Un año después del magnífico Metheny Mehldau Quartet, el gran pianista, para mí junto a Keith Jarrett el mejor en activo, nos encontramos con este directo en el Village Vanguard neoyorkino con el gran Mehldau dejándose literalmente la piel con el bajista Larry Grenadier y el pianista Jeff Ballard, que sustituyó en 2005 a una pieza fundamental en el trío como Jorge Rossy.

Es un doble álbum en directo densísimo, con temas que van de los ocho minutos y pico hasta los veintitrés y medio, un tour de force en el que el trío sale reforzado con su magistral interpretación en la que estrenaron dos temas nuevos: Rubys’s rub y Buddha realm.

Pero aparte del material propio, no es extraño encontrarnos en este disco versiones de piezas ajenas al jazz, una curiosidad que honra a Brad Mehldau como mente abierta dentro de un mundo tan cerrado como el de los jazzmen. Abren con Wonderwall, exquisita apropiación de Oasis que el trío logra transformar en un tema nuevo.

Pero no es esa la única sopresa, revisan la bossa nova O que será, de Chico Buarque, Black hole sun, de Soundgarden, que llevan hasta los veinticuatro minutos en un auténtico espectáculo de improvisación, magia y talento del que Chris Cornell puede estar orgulloso, y se las apañan para llevar a su terreno More than you know, un lejano éxito de Barbra Streisand. Delicioso sería poco calificativo para esta grabación que se cierra con Countdown, de John Coltrane, quizás sublime le quede mejor.

Sitio oficial | Brad Mehldau

Es difícil relacionarle con un estilo concreto o una voz similar, motivo por el cual adquiere más valor, ya que el estadounidense posee el don en su sonido de aunar de nuevo el soul y el jazz en uno solo. El término inventado para aunar estos artistas puede ser el de future jazz pero aún así The Dreamer (2008, Brownswood Recordings) se escurre entre los huecos que encuentra a su paso. De lo que si uno tiene claro cuando escucha a Jose James es que está ante un gran artista, de los que te emocionan y te hacen sentir el verdadero placer transmitido por la música, en especial por el jazz y sus variantes.

A la vez que suena clásico suena moderno, la nueva escuela neoyorquina promete en su reformulación de un género nunca estático, pero no será hasta dentro de un buen tiempo cuando se llegue a valorar el talento de algunos artistas como en su época se hiciese con otros tantos (Charlie Parker entre ellos). El talento del músico de Brooklyn se ve en la participación que tiene en su propio trabajo, donde siete de las diez canciones son escritas por él, al igual que la producción y los arreglos, parte fundamental del trabajo.

Muchos de los temas giran en torno al piano, las partes de solos se conceden a él con Nori Ochiai como protagonista, quien también ayuda en la composición, y a su vez se complementan con el bajo medido de Alexi David, ayudante en los arreglos; por último, la parte de su banda base es complementada por una batería de las buenas del jazz, invisible y casi sin presencia, pero crucial en la mediación de los tempos, Steve Lyman es quien se sienta tras ella.

La sensualidad y la emoción que transmite le hace acercarse a referentes citados por él mismo como es Marvin Gaye, pero sólo para dotar a las melodías de un cuerpo más pausado y soulero, sin olvidar a sus otros referentes entre los que se encuentran John Coltrane (¿a alguien no ha influido este genio?) y Billie Holiday.

Lo mismo consigue una canción como Park Bench People donde hasta el funk echa un cable en el ritmo, de los más pegadizos del trabajo; hasta un guiño al jazz de grupos como De Phazz en Love, evitando cualquier estereotipo para conseguir emocionar desde un principio.

La clase de Jose James es palpable en un disco asombroso, lleno de matices, de regalos al oyente y buenas canciones atemporales, difícil logro hoy en día. Un artista que de seguir así llegará muy alto en el jazz actual.

MySpace | Jose James

Era de esperar que de la unión entre Santiago Auserón y la Original Jazz Orquestra del Taller de Músics de Barcelona acabara saliendo un disco con uno de los conciertos que músico y agrupación ofrecieron el año pasado en su gira española.

El 5 de mayo se pone a la venta Canciones de Santiago Auserón con la Original Jazz Orquestra del Taller de Músics de Barcelona, con arreglos y dirección de Enric Palomar, que incluye el recital que ofrecieron el pasado 16 de septiembre de 2007 en el Teatro Principal de Palma de Mallorca.

