Comenzamos hoy nuestro repaso a los grupos que podremos ver desde el próximo jueves en ese Tanned Tin que se celebra en Madrid y que no es una festival, pero podría serlo por número de grupos y por el nombre de los mismos.

Cuatro días de música que ya en la primera jornada dejan platos fuertes, con tres nombres que pueden hacer las delicias de públicos distintos, pero que comparten algo en común: dijeran lo que dijeran en La Bola de Cristal, sólo también puedes (pero nunca está de más agenciarse a unos cuantos amigos para que toquen contigo).

Damien Jurado

El que más, sin duda, es Damien Jurado. El cantautor norteamericano está reconocido por la crítica de medio mundo como uno de los mejores. Su estilo ha ido evolucionando desde lo más desnudo y árido, con él solo enfrentado a sus fantasmas, hacia discos mucho más asumibles por todo el público.

Del último disco, Caught In The Trees, ya os dije en su día que se notaba que corría más el aire y que de la pesadumbre y el aislamiento que destilaba The Ghost of David (para muchos, su obra magna), Jurado había pasado hacia una suerte de debilidad emocional a lo Elliot Smith: sin miedo a que sus canciones, por oscuras que fueran temáticamente, pudieran sonar con más brillo.

Irene Tremblay

Antes de ponerse su nombre real, Irene Tremblay era artísticamente Aroah. Y, mucho antes de que llegase la invasión de chicas con guitarra folk, ella ya ejercía de algo así como nuestra Cat Power particular. Mimada por la crítica, de sus primeros ejercicios más apegados a lo anglosajón fue dejando vía libre a aromas mucho más mediterráneos, que estallaron del todo en su último disco con su anterior alter-ego, El día después.

Todo lo que había allí era el mejor reflejo de que la madurez de Aroah iba en el mejor camino posible. Ahora, ella misma ha decidido soltar lastre y dejarse de seudónimos. ¿Cómo afectará este cambio a su música? Una de las primeras oportunidades para comprobarlo es este Tanned Tin.

Stanley Brinks

Es difícil saber qué se puede esperar de André Herman Düne, uno de los fundadores de Herman Düne que les abandonó para rodar por el mundo bajo el nombre de Stanley Brinks. Amigo de gente como The Wave Picture, aficionado tanto a lo más acústico como a otros aires de fiesta (caribeñas, africanas, tanto da con tal de que le cuadren), lo de Stanley Brinks va de miniaturas extrañas, pero no weird folk. O sí. O vete a saber.

Al Tanned Tin 09 se viene con amigos. Con él, las fiestas Tanned Tin podrán ser más fiestas aún.

Sitio oficial | Tanned Tin

Nacho Vegas siempre se ha caracterizado por cuidar mucho no sólo los lanzamientos de sus discos, sino también los singles o eps de acompañamiento. Casi se puede decir que Vegas se ha ido construyendo una carretera secundaria en su discografía gracias a esos “discos pequeños”, donde otros meten material de derribo o tomas demo de sus canciones.

Eso hubiera sido lo fácil, pero Nacho Vegas no es precisamente un vago de la música. Por eso hemos decidido dedicar parte de este especial a hablar de sus eps. En este caso, trataremos los que se ubican en la época que va de Actos Inexplicables a Cajas de Música Difíciles de Parar. Es decir, un momento en el que el asturiano ya era alabado por la crítica pero aún no había conseguido ni de lejos el público ni el nivel de exposición mediática con el que hoy cuenta.

En 2001, los sellos Acuarela y Limbo Starr publican de manera conjunta un EP compartido por Aroah y Nacho Vegas. Lo llaman Seis canciones desde el norte y, pese a ser un split grabado en Gijón, ambos artistas apenas se mezclan: Aroah pone los coros en dos de las tres canciones de Nacho Vegas y éste toca la slide en el último de los temas de la cantautora.

Por lo que respecta a Nacho, Seis canciones desde el norte continúa con el trayecto iniciado en Actos Inexplicables. Sigue mostrándose como un músico folk de raíces muy anglosajones y aún no quiere darle entrada del todo al rock. Por ejemplo, en la inicial ‘Las manos dentro del agua‘ (youtube), Vegas se muestra cercano a gente como Will Oldham, con una letanía minimalista que te acaricia durante casi seis minutos.

