Lo mejor de Hipersonica

Random Access Memories: primeras impresiones de lo nuevo de Daft Punk

Visnuh — Mon, 13 May 2013 21:43:44 +0000

Llega el momento. Todo este tiempo, toda esta intriga que ellos mismos han avalado con su silencio, ha de verse por fin interrumpida y rota ahora que, ¡por fin! Daft Punk se han dignado a autofiltrar su cuarto trabajo de estudio, Random Access Memories.

En estos últimos dos meses se nos ha estado profetizando una revolución en la música electrónica; una reencarnación del dios del funky en la pareja robótica que se esconde tras los misteriosos cascos que todos conocemos.

...Like Clockwork: primeras impresiones de lo nuevo de Queens Of The Stone Age

Gabihey — Wed, 15 May 2013 18:13:09 +0000

Era de esperar, tras semanas a casi canción y vídeo por día, el esperadísimo nuevo de trabajo de Queens Of The Stone Age, …Like Clockwork se ha filtrado esta misma tarde, y en calidad inmejorable, -¿autofiltración? – en nuestros barcos piratas favoritos de la red.

Recapitulemos un poco antes de entrar en harina. Primero, los desérticos se encargaron de ponernos los dientes largos con la lista de colaboraciones de su primer trabajo en cinco años. Después vino la presentación de la nueva formación (Josh Homme, Troy Van Leeuwen, Dean Fertita y Michael Shuman) y de ‘My God Is The Sun‘ en el Lolapalooza brasileño. Más tarde vendría la presentación de ‘I Appear Mising’ y la autofiltración de ‘I Sat By The Ocean’ y ‘If I Had A Tail’. Por último, si hace unos días nos quedábamos prendados de ‘Kalopsia’; la actuación de QOTSA para la emisora belga Studio Brussell, nos dejaría el imponente tema con el que se abre el disco y del que os hablaba hoy mismo Black_Gallego, ‘Keep Your Eyes Peeled’.

Las conclusión a día de hoy y antes de darle al play es muy clara: expectativas por la estratosfera. En cierto modo es lógico. Estamos hablando de uno de los bastiones del stoner rock de EE.UU, estamos hablando de Josh Homme y estamos hablando de un parón de cinco años tras un Era Vulgaris de lo más descafeinado. Aún así, lo dicho, estamos hablando de un grupo que ha firmado cosas como Songs for the Deaf: #RESPECT.

Ha llegado el momento, cerremos los ojos, ajustemos los auriculares y preparémonos para uno de los discos del año o una de las decepciones de la temporada. Y es que, las medias tintas no son para el desert rock. PLAY.

‘Keep Your Eyes Peeled’

“Hola, somos Queens Of The Stone Age y por si no nos conoces, esto es lo que hacemos”, parece decir el increíble tema que abre el disco. Ese sonido pesado a más no poder, esa línea de bajo llevando el peso de la canción, esas rupturas de guitarra y batería (en este caso, a cargo de Joey Castillo). Si la RAE registra alguna vez el concepto “palotismo” en el diccionario, debería empezar por ‘Keep Your Eyes Peeled’. Una manera inmejorable de abrir una vuelta tras un lapso de cinco años y que además, violoncello mediante (¡!), engancha a la perfección con el tema que le sigue. No se puede pedir más.

‘I Sat By The Ocean’

Un poco de la misma manera que ‘Millionare’ y ‘No One Knows’, ‘Keep Your Eyes Peeled’ y ‘I Sat By The Ocean’ funcionan estupendamente en pareja. Se trata de la melodía que viene después del golpetazo, de esas preciosas líneas de guitarra a cargo de Josh Homme que vienen tras la bestialidad rítmica del bajo más stoner. Y todo eso, sin perder el ritmo machacón característico de su robot rock salvo en los también clásicos puentes made in QOTSA. Otra delicia de tema para lucimiento del líder del indiscutible front man de californianos.

‘The Vampyre Of Time And Memory’

Y la bizarrada tardó solo dos temas en aparecer. Me refiero al synth clavado que acompaña al piano que abre ‘The Vampire Of Time And Memory’ un tema por otra parte de lo más blues. Si no de qué, ese solazo de guitarra en el 1:20. Se trata de una canción atípica para Homme y los suyos, una balada de rock clásico con tintes, efectivamente, blues, que de algun modo responde a la pregunta de qué hubiera pasado si… Led Zeppelin hubiesen hecho robot rock.

‘If I Had A Tail’

No me lo explico. Este tema con importantes tintes glam en el que colaboran Alex Turner, Nick Olivieri (esos coros de ultratumba) y Brody Dalle a mí me suena irremediablemente a los NIN de Pretty Hate Machine. Y no, por aquí se supone que no ha pasado Reznor. En fin, el caso es que pese a ser un tema que inicialmente no gustó nada a mi compañero Chico Del Plexiglás, a mí me encanta. Y es que, por lo que a mí respecta, los QOTSA de Lullabies to Paralyze, los QOTSA más accesibles e incluso bailables, los de las palmas fáciles en concierto, son tan buenos o más como los QOTSA de Rated R.

‘My God Is The Sun’

Y aquí está, el motivo que todos estábamos esperando para marcar bien en rojo el 18 de julio, fecha del único concierto programado de Queens Of The Stone Age. Un verdadero pepinazo, carne de directo, con todas esas líneas de guitarra entremezcladas y esa maravilla de batería a cargo de Dave Grohl. Grohl, que está nada más y nada menos que al mando de las baquetas en seis de los diez temas (todos excepto ‘Keep Your Eyes Peeled‘, ‘I Sat By The Ocean‘, ‘‘Kalopsia’‘ y ‘…Like Clockwork‘) se luce en lo que mejor sabe hacer, esos golpes rítmicos de caja y tambor que cortan el estribillo en, sin duda, uno de los mejores temas del álbum.

‘Kalopsia’

Ahora sí. El tema en colaboración con Trent Reznor no nos puede gustar más. Y digo nos, porque si a Chico de Plexiglás le gustó, a mí lo cierto es que me ha ganado con cada escucha. Se trata de un tema de lo menos QOTSA, pero que al mismo tiempo abre una interesantísima vía de evolución para el grupo antes inexploradas. Se trata de un tema con importante influencia psy, envuelto en una atmósfera made in Reznor de lo más oscura, que acaba por romper hacia al final con unas líneas rítmicas y de guitarra que terminan por balancearse y cerrarse sobre sí mismas. Una verdadera joya.

‘Fairweather Friends’

Tenía que haber un pero. Estaba claro. Es escuchar la primera estrofa y echarse las manos a la cabeza. Parecía imposible, pero Elton John ha conseguido fagocitar no solo a Josh Homme, sino a Trent Reznor, a Nick Olvieri y a Mark Lanegan que también colaboran en el tema. Queens Of The Stone Age haciendo rock estadio, señores, ver para creer. Ni unas guitarras aceptables salvan el desaguisado de ese piano tan cansino y esos coros que se tropiezan una y otra vez los unos con los otros. ¿La parte positiva? La primicia de saber que ‘Fairweather Friends’ será firme candidata a sonar en el autobús del Bayern cuando Guardiola anime a los suyos.

‘Smooth Sailing’

Pero tranquilos todos. La cosa parece que remonta y de nuevo con el toque glam. ¿Eso que suena es Prince cantando en un disco de QOTSA? Pues parece que sí, y ni tan mal. Lo cierto es que para una fan fatal de temas como ‘You’ve got a killer a scene there man’, ‘Smooth Sailing’ supone un acelere y puesta a punto de una de las cosas que mejor saben hacer Josh Homme y los suyos: temas con alto contenido sexual. Y es que un disco de QOTSA sin su particular ‘Auto-Pilot’ no es un disco de QOTSA.

‘I appear Missing’

Otra sorpresa. Esta vez para bien. Se trata del adelanto que menos gustó por aquí y sin embargo, lo bien que queda en el disco. Llega de una manera lógica, como un tema de transición hacia un final anunciado. Recupera ese típico riff horror vacuii de los QOTSA de Era Vulgaris, pero lo hace con dignidad, asumiendo su papel refrescante en el conjunto del disco. Todo un acierto. Incluyendo – inexplicablemente – esa última aparición del espíritu de Prince hacia el final.

‘Like Clockwork’

Y final. Josh Homme vuelve a echar mano del piano y del falsete más agudo en el imponente tema que cierra el disco. Un tiempo lento en el que se recoge un poco de esa atmósfera psy de ‘Kalopsia’ y al mismo tiempo se revisa el toque blues de ‘The Vampyre Of Time And Memory’. Soprenden agradablemente esas cuerdas en el crescendo hacia la mitad del tema y que el clasicismo y el toquecito viejoven suene ~~esta vez sí~~ realmente bien. Sin duda, una manera soberbia de cerrar un álbum que, a primera escucha, se siente alucinante.

Like Clockwork en Hipersónica

'Get Lucky': hasta las cabras quieren tener suerte

Visnuh — Fri, 17 May 2013 13:04:42 +0000

Mientras os ofrecemos una verdadera crítica al Random Access Memories (os recordamos que, por ahora lo que os hemos dado ha sido sólo un “primeras impresiones”, no creáis que la maquina se ha parado con la filtración del cuarto álbum de Daft Punk.