Aquí reseñamos el concierto que dieron en la Playa de Poniente de Gijón el pasado 10 de agosto y como testigo que fui de él hay que decir que el espectáculo mereció la pena. Porque escuchar los más populares temas de Radio Futura y Juan Perro, arreglados para ser interpretados por una orquesta de veintitantos músicos, fue toda una revelación de que esas canciones han pasado a formar parte de la historia de la música española.

El disco saldrá en un principio en formato digital y se puede adquirir en la tienda digital de La Huella Sonora. Allí se puede descargar gratuitamente el primer sencillo, con El tonto Simón y El carro, una buena manera de apreciar el valor de esta grabación.

Posteriormente, se editará el álbum en digipak con el DVD del concierto en 5.1 y estéreo, aunque los que adquieran el disco digital podrán disponer de un elaborado libreto con fotos exclusivas de aquel recital.
La Huella Sonora tiene previsto además editar el primer disco del nuevo proyecto de Luis Auserón, Amantes del Eco, del que nuestro compañero Koala ya nos dió detalles, y el tercer álbum del tresero cubano Pancho Amat.

Sitio oficial | La Huella Sonora

Porque el trompetista es uno de los más grandes en activo de este instrumento y con medio centenar de discos en su haber este trabajo no le resta ningún mérito a su brillante trayectoria. Standards & Ballads contiene un puñado de temas recomendados tanto para amantes confesos del jazz como para aquellos que quieran introducirse en este género y aman la música.

Así esas apropiaciones de clásicos de George Gershwin, Duke Ellington o Louis Amstrong le confieren como un maestro para las nuevas generaciones. Wynton Marsalis lo demuestra en My ideal, con maneras de Miles Davis, o en el tour de force que es April in Paris, con su cuarteto a pleno rendimiento en una interpretación genial. Así pues, si tienes la oportunidad de escuchar este disco del de Nueva Orleans seguro que te encantará.

Sitio oficial | Wynton Marsalis

Una vez quemada la etapa en la que pusieron banda sonora a la película muda, Berlín, sinfonía de una ciudad, de Walter Ruttmann, que estrenaron en directo en varios festivales de cine, la formación madrileña está de vuelta y sigue fiel a su rock instrumental de banda sonora más por obligación que por devoción.

Porque este nuevo disco iba a contar con la participación de varios invitados que iban a poner su voz en cada uno de los temas, pero la cosa no cuajó y aquí tenemos a Clint en un estado de forma inmejorable mostrando más aristas de las que revelaron en su primer compacto para Siesta.

Con guiños a John Barry en su proteica versión del tema principal de Il padrino, a la música surf en Rockanroleza, al cocktail lounge de Sandoval en Negro zaino derrotado en tablas o en No es nada personal, y los ritmos de frontera y de spagguetti western en el tema que da título al álbum y Ocaso y funeral de Morris.

Sitio oficial | Clint

La dúctil voz de la Reeves, que te atrapa y seduce desde el primer minuto del disco, lo es todo confirmándose como una de las mejores en su terreno. Es su primer trabajo desde la banda sonora de la película Buenas noches y buena suerte, con la que obtuvo uno de sus cuatro premios Grammy, y con éste puede que se lleve otro.

Porque escucharla versionear Just my imagination o Lovin’ you, un tema que llevó a la gloria a la desaparecida Minnie Ripperton, es toda una delicia. No desentona esta diva en Blue Note, de la que es uno de sus principales activos, gracias a un cancionero que hace grande, sea el medio tiempo Midnight sun o I’m in love again, acompañada únicamente por dos guitarras.

Sitio oficial | Dianne Reeves

El cabeza de cartel este año será el saxofonista Branford Marsalis, que es conocido en el mundo de Jazz desde hace años y pertenece a una familia de músicos: su padre fue un famoso pianista y su hermano trompetista.

Además, se ha confirmado también la actuación del quinteto del pianista Aaron Parks, que se está convirtiendo en una de las revelaciones del jazz en los últimos tiempos. Además, el propio Parks impartirá durante la semana que dure el festival el “PonteJazz Workshop” donde dará clase a todos los aficionados que se apunten. Sin duda alguna, una buena alternativa para disfrutar una semana de la costa gallega si te gusta el Jazz.

