Hipersónica

Damien Jurado - Caskets

probertoj — Sat, 22 Nov 2008 10:11:48 GMT

Caught In The Trees, de Damien Jurado, es un gran disco que necesita poco para convencer. Pero el vídeo que Matt Daniel, de thinklab media, le ha hecho a ‘Caskets’ supera las expectativas. Un western crepuscular seco, contundente y miserable, como muchas de las canciones de Jurado, incluso cuando se acercan a Elliot Smith, como en esta ocasión.

‘Caskets’, en clip, parece el trailer de alguna película de Hollywood para la que no se han escatimado gastos. Entre lo impresionante, además de esa operación con un poco de cloroformo, están su fotografía y sus localizaciones, de la que Daniels explica lo siguiente:

Buscábamos algo parecido a Días del Cielo (película de Terence Malick). No tenía ni idea de que seríamos capaces de encontrar tan increíbles y variados paisajes y que estuvieran tan cerca unos de otros, a sólo dos horas y media de Seattle.

Un gran vídeo.

Vídeo | Youtube
Vía | La Nadadora

Frànçois, The Sunshine Rains, etc...: Mis canciones de la semana (I)

probertoj — Fri, 21 Nov 2008 23:17:33 GMT

Para este top atemporal que semanalmente tratamos de ir planteando editor tras editor, es común que nos fijemos en cosas grandes y en bandas más pequeños, Esta vez yo he querido limitarme conceptualmente y tratar exclusivamente de esos discos que mes a mes editan pequeños sellos de España, que pasan desconocidos hasta para gran parte del público interesado en la música que no sale en radios y televisiones y que, pese a todo, tiene mucho que decir.

No veais esto como un acto snob ni nada por el estilo: mi intención no es creerme más listo que nadie, sino compartir esas propuestas que o crecen gracias al boca a boca o no tienen otra posibilidad de salir adelante. Hay donde elegir y hay gente invirtiendo tiempo, esfuerzo y dinero en mantner viva la llama de los grupos nuevos. Porque no sólo de superventas o estrellas indie vive el aficionado.

Françoise & The Atlas Mountains – Tracey Emin (youtube)

El pequeño sello gallego Lejos Discos acaba de editar en doble vinilo de 7” Brother EP, una pequeña joyita del bristoliano François, que satisfará a todos los amantes del indie más sentimental. Aquí más eufórico, en otros más tristón: en las cuatro canciones del ep, un grande.

The Sunshine Rains – Dance You Monster To My Soft Song (Imeem)

Moonpalace es uno de esos recodos discográficos que editan sus referencias en cd-r y con un diseño exquisito. Además del buen gusto de quien regenta el sello (por ahí, entre otros, ha pasado alguien como Barzin, a quien deberíais echarle un oído en cuanto podáis, o la gran Saioa), se nota que hay pasión por buscar siempre cosas nuevas. Cosas como las de estos Sunshine Rains, que en principio parecían ser meros seguidores del rock de raíces USA y que se han desvelado como un grandísimo grupo de pop, alejado de cualquier moda y de cualquier tipología. No, su disco no cabe en las cubetas de la Americana.

Thee Brandy Hips – New York Born (Imeem)

Estos donostiarras pusieron ya hace mucho en descarga gratuita algunos de sus primeros temas. Ahora, cuando van a comenzar a grabar su primer disco, bueno es recordar que en San Sebastián hay algo más que Donosti Sound, pop melancólico, tardes de café, pintxos y helados en el paseo de La Concha. Su garage les hizo hace poco acreedores de telonear a los Posies en su último paso por España.

Aquí, por mucho que insistan que han nacido en Nueva York, casi parecen más de Derry. Sí, del mismo Derry que los Undertones.

The Rebel Orthodontics – Do You Remember That Dream (Imeem)

Microcanciones y microconciertos. Un grupo que se empeña en ser micro, pero en realidad es grande. Birra y Perdiz, otros adalidades del CD-R, les ha editado su primer largo. Quiero decir: su primer corto. Bueno, mejor dicho: su primer microdisco. Padre e hija en una búsqueda muy parecida a la de bestias pardas como No Age, pero sin divagaciones de ningún estilo. Ya lo dicen ellos en el título de su disco: las canciones largas son aburridas (la mayoría de las veces). Las suyas, no. ¡Queremos más!

Belle & Sebastian - The BBC Sessions

probertoj — Fri, 21 Nov 2008 19:17:44 GMT

Hubo una época en que Belle & Sebastian, además de ser una banda de grandes canciones, eran también un grupo único, especial, muy por encima de cualquier propuesta parecida. Tenían un don, EL DON, y dejaban tantos discos imprescindibles como veces entraban a grabar.

Luego, eso cambió, se transformo en algo diferente, en una banda mucho más profesional, aún capaz de hacer temazos y hitazos, pero definitivamente no el grupo pequeño que te cambia la vida porque es como tú. Stuart salió de su cascarón sin miedo a ser estrella del pop, pero era infinitamente más atractivo cuando era el joven apocado con terror atávico a entrevistas, medios de comunicación, fama, vídeos y tantos y tantos peajes del pop mainstream.

Yo tengo mi opinión y vosotros, la vuestra. Yo prefiero a los primeros Belle & Sebastian, pero si a los que leéis esto os gusta más los otros, no pasa nada, no vamos a llegar a las manos por ello. No considero que hayan traicionado nada de nada, ni les odio por ser grandes. Me alegro mucho del éxito de la banda y me siento reconfortado por saber que discos como Tigermilk o If You’re Feeling Sinister serán más escuchados gracias a otros como The Life Pursuit.

The BBC Sessions retrata justo el momento en que la banda está a punto de dar ese cambio. Lo hace con cuatro canciones, las de la última sesión, que son uno de esos momentos históricos y que tienen sentido vistos a posteriori. Aquí está el adiós de Isobell Campbel a sus compañeros, sí, pero también la necesidad del grupo por crecer, por arrimarse al soul, por los arreglos lujosos y por muchas y muchas más cosas que vendrían después.

Sólo por eso, The BBC Sessions ya sería un disco obligatorio entre fans de la banda. Pero, además, el grupo demuestra que lo que había en esa primera época era MAGIA, con mayúsculas y sin ambages. Si nunca has escuchado a este grupo, mi consejo es que te agencies este disco y pongas una nueva muesca en tu educación sentimental.

Todos necesitamos a varios grupos vitales. Belle and Sebastian fueron muy importantes. Lo son aún. Y, como tal, The BBC Sessions es un disco tan necesario como el que más.

Jonquil - Whistle Low EP

probertoj — Fri, 21 Nov 2008 16:36:01 GMT

Jonquil son casi unos desconocidos en España, pese a que presentan ya un curriculum de dos discos y encendidos elogios entre el público inglés más inquieto. Si un grupo así tiene que sacar disco con un sello español, está claro que ése ha de ser Acuarela, que sigue con su buena costumbre de tomar a artistas extranjeros y pedirles eps exclusivos. Esa línea s casi un subsello dentro de la propia Acuarela y este Whistle Low cumple lo que se espera: una aproximación corta, pero intensa, a su modo de entender la música.

