Blues Again del disco y la enésima demostración de que los Amador tocaban las guitarras españolas con técnica rock. Finalmente llega el cierre de Veneno, la excelsa No Pido Mucho, toda una declaración de intenciones: Kiko no pedía mucho, sólo la libertad absoluta.

A mí también me gustaría escribir sin tener que cambiar la voz, sin muletas, sin que haya que pedir permisos. Y hacer el amor de igual manera. Y, si tuviera talento, crear algo como Veneno. Pero pocas cosas de ésas son posibles. Por lo menos, puedo recrearme en este disco de hace 30 años que (y aunque parezca una frase tópica) suena más moderno que la inmensa mayoría de los discos del pasado año. No pido mucho: sólo que se le dé el reconocimiento masivo que se merece. O que se le haga una reedición como se merece.

(Recomiendo la lectura de ‘El día en que los astros colisionaron en el espacio’, muy buen artículo de Juanfran Molina)

El único problema que va a tener La Shica cuando comience a sonar en todas las emisoras y cadenas de televisión Zíngara rapera es la inevitable comparación con Mala Rodríguez. Esta ceutí, una flamenca hip hopera con vestido de volantes y unas playeras, tal y como se define en este single de adelanto, lleva mucho tiempo ganándose los garbanzos en Madrid, primero como bailaora y ahora como folclórica con el pelo rapado.

Porque lo que hace Elsa Rovayo, La Shica, es hip hop, copla, funk, música brasileña, reggae y un pellizquito de flamenco. Su sorprendente disco de debut, Trabajito de chinos, ya tiene fecha de salida: el 4 de marzo, y en él colaboran Miguel Poveda en Carnes paralelas y Miguel Campello, cantante de elbicho, en Vicio.

Soprendente, distinto, transgresor, interesante o insólito son algunos de los apelativos que se me ocurren para calificar la propuesta de La Shica. Juzgad vosotros mismos. A mí me ha encantado y los temas de la maqueta que se puede escuchar en su web suenan muy frescos.

Vídeo | YouTube
Sitio oficial | La Shica

El recital del cantaor, enmarcado dentro de los actos del 400 Aniversario de la Universidad de Oviedo, no era gratutito, dieciocho euros debieron de abonarse en taquilla y, sólo por eso, el Teatro Filarmónica no se llenó como hubiera merecido el artista.

Rascarse el bolsillo resulta muy duro cuando se trata de la cultura, acostumbrado el público al ‘circo’ gratuito subvencionado por las instituciones públicas, un mal que en el Principado ha provocado que la iniciativa privada a la hora de programar actividades musicales brille por su ausencia.

Miguel Poveda confirmó el viernes a sus casi 35 años que es pasado lejano, su prehistoria, el haber triunfado en el Festival Nacional del Cante de las Minas en 1993. A la altura de los más grandes, con una progresión enorme y un futuro, en el que si no hay ningún contratiempo, en el que será tan grande como Enrique Morente, el cantaor comenzó su concierto con un atrevimiento.

Esta osadía fue atacar un martinete sobre un bucle de sintetizador, algo que solamente se atrevería a hacer alguien como el granadino. Con estos versos: ‘Nadie diga que es locura, esto que yo vengo haciendo” Poveda entusiasmó a un público entregado a su arte.

Y como es un genio enlazó este martinete con un pregón, un palo al que rara vez acuden los cantaores, titulado El uvero, perteneciente a su disco Zaguán (Harmonia Mundi, 2001). Si ahí ya se ganó los aplausos, lo que vino después no fue menos asombroso.

Ya acompañado a la guitarra por Chicuelo, productor de sus discos y uno de los mejores tocaores en activo, Miguel Poveda dio una clase magistral de cantes, dominando el compás como los mejores con un rajo muy flamenco. Se fue por alegrías de Córdoba de Curro de Utrera enlazadas con alegrías gaditanas muy bien secundado a las palmas y coros por los jerezanos Luis Cantalote y Carlos Grilo.

Lo más flojo del recital fue una bulería de su último álbum titulada Alfileres de colores, subiendo después el listón por soleá y unos fandangos que fueron de lo más brillante de una velada mágica.

Repescó La radio de mi madre, unas coplerías, es decir, coplas aflamencadas, de Tierra de calma, y por tientos se sobró al igual que con un romance de Federico García Lorca.

