Aunque sean propuestas completamente diferentes, el caso de Rodrigo y Gabriela me recuerda fuertemente al de Apocalyptica, pues ambos grupos se caracterizan por atraer fuertemente a un público de perfil duro, pero recurriendo a instrumentos que nada tiene que ver con el rock y el metal. En el caso de la pareja mexicana, lo hacen simplemente por medio de dos guitarras acústicas.

Con esas dos únicas armas, han hecho gala de una impresionante destreza técnica y una envidiable sensibilidad creativa, así como de un gran acierto a la hora de elegir las versiones puntuales que han realizado de temas famosos, lo que les ha permitido alcanzar un muy merecido reconocimiento. Sus tres discos lanzados han mostrado además una calidad creciente, desembocando hace dos años en un éxito notable para 11:11.

Llegados a este punto, Rodrigo y Gabriela han decidido probar con algo diferente aportando a su (solo aparentemente) sencilla propuesta más capas, uniéndose para ello a la orquesta C.U.B.A., compuesta por un diverso elenco de músicos de la isla caribeña. En este trabajo, titulado Area 52, se dedican a recuperar algunos de sus mejores temas para darles nueva vida con el marchoso acompañamiento que se han buscado.

Adiós a la intimidad, hola a la fiesta

Rodrigo y Gabriela (and C.U.B.A.) – ‘Santo Domingo’ (Soundcloud)

La idea de la que parte el álbum es innegablemente atractiva, y los resultados no desmerecen las expectativas. La aportación que la banda cubana hace a las canciones, originalmente compuestas solo para dos guitarras, le da a éstas un aire completamente nuevo, más festivo, alegre y con un fabuloso sabor a jazz latino. Vientos y percusiones se suman por todas partes, así como algunos instrumentos eléctricos que solo se hacen protagonistas en momentos puntuales.

No hay duda de que Area 52 es un disco agradable de escuchar desde el primer contacto, donde el ritmo apenas se resiente y llega incluso a meternos en el cuerpo las ganas de bailar. Pero eso tiene una pega, y es que la aportación de Rodrigo y Gabriela, teóricos protagonistas del sarao, queda en ocasiones sepultada por la banda elegida para su acompañamiento.

Rodrigo y Gabriela (and C.U.B.A.) – ‘Tamacun’ (Soundcloud)

En ese sentido los resultados son dispares, pues mientras en canciones como ‘Santo Domingo’ o ‘Tamacun’ la melodía original sigue siendo la guía principal a seguir, en otras como ‘Hanuman’ se acaba perdiendo todo recuerdo de lo que fue. A pesar de ello, como antes he comentado, incluso los temas más desdibujados siguen sonando frescos y divertidos, así que la experiencia del disco se mantiene satisfactoria.

Puestos a pedir, se echa en falta que a la hora de elegir el repertorio de temas se hubieran acordado de re-Foc, pues todas las revisiones formar parte de sus dos últimos esfuerzos, pero tampoco se trata de un factor crucial. Con todo ello, Area 52 cumple perfectamente su labor de convertirse en un complemento a la discografía de Rodrigo y Gabriela, una especie de versión paralela de ellos mismos que merece la pena conocer, aunque en ocasiones se aleje demasiado del dúo de guitarristas que nos enamoraron.

Escúchalo | Soundcloud

Al final la leucemia que padecía desde 2010 ha podido con ella. Hoy nos dejó a los 73 años Etta James, una de las más destacadas voces femeninas del siglo 20 que consiguió destacar tanto en el R&B como en soul o jazz standards.

Etta James sufría de una delicadísima salud desde que en 2008 se le diagnóstico Alzheimer, que acabó degenerando en demencia. Su vida estuvo plagada de episodios muy comunes a otras estrellas de la música: su adicción a la heroína le causó serios problemas con la justicia y múltiples entradas en centros de desintoxicación.

