2012 es un año en el que un montón de bandas míticas de metal publicarán sus discos y una de ellas es Kreator, veteranos thrashers germanos que lanzarán, vía Nuclear Blast, el 1 de junio Phantom Antichrist.

El disco lo grabaron con Jens Bogren en el Fascination Street Studio de Örebro (Suecia), un dato que garantiza la calidad a priori supuesta en la formación que comanda con férreo brazo Mille Petrozza, cuya última entrega llegó en 2009 con Hordes of Chaos.

El espectacular artwork del álbum lo firma Wes Benscoter, un artista norteamericano conocido por haber trabajado anteriormente con Slayer, suya es la portada de Undisputed Attitude, la de Black Seeds of Vengeance de Nile, o la de Black Sabbath: The Dio Years.

El decimotercer album de Kreator irá precedido el 20 de abril de un single en vinilo del tema que le da título y que podrá encontrarse en vinilo rojo y transparente, doscientas cincuenta copias de cada uno, únicamente en la tienda online de su discográfica con la que hacen su debut.

Mille Petrozza comentó recientemente a Blabbermouth su opinión sobre Phantom Antichrist, cuyo tracklist todavía no conocemos:

Pienso que será el álbum más épico de nuestra carrera. Hay algunos cortes clásicos, muchos de metal tradicional y una gran dosis de influencias thrash metal en nuestro nuevo material. Tenemos la más fuerte alineación de Kreator en los últimos diez años.

Aparte de Petrozza, el line-up actual lo forman el guitarrista Sami Yli-Sirniö, el bajista Christian ‘Speesy’ Giesler y el batería Jürgen ‘Ventor’ Reil .

Sitio oficial | Kreator
Fotografía | Stefan Heilemann
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Que sí, que no, que nunca te decides… Lo del regreso al estudio de Blur empieza a sonar ya a cachondeo, y quizás la culpa sea nuestra por prestarles atención. Pero ya me diréis vosotros quién se resiste a emocionarse, aunque sea un poco, cuando llegan declaraciones como las últimas de Graham Coxon.

En ellas, el guitarrista británico asegura de forma rotunda que grabarán un nuevo disco. Naturalmente, no da más detalles sobre su planes de actuación o sobre un hipotético marco temporal para el lanzamiento del trabajo, pero la seguridad con la que se expresa no da mucho pie a la duda.

Desgraciadamente, la experiencia nos dice que con el supuesto nuevo disco de Blur lo mejor es no dar nada por seguro, pues lo mismo de aquí a unas semanas aparece algún otro miembro diciendo que ni hablar del peluquín. En cualquier caso, consiguen que incluso en este estado de baja actividad no dejemos de hablar constantemente de ellos, que probablemente es lo que buscan.

Vía | Daily Record
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Hacía un tiempo que se venía oyendo (o leyendo) sobre una posible jam session que reuniera a Bon Iver con The Roots, una colaboración bastante inimaginable si no fuera porque se les ha ocurrido a ellos mismos; porque eso de mezclar el estilo folk de Justin Vernon con el soul-house de los Roots no es algo que fácil de imaginar.

El caso es que, tras un tiempo de oír sobre el asunto, ayer por fin podíamos ver que no se trataba sólo de rumores, y que la cosa se materializaba en una verdadera jam session que se grabó para el programa de la NBC Late Night With Jimmy Fallon, aunque no llegó a ser emitida, en la que teníamos sobre el escenario tanto a Bon Iver como a The Roots.

El tema elegido para la ocasión era ‘Perth’, el que abría el último trabajo de Vernon, aunque el resultado era tan sorprendente como la unión de estos talentos podía hacer sospechar. Si la versión del álbum duraba poco más de cuatro minutos, aquí los Roots se recreaban en los instrumentos mientras un Vernon a la guitarra, hacía una interpretación vocodizada de la letra, y conseguían alargar la canción hasta los ocho minutos y darle un giro funk que seguro que no creíais posible cuando la escuchasteis por primera vez. Queda claro por qué Bon Iver tiene 4 nominaciones para los Grammy, ¿no?

En Hipersónica | Bon Iver: segundo disco con más de lo mismo pero con más instrumentos
Vídeo | NBC

Tom Jones, el Tigre de Gales, no sería habitualmente sujeto de interés de Hipersónica, aunque tenga sus cosas interesantes, pero las colaboraciones todo lo pueden, consiguiendo despertar el interés del público por artistas y estilos a los que habitualmente, y por voluntad propia, no se acercarían.