Uno que de siempre ha sido un romántico empedernido entiende la música, más conforme van pasando los años, como algo que te permite percibir sensaciones, emociones, que en definitiva te pone sensible. Sigo siendo de esas generaciones que aún valoran un álbum en su totalidad, pero en un álbum siempre ha habido y hay una o varias canciones preferidas, de esas que te llegan a la primera escucha.

De la década de los ochenta, los años de la llamada movida madrileña en la que algunas discográficas para hacer caja han metido a bandas y artistas que jamás supieron lo que había sido aquella efervescencia musical, hay muchos temas que me ponían especialmente sensible cuando las escuchaba entonces y todavía hoy cuando las escucho en casa o en un pub cambio el rictus de mi cara y algo se me mueve por dentro. Éstas son diez de esas canciones

10. Panzer – Junto a tí

Ésta es una de las grandes baladas del heavy español y, ahora que ha vuelto Panzer, la banda que lidera el cantante y locutor de Radio 3, Carlos Pina, no está de más reivindicar a una de las mejores formaciones metaleras de los ochenta con Junto a tí.

9. Alaska y Los Pegamoides – El hospital

Uno de los mejores temas de Alaska y Los Pegamoides es éste, uno de los poco que cantó el tristemente desaparecido Carlos Berlanga. Emparentado con el pop naïf de Vainica Doble, El hospital estaba includio en ese buscadísimo EP, cuya portada es un bonito cartel, en el que iban también Horror en el hipermercado y Odio.

8. Parálisis Permanente - Nacidos para dominar

El último single de Parálisis Permanente contenía este tema y en la cara B Sangre. Nacidos para dominar es la clara muestra de que con la muerte de Eduardo Benavente, que desapareció a poco de salir al mercado, no sólo se perdió el mejor, letrista y compositor del rock de la movida, sino que truncó la carrera de una banda y un artista al que le quedaba mucho por decir.

7. Ray Heredia – La alegría de vivir

Ray Heredia, sobrino político si no me falla la memoria de Enrique Morente, fue el gran talento del llamado nuevo flamenco cuya vida se truncó como la de otros artistas por su adicción a las drogas. La alegría de vivir es el gran tema de su único disco en solitario, Quien no corre vuela, que publicó tras dejar Ketama. A falta del tema original, y aunque no soportó a Cómplices (la otra versión disponible era la del triunfito Manu Tenorio y por ahí no paso), aquí Teo Cardalda, coproductor del disco, y María Monsonís aparecen acompañados por la hija del artista, Triana Heredia. Una grandísima canción que hay que reivindicar.

6. Golpes Bajos – Hansel y Gretel

Hansel y Gretel iba en el primer elepé de Golpes Bajos, a Santa Compaña, que salió tras su mini LP de debut. Esta canción es una de mis favoritas de la discografía de la banda viguesa y me trae un montón de recuerdos.

5. Gabinete Caligari – Cómo perdimos Berlín

De Gabinete Caligari podría haber escogido también Mentir u Obediencia, pero Cómo perdimos Berlín, es uno de los emblemáticos temas de su epoca siniestra donde Jaime, Ferni y Edi mostraron su debilidad por la Alemania imperial.

4. Alphaville - De máscaras y enigmas

José Luis F. Abel es uno de los injustamente artistas olvidados de la movida madrileña. Con su grupo Alphaville publicó una serie de singles y maxis, y un elepé al que dió título De máscaras y enigmas, un tema igualmente enigmático y oscuro como La escalera.

3. Paraíso – Para tí

Fernando Márquez, El Zurdo, formó La Mode tras disolver Paraíso, la banda que había consolidado tras dejar Kaka de Luxe. Para tí es uno de los temas con mayúsculas de la movida madrileña y la quintaesencia del pop de este compositor. La versión que mostramos aquí la realizó con La Mode en el programa La Edad de Oro.

2. Aviador Dro – Selector de frecuencias

Selector de frecuencias es con Nuclear sí el tema más conocido de El Aviador Dro y sus Obreros Especializados, formación lidera por Servando Carballar (Biovac N), pionera del electro pop estatal. Daba título a un maxisingle que hoy es una buscada pieza de colección.