Web oficial | Festival de Jazz de Pontevedra

Aquel disco era una maravilla, lo mismo que Ma Fleur, una delicatessen que reseñamos aquí el año pasado. Pero no, el directo en el teatro londinense que ofrecieron el 2 de noviembre del año pasado acompañados de una orquesta de veinticuatro miembros y unos cuarenta músicos en el escenario en ciertos momentos me parece un fiasco.

La suma de jazz, funk, hip hop y ambient suena perfecta eso sí, y The Cinematic Orchestra entusiasmaron a las cuatro mil personas que llenaron el teatro pero a mí no me convence, ni siquiera con la compañía vocal de Heidi Vogel y Lou Rhodes, cantante de Lamb. Salvaría del conjunto Ode to the big sea, cuyo saxo y orquestaciones son mágicas, y Time & space, un corte de cierre cuyos arreglos de cuerda son realmente estremecedores. Eso sí, el artwork es nuevamente bellísimo y ese refinado sentido de la estética es algo que sólo está al alcance de unos pocos.

Sitio | The Cinematic Orchestra

Cosmopolitan Live resulta una grabación excesiva que nos da una idea de lo que fue registrar el disco Cosmopolitan Life, que salió al mercado a principios de mes. Pop AOR mezclado con jazz-world music es lo que contiene este DVD, donde hay temas en directo, grabaciones en televisión, videoclip e imágenes de ensayos.

Para decir verdad, lo mejor de todo es la actuación del grupo de Al Di Meola en el Festival de Montreaux interpretando dos temas de Astor Piazzola (Libertango y Fugata) y uno propio (Innamorata). El resto son puros de artificio y una mezcla que no acaba de cuajar, ni en el tema que da título al álbum ni en el resto de colaboraciones con la estrella rusa.

Sitio oficial | Al Di Meola & Leonard Agutin

Marcus es su debut para el sello Concord y en el vuelve a dar muestras de su eclecticismo, dejándonos trece temas, entre los que nos encontramos versiones de Stevie Wonder (Higher ground), Miles Davis (Jean Pierre) y Tower of Power (What is hip?), que podemos calificar de funk-jazz, hay más funk que en sus anteriores entregas, y en el que los colaboradores no apotan un valor añadido al resultado final, el ejemplo de Corinne Bailey Ray en Free, de Denise Williams, es claro.

El tema de apertura de Marcus, Blast!, sorprende por su eclecticismo, con ese bajo con un sonido muy metálico reforzado con un sitar que le da un toque misterioso del lejano oriente. Lo mismo que la revisión de When I fall in love, una balada con un bajo tocado con un slap increíble, un clarinete con un toque superfunky y unos teclados que subrayan el fraseo.

Sitio oficial | Marcus Miller

Ellos dos se bastan para crear uno de los discos más enrevesados que he escuchado últimamente, aunque hay que decir que han contado con alguna colaboración estelar como la de Robert Fripp (King Crimson), que toca la guitarra en un par de temas.

Drop es una especie de viaje extraño y bello a la vez, que con sus rebuscadísimos patrones rítmicos y sus disimulados ostinatos nos transportaran a lugares que bien podrían ser paisajes de algún planeta lejano.

Como decía antes los temas de este disco son bastante enrevesados, pero creo que consiguen una cosa bastante complicada: que puedan ser disfrutados incluso por los no entrenados en este tipo de composiciones a caballo entre el rock progresivo y el jazz más vanguardista.

MySpace | Gavin Harrison & 05Ric

El músico cubano Israel ‘Cachao’ López falleció ayer en Miami a los 89 años tras una penosa enfermadad renal. Considerado como uno de los inventores del mambo, nació en La Habana en 1918 y su carrera la comenzó tocando música para películas de cine mudo.

En los años 30 del siglo pasado le llegó la fama como virtuoso del mambo y jazz latino, un ritmo llamado descargas que grabaría en los años cincuenta. Cachao tenía su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y dos premios Grammy que recibió en 1995 y 2005 y un Grammy Latino en 2003 compartido con Bebo Valdés y Patato.

Antes, su figura fue conocido por todo el mundo gracias al actor y realizador cubano Andy García, que filmó en 1993 la historia de su vida, Cachao… Como su ritmo no hay dos. Cachao estuvo casi hasta el último momento de su vida al pie del cañón, colaborando el año pasado con Gloria Estefan y su marido Emilio en el disco 90 millas.