Así, con el “Get Leaky” del dúo galo, sólo se ha conseguido que la cosa explote, floreciendo por aquí y por allá (que para eso estamos en el mes de las flores, ¿no?, versiones, reinterpretaciones, remixes y vergüenzas ajenas varias. Es hora de echar un vistazo a lo más llamativo que hemos encontrado… por ahora.

Vampire Weekend - Modern Vampires of the City: cuando todo sale bien

Poliptoton — Tue, 14 May 2013 10:52:11 +0000

Siempre me ha hecho gracia que uno de los recursos que con más frecuencia emplean los detractores de Vampire Weekend para desacreditarlos (y que, supongo, quizá volverá a aparecer ahora a propósito de este Modern Vampires of the City) sea tacharlos de “niños pijos”, como quien despacha con displicencia algún artefacto reciente de la Sofia Coppola más relamida. Me hace gracia porque a mí es precisamente lo que más me gusta de ellos, lo que creo que les da a su música exactamente el tono que necesita y que, de hecho, pide a gritos. Yo fui de los que los despreció en un principio (“ya verás cómo de éstos no se acuerda nadie en tres meses” y demás profecías de garrafón) ahuyentado por aquella batidora indigesta del afro-indie con la que tantos goles nos colaron y por determinados ramalazos (ver: ska) que no acababa de ver claros en ese contexto. Cuando llegó Contra sí sentí que habían afinado la puntería mucho más y ahora en este tercer trabajo los veo definitivamente cómodos, finalmente desacomplejados de sufrir con sus dilemas pequeñoburgueses: no sólo es que esto es lo que hay, sino que esto es lo que mejor le sienta a las canciones.

Vampire Weekend te llevan al huerto

Porque la música de Vampire Weekend siempre ha tenido mucho de suspiro, de fragilidad, de estructuras delicadas que pueden quebrarse a la mínima. De castillo de naipes, vamos. ¿Y habéis intentado alguna vez levantar un castillo de naipes? Yo un par de veces, con resultados desastrosos obviamente. Porque hace falta técnica, sí, y talento (también), pero también echarle algo de morro. Saber lo que quieres hacer y simplemente hacerlo. Coged por ejemplo ‘Ya Hey‘, décimo corte del disco y una de las pistas que nos han ido dejando estas últimas semanas a modo de sendero de migas de pan para llevarnos a su guarida. Pues es una balada con estribillo de voces pitufadas y ecos reggae donde Ezra le echa la bronca a Dios por sus errores y su arrogancia. Ojo al concepto, porque tiene narices la cosa. Pero joder, es que funciona, funciona hasta el punto de redondear una pieza de orfebrería pop sencillamente perfecta. Llévame por donde quieras, pero llévame. De eso se trata.

Por eso funciona tan bien este Modern Vampires of the City, por esa sensación de paso al frente, de seguridad absoluta en sí mismo que transmite un grupo que ha decidido sacrificar algunas cosas (levantar algo el pie del acelerador, por ejemplo) para ir, caiga quien caiga, a por lo que ellos quieren. Ahí está también el vídeo que han sacado para ‘Step‘, el otro baladón del conjunto, que lleva el concepto del “lyric vídeo” al extremo: letras en primerísimo primer plano, para bien y para mal, y que nos acusen si quieren de autocomplacencia o de soltar una ensalada de referencias culturales en cuanto el oyente se descuida medio segundo. Eso, repetimos, es lo que hay: un peligroso juego en el filo de la navaja, siempre al borde del ridículo, pero que si te sale bien, te sale muy bien. Y Vampire Weekend arriesgan tanto que les acaba saliendo todo bien.

Les encanta que los planes salgan bien

Les sale bien ese comienzo plácido de ‘Obvious Bicycle‘, evocador pero algo pesimista. También el rollo naíf (“I know I love you / And you love the sea / Wonder if the water contains / a little drop little drop for me”) con final pseudoépico de ‘Unbelievers‘, el juego de disfraces con Paul Simon de ‘Everlasting Arms‘ o la pluscuamperfecta ‘Hannah Hunt‘, que tiene ese comienzo casi susurrado con piano tranquilote que huele a canción de transición pero acaba estallando tímidamente en lo que iba a ser cabreo y se queda en pataleta de pura impotencia (“If I can’t trust you then damn it, Hannah, / There’s no future, there’s no answer”).

Les sale bien incluso ‘Hudson‘, el ejercicio más oscuro que se han autoimpuesto en sus tres trabajos y que sobrevive airoso a una propuesta fatalista en la que en cualquier momento crees que vas a ver a Helena Bonham-Carter en camisón y con una vela en la mano bajando a un sótano (de nuevo esa frontera de lo ridículo salvada con precisión). Y por supuesto, les sale extremadamente bien la locurita de ‘Diane Young‘, esa voladura controlada de una estructura rockabilly que queda irreconocible a su paso desmadrándose lo justo y dejando con ganas de más. Y si hay que quemar coches, que sean Saabs: que se note que aquí hay nivel.

Modern Vampires of the City es exactamente lo que deja intuir su portada: es blanco y negro y es Nueva York, por ese orden. Es un viaje tranquilo, con un melancólico punto de nostalgia que nunca acaba degenerando en melodrama, que te lleva desde la esquina de la 103 con Broadway hasta un paseo junto al río con un aire de tristeza no demasiado explicable. Desde una aparente (y muy estudiada) liviandad, deja escapar preocupaciones por la fe, por el paso del tiempo, por el futuro incierto y hasta por la muerte. Dramitas ridículos, claro, pero los suyos, y que nos cuentan como los perciben, con envoltorios juguetones e irresistibles, siguiendo una línea que quizá no sea necesariamente la más recta, pero siempre estará trazada con precisión. Un disco de ésos tan transparentemente buenos que casi te hacen desconfiar, hasta que te das cuenta de que simplemente no hay motivos para hacerlo.

Right Thoughts, Right Words, Right Action será el título del nuevo disco de Franz Ferdinand

Poliptoton — Thu, 16 May 2013 13:47:28 +0000

Sabíamos que Franz Ferdinand estaban grabando nuevo material, pero no teníamos muchas más noticias sobre ellos y su futuro y la cuestión es que ya han pasado más de cuatro años desde la edicion de su último trabajo hasta la fecha, Tonight, el cual por cierto yo defiendo firmemente (y esto me hace inmensamente popular en la redacción de Hipersónica, como podéis imaginar). Bueno, pues su sello Domino acaba de hacer públicos los primeros detalles del nuevo disco: se llamará Right Thoughts, Right Words, Right Action, ha sido grabado entre Londres, Estocolmo, Oslo y el estudio de Alex Kapranos en Glasgow y saldrá a la venta el próximo 27 de agosto.

Poco cuentan, eso sí, acerca del sonido de este nuevo trabajo y parece que habrá que esperar para ver si continúa por la senda electrónica à la DFA de su anterior entrega, vuelve a las guitarras rápidas y los estribillos o tira por la calle de en medio. El grupo ha lanzado un breve trailer que incluye apenas unos segundos de un tema que da título al disco y en el que parece adivinarse un regreso al sonido de sus dos primeras referencias. Pero en fin, ‘Ulysses‘ tuvo bastante de pista falsa, así que habrá que esperar.

El disco saldrá a la venta en multitud de formatos, desde el CD y el vinilo sencillos a una Deluxe Passport Edition que incluirá dos canciones adicionales, y se compondrá de diez canciones. Éste es el tracklist confirmado:

Right Action
Evil Eye
Love Illumination
Stand On The Horizon
Fresh Strawberries
Bullet
Treason! Animals.
The Universe Expanded
Brief Encounters
Goodbye Lovers & Friends

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Cuatro discos de los que nadie habla que merece la pena tener en cuenta

Chico de plexiglás — Thu, 16 May 2013 04:21:16 +0000

Tantos son los discos que se publican todos los meses que es imposible, aun teniendo un sistema de expurgo, poder escuchar todo lo que realmente nos interesa. Y al final nos quedamos con los álbumes de los de siempre, haciendo que el círculo se acorte y todo lo que se salga de ahí es algo de lo que no queremos saber nada. Hay discos que te llegan de rebote y sin tener ninguna referencia acabas por meterlos en la mochila y prestarles la atención que quizás en otras circunstancias no tendrían. Entre un sinfín de aspirantes hoy os voy a recomendar cuatro discos de los que nadie habla y que merece la pena tener en cuenta.

The Bad Plus – Made Possible

The Bad Plus es un trío fundado en Minessota por el bajista Reid Anderson, el pianista Ethan Iverson y el batería David King. Made Possible (Universal es su octavo álbum de estudio y para su grabación decidieron alejarse de su ecosistema, volando a Nuwva York, a los estudios The Clubhouse con Pete Rende como ingeniero de sonido. Incluye ocho temas propios y una versión de ‘Victoria’, de Paul Motian.