1. Décima Víctima – Tan lejos

A Décima Víctima los denominó la crítica los Joy Division españoles y no andaba nada descaminada. El cuarteto madrileño, formado por el exEjecutivos Agresivos, Carlos Entrena, los hermanos suecos Lars y Per Mertanen, y el batería José Brena, entregarón varios EPs y dos álbumes absolutamente rompedores del dark rock hispano. Tan lejos fue el emblemático tema que daba título a su segundo EP.

Vídeos | Panzer – Junto a tí, Alaska y los Pegamoides – El hospital, Parálisis Permanente – Nacidos para dominar, Cómplices y Triana Heredia – La alegría de vivir, Golpes Bajos – Hansel y Gretel, Gabinete Caligari – Cómo perdimos Berlín, Alphaville – De máscaras y enigmas, La Mode – Para tí, Aviador Dro – Selector de frecuencias, Décima Víctima – Tan lejos

Esta pasada noche comenzó la gira de presentación de su último álbum en Salamanca, y allí estuve contemplando por primera vez a El Barrio en directo y todo lo que ello conlleva. Para que os hagáis una idea de cómo fue el concierto, el pabellón en el que se hizo el concierto se llenó con 6000 entradas a las pocas horas de salir a la venta, lo que ha hecho que se haya sacado una segunda fecha en la ciudad salmantina que va camino de volver a llenarse.

En el concierto sonaron temas de su último álbum como Quién soy (que abrió el concierto), Vientos de otras tierras, Buena, bonita y barata además de otros de sus temas clásicos del repertorio como Comienzo e incluso una versión de la mítica canción Todo llegó a su fin, creada originalmente por Los Módulos y versionada por bandas de la talla de Medina Azahara.

Si hay algo de lo que me quedé impresionado es de la tremenda puesta en escena de El Barrio, con un escenario que se movía al comenzar para desplazar unas pantallas de una manera bastante espectacular. En lo referente al ambiente no hay nada que objetar, era obvio que el público se iba a entregar desde la primera canción hasta la última.

A El Barrio se le notaba con ganas de empezar la nueva gira, y más si se empieza de esa manera, es lógico. Concierto sin demasiadas dificultades, sobre ruedas y demostrándome que hay artistas que mueven una cantidad increíble de medios y de gente en este país.

Resumiendo, un concierto con tirón, incluso a mí, que no soy un seguidor acérrimo de los ritmos flamencos y del sur me conquistó, sobre todo con la versión de Todo llegó a su fin; por lo demás espectacularidad, con El Barrio en un ambiente donde todo le ha ido sobre ruedas, felicidades.

Web Oficial | El Barrio
Flickr | Fotos del concierto de El Barrio en Salamanca

Aparte de los discos que salen este mes, el inminente In The Wake Of Collisions, de The Arcane Order, que será reseñado pasado mañana aquí, The Bedlam in Goliath, de The Mars Volta, o Iconoclast, de Heaven Shall Burn, una auténtica maravilla os lo garantizo, éstos son algunos de los discos que espero en este 2008 recién comenzado:

Solar Fake – Broken Grid. Atención a este disco que sale el 4 de febrero. Solar Fake es el proyecto en solitario de Sven Friedrich, cantante de las bandas alemanas Zeraphine y Dreadful Shadows. Broken Grid, que tengo la suerte de haber escuchado ya, va a estar entre mis álbumes favoritos del año. Son doce deliciosos temas que van del synth pop, EBM e industrial al electro rock.

Porcupine Tree – Nil Recurring. Como complemento al aplaudido Fear Of A Blanket Planet, Porcupine Tree publica, vía Peaceville, el 18 de febrero Nil Recurring, un mini álbum de 29 minutos y cuatro temas que fue creado durante las sesiones de aquel álbum y terminado el pasado verano. Este disco se podía conseguir hasta ahora en los conciertos de la banda de Steve Wilson y en su web oficial. Robert Fripp toca la guitarra solista en el tema titular, un corte totalmente atmosférico, experimental y progresivo, que estoy escuchando mientras escribo este post.

Kingdom Of Sorrow – Kingdom Of Sorrow. Esta superbanda formada por miembros de Hatebreed, Down y Crowbar está encabezada por Jamey Jasta y Kirk Windstein. Su debut de título homónimo se pone a la venta el 19 febrero, vía Relapse, e incluye once trallazos del mejor metal de los últimos años.