¿Por qué se han llevado elogios estos británicos? Pues porque se aproximan al folk desde una perspectiva extraña, algo que en los últimos años ha sido común en EEUU (todo la Weird America, con Joanna Newson al frente), pero no tanto en el Reino Unido, donde el revival post-punk ha ensombrecido otras propuestas. A bote pronte, sólo galeses como Euros Childs (Gorky’s Zygotic Mynci) o Gruff Rhys (Super Furry Animals) han querido mirar a sus tradiciones desde el espejo deformante del pop. Jonquil van también por ese camino, dejándose llevar además por ensoñaciones de ácido al estilo de Animal Collective, una referencia que aprece y desaparece a lo largo de todo el ep, pero ante la cual Jonquil sólo podrían palidecer, al menos de momento.

Desde luego, las canciones de Whistle Low no son de las que se pegan. Y diréis: ¿pero no habíamos quedado en que esto era pop? Sí, pero muy peculiar, más de espíritu que de forma. A veces no es complicado ver ecos de XTC (¡qué gran grupo!), posiblemente por las voces de Hugo Manuel, líder de la banda, pero se difuminan rápidamente en intrincadas canciones de dos minutos y poco, tres a lo sumo.

Depende del momento, a veces desearía que no fuesen tan rebuscados, que se centrasen algo más y que no quisieran epatar con experimentaciones ni psicodelia. Y que conste que lo hacen, como en ‘Night Time Story’, pero la sensación final es la de tener que volver a escuchar el disco porque no acabas de pillarlo todo. O algo, siquiera,

No me atrevo a decir que Jonquil me gustan mucho: habría que verles en un disco largo. Lo que sí tengo claro es que me intrigan y han conseguido llamar mi atención, que esté al tanto de sus pasos previos y de su próximo disco. Y eso, bombardeados de música como estamos, no es poco.

Madrid se queda sin salas de aforo medio tras cerrar La Riviera

probertoj — Fri, 21 Nov 2008 15:43:12 GMT

La Riviera lleva años funcionando sin licencia de discoteca, pero ha tenido que ser la muerte de un joven a manos de un portero de otro local en condiciones similares la que haya provocado el cierre. Dejando a un lado lo acostumbrados que están los políticos de este país a trabajar a toro pasado, cuando arrecia tormenta, la noticia es mala para quienes vais a conciertos en Madrid, porque con el adiós de la sala la capital de España se queda sin ningún lugar de aforo medio para acoger conciertos.

Ahora, cuando un grupo quiera tocar en Madrid, sólo tendrá dos opciones: colocarse en salas pequeñas (la más grande, Joy Eslava, de no más de 1.000 personas) o irse a los grandes pabellones: 10.000 espectadores en La Cubierta, 15.000 en el Palacio de los Deportes. ¿Cuántos grupos encajan en alguna de esas categorías? O, mejor dicho: ¿cuántas bandas van a rechazar tocar en Madrid porque no se van a mover por sólo 900 personas ni son capaces de reunir a 10.000 seguidores?

A los que os gustan determinados grupos, sobre todo de fuera de España, y vivís en Madrid os tocará pasar apreturas y esperar que éstos quieran pasarse por allí. En dos-tres meses iba a pasar La Riviera gente como Iván Ferreiro, Gogol Bordello, P.O.D., Filter, Warcry, Kaiser Chiefs, Kings of Leon… ¿Y, ahora, donde los metemos? ¿En locales de menos de 1.000 personas?

Por cierto, Stereolab, programados para el domingo, han cambiado su cita a El Sol. Ya está todo vendido: consecuencia de no tener un aforo muy grande. También Sidonie, programados para mañana, cambian: irán al Joy Eslava.

Y poco a poco, hacer un concierto en Madrid se va complicando más y más.

Sitio oficial | La Riviera
En Noctamina | La Riviera, Moma y But cerradas por el Ayuntamiento madrileño

Las entradas para el concierto de AC/DC en Bilbao saldrán a la venta el 27 de noviembre

koala — Fri, 21 Nov 2008 13:29:31 GMT

Era uno de los secretos mejor guardados, se anunció que saldrían a la venta a mediados de noviembre y cada día se oían nuevos rumores de que ya habían salido y se habían agotado. Pues no, señores, se acaba de confirmar y será el próximo jueves 27 de noviembre a las diez de la mañana cuando comience la pelea por hacerse con uno de los preciadísimos boletos para asistir al concierto que AC/DC ofrecerán el 4 de abril en el BEC de Barakaldo,

Las entradas se podrán adquirir a través de El Corte Inglés, Tick Tack Ticket, Fnac, Carrefour y en el teléfono 902 15 00 25 (en Bilbao también en Foto Ikatz y Power Records) y tendrán un único precio de 55 euros más gastos de distribución, independientemente de si estas son de pista o de grada. Un precio bastante económico si pensamos en la expectación que hay por ver a los australianos y que en Madrid y Barcelona fueron más caras.

Me sorprende que no sea BBK quien se encargue de distribuir las entradas, siendo la entidad financiera uno de los organizadores y es que al parecer este ha sido el motivo del retraso en dar el pistoletazo de salida a la venta de las entradas y al final no se han llevado el gato al agua.

Toca empezar a planear a qué hora del día anterior estamos dispuestos a ir a hacer cola o a quién engañar para que se pase por allí en nuestro lugar. ¿Y si nos ponemos enfermos y el jueves no vamos a trabajar? Todo sea por ver a AC/DC en la que, Brian Johnson ya ha declarado, será su última gira.

Vía | Last Tour News
Sitio Oficial | AC-DC
Más en Hipersónica | AC/DC

La mirada del otro: el rap une España con Guinea y Senegal

Jaime Valero — Fri, 21 Nov 2008 12:37:40 GMT

El rap africano sigue siendo un gran desconocido para nosotros, lo cual no quiere decir que no exista. Algunos artistas que hoy pegan fuerte en el mercado internacional nacieron allí, como el senegalés Akon, aunque no cabe duda de que si hubieran seguido viviendo en su tierra natal jamás habríamos oído hablar de ellos. Así pues, al margen de Daara J, apenas conozco bandas que aún sigan teniendo su base de operaciones en tierras africanas.

La mirada del otro es un proyecto que viene para llenar estas lagunas, o al menos para abrirnos los ojos a una nueva escena musical. Se trata de un EP de 6 temas que surge de la colaboración entre varios artistas zaragozanos y otros procedentes de Guinea y Senegal. Así, por una lado encontramos a Dr. Loncho, Lone y Zewo; y por otro a Ceptik, Dia Karamba, Moustique y Hadjy. Rapeados en castellano, francés, wolof y guineano sobre el manto sonoro aportado por Fat Pockets, Edward Nigma y Mr. K.

En el vídeo podéis ver uno de estos seis temas, ‘Gorée’. Es de agradecer que hayan incluido la traducción de las letras de cada uno de los artistas. Por lo demás, es un clip que, sin recurrir a muchos artificios técnicos, nos ofrece imágenes del día a día en una ciudad africana, acompañadas de los artistas que participan en la canción. Es una pena que el proyecto no haya contado con más cortes, pero si recibe una buena acogida, no sería de extrañar que se repitiera la experiencia, y que incluso llegara a más rincones del continente africano.

Más información | Alter Ego Records
Vídeo | Youtube

Guns N' Roses - Chinese Democracy: tema a tema

Gallego — Fri, 21 Nov 2008 12:00:10 GMT

Como decía ayer mismo, al anunciar la de llegada de Chinese Democracy a la Red en formato streaming, se acabaron las especulaciones en torno a este trabajo, y es turno ahora de que sea la música la que hable.