Pero Etta James era un genio y ha dejado un legado impresionante desde sus inicios como cantante de doo-wop a principios de los cincuenta con las Creolettes. Su mejor momento fue su etapa con el prestigioso sello Chess Records, donde estuvo desde 1960 a 1978. Fue ese mismo año cuando The Rolling Stones la ficharon para acompañarles en la gira norteamericana de su imprescindible Some Girls. Después ficharía por Island, Elektra o Private Music, pero ya no sería lo mismo.

A Etta James, cuyo nombre real era Jamesetta Hawkins, la recordamos con cinco temas que en cierta manera son un resumen de su carrera:

1. At Last (Chess, 1960)

El disco de debut de Etta James con Argo, subsidiaria de Chess Records es una obra maestra. Incluye tres de sus grandes canciones y en él se vislumbra lo que será su carrera, en la que adaptó su voz tanto al R&B, blues y los estándares de jazz. At Last, tema que le dio título, es un tema sublime en el que la cantante borda el R&B. Llegó al número 2 en los charts y al 47 en el Billboard Hot 100. Beyoncé hizo una buena versión de este corte para el score de la película Cadillac Records.

2. I Just Want to Make Love to You (Argo, 1960)

Etta James se convirtió en una bomba sexual con este tema original de Willie Dixon que estrenó Muddy Waters. Su versión fue cara B de At Last y en él la cantante se muestra ferocísima. La canción se rescató en 1996 para un anuncio inglés de Coca-Cola Diet que lo devolvió a las listas de éxitos.

3. Don’t Cry Baby (Argo, 1961)

En su segundo álbum, producido también por Phil y Leonard Chess, Etta James siguió la misma línea de su exitoso debut. En esa combinación de estilos estaba su mejor arma y no la desaprovechó. Don’t Cry Baby fue el tema que mayor éxito obtuvo en las listas de R&B, donde llegó al puesto 6. La poderosa voz de la cantante y esa combinación de piano y orquestación siguen erizándonos la piel tantos años después de su publicación.

4. Something’s Got a Hold on me (Argo, 1962)

En 1962 Etta James grabó Something’s Got a Hold on me, que llegó a número 4 en las listas de R&B y que se colocó en el top 40 de pop. El tema que le daba título tiene una garra tremenda y en directo, como en la interpretación que vemos en el vídeo de arriba acompañada de
BB King, Paul Butterfield y Dr. John. Tremendo, perdón, tremenda.

5. Money (That’s What I Want) (Chess, 1964)

Etta James grabó en el New Era Club de Nashville en 1964 su primer álbum en vivo: Etta James Rocks The House, un álbum muy visceral que recogía como se las gastaba en el escenario. Este tema, de Janie Bradford y Berry Gordie Jr., lo grabaron un año antes The Beatles en su disco With The Beatles pero la versión de James es apabullante como el resto de cortes que incluye este imprescindible álbum.

Descanse en paz.

Wikipedia | Etta James

La cara que se le debió quedar a Brad Mehldau al comprobar por sí mismo que no estaba todo el papel vendido de su concierto en Oviedo debió de ser un poema. El pianista norteamericano, acostumbrado a colocar un sold out en las ciudades por las que pasa. De hecho, en esta corta gira europea, con dos fechas previas en Londres, donde actuó con Joe Henry a la voz, y Bilbao, así sucedió.

Que cada uno saque sus propias conclusiones pero en algunas regiones no nos merecemos a estos artistas, porque a pesar de todo el jazman de Connecticut cuajó un concierto en el que mostró sus dos caras, la del pianista entusiasta e innovador y la del músico por momentos sensible y romántico.

A su lado tuvo al, correcto sin exagerar, contrabajista Joe Martin y al imaginativo Jorge Rossy, percusionista catalán que antaño fue la mano derecha de su trío y que es una maravilla verle sentado a la batería y seguir sus movimientos con las baquetas, hot rods, mazas o escobillas sin apenas inmutarse.