Axel Rudi Pell – Live Over Europe. El legendario guitarrista alemán parece que ha preferido dedicar este año a componer material para un nuevo álbum. Para hacer más corta la espera tras su disco de versiones Diamonds Unlocked, Axel Rudi Pell pondrá en el mercado, vía SPV, el doble DVD Live Over Europe, que recoge una muestra de la gira de su álbum Mystica.

Danko Jones - Never Too Loud. El sexto álbum de Danko Jones lo produce Nick Raskulinecz y se pone a la venta el 25 febrero, vía Bad Taste Records. La continuación de Sleep Is The Enemy promete ser otro trallazo de rock duro.

In Flames – A Sense Of Purpose. La banda sueca de death melódico tiene ya título para su nuevo disco, se llamará A Sense Of Purpose y se editará el 4 de abril, vía Nuclear Blast. Esperemos que supere al un tanto decepcionante Come Clarity.

Sr. Chinarro – Ronroneando. Pues sí, hace unos días Antonio Luque puso en su fotolog la portada de su nuevo disco y ya estoy contando los días para tenerlo en las manos. Mientras tanto podemos escuchar algunas maquetas geniales, especialmente El actor, en su página oficial de MySpace. Y si quieres oir algo de La Bien Querida, el proyecto de Ana Fernández-Villaverde, la teclista de Sr. Chinarro, en su MySpace puedes escuchar ADN, un tema a dúo con Antonio Luque.

The Cure . Sin título aún, el nuevo disco de la banda que lidera Robert Smith hace el número trece en su haber y será un doble álbum que verá la luz este año vía Suretone/Geffen. El cantante y guitarrista ya ha avanzado los títulos de algunos temas como Lusting here in your mind, The hungry ghost, The perfect boy, Christmas without you y Please come home. Además, The Cure incluirá aquí tres demos que Smith ha rescatado de su archivo particular escritas en la década de los ochenta y que han sido adaptadas por la banda.

Judas Priest – Nostradamus. La formación clásica de Judas Priest sigue viva con Halford y el binomio Tipton y Downing trabajando juntos. Ahora nos van a sorprender con un álbum conceptual sobre la historia del profeta francés del siglo XVI. El propio cantante ha comentado que tanto el disco como la gira que le acompañará será lo más espectacular que hayan hecho nunca.

Slayer. Tras la buena acogida de Christ Illusion, un gran disco con una pésima portada, Slayer planea tener terminado su nuevo disco este año. Esperemos que el cuarteto californiano nos sorprenda con una nueva andanada de trash marca de la casa.

Y por pedir que no quede, no estaría mal la salida en este 2008 de un nuevo disco de Paco de Lucía, mejor que el desafortunado Cositas buenas, y el gran disco que aún tiene que regalarnos el gran Enrique Morente.

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En un primer momento iba a titular este post 10 discos que odian los flamencólicos, pero este palabro inventado por el genial Raimundo Amador no es de uso habitual por el común de los mortales y de ahí el título final. Integristas hay en todos los ámbitos de la vida, incluso dentro de la música, donde algunos quieren imponer su criterio a todo costa creyendo que son los únicos poseedores de la razón y la verdad.

En el flamenco, un mundo normalmente muy cerrado, hay mucho integrista, muchos mesías que empuñan la espada a la mínima para salvaguardar la pureza de un arte ancestral que no necesita salvadores. No vamos a citar nombres para no herir sensibilidades pero éstos tuercen la cabeza cada vez que se menciona la palabra flamenco para denominar una música que para ellos no lo es.

No están todos los que son en esta selección pero estos diez discos sí estarían en la lista negra de estos individuos:

1.- Cal – Son de la Frontera (Nuevos Medios, 2007). Como bien dicen en las notas interiores del libreto, en el flamenco el concepto grupo no existe, hay cuadros flamencos, pero Son de la Frontera se reafirma como un grupo flamenco. Este quinteto ha logrado unir Cuba con Morón, el tres cubano que se trajo Raúl Rodríguez, hijo de Martirio, unido a la guitarra flamenca de Paco de Amparo, el baile y compás de Pepe Torres, el cante y compás de Moi de Morón y el compás de Manuel Flores. Se atreven a llevar a terrenos jondos por bulería Un compromiso y Toda una vida, se hacen grandes por alegrías y cantiñas de Pinini, funden malagueña con granaína de Cádiz, que enlazan con una malagueña grande del Mellizo, e incluso se atreven con unos tarantos y un taranto de Manuel Torre. Verdaderamente, increíble disco.