Wikipedia | Cachao López

The Dreamers es un disco bien distinto a lo que tenemos acostumbrado de John Zorn, más accesible, y por consiguiente menos difícil, en él tenemos jazz, world music, música de cine, exótica, minimalismo y hasta surf.

Las aportaciones de Marc Ribot a la guitarra eléctrica y Jammie Saft al piano Fender Rhodes y al órgano Farfisa son fundamentales en el espléndido sonido de un disco en el que se descubren nuevos matices con cada nueva escucha.

De los once cortes me quedo con A ride of cottonfair, una tintineante pieza de trío de jazz clásico, Anulikwutsayl, con Ribot ejerciendo de un Santana de Caravanserai más progresivo y atmosférico, y Nekashim, un tema de inspiración oriental con Kenny Wollesen magistral en el vibráfono.

MySpace | John Zorn – The Dreamers

Lo que sí es indiscutible es que Son de limón es un gran disco de fusión, con un sonido modélico y una producción de Javier Limón intachable. El guitarrista se rodea de un elenco de grandes músicos de aquí y de allá para realizar una interesante mezcla de sonidos caribeños, jazz y patrones de pop flamenco.

Sin embargo Javier Limón, como si quisiera adoctrinarnos sobre su propuesta nos dice que Habanerías, el sorprendente y genial corte que abre el compacto, son unas bulerías cuando no deja de ser más que jazz fusión con la voz rota de Concha Buika. Lo mismo sucede con Misterios del amanecer, otra bulería que podríamos adscribir a la herencia de Ketama.

Por eso el no iniciado debe de tomar con precaución la nomenclatura que el productor de Cositas buenas, de Paco de Lucía, utiliza en este álbum en el que hay detalles de quitarse el sombrero como el bolero Consuelo y candela, y la rumba Laberinto de canela. Ah, y se me olvidaba, Madruygá, sí que tiene el pellizco de la bulería.

Sitio oficial | Javier Limón

Los músicos cubanos Chucho Valdés y Pablo Milanés estarán de gira por España en abril y mayo para presentar su disco conjunto Más allá de todo. Serán ocho conciertos que les llevarán por Burgos (Casa del Cordón, 19 de abril), León (León Arena, 26 de abril), Valladolid (Pabellón Pisuerga, 2 de mayo), Salamanca (Multiusos Sánchez Paraíso, 3 de mayo), Granada (Palacio de Congresos, 8 de mayo), Santa Cruz de Tenerife (Pabellón Municipal de Deportes, 11 de mayo), Barcelona (Palau de la Música Catalana, 12 de mayo) y Madrid (Palacio Municipal de Congresos, 15 de mayo).

Más allá de todo es un disco en que el pianista, hijo del gran Bebo Valdés, y el cofundador de la Nueva Trova, han estado trabajando desde principios de 2006. Chucho se encargo de las melodías y Milanes se encargó de las letras.

Chucho Valdés y Pablo Milanés suman entre los dos siete premios Grammy y con este disco conjunto de piano y voz, que fue presentado el 17 de febrero en la clausura del Festival Plaza 2008 de La Habana, parece que van a estar nominados a varios más. Las entradas para estos conciertos se pueden conseguir en la red Tick Tack Ticket y en las grandes superficies Fnac y Carrefour.

Sitio oficial | Pablo Milanés
Sitio oficial | Chucho Valdés

Tocaba parada de la gira de Jarabe de Palo en Salamanca, una gira supuestamente marcada por la reinvención, y pese a todo les he dado una oportunidad para que me convenciesen de que siguen siendo los mismos que compusieron aquella joya de la música en castellano llamada Agua.

Pues comenzó en Salamanca este Reciclando Tour, y se notó que Pau Donés no ha hecho muchos amigos con sus declaraciones estos últimos años,sino más bien al contrario, pues el recibimiento quizá fue algo frío con un Auditorio lleno en sus tres cuartas partes, que se queda en poco para una banda como la de Pau Donés, con 12 años en activo ya.

Se notó eso si que la banda pretende cuidar hasta el más último detalle del espectáculo, no por la decoración del escenario,consistente en unas simples bombillas de colores, sino en un folleto repartido a la entrada en el que, a modo de folletín teatral la banda comenta el por qué de esta gira y ofrece una lista con el repertorio , la ficha técnica del espectáculo y la discografía de la banda (curioso que no se incluya el Grandes éxitos que editó Virgin). De todas maneras, el folletín me parece una buena idea para amenizar la espera, algo recomendable de lo que deberían tomar nota muchos artistas.