Visto desde la parte superior del patio de butacas del Auditorio de Oviedo sentado en diagonal a Brad Mehldau se me antojó encontrarle cierto parecido físico con Mourinho, con quien comparte esa categoría de estrella. El pianista poco tiene que ver en su aspecto con lo que entendemos como estrella del jazz: Keith Jarret o Chic Corea. Su vestimenta casual: zapatillas, pantalón de tela, camiseta y americana le acercó más a los pocos jóvenes que estábamos sentados que a la mayoría del público ‘adulto’ con los que compartíamos espacio.

‘Alone Together’ de Arthur Schwartz, un estándar del que el trompetista Kenny Dorham ha hecho la mejor versión que conozco, fue la primera pieza de la noche, un calentamiento de veinte minutos en los que sobre todo el pianista y el percusionista ya se ganaron al público con sus improvisaciones al margen del compás principal, no así el contrabajista, discreto, un poco retraído y, si cabe, con pocas ganas de dar espectáculo, apenas si aportando nada al genio de sus compañeros.

Lo que sí comprobamos en Oviedo fue que Brad Mehldau no es el típico jazzman líder que eclipsa a sus músicos y que les impone una férrea disclipina, una barrera que no pueden traspasar; al contrario, él mismo fue uno más del trío, dejando hacer a sus compañeros e incluso siendo un mero comparsa cuando era prescriptivo.

Ahí reside la grandeza de este genio del piano jazz contemporáneo que incluso estrenó una pieza de Jorge Rossy, todavía sin título, que estuvo entre lo mejor de una noche en la que temas propios de Mehldau como ‘Always in August’ y ‘D Waltz’, en las que quizás el pianista se recreó en demasía cargando las tintas en la improvisación, se enmarcaron junto a revisiones.

En este apartado Mehldau, Rossy y Martin le dieron crudeza a ‘Brownie Speaks’ de Clifford Brown, hicieron como si estuvieran en el salón de su casa la delicada ‘I Concentrate on You’ de Cole Porter, le dieron la categoría de clásico a ‘Si tu vois ma mère’ de Sidney Bechet, y a ‘Airegin’ de Sonny Rollins, elegido como otras sobre la marcha por el pianista de entre una lista de posibles, le dieron mucho músculo. Después de casi dos horas de exhibición titánica, el bis se nos antojó ya un regalo excesivo e inmerecido para una ciudad que le debería haber sacado la alfombra roja a la puerta.

Sitio oficial | Brad Mehldau
Fotografía | EFE
Más en Hipersónica | Brad Mehldau

El pianista norteamericano Brad Mehldau, quizás el más imaginativo y talentoso jazzman senior del circuito internacional, ofrecerá este fin de semana dos únicos conciertos en España. El viernes 2 de diciembre actuará en el Wigmore Hall de Londres con un sold out y después pasará por Bilbao y Oviedo.

Mehldau actuará en la Sala BBK de la capital vizcaína el 3 de diciembre (20:00 h.) con motivo de la celebración del vigésimo aniversario de la asociación de amigos del Jazz La Bilbaína, y en la capital del Principado de Asturias lo hará en el Auditorio Príncipe Felipe de Oviedo (20:00 h.).

El pianista, que estará acompañado en el escenario por Joe Martin al contrabajo y Jorge Rossy a la batería, combina en su personal manera de interpretar la improvisación y el formalismo, entrecruzándose y creando muchas veces un caos controlado.

Brad Mehldau, que es coordinador de la serie anual de jazz del Wigmore Hall de Londres en los últimos dos años, trae varias referencias discográficas publicadas en 2011 y que es posible que tengamos la posibilidad de que nos las dedique. Modern Music, un álbum fruto de la colaboración con el pianista Kevin Hays y el compositor y arreglista Patrick Zimmerli. Este disco incluye piezas compuesta por el trio y versions de Steve Reich, Ornette Coleman y Phillip Glass, interpretadas por los dos pianistas y arregladas por Zimmerli.

