Llegamos ya a la parte central de nuestra lista de los mejores discos de debut del siglo XXI (que son también los de la década), seleccionados en dura pelea por todos y cada uno de los editores de Hipersónica. Si en la anterior zona se nos había llenado la casa de electrónica, aquí se nos pone la cosa algo más rock, pero también tenemos hueco para los ritmos quebradizos, las planeadoras post-rock y hasta el folk rompecorazones.

Ahí es donde pretendía meterse Steven Seagal, pero le dijimos que no. Como tampoco le dejé llorar en mi hombro (Steven, tú no eres Scarlett y me parece que eso es tan obvio que deberías haberte dado cuenta), amenazó con hacer con los editores de Hipersónica lo que hizo con los 424 cadáveres de Alerta Máxima.

35. Black Rebel Motorcycle Club – B.R.M.C (2001)

A pesar de sus vaivenes estilísticos, los cuales les han llevado de la brillantez al sopor en numerosas ocasiones, el trío californiano se marcó con su primer esfuerzo un verdadero hito para el rock garajero.

Serio y grisaceo como su portada, B.R.M.C. viene cargado de canciones que suenan a clásico desde la primera escucha, con un sonido capaz de tributar al mismo tiempo a la Velvet, Led Zeppelin y The Jesus & Mary Chain.
(Gallego)

Una canción: ‘Whatever Happened to My Rock’n‘Roll? ‘ (youtube), hit oscuro y jesusmarychainico para darse a conocer al mundo. Sin duda, su mejor canción

34. Maxïmo Park – A Certain Trigger (2005)

Llegaron, vieron el panorama y se apuntaron a la revitalización del rock británico con canciones que se contorsionaban sobre sí mismas, que tenían a un letrista/vocalista inteligente (de los mejores de su generación) y que en directo se defendía con mayor solvencia que la de sus compañeros.

Fueron casi los últimos en llegar. O más bien, fueron los penúltimos antes de que la cosa degenerara (los últimos enormes fueron los luego desacertados Art Brut). Pero con A Certain Trigger no hay demasiadas pegas que poner: corto, intenso, inteligente, con personalidad a pesar de las influencias y con canciones que querían ser recordadas. Y que, aún hoy, se lo merecen.

Una canción: ‘Apply Some Pressure‘ (youtube), ¿el mejor hit de toda su generación?

33. M.I.A. – Arular (2005)

Junto con Kanye West y Dizzee Rascal, M.I.A. ha sido de los nombres más interesantes que han surgido de la escena Hip-Hop, sólo que da la casualidad de que lo suyo no es Hip-Hop puro sino lo que ha venido a denominarse Grime y que ha tenido en la escena inglesa su hervidero más interesante (el Dubstep ha aportado mucho a esa revolución hablada). Arular la presentó a todo el mundo como la hija de un guerrillero revolucionario de Sri Lanka de origen tamil y el conflicto social pobló todas sus letras (’10 Dollar‘), bien mezclado con la lucha de egos de este género (’Bucky Done Gone‘) y el hit directo (’Hombre‘). Rebeldía e inconformismo con grandes bases. (Natxo Sobrado)

Una canción: ‘Galang‘ (youtube): aunque ‘Paper Planes‘ sea, con diferencia, la canción más adictiva de M.I.A. es de su segundo disco… y ‘Galang’ o ‘Pull Up The People‘ ejemplifican bien las virtudes de la artista femenina más impactante de esta década que se nos va.

32. Day One – Ordinary Man (2000)

31. Interpol – Turn on the Bright Lights (2002)

Eternamente atados a su comparación con Joy Division, el debut de Interpol cuenta con calidad suficiente para librarse de tales cadenas. Canciones inspiradísimas, mucho menos oscuras de lo que se le presume a la etiqueta post-punk, y que catapultaron al cuarteto neoyorquino directos a la fama.