2.- Omega – Morente & Lagartija Nick (El Europeo Música, 1996). La cumbre musical del maestro Enrique Morente es para mí Omega, el disco que salió de su encuentro con Lagartija Nick que tuve la oportunidad de ver en directo en su momento. La visión de Morente sobre Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca, completada con una revisión de temas de Leonard Cohen supone la sublimación del flamenco y un atrevimiento del cantaor que aún hoy y por culpa de los radicales del flamenco no se ha reeditado.

3.- Songhai – Ketama, Toumani Diabate & Danny Thompson (Nuevos Medios, 1988). Este encuentro entre el grupo Ketama, el músico malinés Toumani Diabate y el contrabajista inglés Danny Thompson, auspiciado por Mario Pacheco y el productor Joe Boyd, descubridor de Pink Floyd, mereció el premio al “Mejor Álbum no anglosajón” del New Musical Express. Un experimento de fusión entre flamenco-pop (los retoños de la saga de los Sordera y Habichuela), folk centroafricano y jazz que funciona tanto en los temas de Mali (Jarabi, Ne ne koitaa) como en los flamencos (Vente pa Madrid, A mi tía Marina).

4.- 2332 – Jorge Pardo (Nuevos Medios, 1997). De Jorge Pardo se podían elegir varios discos además de éste: Diez de Paco, firmado con Chano Domínguez, otro de los artistas que podrían estar incluídos aquí o El concierto de Sevilla, un directo registrado con Carles Benavent y Tino Di Geraldo. Pero en este compacto, además de estos dos artistas, le acompañan un elenco increíble como Jesús Pardo, Chonchi Heredia, El Bola, Luis Dulzaides o Rubem Dantas, percusionista brasileño con quien compartió de escenarios con Dolores o en el Sexteto de Paco de Lucía. Una de las cimas del flamenco fusión.

5.- Flamenco lo serás tú – Tino Di Geraldo (Nuevos Medios, 1998). Del percusionista asturiano me quedo con éste ábum más que con su debut Burlerías. Solamente por el primer tema, Pele, con la voz del cantaor cordobés El Pele, un corte envolvente e hipnótico, merece la pena hacerse con el compacto de temas originales de Tino Di Geraldo y reinterpretaciones de Jaco Pastorius, Manuel de Falla y Duke Ellington. Además, Di Geraldo está secundado por Diego Carrasco, Raimundo Amador, Tomasito y Chano Domínguez.

6.- Aire – José Mercé (Virgin, 2000). La carrera del jerezano, uno de los mejores cantaores del momento, cambió de la noche a la mañana en 1998 con Del amanecer, producido por Vicente Amigo y en el que comercializó su flamenco para hacerlo más asequible al gran público. El resultado fueron las ciento cincuenta mil copias vendidas y el doble disco de platino que obtuvo con Aire, producido por Isidro Muñoz, en el que su discográfica tiró la casa por la ventana encargando la fotografía a Anton Corbijn. Aquí está su versión flamenca de Al alba, de Aute.

7.- elbicho – elbicho (Dro, 2003). Flamenco, rock progresivo, psicodelia y sentimiento puro fueron las señas de identidad del debut de la banda alicantino-madrileña. Elbicho, que comenzó actuando en todo aquellos garitos en los que les dejarán, se formaron en torno al taller de Guillermo McGill de la Escual Popular de Música de Madrid. El septeto se ganó a pulso su éxito con temas como De los malos, Mamá Dolores o Locura, en un disco producido por Tino Di Geraldo y Guillermo Quero y con colaboraciones de Carles Benavent, Jorge Pardo o Eva Durán.

8.- El aire de lo puro – Diego Amador (Nuevos Medios, 2001). El benjamín de la familia Amador empezó colaborando con sus hermanos en Pata Negra. El pianista y multiinstrumentista Diego Amador, apodado El Churri, debutó con Patita Negra pero éste es su primer disco firmado con su nombre. Hay seguirilla, taranta, tangos, una bulería atrevidísima llamada Placita olvidá y fusión de pop, jazz y flamenco. Colaboran músicos como el “manús” francés Biréli Lagrène, el jazzman latino Jerry González, Jorge Pardo y Diego El Cigala. Su piano es flamenquísimo y su cante es absolutamente flamenco.