Y es que, si algo bueno tiene el que Jack White haya aparcado definitivamente su proyecto en The White Stripes es que le queda más tiempo para poner su genio en muchas otras cosas, como hemos visto últimamente, con su próximo álbum Blunderbuss, del que ya hemos escuchado ‘Machine Gun Silhouette’ y ‘Love Interruption’, y, ahora, para colaborar con Mr. Jones.

Lo próximo del Sir, es un single producido por Jack White, para la Blue Series de Third Man Records, en el que se incluyen los temas ‘Evil’ Y ‘Jezebel’, y ya os podéis imaginar la combinación: la potente voz del abuelete Tom Jones (71 años gasta ya, aunque siga estando hecho un chaval) junto a la guitarra de White puede hacer temblar los cimientos del edificio mejor preparado para los movimientos sísmicos.

Por ahora sólo podemos escuchar ‘Evil’, y a algunos puede que os suene familiar, y no vais desencaminados; es el mismo ‘Evil’ de Howling Wolf que en su día compuso Willie Dixon, y para la interpretación de estos dos grandes junto a Patrick Keeler y Jack Lawrence, compañeros de White en Raconteurs, y Carl Broemer, de My Morning Jacket, han mantenido gran parte del espíritu del blues y el soul del tema original y le han dado un toque de rock de garage que le sienta de maravilla.

Seguro que os ha dejado enganchados, así que, sólo deciros que habrá que esperar hasta el 5 de marzo para saber si ‘Jezebel’ está a la altura de este grandísimo ‘Evil’, aunque dada la combinación, no creo que haya muchas dudas, ¿no?

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Desde hace un tiempo venimos diciendo que los fans del rock/metal progresivo vamos a tener un buen año y el EP titulado All Roads Lead Here de Chimp Spanner no hace sino confirmar este hecho. Se trata de un proyecto formado por un solo músico llamado Paul Ortiz. Es el típico caso de “yo me lo guiso, yo me lo como”. El EP es instrumental y, a excepción de las baterías, que son programadas (por él, eso sí), Ortiz se ocupa de tocar todos y cada uno de los instrumentos, de la grabación, de la producción, de la mezcla… y sale más que airoso. Ah, tiene 26 años.

¿Cuántos discos de guitarristas habéis escuchado en los que su ego y sus ganas por demostrar lo rapidísimo que pueden llegar a ser tocando solos (principalmente feos, además) son mayores que la calidad de los temas? Los hay a patadas. Afortunadamente Paul Ortiz es el tipo de músico que a mí me gusta, de los que demuestran cierta sensibilidad aunque estén tocando verdaderas burradas, de los que ponen la técnica al servicio del buen gusto y no por encima de todo.

Haciendo el bruto, sí, pero midiendo cada milímetro

La música de Chimp Spanner entraría dentro de diversos estilos. Tiene toques Djent, tiene elementos electrónicos, extrae ciertos ingredientes del jazz, tiene mucho de rock progresivo, es muy ambiental, también muy atmosférica. Podemos encontrar influencias de gente como Meshuggah (normal por otra parte, siendo como son los padres del Djent), Animals as Leaders o Periphery, pero también de bandas como Cynic o de auténticos pesos pesados de la guitarra como Allan Holdsworth o Steve Vai.

El EP, que tiene una duración total de unos 25 minutos divididos en seis magníficos cortes, da comienzo con ‘Dark Age of Technology’, un tema que recoge toda la esencia del sonido tan particular de Chimp Spanner. Todo está ahí: riffs de guitarra verdaderamente pesados y salvajes, solos luminosos, teclados ambientales, sonoridades del rock progresivo de los setenta…

Chimp Spanner – Dark Age of Technology (YouTube)

Es curioso que, tratándose de un EP y no de un álbum completo, All Roads Lead Here sea capaz de atesorar una variedad que ya quisieran muchos otros discos metaleros. Paul Ortiz ha jugado a crear una obra corta, concisa, conceptual incluso, pero huyendo del aburrimiento.

Buscando el equilibrio perfecto

‘Engrams’, el segundo corte del EP, ya significa un descanso. Un momento de relax que no llega a los dos minutos y que llega después de los primeros cuatro minutos y pico de toma de contacto con semejante salvajada.