Para entender a este trío hay que tener en cuenta su formación clásica que han diversificado hacia terrenos ajenos al jazz convencional o al free jazz, sea rock, pop o new wave. Han versionado entre otros a Bowie, Pixies, Neil Youg, Radiohead, Tears For Fears y Nirvana, y por ello su música instrumental se ha enriquecido alejándose escurridizamente de lo que se podía esperar de ellos.

Made Possible supone un paso adelante de The Bad Plus para desmarcarse de sus anteriores entregas. Utilizan bases de sintetizadores y batería electrónica que suman a su paleta acústica. Es un trío de piano, bajo y batería, sí, pero en él encontramos como ellos bien dicen himnos de pulso acelerado, melancolía a raudales, atrevidas yustaposiciones, contorsiones plenas de ritmo y un sentido magistral de cada tema. Para empezar a disfutarlos, ¿qué te parece el cadencioso ritmo de ‘Pound to Pound’?

MF/MB – Colossus

MF/MB son de Bollnäs, una ciudad en el centro de Suecia, en la que crecieron este joven quinteto que debutó, ya con base en Malmö, en 2010 con Folded. Con este disco se les relacionó con LCD Soundsystem o The Rapture, y pudieron meter incluso un tema en la serie CSI:NY. Pero Colossus (Adrian Recordings) es un nuevo comienzo para una banda que navega entre el kraut-rock, el electro-pop de New Order o una onda de rock oscuro pero muy bailable como el de ‘The Worst Dreams’, segundo single del álbum.

Hasta hay quien los sitúa en un imposible cruce de caminos entre Arcade Fire y The Gaslight Anthem, aunque ahí mismo también estarían Titus Andronicus. Aunque cualquiera podrá encontrar en esa y en el primer sencillo del álbum, ‘Casualties’, referencias que ellos en ningún momento han escondido.

Como curiosidad, antes de la salida de Colossus MF/MB editaron Colossus Premixed, un disco de remzclas, toda una estrategia para situar al quinteto en la pista de baile.

V.O. – On Rapids

V.O. es una formación de indie pop de libro. Vienen de Bruselas y al frente de esta banda esta Boris Gronemberger, colaborador habitual en el pasado de la cantante Françoiz Breut. On Rapids (Humpty Dumpty-Matamore) es el tercer álbum de estudio de esta banda en la que también milita Aurélie Muller, ex vocalista de Soy Un Caballo.

El disco tiene un barniz inconfundiblemente familiar pues ha estado grabado y mezclado por John McEntire (Tortoise) en su estudio Soma de Chicago. When You See Red es el tema de presentación de este sexteto que elabora una música pop bella y luminosa pero también nostálgica.

En On Rapids hay toques de viento-metal, baterías que subrayan las melodías vocales y un sentimiento jazzie representado en ese single. Lo mejor está en la primera mitad del álbum que funciona mejor cuando las canciones son en inglés.

UltraRouge – UltraRouge

UltraRouge es el proyecto de Thalia Be, ex cantante de los malagueños Addictive Larsen, quien se ha unido a Mr. Conde (Santos de Goma) para crear estos doce temas en francés e inglés biselados sobre un rock que mira al electro o al pop francés. Ella misma lo ha llamado electrochic: “base electrónica, pero mucha guitarra, mucho rock & roll, violines reales, canciones garageras, temas muy de torch girl”.

Thalia B ejerce de femme fatale, de na PJ Harvey hibridada con Brigitte Bardot y Patti Smith. UltraRouge apuntan maneras y sea ‘Ma recette’ o ‘Thumbsucker’ los primeros temas a los que hincarle el diento, los casi cincuenta minutos de este debut de título homónimo que llega a través de Green Ufos.

No habrá nuevo disco de Metallica hasta que España no salga de la crisis

Cronopio — Fri, 03 May 2013 06:31:20 +0000

Hay que ver lo que le gustan a Lars Ulrich los dimes y diretes. No contento con ser uno de los responsables de uno de los peores discos que he escuchado en mi vida (también ha grabado uno de los mejores, todo sea dicho), Lars Ulrich se ha hecho famoso por hacer que suba el precio de la hogaza de pan cada vez que abre la boca.

Cuando el prog español estuvo a la altura (IV): el Rock Andaluz, segunda parte

Cronopio — Wed, 08 May 2013 12:31:21 +0000

Hace una semana más o menos me permití la licencia de hacer mi primer cliffhanger en Hipersónica, haciendo un punto y seguido en la parte del Rock Andaluz perteneciente a mi especial sobre el Rock Progresivo Español justo antes de empezar a hablar del mejor grupo que nos ha dado el Rock patrio y todos sus coetáneos. Entendiendo que ya habéis sufrido bastante y es probable que en vez de uñas tengáis muñones, aquí estoy para ofreceros lo que estabais esperando.

Adoráis los discos de The Velvet Underground equivocados

Andrés P. Mohorte — Tue, 14 May 2013 14:01:17 +0000

La leyenda supera al disco. Para algunos, 1967 es el año. Antes y después de él no hubo nada mejor en la música pop. Dentro de semejante reputación, juega un papel fundamental el disco debut de The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico (1967, Verve), preñado de un misticismo que aún hoy permanece vivo en la retina de nuestra memoria colectiva. Las personalidades enfrentadas de Cale y Reed, Andy Warhol como mánager y la incómoda aparición de Nico en escena sirvieron de complemento perfecto a la experimentación, el ruido, la provocación y el vanguardismo de un grupo que no encontraba parangón a su alrededor. Aquel es y debería ser el disco de The Velvet Underground. ¿Seguro? No tan rápido. Adoráis los discos de The Velvet Underground equivocados.

Cuando el prog español estuvo a la altura (III): el Rock Andaluz, primera parte

Cronopio — Tue, 30 Apr 2013 11:00:32 +0000

Como lo prometido es deuda, aquí estoy de regreso con la tercera entrega de mi especial sobre el Rock Progresivo español. A modo de recordatorio, en la primera os hablé de las bandas que dieron los primeros pasos, de los pioneros de un género musical que era inmensamente popular fuera de nuestras fronteras pero que en España se enfrentó a mil y un obstáculos. En la segunda dirigí el foco hacia Barcelona y el Rock Laietano, quizás la escena más potente a inicios de los 70. Hoy es el momento de hablar de Andalucía, un escenario quizás menos prolífico que el catalán pero que nos trajo probablemente a la banda más importante que nos ha dado nuestro país, Triana, y uno de los pocos géneros de creación puramente española, el Rock Andaluz.

Neutral Milk Hotel - In The Aeroplane Over The Sea: antes de que arrojen nuestras cenizas al mar

probertoj — Tue, 30 Apr 2013 06:55:14 +0000

No es fácil descubrir discos ni grupos especiales, pero cuando topas con uno es muy sencillo reconocerlos: La sensación mágica de que van pasando los minutos y a cada rato estás más enamorado, la misteriosa atracción de un trozo de plástico, la necesidad de volver sobre tus pasos una y otra vez a la par que el deseo de seguir adentrándote en el misterio de la siguiente canción… Ésas son las sensaciones que muchos tuvimos al escuchar por primera vez In The Aeroplane Over The Sea, segundo LP de Neutral Milk Hotel.

Queens Of The Stone Age nos presentan 'I Appear Missing' y nos dejan desconcertados

Black Gallego — Mon, 06 May 2013 18:21:40 +0000

Vale, Josh Homme, no se a que estás jugando conmigo y con las ingentes cantidades de fans que tienes repartidos alrededor del globo, pero no nos marees ni a mi ni a ellos. Ya llevamos casi seis años sin oír un nuevo disco de Queens Of The Stone Age desde el menos lucido (que no flojo, ojo) y experimental Era Vulgaris, y de repente nos llegaste con un trallazo bajo el brazo como ‘My God Is The Sun‘.

Iggy and the Stooges - Ready to Die: diez motivos para salir huyendo de este disco

Poliptoton — Mon, 06 May 2013 12:30:05 +0000

Querido lector de Hipersónica que valoras tu tiempo: tranquilo, esta reseña está hecha pensando en ti. Si has entrado aquí, es probablemente porque eres más o menos fan de Iggy and The Stooges (en sus diversas denominaciones) y probablemente sólo quieres saber una cosa: ¿es Ready to Die igual de malo que The Weirdness? Bien, pues aquí tienes la respuesta: SÍ. Punto. Es más, no hace falta ni que hagas scroll down para ver la nota que le he dado: es un tres. Venga, ya está, utiliza tu tiempo en algo mejor: en esta misma página estos días, por ejemplo, Cronopio os ha contado la historia del rock andaluz, Black Gallego ha seguido con su particular enciclopedia del metal y Gabihey le ha dado cancha a Daughter, uno de los hypes del momento. Puedes leer alguno de esos artículos, u otros. O coger un libro. O salir a dar una vuelta. Puedes hacer muchas otras cosas.