Con sus siguientes trabajos entrarían en una espiral de pérdida de frescura, la cual no ha conseguido en ningún caso empañar el buen hacer demostrado en este Turn on the Bright Lights.
(Gallego)

De toda la generación que el Post-Punk revival trajo de la mano, Interpol fueron la avanzadilla mejor situada con un debut impecable (The Organ pasaron, por desgracia, desapercibidos, y The Rakes se quedaron en su debut). La intensidad de Joy Division bajo los riffs efectistas y frenéticos del Indie Rock eran los ingredientes para que al escuchar ‘Obstacle 1‘, ‘Say Hello To The Angels‘, ‘Stella Was A Diver And She Was Always Down‘ o ‘Roland‘ mereciesen su reconocimiento internacional. (Natxo Sobrado)

Una canción: ‘Obstacle 1‘ (youtube), reviviendo a Ian Curtis en formato épico-panorámico.

30. Doves – Lost Souls (2000)

La épica es algo muy británico. Suya es gran parte de culpa de que los mecheros se encendiesen en los conciertos. Pero Doves, que nacieron para la generación de las cámaras digitales, saben perfectamente que, pese a lo mal visto que está eso de ser expansivos, monumentales, grandiosos y (un pelín) exagerados siempre se pueden hacer muy buenas canciones con semejantes ingredientes.

Así que sin miedo, su debut consistió en seguir la tradición de Echo & The Bunnymen y The Verve, desde una perspectiva más nocturna y también más concreta. Junto al debut de Coldplay fueron los imprescindibles si e esa época querías regodearte en tus propias (y pequeñas) heridas desde el lado de la melancolía (no desde el de la depresión).

Una canción: ‘Sea Song‘ (youtube), ni falta ni sobra nada en este perfecto ejemplo de dramatismo contenido y espacial.

29. Fever Ray – Fever Ray (2009)

Oscuro, solemne y perfecto. Así es el debut en solitario de Karin Elisabeth Dreijer, mitad creativa de The Knife y que ahora afronta una nueva etapa paralela bajo el alias de Fever Ray dejando de lado el Ambient House de atmósferas siderales para buscar la angustia, la soledad y la riqueza bajo una economía de medios que hace que las canciones aparezcan desnudas, la voz de la cantante sueca cobre aún más fuerza y las letras se carguen de toda la intensidad imaginable.

Los diez temas que componen el álbum son auténticas joyas. Pulidas como ‘Seven’ y ‘When I Grow Up’ o crudas como ‘If I Had A Heart’, ‘Triangle Walks’ y ‘I’m Not Done’. Todo sin olvidar la influencia del House anterior en: ‘Now’s The Only Time I Know’ y ‘Coconut’. Es un álbum que hiela la sangre. (Natxo Sobrado)

Una canción: ‘When I Grow Up‘ (youtube), el ‘All is Full of Love’ (Björk) del nuevo siglo.

28. God is An Astronaut – The End of The Beginning (2002)

Los hermanos Kinsella consiguieron que su nombre quedara grabado en la historia del rock experimental con un primer trabajo que, a pesar de su evidente condición independiente y artesanal (lo editaron, como el resto, en su propio sello discográfico), logró una notable aceptación entre públicos mayoritarios.

Una gran propuesta de post-rock instrumental, de ese que se centra en las texturas y en la complejidad de la música, pero sin llegar al nivel de onanismo musical que alcanzan otros grupos similares. (Gallego)

Una canción: ‘The End Is The Beginning‘ (youtube)

27. Ryan Adams- Heartbreaker (2000)

Antes de perder la cabeza y convertirse en una fallida estrella del rock (fallida en lo de masiva, porque características chungas las tenía todas), a Ryan Adams le rompieron el corazón. Y lejos de su primer grupo, Whiskeytown, pero sin abandonar del todo ese roots-rock que les hizo especiales, Adams se vistió de niño prodigio para su debut en solitario.

Heartbreaker es un disco difícil de olvidar, donde la voz rota, las letras que ponen un nudo en la garganta y el sonido Americana se unen para dar otro refugio a quienes estén (o hayan estado alguna vez) con el corazón destrozado. Romántico hasta la médula. (probertoj)

Una canción: ‘Come Pick Me Up‘ (youtube), la canción de ruptura perfecta del nuevo milenio, con todo el pasado y todo el futuro contenidos en sus cinco minutos y un cantante del que decir que emociona es quedarse corto.