Pero, claro, a Nacho Vegas siempre le ha gustado jugar con su música y sus obsesiones, así que en el segundo de los temas incluidos en el EP se pone por montera al escritor Barry Gifford y le dedica un tema a uno de sus personajes. En ‘Baby Cat Face‘ (youtube) no se hace difícil ver al mismo músico que hasta Esperanza tocó en Manta Ray. De hecho, la canción podría haber formado parte de Score, el concierto que el grupo dio para el Festival de Cine de Gijón.

Y para culminar la aventura con gran nota, ‘Noches de verano en la casa gris‘ (Goear), mi tema favorito del EP y una emotiva muestra de que Vegas también sabe buscar la épica con una guitarra acústica. La letra de iniciación adolescente al sexo (”tanta carne y yo tan tímido“) está entre lo más directo, lo más crudo y lo mejor de la carrera del cantautor.

Por su parte, Miedo al zumbido de los mosquitos sirvió como aperitivo para el segundo disco de Nacho Vegas. Su estela como músico había ido creciendo, se había hecho algo más internacional (Francia le recibió con buenas críticas) y tocaba la reválida. Vegas la superó con creces, sobre todo por incluir como canción estelar del EP y single de adelanto del disco la tremenda ‘En la Sed Mortal‘, que instantáneamente se convirtió en una de sus más alabadas canciones.

Seguramente Natxo Sobrado hablará de ella con más profundidad cuando le toque analizar Cajas de música…, así que a nosotros nos toca quedarnos con los otros tres tema del EP, que empiezan a dejar bastante claro que Nacho Vegas va a utilizar los EPs para algunas de sus canciones más apesadumbradas. Entre ellas destaca ‘Añada de Ana La Friolera’, donde Nacho vuelve a echar mano de esa capacidad literaria para crear personajes de cuento, pero de cuento para adultos. Leyenda de amor trágico y, como no, de fracaso vital, ‘Añada de Ana La Friolera‘ (Goear) tiene todo para provocar escalofríos.

Por contra, la aproximación a Bob Dylan de ‘Hay algunos hombres unos años más tristes que yo‘ es bastante más normal y se queda en un simple y largo ejercicio de estilo. De lo más prescindible de la carrera del asturiano. Tampoco ‘Brujita‘, pese a tener un texto muy cálido, logra traspasar la frontera y convertirse en un clásico. Habrá mejores canciones en la carrera posterior de Nacho y, desde luego, bastante superiores en el disco que estaba a punto de llegar. En todo caso, dos de cuatro sigue siendo una buena media teniendo en cuenta la incontinencia creativa que Nacho Vegas empezaba a mostrar.

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Y concluimos ya este miniespecial dedicado a Acuarela con el que llevamos desde el sábado con la segunda parte de mis 15 discos favoritos del sello. Como una de las máxima era la de que no valía repetir, se quedan fuera otros discos del Sr. Chinarro (de ésos de los que ya no quiere ni oír hablar) o de Migala. Además, al estar la lista reducida a 15 elecciones, hay varios grupos que también se me quedan en el tintero.

Pero, más allá de lo que no está, lo que sí ha entrado en la lista es un buen ejemplo de cuál ha sido el camino recorrido por un sello que, desde hace tres lustros, ha suscitado más adhesiones que odios.

Flow- Sensazione

A Acuarela siempre le ha fallado la apuesta pop. Pero antes de que a Fernando Vacas le diera por inundar todas sus canciones y producciones de arreglos y de supuesta ‘genialidad’, aún tuvo tiempo de revitalizar el nombre de un grupo que, hasta entonces, apenas había sido una nota a pie de página del indie español. Sensazione no es perfecto, pero, depende de como te pillara, en su momento lo pareció.

Jr – 127

Sólo ellos pudieron hacer algo así. Todos les mimaban y llegó 127 y el mundo dejó de hacerles caso. Hasta los medios que querían encumbrarlos. Normal: 127 es difícil de entender, cantado con trozos de palabras, musicado a jirones. Folk experimental o pop desnudado hasta el esqueleto y con el paso cambiado. Desde entonces, nadie se atreve a hablar de Jr. con palabras dulces.