Si, pese a todo, aún sigues aquí, sea por curiosidad morbosa o por indignación fanática en defensa de lo que tú consideras “un digno retorno” o algún tópico por el estilo, aquí te dejo diez motivos por los cuales debes escapar de este disco como si te fuera en ello la vida. Todo bien resumidito porque, repito, seguro que tienes cosas mejores que hacer con tu tiempo. Yo lo he perdido escuchando este disco, pero no hace falta que tú lo hagas también:

Ready to Die: motivos para huir

1. Es un disco todavía más innecesario. “Recuperan el nombre de Iggy and The Stooges”, dice la nota de prensa, casi como con orgullo. Pues bien, si su regreso de 2007 ya era prescindible, este re-retorno tras la muerte de Ron Asheton recuperando la denominación del grupo en la época Raw Power ya se puede considerar ensañamiento. ¿Sacia las ganas de nuevo material de los fans de la banda? No. ¿Va a conseguirles algún nuevo seguidor? Por supuesto que no. ¿Va a lograr unas ventas destacables? Es más que dudoso. Así pues, teniendo en cuenta que Iggy no necesita excusas para salir de gira y llenar recintos, cabe preguntarse para qué este Ready to Die, cuál era la necesidad.

2. No mejora a The Weirdness. Lo dicho. El regreso de la banda fue unánimemente masacrado hace seis años, así que lo mínimo que cabría esperar sería que al menos este disco lo mejorase. Y no es así. Comparado con cualquiera de las tres primeras referencias de estos tipos, parece simplemente un disco subcontratado.

3. No tiene ni un hit. Asumiendo como casi todos habíamos asumido que probablemente este nuevo trabajo sería tirando a horrible, facturar al menos un single resultón podría redimirlos en parte, pero tampoco es el caso. Busca todo el tiempo que quieras una canción que te apetezca volver a escuchar al terminar: no la encontrarás: el tracklist está lleno de canciones intercambiables, prescindibles, increíblemente fáciles de confundir unas con otras.

4. La voz es para los mariquitas. En términos de virtuosismo vocal, Iggy nunca ha sido Eddie Vedder ni nadie se lo ha pedido, entre otras cosas porque tampoco hacía falta. Pero el estado de las cuerdas vocales de este caballero de 66 años parece peor que nunca y cuando las canciones son malas y uno no tiene otra cosa que hacer que ponerse a sacarles defectos, se nota más. Y, por descontado, intentar disfrazarlo con esos truquitos de producción que ya nos sabemos de memoria desde luego no cuela.

5. Los coritos. ‘Gun‘ suena como una canción marchosilla de un disco en solitario de Paul McCartney. Y por si había alguna duda, ahí están esos coros femeninos que aparecen no sólo en ese corte, sino por todo el disco y a traición. Los coros. Los coritos.

6. La verbena. ‘Sex and Money‘ es de récord, oigan: a los diez segundos ya ha metido un saxo de saldo, unas palmitas y un ‘uh-uh-uh’. Y ojo a la muy sutil ‘DDs‘, que suena como un par de ex miembros de la E Street Band contratados por un cuñado para tocar en un bodorrio. Es el sentimiento que recorre el disco: verbena rockera y decadente.

7. La pitopausia. Iggy, no das miedo, no impresionas, no cuelas como malote. Ya no. Y joder, meter fanfarronadas del palo “estoy listo para morir”, “si tuviera una puta pistola, dispararía a todo el mundo” o letras sobre tetas y cosas por el estilo no van a cambiar eso. A lo mejor va siendo hora de aceptarlo.

8. Las lentas. ¿Alguien tiene algún interés en escuchar “las lentas” de los Stooges? ¿Alguien las ha echado de menos alguna vez en su repertorio? ¿A alguien le importan lo más mínimo? Pues ellos han decidido que sí: nada menos que tres baladas han metido, con Iggy en el papel de crooner de voz cavernosa que no parece asumir que NADIE ha escuchado sus últimos discos en solitario.

9. El viejunismo. El bonus track ‘Dying Breed‘ suena como cuando yo toco una de la Creedence en el Guitar Hero, y no es casualidad: Ready to Die es un disco que hace un ruidito cada vez que se sienta, debatiéndose entre la autoparodia y el cuándo se cena aquí. Rock con artritis y vista cansada.

10. El final. Qué tristísimo epílogo esa infumable ‘The Departed‘, que se pretende algo así como un intento de cerrar el círculo con ese exorcismo del riff de ‘I Wanna Be Your Dog‘ y al final sólo te deja con ganas de gritarles que dejen en paz al cadáver (al de Asheton y al del propio grupo). ‘The Departed’ te ofrece, eso sí, por fin una hipótesis válida sobre el por qué de este disco por el que nos preguntábamos antes: parece que, después de ausentarse en The Weirdness, James Williamson también quería hacer su disco de mierda de los Stooges. Pues si es así, misión cumplida, Jimmy, lo has conseguido. Ahora, todos, un pis y a dormir.

El regreso de Daft Punk

probertoj — Tue, 14 May 2013 07:17:38 +0000

Ya están aquí otra vez. Daft Punk han vuelto. Han necesitado ~~doce~~ ocho años desde su último trabajo en estudio, si no contamos la banda sonora de ‘Tron: Legacy’. Y en Hipersónica les hemos preparado una completa bievenida que os invitamos a repasar:

Editors estrenan 'A Ton of Love': paso a paso hacia la intrascendencia

Cronopio — Tue, 07 May 2013 06:00:06 +0000

Al contrario de lo que muchos os imaginaréis, a mí Editors me gustaban. Me gustaban mucho. De hecho hasta llegué a asistir a uno de sus conciertos en la gira de su primer disco, The Back Room, el cual siempre me ha parecido lo más destacable de esa supuesta revival del Post-Punk que casi lo asola todo a mediados de la década pasada.

Daft Punk: repaso discográfico

Natxo Sobrado — Wed, 15 May 2013 14:01:16 +0000

Daft Punk son un buen caso de estudio respecto a los que les rodea más que a sí mismos, que no dejan de ser un dúo correcto de electrónica con un gran álbum y dos malos, uno muy malo, horrible, sí. Ahora andamos con ellos de vuelta en Random Access Memories (2013, Columbia) y ese estudio mejora aún más puesto que se reabre la polarización entre el culto a cuando alguien considera a un grupo bueno por ser (supuestamente) íntegro a un sonido (que hasta hace dos días le era tan indiferente como una vichyssoise) o denostarlo por venderse al capital y que lo escuche hasta mi abuela en el telediario. Tres álbumes resumen la discografía de Daft Punk y la amplitud de miras de muchos.

Queens Of The Stone Age sacan su vena más macarra en 'Keep Your Eyes Peeled'

Black Gallego — Wed, 15 May 2013 15:11:19 +0000

Parece que Josh Homme y los suyos no se cansan de estar en boca de todo el mundo. Todos los medios van a casi post diario dedicado a hablar de todas las novedades que Queens Of The Stone Age van soltando hasta que llegue la fecha, cada vez más próxima, para que todos podamos echarle el guante al ansiado …Like Clockwork. El 4 de junio está a la vuelta de la esquina, pero se nos hace eterno para poder escuchar al completo un disco del que ya hemos oído más de la mitad de su contenido.

Queens of The Stone Age nos presentan un fragmento de 'Kalopsia': terror muy psicodélico

Chico de plexiglás — Tue, 14 May 2013 19:02:59 +0000

Se lo han montado bien Queens of The Stone Age con la maquinaria promocional del inminente nuevo disco de estudio, …Like Clockwork, que estará en la calle el proximo 4 de junio con su nueva compañía discografíca, Matador Records. Hoy tocaba mostrar un fragmento, a modo de resumen, de su nuevo vídeo, el de tema ‘Kalopsia’, y parece que el grupo norteamericano ha vuelto a dar en el clavo.

Hexvessel - Iron Marsh: ninfas como musas y el bosque como hogar

Cronopio — Thu, 16 May 2013 11:00:51 +0000

Supongo que esto del cambio climático y que hayamos convertido nuestro planeta, nuestra casa, en un lugar inhabitable es algo que os tendrá tan preocupados como a mí. Que nuestros mares se hayan convertido en el verdadero destino de los esputos con los que rebosan nuestras fosas sépticas y que nuestros bosques hayan pasado de ser nuestro abrigo y fuente de alimento al vertedero al que van a parar todos esos embases que fabricamos y desechamos de forma compulsiva, es algo que, supongo, os quitará el sueño. Con la intención de remover conciencias y recordaros que estamos hablando de algo muy serio vienen los finlandeses Hexvessel, siendo los bosques, naturales y sobrenaturales, su principal fuente de inspiración.

El Spotify de Google: Google Play Music All Access

probertoj — Wed, 15 May 2013 15:20:51 +0000

9,99 dólares. Ése es el precio que Google ha anunciado hoy para la cuota mensual de suscriscripción de Google Play Music All Access, el rumoreado ataque de Google a la línea de flotación de Spotify. Streaming con acceso desde los dispositivos móviles y desde la web y con acuerdos con la industria discográfica para que el catálogo no deje de crecer (de momento, 20 millones de canciones, asegura Google).

De momento sólo está disponible en EEUU, aunque si os hicisteis con la cuenta de Google Music en la primera oleada, antes de llegar a España, os aparecerá la oferta de probarlo gratis. A estas horas, mientras todavía se desarrolla la Google I/O 2013, si queréis probarlo os dará error en el servidor.