26. Audioslave – Audioslave (2002)

La ruptura de Rage Against the Machine fue una de las peores noticias musicales con las que pudimos empezar la década (años después se reunirían, pero eso es harina de otro costal). En realidad, el cisma se produjo con la salida del vocalista Zack de la Rocha, así que los tres miembros restantes decidieron fichar al por entonces respetado Chris Cornell para una nueva etapa musical, bajo un nuevo nombre.

Una ruptura estilística con su pasado que decepcionó a muchos, pero cuya calidad está fuera de toda duda si conseguimos no pensar en el grupo que les dio la fama.(Gallego)

Una canción: ‘Like a Stone‘ (youtube), la canción que Cornell debería ponerse (junto al ‘Mailman‘ de Soundgarden) para reencontrarse de nuevo consigo mismo (y no con su gemelo maligno).

25. Death from Above 1979 – You’re a Woman, I’m a Machine (2004)

Como miembros de ese club formado por grupos que sólo publicaron un LP en su carrera, la pareja de bajo y batería Death from Above 1979 merece un lugar de excepción.

Una mezcla de punk sucio y electrónica bailonga que funciona a las mil maravillas, con temas que van directos al grano y que enamoran dese la primera escucha. Lástima que su historia juntos durara tan poco.
(Gallego)

Una canción: ‘Romantic Rights‘ (youtube), cuerdas rasgadas, riffs brutales y ritmos que te esclavizan, la dosis necesaria de buen rollo y mala leche para ponerte antes de salir un sábado por la noche.

Los mejores discos de debut del siglo XXI

• Parte I: Del 50 al 44

• Parte II: Del 43 al 36

Cuando uno piensa en grandes discos debut de la historia del rock, le vienen a la mente trabajos como Led Zeppelin I, Are You Experienced o My Generation, todos ellos con unas cuantas décadas a sus espalda. Sí, estamos de acuerdo en que la época dorada del rock fueron los 60 y los 70, pero ello no debe impedirnos admitir que hemos tenido grandes alumbramientos en lo poco que llevamos de siglo.

Pensando en ello me vino a la mente esta lista que ahora estoy escribiendo, y en la que pretendo recoger los que en mi opinón son los mejores discos debut de rock que se han dado en el Siglo XXI. Para que nadie se extrañe, aclararé que dejo fuera de la lista a subgéneros como el rock progresivo o el indie rock, lo que descarta a grandes debuts como los de The Arcade Fire o The Mars Volta, a los cuales bien podría dedicarles algún artículo otro día.

Aclarado este punto, arranco ya con los que, en mi opinión, son los cinco estrenos rockeros imprescindibles de esta centuria. Naturalmente, espero que uséis los comentarios para decirme cuáles son los vuestros.

A Perfect Circle – Mer de Noms (2000)

Vale, lo sé, técnicamente este disco es del siglo pasado por haber sido publicado en el año 2000, pero no he podido resistirme a incluirlo como arranque de esta lista. Con Maynard James Keenan, vocalista de Tool y el guitarrista Billy Howerdel como cabecillas, este supergrupo lanzaba su primer y hasta la fecha mejor obra en mayo de aquel año. Se trata de un disco inmaculado, preciso al extremo, todo lo que cabría esperar de una mezcla de talentos como la que se dio para su concepción.

Con algún que otro cambio en la formación original, A Perfect Circle han editado otros dos discos desde entonces, y algunos de sus miembros están actualmente componiendo nuevos temas. No obstante, a tenor de las últimas declaraciones de Maynard, no está del todo claro si éstos conformarán un disco en condiciones, o si las irán distribuyendo sin ningún orden en particular.

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Audioslave – Audioslave (2002)

A todos nos fastidió la forma en que Zack de la Rocha salió de Rage Against the Machine, poniendo con ello fin (ahora ya sabemos que sólo temporalmente) a una de las bandas más grandes de la historia de la música. No obstante, sus tres miembros restantes tuvieron la decencia de no conservar el nombre al cambiar el cantante, y con la llegada de Chris Cornell firmaron un disco que consiguió convencer hasta a los más escépticos ante esta nueva etapa.