Además, Mehldau publicó a principios de 2011 Live in Marciac, un CD+DVD que recoge su último concierto en el festival del sur de Francia, donde actuó en solitario. Y el próximo 6 de diciembre pone a la venta el sello Nonesuch The Art of The Trio, una caja que recoge los cinco álbumes originales y material inédito de las actuaciones de su trío integrado por Larry Grenadier y Jorge Rossi en el Village Vanguard entre 1997 y 2001.

Esperemos que en Oviedo, donde le veremos, Brad Mehldau nos regale alguna de las versiones de clásicos de la música popular que ha interpretado en los últimos tiempos como ‘Black Hole Sun’, ‘Paranoid Android’, ‘Lithium’ o ‘Bittersweet Symphony’.

Sitio oficial | Brad Mehldau
Vídeo | YouTube

Amy Winehouse habría cumplido hoy 28 años, de no haber llevado la mala vida que llevó a sus espaldas y que se la terminó cobrando hace menos de dos meses. Desde aquel 23 de julio todo ha sido especulación y pocas las noticias que nos dieran pistas sobre cómo fueron realmente las últimas horas de su vida, algo que como en casi todas las muertes de grandes del cine o la música, no sabremos nunca con certeza.

Con motivo de su cumpleaños, hoy ha aparecido el vídeo de la colaboración que hizo con Tony Bennett para su disco de duetos, en el que los podemos ver y oír interpretar ‘Body And Soul‘. El tema original fue compuesto en 1930, en la era dorada del jazz americano, y ha sido uno de los más versionados a lo largo de la historia. Amy volvía así a sus inicios, al sonido que la influyó durante toda su carrera y que es especialmente notable en su primer álbum, Frank.

La elegancia que siempre ha tenido Tony Bennett se une a la perfección con el estilo más actual y pizpireto de Winehouse, que no se amaina ante la compañía que tiene enfrente, y juntos se marcan un final espectacular vocalmente hablando. Por cosas como ésta será por las que realmente se eche de menos a la inglesa, y muchos sigamos lamentando su temprana pérdida. Se ha comentado que dejó un buen número de temas grabados a su muerte, pero todavía ignoran qué se va a hacer con ellos. Ya os lo adelanto yo: aguantar de los réditos de sus dos primeros discos hasta que pase la novedad y lanzar un álbum póstumo o un recopilatorio con el nuevo material. Porque nos guste o no, la familia se va a dedicar a rentabilizar a su oveja negra todo el tiempo que sea posible.

Vídeo | Youtube
Vía | Gigwise

Erykah Badu lleva activa la friolera de veinte años y nunca ha dejado de ser, en mayor o menor medida, un referente de la música negra en general y del soul en particular. Recuerdo cuando la escuché por primera vez en aquella colaboración con The Roots que todavía se conserva entre uno de mis temas favoritos, cómo me fascinó lo particular de esa voz delicada, mínima pero tremendamente expresiva. Se puede acusar de muchas cosas a esta mujer, pero desde luego no saber transmitir lo que piensa no es una de ellas.

New Amerykah Part Two (Return of the Ankh) es su quinto álbum, y a pesar de que ya tiene un año largo – se publicó en marzo de 2010 -, todavía está exprimiéndole todo el jugo en forma de singles. El cuarto es este ‘Out My Mind, Just In Time‘, uno de los mejores cortes del tracklist, una oda en clave de jazz a las relaciones imposibles con una letra cargada de ingenio a la que acompaña un piano solitario como mandan los cánones hasta que un par de cuerdas solitarias se le unen.

El vídeo va como anillo al dedo. Erykah Badu ha acertado de pleno tanto en la elección de la canción como en la grabación del videoclip, un blanco y negro minimalista donde, sin cortes, sin cambios de plano, sin vestuario ostentoso y sin escenografías imposibles, traduce a su cuerpo todas y cada una de las sensaciones contenidas en la música. Y es que hay veces que no hace falta reinventar la Odisea para ser genial.