Google Play Music All Access: servicios y precio

Este nuevo servicio de Google Play Music también nos dará acceso a radios y recomendaciones personalizadas en función de los artistas y grupos que hemos escuchado. También playlists diseñadas por la propia gente de Google Music. Y, claro, tendremos acceso a nuestra biblioteca personal con las canciones que hemos subido nosotros a la nube, sin necesidad de que estén dentro de las que ofrecen las discográficas. Un buen combo que mezcla lo mejor de Spotify con lo bueno de Amazon Cloud Player o iTunes Match… pero aún sin llegar a las capacidades de almacenamiento de la oferta de Amazon (hasta 250.000 canciones propias).

De momento, sólo se anuncia una única tarifa mensual, a 9,99 dólares, que habrá que ver cómo se transforma, si lo hace, en su salto al mercado internacional. Ni opciones de menor precio pero con funcionalidades capadas (como ofrece Spotify), ni pagos anuales con descuento respecto al mes a mes.

Play Music All Access: extras y disponibilidad

Google ha hecho hincapié en dos puntos fuertes del servicio: el motor de recomendaciones y ese caballo ganador que es permitir el streaming de lo que no tienes con lo que no tiene el propio Play Music All Access. Además, ha asegurado que habrá una “radio sin reglas”, que permitirá a los propios usuarios crear emisoras de cualquier artista en concreto.

En cuanto a dispositivos, se podrá acceder a Google Play Music All Access desde cualquiera de ellos, ya que cuenta con funcionalidad desde cualquier navegador. Además, estará disponible en Android y también en iOS a través de la aplicación nativa de Google Music que ya existe para ambos sistemas operativos. Por supuesto, habrá posibilidad de crear playlists desde la propia aplicación y otras funcionalidades que ya deberíamos dar por básicas y sin embargo no siempre se cumplen.

Bloc Party: de grupo chachi a peñazo

Ferraia — Fri, 03 May 2013 12:30:03 +0000

Uno de los pocos cabezas de cartel de guitarras que hay en esta edición del SOS 4.8 es Bloc Party, que tocan justamente hoy. Aprovechando la tesitura, hoy hablamos de la trayectoria de los chavales de Kele Okereke, que empezaron por ser unos tipos molones que a la crítica le molaban, pero que poco a poco han ido tomando una deriva bastante coñazo, perdiendo fuelle e incapaces de crear composiciones como las del buen Silent Alarm.

Bloc Party aparecieron por el mundo allá por el año 2005, con la fiebre de aquello que se llamó post punk revival, etiqueta en la que se han metido en el mismo saco a grupos que poco tienen que ver entre sí. Más si comparamos a estos londinenses con Interpol, o a los de Paul Banks con Franz Ferdinand. A Bloc Party los situaría más cerca de un indie rock o indie pop, pero tampoco vamos a entrar en debates nominalistas, porque no es lo que hoy nos atañe, sino la evolución del grupo.

Silent Alarm y la fiebre revivalista

Llegaron a mis oídos por primera vez a través de ‘Banquet‘, uno de los singles de un buen debut como Silent Alarm; simple pero pegadiza. Hay que reconocer que el grupo era bastante efectista, mediante fórmulas ya conocidas, reorientaron sabiamente algunos patrones post punkeros hacia terrenos más melódicos y propios del indie rock, como tantos otros grupos de la época. Aprovechando el rebufo de otros grupos anglosajones que estaban triunfando, supieron buscar el hueco y el momento necesario para aparecer en escena. Era un producto cojonudo; otro grupo molón más del mencionado revival, ideal para una juventud que estaba consumiendo a Franz Ferdinand de una forma masiva. Y qué copón, el disco tenía buenas canciones.

Como pasó con los escoceses y el trilladísimo ‘Take Me Out’, Bloc Party tenían buenos ganchos comerciales, mediante temas guitarreros y bailables como Banquet pronto se dieron a conocer. Aparte de los hits como ‘Helicopter‘, que era una buena pastilla de adrenalina, como así lo atestiguan las 15 millones de visitas del vídeo en Youtube, Silent Alarm tenía canciones realmente buenas. Entre ellas, ‘Like Eating Glass‘, que se encargaba de abrir el disco y de enganchar con un estribillo pegadizo ejecutado con la lánguida voz de Kele Okereke; o ‘This Modern Love‘ con las historias de amores juveniles de siempre. Y aunque Helicopter es el hit por el que la gente recuerda al grupo, había alguna canción tapada como ‘Luno’ y otras como ‘The Pioneers‘, que a pesar de ser single, quedaban injustamente relegadas a un segundo plano.

Ciertamente, el grupo tenía tres o cuatro ganchos que funcionaban realmente bien. Bloc Party lo habían conseguido, habían encontrado un sitio entre todas esas bandas que viviendo del revival post punkeril, habían llegado a las masas a base de ese indie pop/rock bailable. El ejemplo lo tenemos en otras bandas como Metric, White Lies o The Bravery. Quitando los singles y alguna canción más, quedaba un trabajo apañado, con algunas canciones que daban el pego, repitiendo la fórmula hasta la saciedad, y con unas pocas anodinas. Pero ya habían dado el primer paso, triunfar con el debut.

A Weekend In The City, sobreviviendo al debut

Bloc Party tenían la difícil tarea de demostrar que Silent Alarm no había sido casualidad. No era un gran disco, pero sí un trabajo resultón con buenos singles que habían partido la pana comercialmente. Así que qué iban a hacer, recurrir a su modus operandi: mucho pedal guitarrero al final de las canciones, estribillos adictivos con birguerías vocales de Kele Okereke y esa batería propia del indie con la secuencia tom-platillo-tom. Repítase múltiples veces durante una canción para lograr éxito (véanse también los casos de grupos españoles como Supersubmarina y otros del palo). De nuevo, los londinenses lograron dar el callo con unos avances relativamente buenos, empezando por la bizarra ‘The Prayer‘ y sobre todo con ‘Hunting For Witches‘. Recurrir a elocuentes riffs y punteos majetes siempre es una buena opción para enganchar a públicos masivos.

Los singles no eran tan cañeros ni tenían el gancho de los del debut, pero les bastaron para continuar montados en el dólar, incluso empezaron a utilizar los teclados con más asiduidad, creando mayor intensidad en temas como ‘Waiting for the 7.18’. Después de una casi primera mitad del disco bien decente, en la que seguían siendo efectistas pero ya empezaban a saturar, en la segunda decidieron suicidarse con pasteladas como el single ‘I Still Remember‘, la parte más llorica del grupo, para después pasar a la parte más facilona, asequible y simplista en la que caen algunos grupos de indie pop. Hablo de ‘Flux‘ y el horrendo efecto vocal de Okereke, que parece que haya insuflado un poco de helio, como hacen en los temas de maquineta.

Un grupo de singles

En resumen, lo que mejor funciona de Bloc Party son los singles, al menos en su mayoría. Analizando los discos como conjunto se les pueden encontrar bastantes fugas, sobre todo después de Silent Alarm. Así pues, los londinenses funcionan muy bien en teles y radios con sus temas gancho, pero se suelen desinflar en los trabajos. En Intimacy definitivamente se les va la perola y petan literalmente el álbum de sonidos histriónicos, creando canciones cargadísimas de efectos, con una saturación sonora que te obliga a soltar los auriculares ante tal despropósito. ‘Ares’, ‘Mercury’, ‘One Month Off’, que parece un refrito de canciones de su debut, son buenos ejemplos. Por no hablar de otras que son puro relleno, sobre todo las que van cerrando el disco.

Eso sí, hay un par de canciones que me siguen gustando y que se desmarcan bastante del resto de compañeras de álbum: ‘Halo‘ y ‘Trojan Horse‘. Porque ya no tienen el talento de Silent Alarm, pero Bloc Party siguen funcionando mejor con guitarreo y pedaleras que no con sintetizadores que emanan efectos horteras o molestos que invaden un disco que por momentos es verdaderamente insufrible.

La electrónica de Kele, Four y el declive definitivo de la banda

Con la polémica sobre si Kele Okereke ha sido expulsado de la banda o no, cual choni de Gran Hermano, el tipo se embarca en solitario con un disco de electrónica chunga, The Boxer, del que es mejor no hablar. Mientras contemplamos atónitos semejante obscenidad, parece que todo vuelve a la normalidad poco después y ya nos situamos en el pasado 2012, donde la banda edita Four, su cuarto disco. Viendo el continente, la verdad es que no vale la pena ni ponerle un título guay. Un disco insulso e irregular, como ya comentó Visnuh en su día. El grupo no fue capaz siquiera de elaborar un hit o una canción pegadiza que te haga pensar que están muriendo con dignidad.

Bloc Party tuvieron su momento de gloria, en el que a mediados de la década pasada nos abordaban por todos lados con estos grupos de indie rock bailables, vinieran o no del post punk revival, y aprovecharon el momento con un buen debut como Silent Alarm. Después de este, no fueron capaces de seguir el listón, a pesar de que siguieron confeccionando singles efectistas, eso sí, el resto del contenido de los álbumes cada vez iba a peor. Coger en Intimacy los teclados fue su pecado capital, el cual pudimos oficializar después con la execrable carrera en solitario de Kele y con Four.