Sin prejuicios por todo lo cómico que ha rodeado la historia de este álbum, aunque inevitablemente con el legado de los viejos Guns N’ Roses presente (es a lo que una banda se expone cuando se decide a seguir utilizando una marca), me dispongo a escuchar por fin el parto más difícil de la historia de la música.

Quede claro que se trata de un primer análisis tema a tema prematuro, fruto de los primeros contactos con un disco que aún no ha sido ni puesto a a venta. No se tomen por tanto estas líneas como una crítica definitiva, sino como unas primeras impresiones, a falta de reproducirlo bastante más. Vamos con ello, pues:

1. Chinese Democracy: Después de tantos años esperando, era lógico que no quisieran dejar la caña para más adelante, les picaba en las manos. Así pues, el tema que da arranque al álbum lo hace en quinta, con mucha fuerza y con menos desacierto de lo que pudiera parecer en un primer golpe, muy prometedor de cara al directo. Es un tema que perfectamente podría haber aparecido en cualquiera de los álbumes antiguos sin desentonar, y eso es mucho decir.

2. Shackler’s Revenge: Empiezan los experimentos. Una intro que parece más de Static-X o de White Zombie que de Guns N’ Roses, y que vuelve a hacer acto de presencia más adelante, en un tema que va de rocoso, especialmente en su segunda mitad, sin llegar a cuajar en ningún momento. Es atrevido, pero no me gusta.

3. Better: Ritmos pop y un falsete feo donde los haya matan el comienzo de este tema. Reconozco que el riff central del tema no está mal, y el solo funciona aun siendo del montón, pero esa primera mitad me mata por completo.

4. Street of Dreams: Mucho se había hecho esperar la primera balada, pero aquí la tenemos. ¿Será ésta la nueva ‘November Rain’? ¿Una versión contemporánea de ‘Civil War’? Bueno, no tiene ni el carisma de la primera, ni la épica de la segunda, pero esperar algo así hubiera sido demasiado iluso. A pesar de ello, y de unos arreglos un pelín excesivos en algunos momentos, no es un mal corte a medio tempo y cumple su papel.

5. If The World: Otra ronda de experimentación barata en uno de los temas más indefinibles del álbum. Por más que escucho esta extraña mezcolanza (que no fusión) de ritmos, no consigo entender muy bien a dónde pretende llevar, pero desde luego no a nada que recuerde mínimamente al rock de Guns N’ Roses. Por momentos, parece a medio editar.

6. There Was a Time: Coros angelicales y tintineos infantiles dan la bienvenida a un tema marchoso, y que cuando consigue arrancar, transmite un feeling muy a lo Use Your Illusion. El tema va creciando a buen ritmo, hasta alcanzar una parte final que es, con diferencia, uno de los mejores momentos del álbum.

7. Catcher in the Rye: Los excesos de producción y el empeño en hacer que todo suene mucho, hacen que el conjunto se emborrone irremediablemente. Alcanzado el ecuador del álbum, ya podemos intuir cuál es su talón de Aquiles: es muy ambicioso, tanto que llega a hacerse excesivo y sobreproducido en muchos momentos, como demuestran cortes tan prescindibles como éste.

8. Scraped: Vuelven los riffs pesados y el Axl a máximo rendimiento de los dos primeros temas, haciendo que el disco se desperece del sopor en que empezaba a sumergirse durante sus últimos minutos. No es ninguna maravilla, pero se hace resultona.

9. Riad N’ The Bedouins: Este es de largo uno de los temas que más me gustan, y no me extrañaría en absoluto que acabara saliendo como single tarde o temprano. El punto de excesivo en este caso le siente bien, en una descarga de rock rápida y directa. Una pena que no hayan más así. Por cierto, el grito de Axl no podría estar más calcado de Robert Plant.

10. Sorry: Balada de rock muy estándar, donde fases de medios tempos se alternan con un estribillo de fuerza, bien casados entre unos y otros. No aspira a mucho, pero consigue cumplir con su función y no chirría en exceso. El pistón que mete el batería al final tampoco está mal.

11. IRS: Esta canción nos presenta dos ritmos, uno fuerte y otro calmado, que quizás hubieran funcionado bien por separado, pero que juntos no lo hacen. Aunque muestra una de las mejores actuaciones del vocalista en todo el LP, se hace un pelín aburrida, y más aún a estas alturas de la película.

12. Madagascar: Apoyándose en una base orquestal de lo más común, la banda intenta construir un tema grandioso sin conseguirlo. La inclusión de samples con proclamas tampoco le ayuda en sus pretensiones, pero no se puede decir que no lo intentara. Aun así, creo que eso no es suficiente para pasar el corte que da acceso a un álbum.

13. This I Love: Para terminar de dejar claro que no tenía en mente un disco de rock al uso, Axl se pone ante un piano y una sección de violines para cascarnos el tema más melódico del conjuto. La cosa coge algo de vida cuando arranca la guitarra, pero no consigue llenar todo lo que claramente pretende.

14. Prostitute: Axl sigue emperrándose en hacer sus temas gloriosos, metiendo arreglos que no son necesarios y alargando estrofas que no lo merecen, y aquí tenemos otro ejemplo de ello. El tema de cierre tiene su punto cañero, no lo niego; pero cojea de la misma pata que el resto del conjunto, convirtiéndose en el ejemplo perfecto de por qué Chinese Democray falla al analizarlo globalmente.

Sin duda, el excéntrico líder y único miembro original de la banda ha intentado presentarnos una propuesta sonora que se desmarca completamente de su primera etapa, algo que me parece muy elogiable, pero que a mí personalmente no me sirve en absoluto para encontrar el suficiente disfrute en este disco. ¿Hago mal en compararlo con sus viejos discos? Bueno, es a lo que se exponían cuando decidieron seguir usando la marca Guns N’ Roses, en vez de publicar estos temas bajo otro nombre.

Sitio oficial | Guns N’ Roses
Más en Hipersónica | Chinese Democracy

Música de baile (I)

Vladimir — Fri, 21 Nov 2008 11:47:55 GMT

Los editores de Noctamina no sólo somos unos noctámbulos empedernidos. Sí, nos gusta salir, bailar y pasarlo bien. Pero también nos reconocemos amantes de la música por encima de todas las cosas. Y por ello queremos llevar los sonidos que nos mueven, nos emocionan y nos hacen vibrar más allá de las fronteras de nuestro pequeño reducto en Internet. ¿Qué mejor que un blog de música para poner nuestro pequeño granito de arena?

Resumiendo: En Hipersónica tenéis entre vosotros un nuevo editor (es decir, yo mismo, Vladimir) y hoy inauguramos una sección semanal, en la que nos encargaremos de traeros las novedades electrónicas más destacables. Cultura de clubes, festivales y conciertos, lanzamientos discográficos, costumbres noctámbulas y música en general.

Comenzábamos la semana haciéndonos eco del festival Sensation, evento que a buen seguro tendrá a muchos clubbers mordiéndose las uñas. El Sensation reparte el protagonismo entre el performance visual puro y duro y la música house, con un cartel que a algunos entusiasma y a otros decepciona, y al que hemos venido haciendo un seguimiento especial.