Chimp Spanner – Engrams (YouTube)

Le sigue un tema llamado ‘Möbius’ que ha sido dividido en tres partes lo suficientemente distintas como para ser consideradas tres piezas independientes, pero que mantienen un nexo común. De hecho no hubiera pasado nada de no haber sido troceado más allá de haber contado con una duración de casi 15 minutos. En estas tres piezas Ortiz demuestra que no solamente sabe tocar la guitarra, sino que lo de componer y estructurar temas se le da realmente bien. Mezcla con una facilidad y una naturalidad pasmosas los riffs más salvajes y los ritmos más irregulares con atmósferas ambientales, futuristas, espaciales.

Chimp Spanner – Cloud City (YouTube)

‘Cloud City’, el corte encargado de cerrar el EP, funciona a modo de despedida en todos los sentidos. En él Ortiz, a parte de ofrecer nuevos registros, le otorga a los sintetizadores un protagonismo especial y, además, el músico se acerca a Steve Vai más que nunca. En cualquier caso, por si quedaba alguna duda, hay un par de momentos en los que el tema se torna muy bruto.

Lo único que nos queda tras haber pasado una y otra vez por los 25 minutos de pura felicidad en forma de metal progresivo que nos ofrece este trabajo es esperar a que salga el disco. Lo hará este año, aunque lamentablemente se desconoce la fecha.

Sitio oficial | Chimp Spanner

Era uno de los lanzamientos previstos para este 2012 que con más ganas esperaba, más aún tras escuchar ‘The Gravedigger’s Song‘ como adelanto y de enterarme que esta vez flirteaba con la electrónica y hasta se volvía discotequero en alguno de los temas. Con el disco sonando una y otra vez desde hace varios días puedo decir que no ha conseguido dejarme la más mínima huella, que ni siquiera su impresionante voz me parece que esté aprovechada al máximo esta vez y que me siento bastante decepcionado. Y sí, el adelanto era lo mejor.

Su propio funeral

También se parece a Waits en el sentido de que los fans de ambos les siguen con una fe ciega que les impide criticarlos. Seguramente pocos reconocerán que esta vez se ha equivocado, que ha intentando picotear de tantos estilos que se ha perdido y que ha dejado de ser el Mark Lanegan con esa voz que te destrozaba por dentro y que todos esperábamos. Afortunadamente el blues sigue muy vivo pero no lo busques aquí, esto, más bien, podría ser su propio funeral.

Lo peor de todo es que el disco suena viejo, que utiliza clichés utilizados hasta la saciedad con pasajes más cercanos al AOR o a bandas como U2 a la que recuerda muchísimo ‘Harborview Hospital‘ y eso es algo que nunca nos podríamos esperar de Lanegan, ¿donde está esa mala leche?, ¿y todas esas colaboraciones de lujo que prometía el disco? Apariciones fantasmas.

Una buena voz no es suficiente para salvar un disco

Por lo menos con este disco nos ha dejado bien claro que la electrónica no es lo suyo, siempre que siga utilizándola de forma tan sencilla como en ‘Ode to Sad Disco‘ que solo puede ser entendida como un homenaje a los Erasure más ochenteros. Nunca antes habíamos visto a Mark Lanegan meando tan fuera de tiesto, ni tan siquiera en ninguna de sus múltiples colaboraciones con otras bandas y músicos de las que siempre ha salido con la cabeza bien alta. Lo de hacernos bailar mejor se lo dejamos a otros.

Nos encontramos aburridos y repetitivos salmos como ‘Bleeding Muddy Water‘, ‘St Louis Elegy‘ y ‘Leviathan‘ y sigo sin entender por qué ni siquiera en este tipo de composiciones downtempo más cercanas a su estilo consigue emocionar esta vez. Incluso lo intenta a lo Johnny Cash en ese engendro llamado ‘Deep Black Vanishing Train‘ pasando por alto el detalle de que Johnny Cash es Johnny Cash y nadie más le puede imitar.

Hay un par de temas que se pueden rescatar y que funcionarían muy bien como futuros singles, la enérgica ‘Riot in My House‘ en la que parece poseído por el espíritu de Iggy y los Stooges y ese ‘Quiver Syndrome‘ que a base de afilados riffs, sintes y coros femeninos se convierte en el segundo tema con más fuerza del disco.

El resto se queda en una serie de cantos con poca chicha y la sensación de que lo podía haber hecho mucho mejor. Al fin y al cabo creo que no hay nadie que disfrute en un funeral y al final lo que todos estamos esperando es que ese mal trago termine y poder irnos a casa, olvidarlo y recordar al difunto en sus mejores momentos de vida. Los de Mark Lanegan definitivamente no están aquí.