El repertorio, consistente en todos sus grandes temas, como Depende, Lado oscuro, Pura Sangre, Duerme conmigo, Agua, Bonito, La Flaca….pero bueno, ahora paso a detallar en qué consistió la reinvención que mostró Jarabe de Palo en Salamanca.

Uno de los detalles que destaca de esta gira es la videopresentación del espectáculo por Andreu Buenafuente, algo que a algunos nos hizo recordar a la presentación que Iñaki Gabilondo hizo este pasado verano en la gira conjunta de Joaquín Sabina y Joan Manuel Serrat.

Depende fue una version a medio ritmo entre jazz,funky y reggae, pero ciertamente fue la primera canción que me gustó, y evidentemente también al público por el mero hecho de ser el éxito que es. Otro de los clàsicos revisionados fue un El lado Oscuro con tremenda influencia de jazz que no me convenció sobremanera pese a la extraordinaria interpretación a dúo entre la guitarra eléctrica y el saxofonista de la banda.

Buenafuente se dignó a hacer varios gags: el primero fue uno acerca de el típico crítico musical que no entiende mucho a las bandas,el humor de Buenafuente. El segundo gag de Andreu fue una parodia del mánager de la banda, bastante cómico acerca del mundo de sus comisiones y sus ideales. Curioso fue a los 45 minutos de comenzar el concierto un pequeño parón, anunciado explícitamente “para echar un cigarrillo o ir al WC”, sin duda una muestra más de la similitud entre esta gira y una obra de teatro.

Curiosa la forma de presentar Déjame vivir, a través de un gag en el que Buenafuente imitaba al típico locutor radiofònico que emite sin apenas gusto musical, curioso cuando menos el mensaje, Pau Donés sigue haciendo amigos. Destacar otro momento de la noche, concretamente en Me gusta como eres, donde uno de los miembros de la banda fue repartiendo rosas entre algunas de las mujeres del público mientras la canción sonaba, a modo de homenaje.

Sin duda alguna, la mejor versión de la noche fue la de Duerme Conmigo, sin palabras. Una versión simplemente con el propio Pau y una guitarra encima del escenario, desnudando a la canción de todo artificio y dándole un toque fantástico, sin comentarios.

Curioso fue tambièn el comienzo de Agua, con un “espontáneo” que saltaba al escenario quejàndose de la ausencia de guitarras en el tema, que fue recibido con un “agradable” recibimiento por parte de el público y de la banda. De todas formas, la versión de Agua no me gustó absolutamente para nada. Se le dió un toque entre flamenco y jazz que hace que el tema pierda la magia que le da la simplicidad de instrumentos que tiene en la versión original.

La reaparición del guitarrista apaleado fue en Yin Yang fue tocada de una manera bastante sutil, dàndole protagonismo a la percusión tocada a dúo y a la guitarra en una versión que, pese a no distar mucho de la original le añade algo màs de percusión que agradecí.

Bonito fue tocada bastante acelerada y de una manera muy funky, algo que hizo ponerse a todo el auditorio de pie, comenzando el colofón de un concierto que estaba siendo rodado gracias al público,pese a haber comenzado frío y temeroso.

Terminó por un momento el concierto con La Flaca, presentada de nuevo por Buenafuente fue tocada con un ritmo distinto dificil de describir, un poco màs acelerada y que volvió a levantar al público de sus asientos.

Comenzaron los bises con A tu lado, reconocida al momento por dar música a un anuncio de TV y tocada de una manera semejante a la del disco. Terminó el concierto con Grita, un tema cantado a coro y botada por todo el público, que junto con el chute de optimismo que ya la canción supone consiguió cerrar un concierto que fue redondo, chapeau. Y lo dice un enemigo de Pau Dónes, de veras.

Flickr | Fotos de Jarabe de Palo en Salamanca
Más información | Web oficial de Jarabe de Palo

The Orchard no contiene música de usar y tirar a la que estamos cada vez tan acostumbrados, es un trabajo de jazz, pero también de canción americana. Craig Street vuelve a ser el responsable de una grabación muy meditada en la que los colaboradores no son fudamentales.