9.- New York Flamenco Reunion – Marc Miralta (Nuevos Medios, 2000). El batería catalán Marc Miralta llevó su jazz a terrenos flamencos en compañía de Perico Sambeat (saxo), Javier Colina (bajo), Guillermo McGill ( percusión, cajón y palmas), George Colligan (piano) y Paloma Alfonsell (palmas). El repertorio se basa en composiciones propias y versiones de estándars de Charlie Parker o Thelonius Monk por bulerías, seguiriyas o tanguillos. Fue el mejor disco de jazz español en el año 2000 según la revista Cuadernos de Jazz .

10.- Puchero – Digitano (CD Pool Music, 2004). Como colofón una rareza, el segundo CD de Digitano, el proyecto de fusión de electrónica y flamenco de Juanjo Valmorisco (PVP) y el guitarrista Nono García con el cante de Curro Cueto y Eva Durán. Contiene temas propios y versiones de Lole y Manuel (Todo es de color), Quintero, León y Quiroga (la copla Carcelero), Juanito Valderrama (Soy minero) y Stevie Wonder (As). Una osadía que tiene su punto y de propina regalan cuatro remezclas igualmente impagables.

Imagen | Víctor García

Se podría haber titulado este post como los 10 discos imprescindibles de flamenco pero no pretendo ser excluyente, ya que seguramente se quedaría algún trabajo sin mencionar y no sería justo. De ahí el título del post, en el que incluyo diez discos, el orden no significa rango, para no perderse entre tanta paja que hay en un arte en el que parece que todo vale y no es así. Dejó sin mencionar a los grandes maestros como Antonio Mairena, La Niña de los Peines, Sabicas o Antonio Chacón, porque son evidentemente grandes.

1.- Camarón – La leyenda del tiempo (1979). Dice la leyenda urbana que los aficionados lo devolvían porque en él se escuchaba un bajo eléctrico. Primera disco del cantaor, que abandona De la Isla en su nombre, con Tomatito y producción de Ricardo Pachón. Hay rock progresivo y flamenco, y músicos de Alameda, Dolores, Gualberto o Raimundo Amador que envuelven algunas letras de Federico García Lorca. Obra maestra.

2.- El Lebrijano – Persecución (1976). Juan Peña, El Lebrijano, canta la historia del pueblo gitano con textos de Félix Grande. Una magna obra en la que el cantaor repasa los cantes básicos.

3.- Manolo Sanlúcar – Tauromagia (1988). Considerado como uno de los mejores discos de guitarra flamenca de la historia, en él Sanlúcar se basa en el mundo del toreo para crear un trabajo atrevido, moderno y tan heterodoxo como ortodoxo.

4.- Paco de Lucía & Sextet – Live in America (1993). El maestro de maestros, Paco de Lucía, publicó en este disco un resumen de los recitales que venía ofreciendo en su gira mundial. Acompañado de su ya mítico sexteto, la mejor banda que jamás le haya secundado, entre los que se encontraban Jorge Pardo, Carles Benavent, Rubem Dantas y sus hermanos Pepe de Lucía y Ramón de Algeciras, su versión de Zyryab es inmensa.

5.- Carmen Linares – Antología. La mujer en el cante (1996). La cantaora jiennense demostraba una vez más que era, y es aún hoy, la mejor cantaora. Rodeada de los mejores guitarristas del momento (Vicente Amigo, Juan Habichuela, Enrique de Melchor, Moraíto, Rafael Riqueni o Tomatito), Carmen Linares realiza un atrevido homenaje a las grandes voces femeninas del flamenco.

6.- Agujetas – En la soleá (1998). Reconocido por él mismo como su mejor disco, Agujetas recoge en él un atinado resumen de su arte. Rescata cantes antiguos y los interpreta con su racial quejío y jondura. Imprescindible. También recomiendo la película documental Agujetas cantaor, de Dominique Abel.

7.- Chano Lobato – Azúcar candé (2000). Especialista en cantes festeros y cante atrás, el gaditano nos entrega una serie de palos de fiesta y cantes de ida y vuelta acompañado de invitados de lujo.