Blues Funeral, tracklist

01. The Gravedigger’s Song
02. Bleeding Muddy Water
03. Gray Goes Black
04. St Louis Elegy
05. Riot In My House
06. Ode To Sad Disco
07. Phantasmagoria Blues
08. Quiver Syndrome
09. Harborview Hospital
10. Leviathan
11. Deep Black Vanishing Train
11. Tiny Grain Of Truth

Web Oficial | Mark Lanegan Band
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Se esperaba para este 2012 un nuevo disco de Richard Hawley y el crooner británico no ha faltado a la cita. La continuación de Truelove’s Gutter se llamará Standing at Sky’s Edge y saldrá el 7 de mayo vía Parlophone, el mismo sello con el que debutaron The Beatles.

El de Sheffield ha confirmado a NME que su séptimo álbum de estudio será distinto a las anteriores entregas, alejado de los sonidos grandiosos a que estábamos acostumbrados. Hawley quiere volver a lo básico y así lo ha contado:

Quería alejarme de la orquestación de mis discos anteriores y realizar un álbum en directo con dos guitarras, bajo, batería y ruidos de cohetes

Richard Hawley, que colaboró con Artic Monkeys en ese ‘jitazo’ titulado ‘You and I’, ha confirmado que presentará el disco en un solo concierto en Londres y que será cabeza de cartel en junio del primer No Direction Home Festival. Este evento, hermano del End of The Road, se celebrá entre el 8 y 10 de junio en Welbeck Abbey (Nottinghamshire) y ya está confirmada la presencia de Andrew Bird, Dirty Three, Gruff Rhys, The Low Anthem y Slow Club.

El tracklist de Standing at The Sky’s Edge será el siguiente:

• She Brings The Sunlight
• Standing At The Sky’s Edge
• Time Will Bring You Winter
• Down In The Woods
• Seek It
• Don’t Stare At The Sun
• The Wood Collier’s Grave
• Leave Your Body Behind You
• Before

Vía | NME
Vídeo | YouTube
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Spinetta, para los argentinos, es un ser único, irrepetible, un poco Lennon, un poco Borges. Un poco tango, un poco rock. Faro que iluminó nuestra música y a nuestros musicos. No hay músico en Argentina que no lo admire, por su arte, por su universo propio, y por su actitud y sincera inteligencia. Dream is over…

Esas eran las palabras que escribió esta mañana Pablo Lato, músico de Quilmes (Buenos Aires) afincado en Gijón y bajista de Enfadados, en su perfil de Facebook a propósito de la muerte de Luis Alberto Spinetta, poeta del rock argentino. No pudo superar el cáncer de pulmón que padecía desde el pasado año y que se agravó tras someterse en enero a una intervención quirúrgica causada una perforación intestinal.

Spinetta había nacido en la capital argentina un 23 de enero de 1950. Hijo de un cantante aficionado de tangos, desde muy joven sintió la vocación musical y se convirtió en uno de los pilares del rock de aquel país. Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Spinetta Jade o su fructífera etapa como solista, en la que grabó discos tan importantes como Téster de violencia, Don Lucero o Pelusón of milk, son suficiente haber como para estar en los altares del rock mucho antes de dejar este mundo.

A Luis Alberto Spinetta, que en paz descanse, le recordamos con cinco temas de su fructífera discografía:

1. Almendra – Muchacha (Ojos de papel)

Spinetta formó en 1967 Almendra, formación que compartió con Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García y al que se le tiene por pilar fundacional del rock argentino. Su debut, publicado en diciembre de 1969, está considerado como uno de los cinco mejores discos rock de aquel país. Este tema, un himno indiscutible, sigue siendo un clásico junto a ‘Ana no duerme’ o ‘Plegaria para un niño dormido’.

2. Pescado Rabioso – Serpiente (Viaja por la sal)

Luis Alberto Spinetta se embarco en el proyecto Pescado Rabioso tras la publicación en 1971 de su debut como solista, Spinettalandia y sus amigos. Acompalado de Osvaldo ‘Bocón’ Frascino, Black Amaya y Carlos Cutaia, firmó varios discos que hoy son muy valorados: Desatormentándonos (1972), Pescado 2 (1973) y Artaud (1973), aunque este fue una obra solo de El Flaco con algunos invitados ilustres como Del Guercio y García, ex componentes de Almendra. Pescado Rabioso fue una banda de blues rock con un buen toque progresivo, que hoy todavía merece la pena desempolvar y llevarse alguna sorpresa.