Lisabö – Egun Bat Nonahi

Tres canciones abrasivas. La esencia de Lisabö. Tras publicar Ezarian, el grupo irundarra entrega a Acuarela un ep repleto de desazón, miedo y dolor. Nadie en España sabe sonar tan intenso sin empezar a entrar en terreno resbaladizo. Y a Acuarela esa definición le ha pegado durante mucho tiempo, aunque a veces haya tenido traspiés de importancia. Tres canciones: el todo y la nada.

VVOO- Lujo y Miseria

Y, de repente, un extraño. Acuarela se fija en el subsuelo barcelonés en donde había visto a Astrud y alrededor de Manolo y Genís (sobre todo de éste último, omnipresente aquí y allá) le salen grupos como setas. Pero nada de grupos normales: Hidrogenesse, Les Biscuits Salés, Chico y Chica, Stardu... A Acuarela siempre le ha fallado la apuesta pop (II), pero lo que nos regaló con Lujo y Miseria sirvió para que muchos abriéramos los ojos. Y, desde entonces, los Austrohúngaros caminan por libre. Todo lounge, menos sus vidas (más bien Lynch).

Aroah – El Día Después

Dicen que en sus discos desnudos estaba bien, pero yo no acababa de pillarle el tranquillo. Puede que no sonase mal, pero Cat Power te daba lo mismo amplificado a la enésima potencia. Ahora, tras unirse con Refree para El día después, ya no hay duda de que Aroah tiene un camino propio muy apetecible, además de algunas de las letras menos obvias del panorama folk español. Hace falta saber a dónde va, pero de momento ya conozco a varios indecisos a los que El día después les ha convencido.

Paperhouse – Adiós

Slowcore dulce. Y un salto de gigante para un grupo que no era casi nada y, en su primer disco largo, nada más sonar la sirena inicial, te rompen por dentro. A Adiós, de los catalanes Paperhouse, sólo se le puede ver como una rareza inmensa, un golpe de suerte y algo de esfuerzo. Un disco debut que sirve de despedida y que contiene algunas de las canciones más emocionantes que haya dado la primera generación nacional del indie. Ritmos muertos y melancolía: esa tristeza honda y profunda, pero suave, que uno no llega a poderse quitar de encima.

Grupo Salvaje – Aquí hay dragones

Si In Black We Trust funcionaba, Aquí hay dragones sube la apuesta: sus canciones pinchan más y parecen menos ejercicios de estilo y sus historias sobre llegar al fin del mundo y no encontrar nada, sobre monstruos imaginados, sobre expediciones a la Antártida que resultan fallidas o sobre los lugares desconocidos del mapa dan mucho más empaque al conjunto. Polvorientos, desastrados y fantásticos en directo, Grupo Salvaje ya tienen un disco que superar.

Boy Omega – Hope On The Horizon

Porque Acuarela también tiene presente y éste es un disco que lo ejemplifica bien. Parece forzado, parece demasiado autoindulgente, parece demasiado copión. Pero el trayecto circular de Martin Henrik Gustafsson en medio de una ruptura remite a las mejores canciones de Bright Eyes o de Elliot Smith y se mueve con soltura entre el pop dramático y el épico. Porque no son lo mismo. ¿Hay esperanza en el horizonte para el sello?

Sitio oficial | Acuarela
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Marina Gallardo, de 23 años y gaditana, ha conseguido con Working To Speak un disco de relajada belleza. Puede que, como dice la hoja promocional, haya necesidad de hablar de otras para hablar de ella. Es inevitable: Gallardo podría ser Kristin Hersh si no sonase menos atormentada y más reconciliada con el mundo; podría ser Cat Power si tuviese a sus espaldas cinco discos más y con ellos la experiencia y el callo de componer (talento hay, desde luego); y podría ser, en referente más cercano, Aroah, aunque ésta haya emprendido con su último disco caminos algo distintos.

Podría ser muchas cosas, pero al final es sólo ella. Cantautora al estilo USA (y no al de aquí), se acompaña por una soberbia producción de Paco Loco y se deja ayudar por Remate, con cuyo No Land Recordings comparte brillantez y forma de entender la música.