Llegaron a ser un grupo de singles resultón, pero se han ido diluyendo con el paso del tiempo. Y el hecho de que sea un grupo de hits de radio viene bien para los conciertos, cuando se centran en sus temas de primera línea el directo gana bastante, sobre todo cuando suenan Helicopter y cía. Cuando ejecutan temas que no son los de vanguardia, se nota. Sólo hay que ver al público.

Estas son básicamente, algunas de las razones por las que algunos nos tiramos del barco de Bloc Party hace un tiempo, ya que no fueron capaces de sobreponerse dignamente a su debut. Y si lo relacionamos con grupos más estrictamente post-punk de la época como Interpol o Editors, estos eran holgadamente superiores.

Bloc Party en Hipersónica

Kele – The Hunter: mejor mal acompañado que solo

Kele – The Boxer: Un disco aburrido y sin punch para agotar la fe en Kele

Bloc Party – Four: mejor nos hubiéramos quedado en three

Bloc Party confirman su reunión: ¿los echábamos de menos?

Bloc Party – Intimacy: Primeras impresiones

Por qué me gustan y por qué no me gustan Sigur Rós

Andrés P. Mohorte — Mon, 29 Apr 2013 15:30:30 +0000

La cuestión Sigur Rós es una de las más imposibles de abordar desde la falsa equidistancia. Es un tópico: o los amas o los odias. Resulta sorprendente, no en vano, que dicho tópico se haya adherido con tanta firmeza a la música de los islandeses. A priori no debería ser un grupo que provocara enconados debates. A priori no debería ser un grupo que provocara debates. Sigur Rós navegan entre cierta popularidad que choca frontalmente con la naturaleza de su sonido: al principio denso, posteriormente más ligero, de larguísimos desarrollos, casi ambiental, demasiado onírico, fastuoso, excesivamente elegíaco. Nada hace indicar que la suya debiera ser una historia de éxito, pero lo es. Sigur Rós rompieron el molde de su género y, de algún modo aún hoy fascinante, traspasaron los límites de la irrelevancia popular.

Inter Arma - Sky Burial: el placer de perderse en un universo de sufrimiento infinito

Cronopio — Wed, 24 Apr 2013 11:00:02 +0000

Contrario a lo que muchos bocazas piensan (digo bocazas cuando quiero referirme a aquel que habla o saca conclusiones sobre algo sin tener la menor idea), el mundo del Metal no para de expandirse, de crecer de forma imparable. Tras el lanzamiento del debut de Black Sabbath, el famoso Big Bang, el universo de la música extrema no para aumentar, no ya sólo en sus márgenes, sino en los matices, influencias o géneros, a los que primero va aproximándose para posteriormente acabar absorbiendo en un continuo proceso de evolución, crecimiento o perfeccionamiento que personalmente creo está lejos de tener fin.

Queens of The Stone Age siguen jugando con nosotros filtrando dos temas (buenos) de ...Like Clockwork

Chico de plexiglás — Thu, 09 May 2013 10:40:29 +0000

El 4 de junio está como quien dice ahí y Queens of The Stone Age no han perdido el tiempo para enseñarnos varios adelantos de …Like Clockwork, que publicará con su nuevo sello, Matador Records. Primero fue ‘My God is The Sun’, que conocimos primero en su versión en vivo en el Lollapalooza brasileño a través de una grabación de fan autorizada por la banda y luego en su versión de estudio.

Queens of The Stone Age también estrenaron 'Keep Your Eyes Peeled': será un disco muy variado

Chico de plexiglás — Mon, 13 May 2013 09:04:10 +0000

Muchas y diferentes sensaciones está despertando …Like Clockwork, el inminente nuevo disco de Queens of The Stone Age. Ríos de tinta, y de bits, se han escrito sobre lo primero que la banda norteamericana saca desde 2007, año en que abrieron un paréntesis tras publicar Era Vulgaris.

Cancelado el concierto de Rodriguez en el Primavera Sound: concierto de consolación el 8 de julio y Chucho como sustitutos

Poliptoton — Fri, 17 May 2013 08:17:28 +0000

Últimas horas moviditas antes de la celebración del Primavera Sound. Sólo unas horas después de que os recomendáramos el concierto de Rodriguez como una de las mejores opciones para la tarde del sábado, el management del artista emitía el siguiente comunicado a propósito de su cancelación en el festival Weekend des Curiosités, donde tenía previsto actuar el día después de su concierto en Barcelona:

Con el objetivo de preservar su salud con vistas a una gira de muchos meses, Rodriguez se ha visto obligado a tomar la difícil decisión de cancelar la primera semana de su gira europea, por lo que no podrá tocar en el Weekend des Curiosités de Toulouse el 26 de mayo.

Cuatro conciertos han tenido que ser cancelados: Toulouse, el Primavera de Oporto, el Primavera de Barcelona y el concierto de Amsterdam.

Esto es lo que decía esta mañana Gabi Ruiz, uno de los máximos responsables del festival, en el foro oficial del Primavera…

Efectivamente, la noche ha sido larga… Hemos estado dándole vueltas al asunto y hablando con la familia para ver qué podíamos hacer. La salud de Rodríguez no es buena y creo que por un exceso de inexperiencia han cargado demasiadas fechas en su gira y ya lo empieza a pagar. No tengo claro de que aguante muchas más por mucho que se tome un tiempo para descansar. Aún así seguimos hablando con ellos a ver si hay manera de salvar la situación. A media mañana os cuento algo más.

Después, Ruiz anunciaba una nota de prensa a mediodía con “una solución que pensamos que hará felices a parte de sus fieles. Aunque no a todos”. Pues bien, esa solución ha sido programar una especie de “concierto de consolación” el 8 de julio en el Poble Espanyol de Barcelona. Quienes tengan entrada de día podrán devolverla siguiendo el procedimiento indicado en la web del festival. Allí también se informa de que quienes dispongan de un abono o entrada de día para la jornada del sábado 25 y decidan asistir igualmente al festival, tendrán la oportunidad de adquirir un ticket válido para el concierto de Rodriguez abonando la cantidad de 5€.

La sorpresa ha sido conocer el nombre del sustituto de Rodriguez en el Primavera Sound: nada menos que Chucho, la banda de Fernando Alfaro recientemente reunida. Todavía no hay confirmación de quién será el recambio en el Optimus Primavera Sound de Oporto, donde también estaba programada la actuación del de Detroit.

Biffy Clyro - Opposites: desprendiendo mal olor en las distancias cortas

Cronopio — Thu, 02 May 2013 15:30:02 +0000

Muy poco se habla de los Himba. Sí, muy poco. La optimización que hacen de los recursos con los que cuentan a su alrededor les ha llevado a ser objeto de estudio por parte de multitud de antropólogos procedentes del ‘mundo civilizado’. Supongo jamás habréis oído hablar de ellos, pero creo que más de uno sí que conocerá cuál es la práctica que les ha hecho famosos a ellos y a otras muchas tribus africanas.

Random Access Memories: nuevo estreno de iTunes en streaming

Visnuh — Mon, 13 May 2013 17:42:48 +0000

Estaba cantado que no habría que esperar al 21 de mayo para escuchar (que no poseer una copia) de Random Access Memories, el disco con mayores artificios de marketing de los últimos tiempos. Y ya se sabe que, una semana antes suele ser ya demasiado difícil contener las filtraciones, por lo que, qué mejor defensa que un buen ataque.

 Eso al menos lo que han debido pensar Daft Punk hoy mismo, cuando siguiendo los imperantes dictados del mercado han decidido poner a disposición de sus millones de ávidos fans a lo largo y ancho del mundo su cuarto trabajo de estudio para que lo podamos escuchar en streaming.

Lo que va de Amon Düül a Amon Düül II: marxismo, revolución, psicodelia y krautrock

Andrés P. Mohorte — Fri, 10 May 2013 12:01:14 +0000

Las revueltas estudiantiles de finales de los sesenta, la convulsa situación de la Alemania de postguerra y una creatividad musical sin precedentes dieron como resultado la mejor y más prolífica generación de músicos alemanes de todos los tiempos. Hablamos del krautrock, etiqueta detestada por casi todos sus componentes y acuñada en Gran Bretaña para definir lo que, a partir de 1968, comenzó a gestarse entre los jóvenes urbanos de las principales ciudades germanas. En Múnich, uno de los principales exponentes del movimiento fue una comuna marxista de la que surgirían dos grupos: Amon Düül y Amon Düül II. Lo que va de uno a otro es la creación más libre que podáis escuchar nunca y la sublimación de la psicodelia y el krautrock. He aquí dos pequeñas muestras, basadas ambas en una de mis obsesiones musicales: las canciones de larga duración.