Vídeo | Vimeo
Vía | Idolator

Este año celebrará su 46ª edición del 21 al 25 de julio y, como novedad, a sus escenarios habituales se suma el Museo de San Telmo. Tendrá una inauguración de auténtico lujo con la presencia de B.B. King, quien será esta vez el encargado de congregar a miles y miles de personas en la Playa de Zurriola, en un concierto gratuito, como ya ocurrió en anteriores ediciones con Bob Dylan o Patti Smith.

Pero el rey del blues no es la única estrella confirmada para el festival. Cyndi Lauper, John McLaughlin, Medeski, Martin & Wood, Cassandra Wilson, Chick Corea, Lloyd Cole y Bill Evans son sólo algunos de los grandes nombres que aparecen en su abultada programación. Como cada año una cita ineludible para todo amante del jazz, quienes seguramente ya tengan bien apuntadas estas fechas en sus agendas.

Sitio Oficial | Jazzaldia

Hoy nos despertábamos con la noticia de la muerte, tras una larga y penosa enfermedad, de Mario Pacheco, fundador en 1982 junto a su mujer, también desaparecida, Cucha Salazar y su cuñado Paco Salazar, de la discográfica Nuevos Medios. Es triste que a este importantísimo fotógrafo, suya es la foto de portada de esa joya del flamenco que es La Leyenda del Tiempo de Camarón, productor y mecenas musical se le va a empezar a reconocer su labor a partir de ahora.

Porque Mario Pacheco, cuya relación de amistad con el musicólogo y productor Joe Boyd (Hannibal), Tony Wilson (Factory) y Manfred Eicher (ECM) le permitió traer a este país músicas y tendencias musicales, no nos olvidemos que fue el que publicó y distribuyó en España el catálogo de la británica Rough Trade, con The Smiths a la cabeza, el de la argentina Discos Melopea, con Adriana Varela como artista a seguir, el del prestigioso sello ECM, el de Ryko, compañía que publicó el catálogo de Galaxie 500, o la exclusiva discográfica de jazz Dreyfus, donde grabó el pianista Michel Petrucciani. Como sentido homenaje le queremos recordar con 10 discos, podían ser más, que publicó con Nuevos Medios.

1. La Mode – El eterno femenino (Nuevos Medios, 1982)

El pop intelectual de La Mode, la banda comandada por Fernando Márquez (ex Kaka de Luxe y ex Paraíso), Mario Gil y Antonio Zancajo tuvo su máximo exponente en su primer y último larga duración. La portada de Montxo Algora era una obra de arte que invitaba a adentrarse en el misterio de aquellos temas cantados por El Zurdo. ‘Cita en Hawai’, ‘Aquella chica’ o, especialemnte, ‘Aquella canción de Roxy’ son temas destacados dentro de la historia del pop español y, por ende, de la llamada Movida madrileña, y para mí siguen plenamente vigentes.

2. Pepe Habichuela – A Mandeli (Nuevos Medios, 1983)

El guitarrista granadino Pepe Habichuela, padre de Josemi Carmona (La Barbería del Sur y Ketama) publicó este disco en el sello madrileño gracias a la insistencia de Mario Pacheco. Fue el primer disco flamenco de Nuevos Medios algo que lo hacer todavía más interesante, y una joya muy difícil de encontrar en su edición en vinilo. Al hermano del maestro tocaor Juan Habichuela le acompañaron en el estudio ilustres invitados: el bajista Carles Benavent y el brasileño Rubem Dantas (Paco de Lucía Sextet, Dolores) y Antonio Carmona, componente de Ketama, en las percusiones. Soleá, bulerías, fandango, jaleos, tangos, granaína y rumba son los palos que toca este innovador tocaor.