Obviamente, esperar de él un nuevo disco de Rage Against the Machine o de Soundgarden hubiera sido un error. En realidad, este LP homónimo tiene buena parte de una y de otra, sabiendo aprovechar lo mejor de ambas formaciones para obtener un resultado totalmente diferente, un rock más elemental, pero igualmente sobresaliente. Los discos siguientes irían definiendo el estilo de Audioslave, pero ninguno llegó a gustarme tanto como éste.

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The Darkness – Permission to Land (2003)

2003 fue el año de The Darkness, quienes consiguieron conquistar con su inspiradísimo Permission to Land hasta a los más reticentes al hard rock, gracias entre otras cosas a temazos tan irresistibles como este ‘I Believe in a Thing Called Love’ o a ‘Black Shuck’. No necesitaron inventar nada para conseguirlo, sino simplemente tomar nota de cómo lo habían hecho los mejores y dejar volar sus ganas de rock.

La historia de The Darkness es la de otras tantas grandes bandas de hard rock, pero comprimida a poco más de un lustro de historia: debutaron con un primer disco excepcional, tras el cual empezaron a venir los problemas entre los miembros de la banda; un segundo trabajo no tan brillante y el líder en una clínica de rehabilitación desembocaron en su ruptura. Dicen los rumores que este 2009 volveremos a verlos juntos, aunque yo no pondría la mano en el fuego por ello.

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Wolfmother – Wolfmother (2005)

El caso de Wolfmother es bastante parecido al que explicaba hace unas líneas para The Darkness, con la salvedad de que ellos no necesitaron un segundo disco para acabar como el rosario de la aurora. No sabemos qué saldrá de esta nueva etapa que empiezan ahora, con Andrew Stockdale como único superviviente del trío original; pero lo que sí podemos tener claro, es que su estreno resultó ser un discazo.

Sin intentar ocultar en ningún momento su más que evidente deuda a los grandes, como Black Sabbath o Led Zeppelin, estos australianos consiguieron parir un disco que perfectamente podría haber sido editado en los 70 y haber quedado olvidado en algún cajón, hasta salir a la luz en el siglo XXI.

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Airbourne – Runnin’ Wild (2007)

Y no me marcho de las Antípodas, pues desde allí nos llegó la última gran sensación del hard rock hace no mucho. En realidad, un primer EP titulado Ready to Rock ya llevaba circulando desde unos años antes, pero su explosión internacional llegó con este primer elepé. Por sus maneras y por su nacionalidad, las comparaciones con AC/DC les han perseguido desde el primer minuto, pero estos rockeros han demostrado con este disco tener talento suficiente como para conseguir librarse de la etiqueta.

Este año lanzan su segundo trabajo, inmejorable oportunidad para demostrar que son lo bastante ambiciosos como para no vivir de las rentas de Bon Scott y los Young. Sea como fuere, y a no ser que nos llevemos alguna sorpresa en lo que queda de año, el suyo bien puede ser considerardo el último gran debut de rock puro de esta primera década de Siglo XXI.

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Presentado en portada por un irónico homenaje al LOVE del artista pop Robert Indiana y encabezado por un poema de Josh Koppel que comenzaba diciendo “Escribo mensajes sobre el dinero: es mi propio estilo de protesta social”, queda claro que RATM no van a dejar puntada sin hilo ni canción sin mensaje en ninguno de los 12 homenajes de los que está compuesto el disco. Todos los artista elegidos marcaron, de una manera u otra, pero siempre visiblemente, el discurso de la banda

Admito mis problemas con los discos de versiones: a mí me gusta que a las canciones se les dé la vuelta, no que se les homenajee solamente adaptándolas al estilo del grupo. A mí me encantaría que el esqueleto de las versiones fuera totalmente distinto. En Renegades eso no ocurre muchas veces y los triunfos de Rage Against The Machine se circunscriben a donde era predecible.