Éste es el caso de Toshi Reagon, que firma varios temas con Lizz Wright, Joey Burns y John Convertino, o sea, Calexico, el guitarrista Oren Bloedow, el colaborador de Dylan Larry Campbell, Catherine Russell y Chocolate Genius.

El disco se cierra con una versión country-gospel de It makes no difference, de The Band, pero en él también encontramos intuitivas revisiones de I idolize you, de Ike & Tina, Hey mann, de Sweet Honey In The Rock, la balada Thank you, de Led Zeppelin, y Strange, de Patsy Cline.

Sitio oficial | Lizz Wright

Day Trip incluye diez temas propios de Pat Metheny entre los que se encuentra Is this America? (Katrina 2005), una canción que Metheny escribió emocionado tras el paso del huracán por Nueva Orleans, donde toca la guitarra acústica.

Dentro del disco hay varios temas que destacan como Calvin’s keys, donde Metheny muestra su habitual e inconfundible estilo que le ha convertido en unos de los jazzman más vendedores del mundo. También está The red one, un jugoso uptempo reggae rock que ya había tocado con John Scofield en I Can See Your House From Here (Blue Note, 1994).

Sitio oficial | Pat Metheny

The low road, corte que abre el disco, comienza con distorsión y en él tienen, como en el resto de temas, bastante importancia los vientos, en este caso el trombón de Jim Pugh. Sin embargo en Down D manda la tranquilidad, con una percusión casi africana y unos metales muy amables.

Sin embargo, en Strangeness in the dark, John Scofield muestra su gran maestría como instrumentista. El tema se divide en varias partes: una primera muy lenta y una segunda con un ritmo de 4/4 de swing rematado en plan big band.

Sorprenden gratamente las versiones de la tradicional The house of the rising sun, versioneada por The Animals, con Bill Frisell a la guitarra trémolo y batiéndose en duelo al final con Scofield, y (I can’t get no) Satisfaction, de The Rollings Stones, con la banda a pleno rendimiento.

Sitio oficial | John Scofield

El escenario parece que le gustó a esta reina del cabaret postmoderno neoyorkino; todo en rojo, al igual que el resto de la sala, con unas cortinas en el fondo aterciopeladas en el mismo color y todo iluminado por unas luces ténues que daban la impresión de que estábamos en la serie Twin Peaks. ¿Os acordáis de aquel escenario en donde aparecía el inquietante enano? Pues igualito.

Alguno se preguntará, ¿pero quién narices es esta Little Annie? Pues os resumo su carrera: Little Annie, también conocida en el pasado como Annie Anxiety y Annie Bandez, debutó en pleno explosión after punk con The Asexuals tras pasar por una juventud en el filo, abandonando los estudios y convirtiéndose en delincuente juvenil.

Su eclecticismo le llevó a convertirse en pintora, artista multimedia, escritora, actriz, y cantante poseedora de una voz de contralto superoscura. Publicó varios álbumes en solitario y ha colaborado con Wolfgang Press, Paul Oakenfold, Kid Congo Powers, Current 93 o Nurse With Wound.

Y a Gijón se trajo su inminente nuevo disco, When good things happen to bad pianos firmado con el pianista Paul Wallfisch, componente del grupo neoyorkino de glam gospel Botanica, que por cierto su físico parecía un cruce entre Andrés Calamaro de la época de Los Rodríguez y Cedric Bíxler-Zavala.

Pues ese cabaret oscuro y alucinado de postguerra, o alucinógeno para algunos, fue lo que este dúo de Nueva York nos ofreció en este recital. El repertorio se basó en los dos últimos discos de Little Annie: Songs From The Coalmine Canary, que produjo Antony Hegarty, el de The Johnsons, y el que según su página oficial se publica mañana.

El retraso de veinticinco minutos sobre el horario previsto nos vino bien y, a la postre, no se hizo largo por el espectáculo que ofreció la artista, un concierto alejado de los patrones comerciales en el que recompuso una serie de canciones clásicas, llevándolas a su terreno.

Poco más de una hora que supo a mucho, sobre todo, con las interpretaciones entre extravagante y decadente de I still haven’t found what I’m looking for, de U2, y Private dancer, de Tina Turner, aún más soprendente que la anterior. Además, hizo suyas Yesterday when I was young, de Charles Aznavour en la versión de Hebert Kretzmer, e It was a very good year, donde esta diva del cabaret mostró su verdadero genio.
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Sitio oficial | Little Annie