SOS 4.8 2013 (sábado, 04.05.2013): y Murcia se hizo francesa y electrónica por una noche

Black Gallego — Wed, 08 May 2013 09:27:00 +0000

Tras una jornada de viernes con luces y sombras por culpa de The xx y Bloc Party respectivamente como los grandes nombres de esa jornada, llego la segunda jornada, la del sábado. No he tenido la suerte de asistir a tantas ediciones del SOS 4.8 como mi compañero ilicitano, Ferraia, así que no puedo comparar mi experiencia de este año con los anteriores, con nombres más potentes y menos enfocados en la electrónica que los presentes en esta edición. Dado que mi target principal no es la electrónica, iba a dejar que mi compañero me hiciera de guía por el cartel. Finalmente solo consiguió arrastrarme por la fuerza a uno que no tuviera ya prefijado en mi esquema mental. Y precisamente fue al que considero el mejor momento de la noche del sábado, por lo cual no se puede decir que no cumpliera bien con su cometido.

El ruido en diez canciones

Natxo Sobrado — Wed, 24 Apr 2013 14:30:02 +0000

Día Internacional de Concienciación sobre el Ruido. Qué bonito, qué título y qué fecha para recordar de forma anual. Sobre todo si hay personas que lo hacen por ti, como mi compañero Andrés Peña, maestro del sonido. Al hilo de tal fecha me dio por recordar diez momentos de ruido que tuvieron (y aún tienen) sus problemas para pasar la barrera musical de las mentes bien pensantes y acomodadas en su sillón.

Los thrashers están de luto: Jeff Hanneman, guitarrista de Slayer, fallece a los 49 años

Black Gallego — Thu, 02 May 2013 21:03:59 +0000

Tristísima noticia la que ha asolado el mundo del Metal en general y del Thrash Metal en particular hace tan solo unas pocas horas. Jeff Hanneman, guitarrista y miembro fundador de la mítica banda angelina Slayer, acaba de abandonar el mundo de los vivos a los 49 años de edad. Una muerte no muy joven, pero que ha venido demasiado pronto para uno de los guitarristas más relevantes del Metal americano de los ochenta.

Guía fácil de Metal: Black Metal (I)

Black Gallego — Thu, 02 May 2013 11:00:03 +0000

Cuánto tiempo sin volver a meternos en profundidad en el maravilloso mundo del sonido Metal. ¿Lo echabais de menos? ¿No? Da igual, pienso seguir instruyéndoos. Nadie dijo que este camino iba a ser fácil, pero el esfuerzo merecerá la pena porque podréis ir por el mundo con la cabeza alta diciendo que sois unos grandes sibaritas del género pesado, o por lo menos aparentarlo.

Primal Scream - More Light: hacer el mal

probertoj — Mon, 13 May 2013 12:07:37 +0000

Se ha visto, de manera tradicional, el caso de Primal Scream como el de destalentados con suerte. Suerte de pillar la ola en el momento justo, de coger a los productores adecuados, de que se les aparezca Santa María de las Anfetas… Cualquier cosa excepto asegurar que Bobbie tenga tanto talento como parecía en algunos de sus discos. En algunos casos hasta se ha hecho acoso y derribo hacia un personaje que, no hay que negarlo, lo ponía bien fácil: bocazas y capaz de lo peor.

Así fue el paso de Black Sabbath por el último capítulo de CSI: Crime Scene Investigation

Chico de plexiglás — Thu, 16 May 2013 06:45:44 +0000

Ozzy Osbourne decía hace unos días que Bill Ward no podía acabar con la reunión de Black Sabbath; y así ha sido, aunque el paripé que han hecho en un capítulo de la última temporada de CSI: Crime Scene Investigation raya lo bizarro. La banda formó parte del argumento de este capítulo con una actuación en un club en el que presentaron ‘End of The Beginning’.

Cuáles son mis cinco canciones favoritas de Neil Young y por qué

Andrés P. Mohorte — Tue, 30 Apr 2013 15:30:02 +0000

Neil Young siempre ha sido mi cantautor favorito de los sesenta. Por muchos motivos. Probablemente este es el principal: él y no otros ha sido la influencia más relevante para algunos de mis grupos favoritos de los setenta, de los ochenta, de los noventa y del siglo XXI. Es una figura gigante en la historia de la música rock. Y además, sus canciones tocan algunas de las teclas más importantes de mi vida, algo que ni Bob Dylan ni Leonard Cohen, por citar a dos, han conseguido con tanta solvencia. Lo que sigue a continuación es un breve repaso a parte de su discografía mediante las cinco canciones que más me gustan de Neil Young.

State Urge - White Rock Experience: volviendo a creer en Polonia

Cronopio — Mon, 13 May 2013 11:01:15 +0000

He vuelto a caer. Pensaba que los sinsabores de este último año me habían ayudado a superar la que era una de mis pocas obsesiones, pero la aparición de State Urge ha provocado que vuelva a tropezar en la misma piedra. Shrine Of New Generation Slaves, Saiko o Living Mirrors me despertaron de un dulce sueño, White Rock Experience está a punto de hacerme regresar a los brazos de Morfeo. No es que mi pasión por el prog polaco haya vuelto, quizás es que no se había ido nunca. Solamente necesitaba una nueva muestra de calidad para volver al redil como un triste adicto.

Neurosis: un excelso huracán de opresión y fuego [Especial Primavera Sound 2013]

Black Gallego — Tue, 14 May 2013 08:14:41 +0000

Para todo el que es aficionado al sonido Metal, como por ejemplo un servidor, verá muy pobre la presencia de este en la edición de este año del Primavera Sound con respecto al otros años, sobre todo el anterior, con gente como Mayhem o Napalm Death. Pero claro, el Primavera no es el Sonicsphere. Todo el que espere metaladas a saco puto tendrá que buscarlo en otro festival. Sin embargo, si eres un metalero convencido que busca pasar un buen rato en el afamado festival o un interesado en este género pesado, te conviene tener bien presente este nombre para la edición de este año: Neurosis.

Omar Souleyman, la rave del casiotone [Especial Primavera Sound 2013]

Natxo Sobrado — Mon, 06 May 2013 05:00:06 +0000

Vaya por delante que el concierto más grande del Primavera Sound 2013 será el de Blur. Ahora, el segundo será el de Omar Souleyman. Puestos a jugar a ser pitonisos y a dárselas de periodista deportivo como ya adelantó un sordo mejor apostar por el caballo ganador, el de los casiotone, el experto en bodas y fiestas de guardar. Un hombre así va a poner patas arriba al recinto del Fórum. La rave del casiotone.

Omar Souleyman, el 1% de mestizaje

Un bigote bien poblado, unas gafas tintadas de negro, un agal manteniendo una kufiyya en blanco y rojo, con un thawb bien amplio. Omar Souleyman es el antihéroe del marketing visual de las multinacionales de hombres guapos en la cultura occidental y precisamente por eso su imagen es aún más poderosa. Sin necesidad de adaptarse a ningún disfraz ajeno a su cultura, manteniendo sus raíces la imagen acaba siendo aún más que el nuevo guapo de ojos azules cantando baladas.

Omar Souleyman acaba siendo el 1% de mestizaje que nunca puede faltar en toda lista internacional, en toda revista de tendencia, en todo melómano tatuado organizador de clubs andergrauns y subterráneos en una popular y concurrida calle de la capital con moda vintage y clientela aún más vintage.

Souleyman es lo que Fela Kuti en los 70, Ali Farka Touré en los 80, Cesária Évora en los 90, Youssou N’Dour en el 2000, Tinariwen o Toumani Diabaté en los últimos años… Pequeños escogidos por nuestra cultura con sus ciclos de pasión por la absurda etiqueta World Music. Parecen ser una excepción por aquí cuando en su país es un sonido generalizado.

Es el bicho raro que viene a complementar un cartel de calcos, revivals, regresos de viejas glorias de las cuales los nuevos jóvenes fagocitaron sus sonidos. En esta reunión de padres e hijos falta siempre un raro (para nuestro día a día, claro) que debe ser descubierto por uno de los sellos dedicados a ejercer la necesaria labor de mecenas ante la inmensidad de la música mundial.

De YouTube a Sublime Frequencies y luego el mundo

Omar Souleyman tiene a Sublime Frequencies detrás. Un sello estadounidense que desde 2003 busca en el folkclore de cualquier país alejado del típico pop de estribillo y guitarras con reverb un recopilatorio con el que cubrir ese 1% de la cuota del mercado.

Sublime Frequencies tiene el apoyo de medios como The Wire (luego vendrá Vice pero a esta revista mejor ignorarla siempre) que ejerce de escaparate de un arte tan amplio como la discografía de The Residents o un cuadro blanco de título poético. A través de The Wire tiene el trampolín necesario para que nosotros acabemos descubriendo muchos de sus discos publicados con Alan Bishop (Sun City Girls) y Hisham Mayet al frente del sello. Entre ese nosotros también están los programadores, claro, que acaban fichando a Omar Souleyman como ese 1% para su cartel con el que luego salir en los telediarios. Meses más tarde estos acabarán haciendo una pieza visual con algún coelhista de la vida apellidado Del Amor sobre Omar Souleyman como si fuese su colega de toda la vida y mi abuela dirá: un árabe cantando, mírale cómo se mueve. Próxima noticia: hace calor.