8.- José Menese – A mis soledades voy, de mis soledades vengo (2005). El cantaor ortodoxo por excelencia, crítico como nadie con el llamado nuevo flamenco, se acompañó en esta grabación en vivo por Enrique de Melchor a la guitarra y de una orquesta de cámara dirigida por Joan Albert Amargós. El resultado es un catálogo del mejor cante flamenco.

9.- Miguel Poveda – Viento del este (1995). Revelación en el XXXIII Festival Nacional del Cante de las Minas de 1993, donde obtuvo la Lámara Minera y otros tres premios, el barcelonés es el cantaor joven con más talento. En este disco muestra el dominio de todo tipo de cantes: palos festeros, mineros, cantes primitivos y básicos.

10.- Mayte Martín – Querencia (2000). La catalana, que no se prodiga en disco tanto como quisiéramos, se muestra como una de las mejores cantaoras actuales. Aquí realiza un homenaje a los clásicos: Antonio Chacón o La Niña de los Peines.

Imagen | Víctor García

Fruto de esto fue la reunión de los miembros del G-8 cultural en la Villa del Adelantado este fin de semana, en cuya antesala se ubicó el concierto del cantaor Enrique Morente. Una actuación, como todas las que realiza el del Albaicín, soprendente, única, inspirada, jonda a más no poder, heterodoxa y ortodoxa a la vez e innovadora.

Enrique Morente, el más vanguardista y envidiado de todos los cantaores de los últimos cincuenta años, se trajo a su familia a Avilés para mostrarse en la Casa de la Cultura tan sabio, versátil y repetuoso con los maestros del cante como siempre.

El único ay de la noche lo tuvo que poner el público, tan heterogéneo como no iniciado en los misterios de este arcano arte que es el flamenco, que asistió a este concierto gratuito. Claro está el no rascarse el bolsillo en taquilla dice mucho sobre que los asistentes se quedaran mudos cuando Morente y sus músicos se retiraron a los camerinos.

Tres minutos que parecieron muchos más hubo que esperar para escuchar algunos aplausos demandando un bis, pero éstos fueron tan tibios que en otras circunstancias el artista debería haberse quedado allí. Sólo habían sido cuarenta minutos pero, ¡señores, los conciertos de flamenco como los de jazz, duran por regla general una hora!

Pero el maestro salió a cumplir con el repertorio que tenía preparado y aquí si que se salió. En esta propina que concedió gratuitamente cantó con especial jondura, con un compás peculiar una parte del primer acto de Yerma, de Federico García Lorca.

Después, llamó a José Manuel Tejedor, ilustre gaitero local, para acompañarle a la gaita mientras cantaba el poema Otro tiempo vendrá, de Ángel González, que traía escrito en un folio que sacó de la chaqueta. Tras esta audacia que únicamente se podría permitir él, se despidió con sus músicos, entre los que estaban su mujer, Aurora Carbonell, y sus hijos Soledad y Enrique, cantando, entre otros, un poema de San Juan de la Cruz, donde Morente estuvo imponente, y rematando la faena con unos versos de un villancico que regaló a su hija Estrella.

Antes, Enrique Morente empezó el recital cantando a pelo con sus músicos unas bulerías navideñas, cabales y bulerías en las que mentaron la memoria de dos de los más grandes del cante: Antonio Mairena y Manuel Agujetas.

Después, aprovechó unos poemas de Antonio Machado para cantar por soleá rematada por bulerías; nos llevó a La Isla por alegrías, giró por tientos de Manuel Torre, y volvió al cante básico, otra vez a pelo con su gente, por debla y martinete, que remató con una cabriola jazzística a cuatro voces.

Sitio oficial | Enrique Morente

Es una de las bandas más interesantes de este país y no son previsamente la más accesible a todo tipo de públicos. Elbicho, “tojunto” como ellos mismos dicen, acaban de presentar De esconderse, el segundo videoclip de su tercer disco, Elbicho VII, editado hace unos meses.

En este clip la banda madrileño-alicantina hace gala una vez más del surrealismo que le caracteriza, envolviendo esa particular fusión de flamenco y rock progresivo con unas imágenes que necesitarían un texto explicativo.

Sin duda alguna, De esconderse, que alguno ya habrá visto en televisión, obliga a visionarlo de nuevo para por lo menos reirse con los collages con las caras de los miembros de la banda, con sus máscaras o con el absurdo baile del final del clip.

Vídeo | YouTube
Sitio oficial| Elbicho