3. Golpes Bajos – Golpes Bajos (Nuevos Medios, 1983)

Golpes Bajos, en los que Mario Pacheco vio el gran potencial que luego les confirmaría como uno de los grupos más populares de la década, debutaron en 1983 con un minielepé de cinco temas con preciosa portada de Ceesepe y foto en la contraportada del propio Pacheco. Desde Vigo, Teo Cardalda y German Coppini, viejo conocido por haber estado al frente de Siniestro Total hasta su primer disco, estaban acompañados por Pablo Novoa y Luis García. Debutaron en Madrid con un concierto en La Edad de Oro en el que presentaron algunas de estas piezas de orfebrería pop: ‘No mires a los ojos de la gente’, ‘Estoy enfermo’, ‘Malos tiempos para la lírica’, ‘Lágrimas’ y ‘Tendré que salir algún día’.

4. Vainica Doble – Taquicardia (Nuevos Medios, 1984)

Taquicardia llegó cuatro años después de El Tigre del Guadarrama y poco tenían que ver estilisticamente hablando. Gloria Van Aerssen y Carmen Santonja eran rescatadas del olvido por un pequeño sello independiente madrileño que fue quien descubrió a muchos a Vainica Doble. Su chispa naïf, su genialidad, su nihilismo y un sentido del humor a prueba se bomba seguían intactos en un doble álbum muy aprovechable. La sonrisa llega a tu boca al escuchar ‘La funcionaria’ o la ‘Nana a una estrella recién nacida’, incluso su tema de amor, ‘Tu mirada’, no parece tal. Y sobre todo ese dominio de la lengua castellana que parece que se ha perdido en el pop español.

5. Ketama – Ketama (Nuevos Medios, 1985)

El primer elepé de Ketama lo produjo Teo Cardalda de Golpes Bajos. ¿Qué hacía un grupo formado por miembros de ilustres sagas flamencas acompañados por músicos de pop y jazz? Pues dando inicio a lo que se llamó Jóvenes Flamencos, una etiqueta que Nuevos Medios patentó y descubrió a algunos talentos. Jose Soto, de los Sordera, Juan Carmona y Antonio Carmona, de los Habichuela, y José ‘Ray’ Heredia, de los Carbonell, su tía es la mujer de Enrique Morente, comenzaban aquí una carrera que terminó en la cima del éxito ya sin parte de sus principales ideólogos. Ceesepe también firma la bonita imagen de portada de este álbum muy poco conocido.

6. Pata Negra – Blues de la frontera (Nuevos Medios, 1987)

Blues de la frontera fue el cuarto y último disco que los hermanos Raimundo y Rafael Amador grabaron juntos. Una pena porque la alianza entre ambos terminó con la salida de Raimundo. Aquí Pata Negra depuraron lo que ellos llamaron blueslería, un mixto de bulería y blues que tan buen resultado les había dado en los discos anteriores. Fusión flamenca, blues mestizo, este álbum sigue estando en las listas de los mejores publicados en este país en la década de los ochenta, y lo es gracias a temas como ‘Pasa la vida’, ‘Camarón’, ‘Yo me quedo en Sevilla’ o ‘Calle Betis’. Lástima que la enemistad de los Amador no nos haya traído una gira de reunión.

7. Songhai – Ketama, Toumani Diabate & Danny Thompson (Nuevos Medios, 1988)

Songhai nace de la amistad de Mario Pacheco y Joe Boyd, productor del primer single de Pink Floyd, consumado musicólogo y fundador del sello de world music Hannibal. Fue un encuentro entre el grupo Ketama, el músico malinés Toumani Diabate y el contrabajista inglés Danny Thompson, que recibió el premio al “Mejor Álbum no anglosajón” por el New Musical Express. Un experimento de fusión entre el joven flamenco, folk centroafricano y jazz que funciona tan bien en los temas de Mali (‘Jarabi’, ‘Ne ne koitaa’) como en los flamencos (‘Vente pa Madrid’, ‘A mi tía Marina’). La segunda experiencia, aunque interesante, de Songhai no funcionó tan bien como ésta.