Hablando de house, estos días hemos repasado varios temas que nos hacen ver cuánto ha evolucionado a lo largo de los años. En efecto, no es lo mismo aquel temazo de Eddie Amador (it´s a spiritual thing, a body thing, a soul thing) que todos recordamos, que los hits más pisteros enfocados a la diversión pura y dura. Y es que como decía Alejandro Sanz, no es lo mismo.

Como queremos recalcar que en la música electrónica no sólo se reparten bajos machacones a destajo, llevamos ya tres ediciones de nuestra serie de posts (link)Electrónica más allá del beat. Porque nada tiene que ver el house con el ambient, el techno con el funk o el downtempo con el drum’n bass.

Y es que en Noctamina procuramos no cerrarnos a ninguna corriente musical.Que se lo digan a Prodigy, que según comentábamos hace unos días, inicia una colaboracion con los australianos Pendulum. Y nos gusta el house de Steve Mac tanto como el minimal-tech de James Holden o el jungle de Ragga Twins.

En efecto, ¡viva la diversidad! Porque no se me ocurre un mundo más diverso que el de la noche, que reúne gentes diferentes bajo un mismo techo con el único objetivo de divertirse. Y por ello es una lástima que ocurran sucesos desagradables como el asesinato a manos de tres porteros de una discoteca de Madrid. Sobre ello hemos hablado esta semana.

Pero la semana en Noctamina no sólo traía noticias tristes: también estos días publicábamos un post analizando los enseres imprescindibles para salir de fiesta. Y para terminar esta sección, recordamos que por primera vez en su historia, Estados Unidos tiene un presidente negro. ¡Y un presidente aficionado al house! Los noctámbulos nos debemos sentir orgullosos y no podemos reprimir una sonrisa al leerlo.

Sonrisa que a estas alturas de viernes nos debe de durar ya hasta el domingo. Si aceptáis un consejo, en nuestra sección Por fin es viernes tratamos de resumir las opciones más importantes de cara a la diversión del fin de semana. Clubes, eventos y festivales, nada se nos escapa. ¡Buenos bailes, y buena fiesta!

Más información | Noctamina

Especial Los Planetas: Canciones para una orquesta química

Víctor Rodríguez — Thu, 20 Nov 2008 22:07:58 GMT

Con Canciones para una orquesta química, que llevaba como subtítulo Singles y EPs 1993-1999, Los Planetas hacían un alto en el camino en la cresta de la ola del indie estatal, en la que por otra parte siguen diez años después de aquello.

Los granadinos tenían con este álbum un detalle con sus fans recopilando los singles y EPs que habían ido publicando en aquel período, todos de edición limitadísima y que muchos se habían quedado sin ellos.
La compilación es cronológica, empezando en el 7” Medusa y terminando en el CD EP ¡Dios existe! El rollo mesiánico de Los Planetas, y no hay ni inéditos ni rarezas.

Todo ello está envuelto en una carpeta diseñada por Javier Aramburu, quien se volvía a reconocer como el mejor vehículo de expresión gráfica de la música de la banda. Él mismo también se había encargado del diseño de las carpetas de la mayoría de todo el material recopilado aquí, excepto el ‘Medusa’ EP, que fue la única referencia que Los Planetas publicaron en Elefant Records y hoy quienes tenemos una copia del mismo tenemos un tesoro.

No me voy a detener en este disco de debut, pues fue ya analizado por mi compañero Roberto pero en él tenemos a dos himnos del indie de los noventa español: ‘Pegado a tí’ y ‘Mi hermana pequeña’. Pero el resto de temas de este doble compacto, que no he vuelto a ver en las estanterías de las cada vez más mermadas tiendas de discos, ponen de relieve que Los Planetas escondían en esos singles algo más que simples rellenos.

No fue el caso de ‘Brigitte’ al que le acompañaba ‘Si está bien’, ambos incluidos en Super 8. Después saldría el sencillo ‘Qué puedo hacer’, el tema estrella de su álbum de debut para RCA, multinacional perteneciente al grupo BMG donde por entonces era AR David López, hoy propietario de LimboStarr.

A este hit indie le acompañaban la maqueta de ‘Espiral’ (Imeem), muy en la onda Spiritualized y Spacemen 3, dos bandas de cabecera del grupo, y una mezcla más cruda de ‘Rey sombra’ (Imeem). Si no recuerdo mal este CD single se regalaba con un número de la desaparecida revista Spiral.

‘Nuevas sensaciones’ sería el nexo de unión entre el primer y el segundo LP de Los Planetas, Pop. Otro éxito instantáneo de los granadinos que se acompañaba de otras mezclas de ‘Desorden’ y ‘De viaje’, y la inédita ‘La casa’, que cuenta con un chisporroteante final.

El primer single de Pop (RCA, 1996), que produjo Kurt Ralske, de Ultra Vivid Scene, fue ‘Himno generacional #83’, contenida dos descartes del disco tan buenos como las canciones titulares. La encantadora ‘Prefiero bollitos’, que fue una de mis favoritas por entonces, y ‘Manchas solares’.

Y el segundo single fue ‘David y Claudia’, un tema dedicado al affaire sentimental o montaje que tuvieron por entonces el mago David Copperfield y la modelo Claudia Schiffer. Ahí estaba ‘La verdadera historia’.

‘Punk’ fue el tercer single de este segundo elepé y junto a él se encontraban una íntima versión de ‘Cielo del norte’(Northern sky) (Imeem), de Nick Drake, donde Los Planetas utilizan piano y no parecen unos moñas, y además a J se le entiende todo lo que canta, el delicioso descarte ‘Vuelve la canción protesta’ (Imeem), un corte menor, y el medio tiempo con un crescendo incandescente ‘Nueva visita a la casa’ (Imeem), segunda parte de La casa.

De ahí pasamos a Una semana en el motor de un autobús (RCA, 1998), un disco que a mí me pareció bastante peor que los dos primeros y que con el tiempo he llegado a la conclusión de que estaba equivocado. Como primer single salió ‘Segundo premio’, un tema rompedor que aún el grupo toca en directo y como cara B ‘Algunos amigos’.

El segundo single fue Cumpleaños total, también fijo en sus directos, que se completaba con ‘Sin título’, una maqueta ídem totalmente experimental. Y por último salió el medio tiempo ‘La playa’ con la intrascendente ‘El coleccionista’ en la cara B.

Y por último se recoge aquí el EP ¡Dios existe! El rollo mesiánico de Los Planetas, un artefacto de transición de cinco temas en el que la afilada ‘Prueba esto’ (Imeem) fue el tema que más sonó. Aquí también nos encontramos con la lisérgica ‘Mejor que muerto’ (Imeem) y la balada de final intensísimo ‘La guerra de las galaxias’.

Sitio oficial | Los Planetas
Más en Hipersónica | Los Planetas

Jay Reatard - See/Saw

probertoj — Thu, 20 Nov 2008 20:43:04 GMT

Tengo que admitirlo: cada vez que oigo una vez más Blood Visions me quedo admirado. Qué bueno es Jay Reatard y mira que era fea la portada de su anterior disco, el que a la postre sería el último en el magnífico sello In The Red (aquí vendría bien el eslogan de “siempre puedes confiar en In The Red”): En Blood Visions había grandísimas canciones escupidas en formato garagero/punk y Matador, sello emblema del indie en EEUU, supo verlo y fichar a Reatard.