Me explico: a nadie le debería extrañar que tres de las versiones que mejor suenan del disco sean las de artistas hip-hop. Por ejemplo, el Micophone Fiend de Eric B & Rakim o el Pistol Grip Pump explosivo que se marcan para homenajear a Volume 10. O, por supuesto, la tremenda toma que hacen del How I Could Just Kill A Man, con su esencia funky desbocándose y Zack de La Rocha cantando como en los mejores temas propios de la banda.

En todas ellas, la fórmula de la banda funciona porque ése es su lenguaje natural: son canciones hip hop a las que ellos le añaden un punto de dureza metálica. Es decir, están como pez en el agua. Si no las hubieran sacado adelante, este disco sería un desastre y no lo es.

Lo que tampoco es Renegades es un gran disco de versiones. Por ejemplo, RATM fracasan estrepitosamente tratando de insuflar más energía al Kick Out The Jams de MC5. Vaya por delante que, para mí, ésta es una de las canciones malditas a la hora de hacer una versión de ella: nadie ha conseguido nunca sonar como los MC5, por lo que es una irresponsabilidad tratar de calcar la canción. La versión de RATM, comparada con la original, suena como deben hacerlo los petardos de las fallas valencianas justo después de una explosión nuclear.

Convencen algo más cuando citan casi al pie de la letra a Minor Threat, gracias sobre todo a la contundencia de Brad Wilk a la batería. Sí, In My Eyes no se arriesga en nada, no busca convertirse en una canción de RATM, lo cual la invalida a mis oído, pero al menos suena decorosa, cosa que la versión de MC5 no hace.

Así que, pasando de los detalles que no me convencen por su postura poco arriesgada (algo que en un grupo tan políticamente comprometido con la senda alternativa de la vida es aún más sangrante), vamos al núcleo de la cuestión: ¿se arriesgan en algún momento Rage Against The Machine a hacer de Renegades un disco de reinterpretación, más que de versiones? Pues sí. Por ejemplo, me encanta la forma en que convierten el The Ghost Of Tom Joad de Bruce Springsteen de una larga letanía acústica a un himno de épica incendiaria. Es una visión radicalmente distinta, pero complementaria y, al menos, no ahoga la canción.

Sin embargo, no apruebo para nada la manera en que despojan a Street Fighting Man (de los Rolling Stones) de sus mejores cualidades (viveza, urbanidad, malicia) para ajustarla a la fórmula de RATM: no siempre poner un riff para mover la cabeza e instrumentos contundentes en primer plano da como resultado un canción demoledora. Ni siquiera aunque la original lo sea. Con Maggie´s Farm (Dylan) lo intenta de nuevo y, aunque la cosa mejora, tampoco es una versión memorable. En ese bloque de canciones está también el Beautiful World de Devo, demasiado solemne y despojada de toda la ironía que emanaba de la original.

En conclusión, Renegades sufre el mal de muchos discos de versiones. Y, posiblemente, también acusa el hecho de que la banda estuviese al borde de la disolución según se grababa. Por si fuera poco, quedó feo el gesto de darse tanta prisa en editar el disco cuando la banda ya no existía. Pero, pese a todo, aún hay donde rascar… aunque empiece a ser ya el esqueleto de la banda.

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Especial | Rage Against the Machine, Evil Empire, The Battle of Los Angeles

En un movimiento que se me antoja bastante bien planeado Chris Cornell, vocalista de Audioslave, decide abandonar la banda. Y me parece así primero porque el resto del grupo está dándole al local de ensayo con Zack de La Rocha para la vuelta a los escenarios de Rage Against The Machine en abril y porque el 1 de mayo sale a la venta su segundo disco en solitario, titulado Carry On.

De esta forma nadie sale mal parado y generan noticias a su alrededor que les vendrá muy bien a todos de cara a su promoción. Los RATM volverán a dar caña y a llenarse los bolsillos. El Sr. Cornell va a poder dedicarle todo su tiempo a su nuevo álbum y seguramente sus bolsillos no menguarán. Y yo digo que Audioslave volverá tarde o temprano.

Por cierto, a ver qué tal ese Carry On. A mí el Euphoria Morning me encanta.

Gracias por el aviso, Asier.

Vía | oidossucios