8. Claustrofobia – Un chien andaluz (Nuevos Medios, 1989)

Claustrofobia era un dúo barcelonés de difícil adscripción que en este disco fueron fichados por Mario Pacheco con muy buen criterio. Su debut con Nuevos Medios fue Un chien andaluz, un trabajo en el que definitivamente Pedro Burruezo y María José Peña caían rendidos por completo a los sonidos andalusíes. Fueron unos rarunos para su época y lo siguen siendo ahora. Eso sí, temas como ‘La nana del amor amargo’, ‘Andalusí errante’ y ‘Soledad y pobreza’ se destacan por ese sonido envolvente, los arreglos exquisitos y esa pretenciosidad nada gratuita. Encadenados (1992) fue su segunda entrega para el sello madrileño y es igual de válido que éste.

9. Ray Heredia – Quien no corre, vuela (Nuevos Medios, 1991)

Quien no corre, vuela fue el único disco en solitario de Ray Heredia, miembro fundador de Ketama que falleció premuramente sin apenas mostrar todo el talento que atesoraba, se le ha catalogado como el Prince gitano. Producido por Teo Cardalda y Mario Pacheco responde a la corriente del joven flamenco que comenzaba a pegar fuerte. Mezcla de estilos: flamenco, ritmos latinos y brasileños, pop y jazz que lo hacen único. ‘La alegría de vivir’ ha pasado por ser el tema estrella del disco, un corte pop que es ya un himno para muchos. Lástima que Ray Heredia no lo viera publicado porque la droga le mató pocos días después de haberlo grabado.

10. Jorge Pardo – Veloz hacia su sino

Cualquiera de los discos en solitario de Jorge Pardo o sus colaboraciones con Carles Benavent podrían estar en esta lista. Pero quizás el más representativo de la fusión entre jazz, flamenco y la vena latina está en Veloz hacia su sino, uno de los trabajos enseña de Nuevos Medios, reconocido expresamente por el propio Mario Pacheco. Junto a este genial saxofonista y flautista, miembro del Paco de Lucía Sextet, estuvieron aquí además del bajista catalán, el cantaor El Potito, Jose Miguel Carmona y Antonio Carmona (Ketama), y los percusionistas Rubem Dantas y Tino Di Geraldo. Os invito a descubrirlo si no lo conocéis.

Fotografía | Daniel Muñoz

Sin Steve Gadd a la batería, sustituido por un versátil Byron Landham, el saxofonista norteamericano David Sanborn se presentó el pasado domingo en el Teatro Jovellanos como estrella del Festival de Jazz de Gijón, cerrándolo a un gran nivel secundado además por un inmenso Joey DeFrancesco, un músico considerado como el mejor organista de jazz del planeta.

El trío sonó desde un momento muy compacto y no me pareció tan comercial como su fama le precedía. David Sanborn echó mano de su arsenal de R&B, soul y blues, comandado a una formación muy bien compenetrada a la que no le falto inspiración gracias, sobre todo, al apoyo del público que quedó rendido desde los primeros compases.

Fue un gran colofón para el Festival de Jazz de la ciudad, consolidado como una de las imprescindibles citas jazzísticas anuales, y un éxito también refrendado en la taquilla que se vio un tanto mermada el primer día con Dan Berglund’s Tonbruket.

A falta de la increíble y talentosa Joss Stone, que le acompaña en su último disco, Only Everything, el organista DeFrancesco se hizo cargo de la voz en ‘Let The Good Times Roll’, un estándar que el trío dilató hasta límites insospechados, dejando cada instrumentista la impronta de su calidad. Sanborn dejó varios solos de gran calidad, evidenciando su clase pero sin dejar de menos a sus compañeros.