Ahora, Jay acaba de presentar su primer disco con el sello que encabeza todas sus referencias con el hispánico OLE, una recopilación de singles que de nuevo le coloca entre lo mejor del subsuelo estadounidense (auqnue bastante odiado por determinada parte del público, como se puede comprobar en blogs y foros varios, donde le ven como a un oportunista sin que yo acabae de entender muy bien por qué).

Como Reatard ya tiene más medios, además, ha decidido promocionarse por fin con un vídeo, este ‘See/Saw’ que encabeza el post y que es el primer clip de Jay Reatard en toda su carrera. Está dirigido por SUPER! ALRIGHT! (sic). Pues eso: super olrait.

Vía | Dell

Especial Sergio Algora: La Costa Brava - Velocidad de crucero

Víctor Rodríguez — Thu, 20 Nov 2008 16:50:36 GMT

Nadie se esperaba que Velocidad de crucero (Mushroom Pillow, 2007) iba a ser el último disco de La Costa Brava pero así lo fue por las trágicas circunstancias que motivaron la muerte de Sergio Algora, a quien durante estos meses hemos rendido homenaje con este monográfico.

Sí que iba a ser el último disco del grupo en el sello independiente madrileño, pues pocos meses antes del suceso éste se quedaba sin compañía oficiosamente por la pocas ventas que había tenido.

Velocidad de crucero es claramente un disco de madurez de una formación cambiante en la que a última hora solamente quedaban como miembros originales Sergio Algora y Fran Fernández.

Atrás quedaban grandes discos de pop inmediato como Llamadas perdidas o Se hacen los interesantes, con los que el grupo gozó de cierto predicamento dentro del indie estatal. Y entre medias la banda nos sorprendió con un single veraniego de una decena de canciones que, entre versiones y temas propios, hizo más corta la llegada de este nuevo trabajo grabado nuevamente a las órdenes de Paco Loco, con quien La Costa Brava tenía plena confianza.

Éste single que citaba fue Costabravísimo tras el cual abandonó Dani Garuz la formación para dedicarse a su proyecto DA. Aquí nos encontramos con las dos voces habituales del grupo, la de Algora y la de Fernández, y la nueva de ‘Amor bajo cero’ (Imeem), esa historia de amor entre superhéroes firmada por Ricardo Vicente, Richi, por cierto, uno de los hits de este álbum.

Hacía un año que Fran Fernández había editado su disco en solitario bajo el nombre de Francisco Nixon, un Es perfecta que a comienzos de año tendrá continuidad. Y lo que es evidente es que los temas que firma Fran podrían haber estado en el disco que editó Siesta.

Estoy refiriéndome a las delicadas y tremendas ‘Casado con otra’ (Imeem) u ‘Olímpicos’ (Imeem), dos perlas del mejor pop publicado en su carrera por La Costa Brava.

Más elaborados son los aportes de Sergio Algora. Sus temas tienen ese rastro críptico y lírico tan habitual en sus canciones. ‘Natasha Kampush (hazme una perdida)’ (Imeem) es un claro ejemplo de que con la muerte de Sergio perdimos a uno de los mejores letristas del pop independiente estatal.

Suyas también son ‘Dispositivo’ (Imeem) y ‘La prueba del polígrafo’, dos temas en los que Algora volvió a mostrar su pasión por el mejor pop español de los sesenta.

Y al final del disco no encontramos con una delicatesen, una guinda que corona un gran disco, ‘Japonesa’ (Imeem), sobre una base electrónica un Fran muy quejoso nos pone los pelos de punta con una historia de amor. Imprescindible como el resto de la discografía de La Costa Brava.

MySpace | La Costa Brava

Los japonenes Birushanah empiezan mañana su gira española

Víctor Rodríguez — Thu, 20 Nov 2008 14:52:48 GMT

En su página web definen su música como instrumental, música clásica japonesa y progresivo y la verdad es que lo han clavado, porque su propuesta reúne todos sus ingredientes. Los de Osaka, donde milita Sougyo, el ex bajista de Corrupted, son una de las sensaciones dentro de la música extrema más experimental del panorama internacional.

En su gira española presentarán su última referencia, el elepé Akai yami (Level Plane, 2008), un cruce explosivo de doom y sludge servido en tres canciones, dos de ellas de una duración de entre dieciocho y veinte minutos.

Las fechas de esta gira son: San Sebastián (día 21, Sala Mogambo, con Loan y Thatiana Khankhana), Bilbao (día 22, Pub Aukari, con Moho), y Gijón (día 23, Bola 8, con Humo). Para el concierto de Gijón la entrada cuesta 7 euros y el aforo es muy limitado.

La estructura de las canciones de Birushanah ya os imaginaréis como son. En el caso de Akai-yami, tema que da título al disco, comienza como la introducción: folk japonés a base de cuerdas, percusión y voces a modo de mantras que culminan en una explosión metálica, excesiva por acumulación de instrumentos.

Ahí reside el atractivo de este grupo, que se aparta de los esquemas habituales de las bandas de doom, cambiando ritmos, llenando el espacio sonoro con caos y remansos. Yo ya me he apuntado a ver esta exótica exhibición.

MySpace | Birushanah
Más en Hipersónica | Doom
Vídeo | YouTube

Chinese Democracy al completo en streaming

Gallego — Thu, 20 Nov 2008 14:47:14 GMT

Ahora sí, parece que ya es inevitable: Chinese Democracy sale a la venta en poco más de dos días, dando lugar así a un lanzamiento que está a medio camino entre lo espectacular y lo esperéntico. ¿Que Axl debió poner fin a Guns N’ Roses antes de echar por tierra el buen nombre que la banda se había labrado? Eso está claro, pero el caso es que no ha sido así, por lo que vamos a ver qué puede ofrecernos.

Personalmente, no negaré que lo que más siento ante este lanzamiento es morbo, curiosidad por saber qué puede salir de tantas rupturas, tantos millones de dólares gastados y tantas promesas incumplidas. ¿Habrán merecido la pena? Pues ya tenemos ocasión de comprobarlo.

Como otros tantos, han colgado el disco al completo en su MySpace para que podamos escucharlo en streaming con anterioridad. Se acabaron el hype y las especulaciones de todo tipo, es turno ahora de que hable la música.

Sitio oficial | Guns N’ Roses
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Fleet Foxes - Fleet Foxes

probertoj — Thu, 20 Nov 2008 11:04:24 GMT

Reconozco que tengo el día tonto. Pero también es cierto que siempre que me apetece escribir sobre el primer disco de Fleet Foxes tengo el día tonto. Así que será por algo, más allá de la pura casualidad. Pero, en todo caso, si no estáis de acuerdo, achacadlo a lo que os digo. Y es que, por más vueltas que le doy, tengo la sensación de que me esperaba mucho más del disco homónimo de uno de los grupos más alabados de los últimos tiempos.

Esta vez, además, la culpa no es de los medios ni del momentazo hype que están viviendo estos neohippies de Seattle. La culpa es exclusivamente suya, por sacar hace unos meses un EP de adelanto tan impresionante como Sun Giant. Sobre ellos, yo mismo escribía allí:

Fleet Foxes tienen talento y espacio para crecer. Tienen, además, un par de eps reveladores de hasta dónde pueden llegar. Hay esperanza aquí. La mía, desde luego, está depositada en ellos a paletadas.