3. Invisible – Durazno sangrando

El inquieto Spinetta ya tenía a finales de 1973 un nuevo grupo: Invisible. Esta formación de trío con Machi y Pomo, es decir, Carlos Alberto Rufino y Héctor Lorenzo, firmaron tres discos muy interesantes: Invisible (1974), Durazno sangrando (1975) y El jardín de los presentes (1976). Del segundo he elegido este poético corte que le daba título y que mostraba la calidad como escritor del artista.

4. Spinetta Jade – Alma de diamante

Tras la disolución de Invisible, el hiperactivo músico formó Spinetta Jade, donde se quedó como él Héctor ‘Pomo’ Lorenzo y en cuya primera formación estaba Lito Vitale. Grabaron cuatro álbumes y este tema fue el que dió titulo al primero. El propio Spinetta explicaba el significado de este tema: “por más que el mundo aparentemente se destruya la luz de la paz y del hombre internamente sigue brillando. Por más que el sol se oscurezca somos alma de diamante”.

5. Spinetta – Seguir viviendo sin tu amor

La carrera en solitario de Luis Alberto Spinetta, que compatibilizó con otros proyectos, dio como fruto un ingente número de discos y una cantidad de buenas canciones imposible de reproducir: ‘El mono tremendo’, ‘Fina ropa blanca’, ‘Canción para los días de la vida’ o ésta que he elegido del álbum Pelusón of milk (1991) en una versión en directo en el Quilmes Rock. Se nos ha ido un grande y esta vez no es una exageración.

Sitio oficial | Luis Alberto Spinetta
Vídeo | YouTube

En el, a veces criticado, mundillo de los premios y galardones (musicales o no), los Grammy tienen bastante prestigio, aunque la credibilidad de sus premios venga coartada por el hecho de ser la industria premiándose a sí misma.

Lo que no podemos reprochar prácticamente de ninguna manera, es la ceremonia de entrega de los premios, en la que la organización nos premia a nosotros, los espectadores, con actuaciones impensables en ningún otro marco.

Y, en su carrera por superarse, este año, la ceremonia de entrega no iba a ser menos, teniendo previstas jugosas colaboraciones sobre el escenario para la noche del domingo, día 12.

Porque, en muchos casos, conocemos colaboraciones de artistas en el estudio, que resultan en temas que se incluyen en sus álbumes o singles, pero esto suele ser más difícil de ver en vivo, ya que los calendarios de los colaboradores no se prestan a complicadas intersecciones.

Por eso, galas como la de los Grammy tienen su mayor interés en poner bajo el mismo techo (o carpa) a lo más granado de la industria artística de turno, pero, en el caso de la industria musical, ello facilita que, en un momento dado, algunos de los invitados que se sientan entre el público puedan subir al escenario y ofrecernos una actuación única y posiblemente irrepetible, junto a algún otro de los que se sientan en las butacas de la sala.

Así por ejemplo, todos conocemos ya el ‘Princess Of China’ de Coldplay, que Chris Martin y sus chicos interpretan junto a Rihanna, pero ¿cuántos han podido ver esa actuación en vivo? Muy pocos o ninguno, ¿no? Pues bien, los que hayan sido invitados a la ceremonia de los Grammys de este 2012 y los que la sigáis de una u otra forma, podréis verles actuar juntos, sobre el mismo escenario.

Por otro lado, David Guetta sigue escalando posiciones en el mundo de la música en general, así que también ha sido invitado a subirse al escenario el domingo; y sí, lo hará acompañado, en su caso por Lil Wayne y Chris Brown. Otra colaboración deseable para muchos, pero poco llamativa puesto que el francés ya ha colaborado con ambos americanos, aunque en este caso, el interés posiblemente radique en ver a los 3 juntos.

Más interesante se presentaría el ver a The Beach Boys, a todos ellos, reunidos de nuevo sobre un escenario. Los más clásicos del lugar ya lo agradecerían así, sin más, pero para despertar el interés de las nuevas generaciones, qué mejor que añadir al pastel un poco de Foster The People, una banda que no parece desentonar demasiado con el estilo los Wilson y compañía. Pero, si además añadimos a los Maroon 5 como nota disonante, la actuación si que se presenta, como mínimo llamativa.