Hay lo que hay en Working To Speak. Ni experimentos, ni canciones a la moda. Sólo folk-rock de tierna caricia o ritmo tabernero y una voz con matices para emprender mil aventuras (de la rabia a la dulzura, todas las estaciones intermedias quedan representadas en un disco que nunca se para en el mismo lugar dos veces). Podría hablar sobre muchas cosas, pero prefiero dejar que sea ella la que se defienda. Esto es Stones:

Creo, y espero no equivocarme, que canciones como ésa pueden enganchar a un buen puñado de seguidores de Hipersónica a un universo clasicista e ideal para una mañana de domingo como ésta. Working To Speak merece la pena.

Sitio oficial | Marina Gallardo

Els Invertebrats, ejecutado por Sweet Cut (Oriol Roca, batería, Manolo Cabras, contrabajo y Giovanni Di Domenico, piano), da una pátina aún más jazzy a las canciones de Refree, que, curiosamente podrían ser las más pop de su carrera. Algo buscado por el propio (cant)autor, como reconoce en una entrevista en Muzikalia:

Al contar con ellos mi intención era trabajar con músicos de vanguardia que tuvieran un concepto abierto de la música, y sobre todo que pudieran tocar de manera libre y experimentar. Creo que con Sweet Cut he encontrado lo que buscaba y que el disco ha quedado impregnado de ese estilo libre de interpretar las canciones propio del jazz.

Sin duda, El Invertebrats es el disco más maduro de Refree, puede que el mejor. Pero yo no lo puedo asegurar, porque me vuelve a quedar claro que caminamos por universos muy distintos, paralelos (el Serrat joven es uno de mis clásicos de cabecera) pero parece que imposible de juntarse.

Así que, en esta situación, sigo siendo incapaz de disfrutar plenamente un disco del catalán. Su voz se me sigue haciendo demasiado dulce, sus letras no acaban de llegarme del todo (hay giros y situaciones que me parecen demasiado forzados) y sólo en cosas como Nana al niño que nació muerto (con estupenda letra de Gloria Fuertes) o la magnífica Envejece puedo sentirme completamente satisfecho con los elogios que otros le dan.

Posiblemente, una simple cuestión de expectativas. De lo que no hay duda es de que, si os gustó Refree en La Matrona o Nones, Els Invertebrats es aún mejor. Pero, a día de hoy, prefiero al Raül Fernández productor, el mismo que le ha dado magia a Aroah.

Discográfica | Acuarela

Pues bien, a Aroah, en su último trabajo, le pasa todo lo contrario. Tiene ya tan asumidos a sus referentes (esa Cat Power de los primeros discos, esos cantautores minimalistas del folk de los 90), que se los ha saltado para dar con su obra más personal, con la más emotiva y con la que, realmente, muchos vamos a empezar a creernos todo lo bueno que de ella se ha dicho.

Porque en apenas 30 minutos (¿para qué más?), Irene Rodríguez Tremblay consigue dar calma y belleza a lo que antes eran esbozos de folk desconsolado. No sé hasta qué punto tendrá la culpa la producción de Raül Fernández (Refree), pero El día después suena intenso, preciosista y muy alejado de las antiguas canciones desnudas, con sólo una guitarra acústica.

Pop orquestal, pero sin ser ampuloso, las 10 canciones de este día después se mueven como pez en el agua en distintos tonos y estilos. Desde la ironía artie de la inicial Amarillo a la pesadumbre (casi cercana a los mejores discos de La Buena Vida) de Pastoral o los inéditos tonos funk de La escala de las cosas, Aroah suena mucho menos afectada que nunca: sus sentimientos ya no parecen teatro, sino hermosa reflexión sobre las grandes derrotas y las pequeñas victorias del día a día.

Con canciones como Cifras o la titular (o cualquiera de ellas), éste sólo puede ser un disco ganador. Por KO y en el primer asalto, además.

Más valiente que ninguno de sus álbumes anteriores, también con un sonido más comercial, pero sobre todo capaz de crear más complicidad con el oyente, El día después amenaza con quedarse a mi lado mucho tiempo. Quién me lo iba a decir a mí, que siempre he mirado con desconfianza el encumbramiento de Aroah. Bravo.

Escucha | El día después (Vía Manuel Bartual: Diario de Trabajos, donde podéis leer, además, la explicación al diseño del disco.)
Myspace | Aroah