Y, bueno, sí, tenemos un disco muy notable, lleno de referencias a los 60. Por un lado, al folk psicodélico de los Byrds y a las melodías que sólo sonaban en la cabeza de Brian Wilson en la época en que le dio por acometer Smile. Y por otro a Crosby, Stills y Nash. También, dicen, a unos Pentagle que como nunca he aguantado demasiado bien prefiero dejar a un lado (Quizás ahora que me hago mayor y que hasta la Mojo les dedica artículos retrospectivos sea el momento de volver a probar con ellos, pero la verdad es que estos ingleses se me han atragantado siempre).

Eh, las referencias son exquisitas, de eso no hay duda. ¿Y entonces? ¿Qué pasa? Pues que se me hace largo, que me sobran determinadas canciones y, sobre todo, que mientras en Sun Giant siempre me quedaba con ganas de más, aquí me quedo bastante repleto de ellos. Hasta un poco empalagado de ese ambiente entre pastoril y eclesiástico.

No estoy minimizando su valor o, al menos, no quiero que dejéis de echarle un ojo, porque seguro que encontráis más razones que yo para amarles incondicionalmente. Pero hay un toque escondido que no me acaba de satisfacer del todo: o se han hecho demasiadas canciones, o al final, después de tanto oírles, lo que parecía belleza improvisada empieza a ser “demasiado bonito” como para ser real.

Estoy quisquilloso, pero si a ‘Quiet Houses’ le hubiesen quitado ese desarrollo final no se habría resentido. También veo que otras me gustan más si las escucho en solitario que del tirón, caso de ‘He Doesn´t Know Why’. Y, en general, llego bastante agotado a la última canción, sobrepasado por tanta catedral sonora.

Y, sin embargo, cuando las canciones llegan aleatoriamente, entre medio de otros grupos, siempre pienso: “vaya disco y vaya grupo”. O “¡Qué bonito el comienzo de ‘Heard Them Stirring’!”. Y así.

Lo que es innegable es que ‘White Winter Hymnal’ (youtube) es una de las canciones del año y para defenderla estoy dispuesto a batirme en duelo con quien sea. Lo demás ya no lo tengo tan claro.

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Deadlock - Manifesto

Alex C — Thu, 20 Nov 2008 10:55:43 GMT

A Deadlock los descubrí tarde, pero como dicen por ahí: más vale tarde que nunca. Y fue a raíz de una recomendación por parte de un amigo en Last.fm que me instó a escuchar Wolves, un disco que salió a la venta el año pasado y que es el tercero de su discografía.

Un año después vuelven con Manifesto dispuestos a seguir dando caña sin dejar de lado ciertas mezclas que en un principio resultan algo fuera de lugar, pero que en realidad han sabido integrar con bastante acierto en sus composiciones.

Podríamos decir que Deadlock es una banda cuyo gusto por las guitarras y las voces atronadoras está al mismo nivel que la simpatía que demuestran tener por la vertiente más melódica, comercial y, por qué no, transgresora del asunto.

El resultado es bastante espectacular, aunque reconozco que a los más puristas del death metal este disco puede llegarles a provocar arcadas o unas ganas irrefrenables de meterle fuego al CD. Conozco algún caso personal que considera poco más que un sacrilegio que a estos tíos se les haya ocurrido meter un fragmento rapeado en medio de ‘Deathrace’ (YouTube), uno de los temas más rápidos y brutos del disco. A mí, por contra, me parece que le otorga un punto de frescura y descaro que le viene muy bien y deja patente que la mezcla de géneros aparentemente tan lejanos es posible si se hace con gusto.

Como habréis podido comprobar el grupo cuenta con dos vocalistas: chico y chica. Esto es algo que ya hemos visto en muchas otras bandas y que no hace sino reforzar esa diferencia entre las partes más agresivas, donde Johannes Prem es el protagonista, y las más melódicas y suguestivas, donde encontramos la bonita voz de Sabine Weniger. La verdad es que los dos salen bien parados.

Los temas, salvo un par de casos, son todos bastante rápidos y brutos, con un montón de teclados de colchón que hacen que suenen bien grandes. Entre los mejores cortes del disco encontramos ‘Slaughter’s Palace’ (YouTube), un tema rapidísimo, con unas guitarras totalmente demoníacas y una batería lista para reventar cualquier tímpano que se le ponga a tiro. A destacar las partes en las que Sabine cobra todo el protagonismo, unas de las más bonitas del álbum.

‘Fire at Will’ y ‘Dying Breed’ son dos cortes más a destacar, contando el segundo de ellos con la colaboración vocal de ese bestia llamado Christian Älvestam, el que hasta hace poco fuera líder de la formación sueca ‘Scar Symmetry’.

Y lo que no podía faltar de ninguna de las maneras es un corte lento, sin sucias guitarras de por medio, en el que la chica se pueda lucir tranquilamente. Se llama ‘Altruism’ (YouTube) y también es otro de los mejores cortes del disco, sin duda.

Os dejo también el videoclip oficial del primer single de Manifesto, llamado ‘The Brave / Agony Applause’ (YouTube) y que suena así:

Desde luego se trata de un disco para los metaleros más abiertos de mente, porque como decía más arriba este claro gusto por la melodía y esas inusuales mezclas de géneros pueden espantar a los acérrimos fans del death metal sin fisuras.

Sitio oficial | Deadlock

Chinese Democracy: la historia de un disco eterno en 15 fechas

probertoj — Thu, 20 Nov 2008 09:10:43 GMT

Chinese Democracy, de los Guns N’ Roses (o únicamente de Axl Rose, como prefiráis), se pone a la venta en tres días. Ha sido un camino muy largo y tortuoso, el que va de una banda aún casi en lo más alto hasta un grupo que ha sido el hazmerreir de la industria por ser incapaces de lanzar un disco anunciado mil veces.

La historia de Chinese Democracy tiene de todo y casi parece una versión moderna de las andanzas de Spinal Tap, ese grupo heavy inventado para un documental que servía como parodia de tantos y tantos mitos tontos del mundo del rock. Hoy en Hipersónica damos un paseo por lo que ha sido el larguísimo ‘making off’ del disco.

Éstas son las quince paradas del via crucis particular de Axl Rose:

1993: Axl habla por primera vez de una canción concreta del próximo disco de Guns N’ Roses. Se llama ‘This Is Love’ y ha sido compuesta por él mismo.

1996: Slash, Matt Sorum y Duff McKagan dejan la banda acusando a Axl Rose de dictador. El cantante decide continuar con la banda y seguir preparando el nuevo lanzamiento.

1998: Unos renovados Guns N’ Roses regresan al estudio en el que grabaron su debut, Appetite for Destruction, para iniciar las sesiones del nuevo disco, aún sin nombre. Geffen, su compañía, espera que salga al mercado en torno a marzo del año siguiente. No lo hace: Axl dilapida el primer millón de dólares que la compañía le da como adelanto.

2002: La banda, a la que ya se ha incorporado Buckethead, se toma un descanso tras unos cuantos conciertos en los que Axl aparece con muchos problemas para mantener el tipo como cantante, lo que obliga a suspender la gira planificada.