Antes no podemos olvidarnos alguna colaboración con el visiario de turno, llamémoslo Ry Cooder, Damon Albarn o Björk, aunque en este caso solo ha sido la islandesa la que ha contado con Souleyman para los remixes de Biophilia (2011, One Little Indian). Caribou también se apuntó al carro del mestizaje al elegir al sirio para los conciertos previos al festival All Tomorrow’s Parties.

El ciclo cultural resumido y simplificado al máximo, con etapas comidas, como la incorporación de Souleyman a películas de Gus Van Sant o Terrence Malick, o en el peor de los casos, de Isabel Coixet diez años más tarde, tiene como punto intermedio un monográfico del artista sirio en 2009 en The Wire, su consiguiente paso por España en el Sónar de ese mismo año y el actual desembarco en el Primavera Sound de 2013.

Todo por, al parecer, según quieren vender la historia, unos vídeos de las actuaciones de Omar Souleyman en alguna de las bodas o fiestas en las que él actúa y que cayeron en las manos adecuadas para iniciar la rueda por occidente. Allí, en Siria, Omar Souleyman no necesita de entrevistas en The Wire o cachés del Sónar puesto que su carrera ya lleva desde 1994 y ronda los 500 álbumes de estudio y en directo; con el casete como principal formato.

El concierto de Omar Souleyman en el Primavera Sound

El concierto de Omar Souleyman en el Primavera Sound será el sábado 25 de mayo a las 03:05 de la mañana. Será de los últimos en cerrar el festi, el último del ATP y que tendrá como “rivales” a los solapamientos de My Bloody Valentine (2:25), Crystal Castles (2:15) o de Hot Chip (3:50). Porque un directo de Scuba (2:20) aún no mueve a grandes masas pese a ser mejor que el mojón del dúo del castillo.

My Bloody serán en el escenario Heineken, al lado del ATP, por suerte. El resto de conciertos estarán lejos si se tiene la intención de combinar a Souleyman con otras actuaciones a tan solo dos pasos de distancia. A esas horas, con el tute previo y con los solapes a ver cuántos logramos llegar a Souleyman.

Psicodelia de rave

Obviedades al margen, la música de Omar Souleyman acaba siendo la psicodelia de una rave. Gonjasufi es lo más cercano que ha salido en los últimos años dentro del gran público, por si sirviese de referencia a alguien, aunque luego en directo sea el horror. Filastine es otro nombre similar pero ambos están muy lejanos al sonido que Souleyman acaba trayéndonos.

Un sonido de folkclore árabe que denominan Dabke como una variedad que aquí podríamos ver en el Hardcore de las raves. Música de baile, rápida, frenética y de una alegría tremenda. Líneas que parecen haberse sacado del Acid mezclado con la Psicodelia más trancera y que convierten el timbre agudo de algunos instrumentos árabes (como el ney o el arghul) en líneas sintetizadas de dementes a las que se suma la correspondiente percusión.

Va a ser la fiesta del Primavera Sound. Ese 1% a celebrar.

PJ Harvey - To Bring You My Love: y el punk se ahogó bajo el agua

Gabihey — Mon, 29 Apr 2013 09:00:45 +0000

Hay discos que buscamos; otros, nos encuentran. En un momento dado, algo pasa y todo hace clic. Tiene que ver con la vida y con ese concepto tan chulo y a la vez hortera que es la conexión sentimental. Sucede, además, que esos discos suelen acabar por ser los discos de nuestra vida. Marcan temporadas, malas rachas, ciudades y personas. Es curioso esto último porque la relación que se establece suele ser indisoluble y maldita sea, esto jode. Jode mucho y muy fuerte porque a veces, un disco se nos une a una persona de la que no queremos saber demasiado. La cosa no es grave cuando esta relación disco – persona se establece entre yo qué sé, lo último de Aerosmith y alguien cuya importancia en la vida de uno ha sido la misma que la que tiene Rajoy en la UE, es decir, -100. Pero ¿y si esta se establece entre tu disco favorito de alguien como PJ Harvey y alguien con importancia nivel Merkel? Pues nada más y nada menos que te jodes y bailas (Novedades Carminha dixit). Esto es precisamente lo que me ha pasado a mí con To Bring You My Love.

Adiós Ellis y Vaughn. Hola Parish, Flood y Mick Harvey

Pero vayamos a por los datos técnicos primero. Corría el año 1995 y PJ Harvey ya era algo más que un nombre en la escena musical británica de los 90. Dry y Rid of Me no habían pasado precisamente desapercibidos. Sin embargo, para una mente inquieta como la de Polly Jean, la fórmula de guitarras post-punk, ritmos secos y letras cargadas de ironía no era suficiente. Una vez deshecho el trío formado con Robert Ellis y Steve Vaughn, lo cierto es que hacía falta algo más. Por ejemplo, un escenario lleno de máscaras y capas de sonido. Por ejemplo, por qué no, un buen monte de cemento para construir la apisonadora de sonido que sería To Bring You My Love. Y los que vendrían. Porque si hay algo importante en este tercer trabajo – cuarto, si contamos las 4 -Track Demos de Rid Of Me – es el inicio de la larga relación profesional entre PJ Harvey y John Parish, Mick Harvey y Flood. Especialmente éste último, cuando hablamos del característico sonido de To Bring You My Love, no en vano estamos hablado del productor de cosas como el The Downward Spiral de NIN, habitual de Nick Cave & The Bad Seeds y de Depeche Mode. Además, To Bring You My Love supondría la toma de contacto de PJ Harvey con su peculiar universo teatral.

I was born in the desert

Precisamente es este cambio de actitud es el que se palpa desde el primer y abrasivo riff de ‘To bring you my love‘. La PJ que escupía directamente a la cara de las relaciones sentimentales, ahora regurgita hacia sus propias heridas. El punk por el blues, la rabia por la pérdida, el espíritu grunge por la voz de Captain Beefhart (ese I was born in the desert prestado de su ‘Sure’Nuff ‘n’ Yes I do‘). Sin embargo, y pese a que el tema que abre el disco sirva en cierto modo de trailer, no asistimos a una transformación radical. Se trata de una mutación progresiva que parte desde la agresividad manifiesta del primer encuentro sexual con el amante (esa barbaridad que es ‘Meet Ze Monsta‘) para seguir después desgranando los dobles sentidos que se desprenden de una relación basada abiertamente en los instintos más primitivos en ‘Working For The Man‘ y, sobre todo, en ‘C’mon Billy‘. Se trata de uno de los temas que mejor resumen a la PJ Harvey de los 90: guitarra contundente con un toque de americana a cargo de Parish y voz desafiante que araña los versos uno por uno.

La espiritualidad, el country gospel y ‘Down By The Water’.

Se habla mucho de la espiritualidad de Cave, Cohen o David Eugene Edwards, pero poco de la que PJ Harvey usó en To Bring You My Love, quizá el tema que más une todas estas influencias. Se trata de una idea estética más que PJ utiliza como leit motiv, la pérdida del amante se vuelve una plegaria que ella dramatiza a su gusto. Así, en ‘Long snake moan‘ el rezo se torna en ideación homicida (Hear my dreaming / You’ll be drowning) con una base rítmica a cadencia de puñalada. La misma ideación, solo que esta vez en forma de parricidio es lo que encontramos en ‘Down by the water‘ y su repetitiva referencia a la canción tradicional americana que popularizó Lead Belly, ‘Salty Dog‘: little fish, big fish swimming in the water / come back here, man, gimme my daughter. ‘I think I’m a mother‘ sirve como parón y resumen antes del último acto, la penúltima de las plegarias al amor perdido, en forma de acústica y cuerdas: ‘Send his love to me‘ suena a puño en el estómago, a Santiago de Compostela y a frío de enero. Aunque en el caso de PJ, probablemente suene a su casa en Yeovil, el retiro en el que a partir de, precisamente este To Bring You My Love, gestaría sus discos.

Ningún teatro acaba por cuadrar los círculos

Ni si quiera ese oportuno órgano, ni si quiera los gritos desesperados de la mujer a la que han dejado y ha terminado por ahogar a su hija, ni si quiera la ironía de los primeros encuentros. ‘The Dancer‘, ese maravilloso epílogo que bebe en su estructura de canción folk americana da cuenta de todo eso desde el avance que supuso para la PJ Harvey de 1995 el uso de numerosos instrumentos más allá de la guitarra. Lo cierto es que hay tantos motivos para ensalzar a To Bring You My Love como el punto desde el que parte la PJ Harvey que se toma a sí misma en serio, que es difícil explicar por qué, además de todo eso, To Bring You My Love es uno de sus mejores discos. Supongo que tiene que ver con que eso tan hortera que conocemos como la conexión emocional. Supongo que tiene que ver con una producción impoluta, unas letras sobrecogedoras y ese balanceo entre el punk y blues. Supongo que en realidad, PJ Harvey había nacido para comerse un escenario con ‘Meet Ze Monsta’. Supongo que este disco habla de mi 2012. Supongo – sé, maldita sea – que hay teatros en los que es mejor no actuar.