Y aún hay más, ya que, si estas uniones escénicas no son suficientes para que estéis pendientes de la ceremonia, a ver qué os parecería, en el marco del homenaje que los Grammy quieren rendir este año a la electrónica, ver en el mismo escenario, juntos a Deadmau5 y a los Foo Fighters. Una colaboración a todas luces inimaginable, si no fuera por el remix sobre ‘Rope’ que ya conocemos del canadiense, o por la continua lucha por la atención del público que ambos proyectos han mantenido este verano, durante la temporada de festivales, a base de solapamientos de horarios. En este caso, los que simultanean admiración por Dave Grohl y su banda y por el DJ de la máscara ratonil, no tendrán que hacer cábalas con el reloj para saber a cual de los dos van a ver actuar; aquí verán a ambos sin problema alguno.

Así que, si en otras ocasiones la gala de entrega de los Grammy ha sido bastante interesante, al menos en el aspecto de las actuaciones que allí se han podido ver; este año no se quedan atrás y pintan incluso mejor. Habrá que intentar dormir poco y estar atentos en la noche del domingo al lunes para poder contaros lo que ocurra en el Staples Center de Los Angeles durante esta 54º Edición de los premios más famosos de la música.

En Hipersónica | Los Grammy 2011, muy repartidos: Lady Antebellum, Lady Gaga y Arcade Fire
Vía | Rolling Stone | Consequence Of Sound

Las dos partes de Angels of Darkness, Demons of Light deberían haber salido en una misma entrega, pero Southern Lord, el sello de Earth, se empeñó en dividirlo en dos partes y faltó a la promesa que le había hecho a Dylan Carlson de demorar su publicación poco más de medio año. Error tras error.

Pero no fue posible, hemos tenido que esperar al día de los Enamorados o San Valentín, 14 de febrero, para poder tener esta segunda parte que es todo menos romántica, luminosa, optimista y cálida, y que como la primera, y The Bees Made Honey in The Lion’s Skull, debemos quitarle la etiqueta de metal y sustuirla por la de rock.

Angels of Darkness, Demons of Light 2, una experiencia sónica

Bienvenidos al nuevo drone, en efecto, porque Earth en su última reencarnación se han alejado en demasía de lo que nos ofrecieron en Earth 2. Y eso no es bueno ni malo sino distinto, otra manera de entender el doom y drome manteniendo las estructuras sencillas en esos temas larguísimos en los que nos encontramos riffs repetidos ad infinitum, pero ahora con un tono medicinal, catártico, intentando hechizar al oyente.

Los cinco nuevos temas, que serían diez si los sumamos a los de Angels of Darkness, Demons of Light I, tiene mucho de free, de improvisación, como de música que fluye y no sabemos donde va a terminar. Esa es la impresión que tenemos al escuchar este material que empieza por ‘Sigil of Brass’, un corte simplísimo de tres minutos y medio que pivota sobre apenas un acorde.

Sobre un riff de Carlson se comienza a edificar ‘On His Teeth Did Brightly Shine’, un tema de raíz folkie de nueve minutos, reposado y descarnado, con aroma nocturno, que al escucharlo parece que estamos en un terreno inhóspito alejado de la civilización, en pleno invierno rodeado de nieve y naturaleza salvaje.

‘Waltz (A Multiplicity of Doors)’ es mucho más oscuro, profundísimo con esa combinación de platos de la batería tocados a la manera jazz por Adrienne Davies y el cello de Lori Goldston (recordad que estuvo en el MTV Unplugged in New York de Nirvana), abrasivo, cincelando el nuevo drone, mientras que la guitarra solo subraya el ambiente.

‘The Corascene Dog’ es más contempativa con toda la banda explorando texturas, creando pasajes muy bellos y también deprimentes o, si lo preferís, aptos para la meditación. Cualquier parecido con los tiempos pasados lo tenemos simplemente en el recuerdo.

Los casi doce minutos de ‘The Rakehell’ es un poco la conclusión de esta segunda parte. Los instrumentos caminando por libre al amparo de los riffs plúmneos de Dylan Carlson, tocado todo casi sin inmutarse, no sin desdén, pero da la impresión que a la banda se le exige un mayor esfuerzo para generar esta paz interior que uno tiene tras escuchar el álbum, que más que un disco es una experiencia sónica.

Tracklist de Angels of Darkness, Demons of Light II de Earth

• 1. Sigil of Brass
• 2. His Teeth Did Brightly Shine
• 3. Waltz (A Multiplicity of Doors)
• 4. The Corascene Dog
• 5. The Rakehell

Sitio oficial | Earth
Más en Hipersónica | Earth – Angels of Darkness, Demons of Light I: bienvenidos al nuevo drone, Earth ya tienen fecha para la publicación de Angels of Darkness, Demons of Light II: ¡ya era hora!