Septiembre de 2003: ‘I.R.S’ es emitida en el programa de radio de Eddie Trunk. Es la primera canción del nuevo album que se puede oír. La banda envía un cease and desist a la emisora.

2004: Buckethead se va de la banda en marzo, lo que impide que el grupo participe en el Rock in Rio de ése año. Axl asegura que, a pesar de que le duele la cancelación, va a ser buena para los Guns N’ Roses, porque va a permitirles trabajar en el nuevo disco.

2005: Nuevamente se filtra en la red un fragmento de ‘I.R.S.’, prácticamente igual que la ya conocida toma de la radio.

2006: Bumblefoot se une a Guns N’ Roses para sustituir a Buckethead. Axl Rose, mientras, tiene unas cuantas grescas en distintas fiestas en todo el mundo. Su cambio de imagen es considerable y queda poco del Axl de los primeros años. A pesar de que en numerosas ocasiones, el propio cantante asegura que Chinese Democacy se va a publicar en 2006, acaba el año sin que el disco salga a la venta. De hecho, en diciembre la banda entra de nuevo al estudio de grabación: Chinese aún no está acabado.

2006 es época de filtraciones: salen demos de estudio de ‘Better’, ‘Catcher in The Rye’ (en la que toca Brian May), ‘I.R.S.’ y ‘There Was a Time’

2007: Nueva fecha de lanzamiento para el disco. En teoría, el 6 de marzo de 2007 debe ver la luz el primer álbum de la banda en el que lleva todo el peso Axl Rose. En febrero, el road manager de los Guns N’ Roses asegura que Chinese Democracy por fin está completamente grabado y que ya han comenzado las mezclas.

En Febrero, aparece una nueva versión de ‘Better’. La banda acusa a Harley Davidson de filtrarla. Además, llega la primera versión de estudio de Madagascar, y tomas diferentes de ‘Chinese Democracy’, ‘There Was a Time’ o ‘The Blues’.

6 de marzo de 2007: Chinese Democracy no se pone a la venta. Se aplaza sin fecha fija.

26 de marzo de 2008: Dr. Pepper, una marca de bebidas norteamericana, asegura que dará una lata gratis de uno sus productos a todos los estadounidenses (excepto a Slash y a Buckethead) si Chinese Democracy se pone a la venta a lo largo de ese año.

18 de junio de 2008: Aparecen en el blog Antiquiet nueve demos de las sesiones de grabación de Chinese Democracy, incluidas tres canciones nunca antes escuchadas (‘Prostitute, ‘If The World’ y ‘Rhiad & The Bedouins’). El grupo inicia acciones legales contra el propietario del blog, que es arrestado por agentes del FBI.

14 de septiembre de 2008: ‘Shackler’s Revenge’ se convierte en la primera canción de Chinese Democracy que sale a la luz oficialmente, incluida en el videojuego Rock Band 2.

22 de octubre de 2008: Sale el primer single del disco, que es también la canción que le da nombre, ‘Chinese Democracy’

23 de noviembre: 15 años después y tras haber gastado 13 millones de dólares, Bestbuy venderá en exclusiva en EEUU Chinese Democracy.

Sitio oficial | Guns N’ Roses
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Entrevista a Alcohol Jazz: "Es difícil que hoy aflore de nuevo el funk de los 60s y 70s"

Natxo Sobrado — Thu, 20 Nov 2008 09:06:57 GMT

El grupo madrileño Alcohol Jazz publica este año nueva referencia y celebra nada menos que 22 años en activo, hecho exclusivo de este trío, y más en el mundo del funk y en España. La trayectoria no ha sido fácil, como nos comenta Jacobo Gascó (saxo tenor), el trío ha tenido que tocar con diferentes bandas, algo que ha beneficiado al proyecto según sus palabras. 2008 es la vuelta al estudio y con ello, un cambio de discográfica.

Los últimos años, el nombre de Alcohol Jazz ha estado vinculado siempre con la discográfica Subterfuge Records, pero ahora han decidido fichar por el sello de Paco Ortega, El Pescador de Estrellas, ya que les ofrecían “una nueva perspectiva”, según el propio Jacobo.

Con dicha vuelta y el cambio, también se ha modificado el sonido de una banda que buscó su lado más accesible en Beleça (2004, Subterfuge Records) y que ahora quiere sonar más electrónica que nunca, dando un gran peso a los sintes. Ellos mismos definen su sonido como ‘black dance electrónico’, sonido que Jacobo explica tras el salto.

Lleváis en activo 22 años y fieles a vuestros planteamientos originales ¿cómo se hace eso?

Siempre hemos tenido claro la música que nos gustaba y que queríamos hacer. Por suerte o desgracia, según se mire, los componentes del grupo han tenido que tocar en otros grupos y siempre hemos salido “escaldados”. Somos instrumentistas y queremos hacer música instrumental. Nos gusta el funk y queremos seguir el camino de la música negra. No hay más, a lo largo del tiempo hemos seguido teniendo nuevas influencias pero constantemente en la misma dirección: black music.

¿Qué resumen podríais hacer de vuestra carrera en este punto?

Estamos en un momento dulce. Hay infinidad de grupos tocando instrumental funk… sentimos toda esa fuerza. Grupos jóvenes hacen versiones de nuestros temas y eso nos encanta. Podemos seguir grabando y perfeccionando nuestro “conocido” directo. Seguimos en la brecha: con esto nos sobra.

¿A qué venido dado el cambio de discográfica?

Decidimos irnos de Subterfuge y nos planteamos un cambio de aires. Cada discográfica tiene una idea diferente de plantear los productos. Simplemente necesitábamos nuevas formas de trabajar nuestra música. “El Pescador” nos ofrece una nueva perspectiva.

Para los que no conozcan este sello, ¿puedes explicar un poco quiénes son?

En Principio “El Pescador de Estrellas” es un pequeño sello de Paco Ortega que utiliza para sacar referencias diferentes a todo lo demás y de calidad. Conocíamos a Paco porque ya había seleccionado uno de nuestros temas para la película “Atraco a las 3 y Media”. Coincidió que también era vecino de nuestro bajista y siempre que pasaba por la calle oía nuestros ensayos. Un día nos pregunto que quién coño éramos…¡nos conocía y como siempre estaba encantado con nuestra música! Surgió la Conexión. EMI distribuye el producto.

Volvéis a apostar por producirlo vosotros mismos, ¿por qué preferís este sistema? ¿qué os aporta?

Las decisiones sobre el producto son nuestras. Las opiniones son las nuestras. Si algo sale mal no le podemos echar la culpa a nadie. No sé si es bueno o malo.

¿Y qué tal fue la experiencia en los estudios Sweet Home de Paco Ortega?

Los estudios Sweet Home son una broma a la forma de grabar el disco ¡Vamos, que lo grabamos en nuestra propia casa! Decidimos tener todo el tiempo posible para la grabación de nuestras “descargas”. La forma de grabar es una simulación de directo. Hemos intentado editar lo menos posible aunque hayamos que tenido que repetir hasta encontrar la toma más suelta, espontánea,buscando una sensación de puro “Live”. Luego todo se remezcló y postprodujo en el magníficos estudios que Paco tiene en Madrid (Musigrama). La perspectiva de trabajar con un empresario y músico de prestigio a la vez,como por su afán de buscar músicos con “Soul”, son las ideas que nos atrajeron para trabajar con el Pescador de Esrtellas.