Fueron noventa minutos en los que a cada músico se le reconoció con ovaciones sus solos, en los que a Joey DeFrancesco, que además de llevar la línea de bajo, cantar en un par de temas y tocar el órgano, fue un poco el animador de un público que quedó rendido ante su simpatía y categoría como teclista.

Momentos para recordar fueron ‘St. Louis Blues’, la preciosa ‘Brother Ray’, que el saxofonista escribió para homenajear a Ray Charles, el dulce tono de ‘I Get News For You’, la brillantísima ‘Basin Street Blues’ o la melancolía de ‘Only Everything (For Genevieve)’. David Sanborn dijo al principio que estaba encantado de tocar en un teatro tan bonito como el Jovellanos y al acabar su sonrisa por haber logrado encandilar a los asistentes lo decía todo.

Sitio oficial | David Sanborn
Vídeo | YouTube
Fotografía | David Sanborn Facebook

La temprana y tragica muerte de Esbjörn Svensson en 2008 arruinó una de las carreteras más prometedoras e interesantes del jazz europeo. E.S.T. dejó de existir y su contrabajista Dan Berglund formó el proyecto Tonbruket con tres músicos procedentes de otras escenas ajenas al jazz.

Dan Berglund’s Tonbruket actuó por primera vez en España el pasado jueves abriendo el programa del Festival de Jazz de Gijón. Conociendo los antecedentes del músico sueco la cita era obligada para aquellos que quisieran descubrir la razón por la que es considerado como uno de los talentos del jazz menos convencional europeo.

Al lado de Dan Berglund están el guitarrista Johan Lindström, quien la mayoría del concierto estuvo parapetado detrás de la pedal steel y al final del concierto lo pudimos escuchar sentado al piano en la psicodélica ‘Sister Sad’ y en esa propina que el contrabajista dedicó a su antiguo compañero ‘Song for E.’, que a la postre fue lo más jazz de toda la velada.

Y un batería la mar de versátil, Andreas Werliin, procedente de la formación experimental sueca Wildbirds & Peacedrums, además de un teclista y pianista, Martin Hederos, cuya formación rockera le llevó a formar parte de los maravillosos The Soundtrack of Our Lives. Con esas cuatro patas no es raro que llevar Tonbruket al directo es como poco interesante.

Así pudimos asisitir a un concierto en el que Berglund y sus compañeros nos llevaron por terrenos del rock, del pop y rozando la electrónica gracias a la confluencia de una pedal steel envolvente y unos teclados que sustentaban la pieza.

Dan Berglund tocó el contrabajo con arco pero también pulsó las cuerdas como si estuviera pellizcándolas, a modo de pizzicato, y no se mostró como el típico solista al que el resto de músicos están supeditados; hizo pero sobre todo dejó hacer a sus compañeros.

‘The Sailor’s Waltz’ fue una pieza dramática, nostálgica, atmosférica, tejida a partir de un diálogo entre piano y contrabajo, y en el que la pedal steel de Lindström alcanzó calidades de orfebre fue de lo mejorcito del recital junto a un nuevo tema que Berglund comentó que iría en su próximo álbum y que se titula ‘Levar’. Aquí el grupo se volvió casi latino con una composición que sorprendió por su calidez.

‘The Wind and The Leaves’, un tema de Johan Lindström, fue también un punto álgido del recital. Delicada, casi folk, acompañada de una guitarra acústica, el contrabajo de Berglund, el órgano de Hederos y el suave toque de Werliin. Nos transportó a los bosques suecos.

‘Monstrous Colossus’ también la pudimos escuchar en una version más severa que la del album, y ‘Cold Blooded Music’ sonó dramática y pudiéramos decir esotérica, con el contrabajo de Dan Berglund soportando una pieza que podríamos calificar de Radiohead pasados al jazz más atrevido. Sin duda, mereció la pena descubrir a un cuarteto del que se va a hablar muy bien en el futuro.

Sitio oficial | Dan Berglund’s Tonbruket
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