En este álbum no veo canciones tan adictivas como ‘El Hombre Calvo’ o ‘Beleça’, las voces, aunque las hay, están más apagadas ¿a qué se debe?

Pensamos que esas incursiones claras y evidentes en la voz fueron un error. Queremos que la voz sea “un instrumento más”. Buscando unos sonidos más instrumentales. Siempre hemos estado en la onda Stax Instrumental, The Bar-Kays, Booker T & The MG´s, por ejemplo.

¿Habéis vuelto a un funk más instrumental tras el cambio que distéis en Beleça?

Otro de los giros de esta nueva producción “Conexión” es un la búsqueda de sonido un poco más Heavy Funk, bueno esto solo es una etiqueta, sonido más eléctricos: Wild Cherry, War, incluso buscando influencias mas final de 70,s como Cameo.

También predomina una vía más clásica, donde hay un groove más pausado ¿Alcohol Jazz apuesta más por ese funk que por la vía de Maceo Parker?

!Oh el gran Maceo! Personalmente creo que es uno de los creadores más importantes de nuestra era. Como grupo pensamos que tiene un directo espectacular. Pero preferimos hacer “nuestra” música.

En la carta de presentación habláis de ‘black dance electrónico’ ¿A qué os referís con ello?

Es una etiqueta que nos resulto bastante sencilla de elaborar: “black”, seguimos bebiendo de toda la música negra , blues, soul; practicando los principales sonidos negros de “dance”, funk, fisco 70´s, SKA; y últimamente le hemos cogido el tranquillo al asunto informático y hemos conseguido domar a la “electrónica” ¡Viva el black dance electrónico!

Ahora mismo, hacer un disco de una hora y 8 minutos, es tarea imposible, todos se queda en los 20, 30 o 40 si son generosos, ¿Cómo es que vosotros seguís apostando por tanto metraje?

Estamos hartos que los nuevos formatos, léase MP3 y similares, hayan determinado tanto la forma actual de concebir un trabajo discográfico. Nuestra única preocupación era trabajar el formato directo. El Cd ocupa “casi” exactamente la duración de nuestro nuevo directo. También la duración de los temas, de 4 minutos para arriba, ha sido objeto de alguna suspicacia, pero pensamos que el oyente actual tiene en su mano, mas concretamente, en su dedo, la decisión de pasar al siguiente tema con un pequeño movimiento. A nosotros nos gustan así de “largos”. Así los hemos compuestos antes de grabarlos. Pensamos que no tienen un segundo de desperdicio. El funk son temas largos y directos.

El funk hoy en día casi no existe como género puro como en los 60s o 70s, donde había una gran cantidad de grupos con una calidad tremenda. ¿A qué creéis que se debe esto? ¿Cómo veis que ahora se llame funk a todo tipo de música que no lo es? ¿Es posible que surja un nuevo momento histórico como aquel?

Es difícil que hoy en día afloren movimientos tan creativamente activos como todo el movimiento de la música afroamericana de los años 60´s y 70´s. La conjunción de músicos salidos de la calle y espectaculares discográficas que solo buscaban la calidad, es único. Lo importante de toda aquella época es que no todo se aprendía en las escuelas, el directo y su experiencia curtían a los músicos en batallas singulares que forjaban sus estilos, así, siempre peculiares.

Respecto a las etiquetas, debemos diferenciar entre el funk y tocar al estilo funky sincopado. Pensamos que el funk es funk y que el funky es una etiqueta mucho más amplia.

Ahora hay muchos grupos, la capacidad de las nuevas tecnologías para llegar fácilmente a un gran número de personas es buena, pero no tiene nada que ver para que el negocio, al fin, esté en manos de cuatro apaletados musicales bastante globalizados.

¿Y el funk en España? ¿Existe?

Sí, el funk en España Existe. Grupos como Amasumbu, decididamente Funk-show; Celofunk mucho más clásicos; Speaklow, rollito más instrumental; ondas muchos mas experimentales Círculo de Willis; otros grupos más deslocalizados, Zikitrake y un largo etcétera….hacen que el panorama sea mucho más optimista que cuando nosotros empezamos. Son grupos muy activos y de ellos se alimenta luego gran parte de los músicos que colaboran en la música “comercial”. Esperemos que estos y otros grandes músicos, como Carles Benavent nos sigan deleitando con su música. Carles es un genio y le considero un Jazzman de primer orden.

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Nancys Rubias - Di que sí

koala — Thu, 20 Nov 2008 08:59:04 GMT

Os juro que no lo sabía. Si ayer mencionaba a las Nanys Rubias cuando os anunciaba la gira de los New York Dolls, hoy me encuentro en jenesaispop que tienen nuevo vídeo adelanto del que será su tercer disco.

Aunque casi mejor que no lo hubiera visto. Con Mario Vaquerizo empiezo a pensar que se está quedando con todos nosotros. Miento, siempre lo he pensado, al menos desde el momento que intentó colarnos que Tamara, la mala (¿alguien sabe cual es la buena?) era lo más moderno y descubrir después que él era su productor.

Lo de las Nancys lo veo como ese chiste malo que te pilla por sorpresa y te hace reír, pero sólo una vez. A partir de ahí cada vez que lo escuchas piensas donde coño pudiste encontrarle la gracia en su momento.

Su nuevo disco se publicará el año que viene, pero el 2 de diciembre lanzan un CD single en forma de adelanta que incluye ‘Di que sí’ y ‘Psicomental’, tema que sólo aparecerá en este single.

Con sampler del ‘One’ de Kylie Minogue, estribillo facilón y fácil de corear y mucho cuero negro, parecen seguir al pie de la letra las palabras de su mujer y hacer algo superficial, vulgar y tontorrón. Yo digo no.

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Coldplay podrían separarse, según Chris Martin

Gallego — Wed, 19 Nov 2008 23:04:00 GMT

Si algo hay de sobra en la historia de la música, son bandas que no supieron separarse a tiempo. El caso contrario ya es bastante más raro, y por ello se hacen tan extrañas las declaraciones que Chris Martin, el conocido líder de Coldplay, acaba de hacer sobre el futuro de esta agrupación:

En este momento tengo 31 años y no creo que las bandas deban seguir adelante pasados los 33, así que ahora estamos tratando de hacer todo lo que podamos. Hasta finales del año que viene, vamos a ir al máximo en todos los sentidos. No creo en el tiempo libre. Aún conservamos la mayoría del pelo, todavía cabemos dentro de nuestros pantalones de músico y tenemos que sacar todo lo posible de ello.

¿Será que les está afectando la crisis de los 30? ¿Problemas de identidad ante una incipiente alopecia? No lo sé, pero lo cierto es que declarar que un músico debe dejarlo al llegar a los 33 años me parece un poco exagerado. Tendremos que esperar para ver si se cumple la amenaza de Martin, y lo que nos vayan dejando en forma de discos y conciertos por el camino.

¿Pensáis que serán capaces de dejarlo, a pesar de ser una de las bandas de mayor reconocimiento mundial en la actualidad? ¿Podrán decir que no al generoso fajo de billetes que, sin duda, les pondrán sobre la mesa para disuadirlos de ello? Fuera como fuese, tengo claro que no sería la ruptura que más me dolería en este momento, ni mucho menos.

Gracias a David Cabezón por el soplo.

Vía | Strangeglue
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