España ganó el Mundial y, como consecuencia, la promesa era publicar por fin la atrasada revisión del álbum blanco. Algunos no os lo creísteis, pero aquí está: ha llegado el momento de hablar del disco más largo ¿y ambicioso? de los de Liverpool.

El álbum blanco de los Beatles: una grabación conflictiva

Que el White Album pudo nacer rana es algo fácilmente contrastable: ningún disco de los Beatles, ni tan siquiera ese Let It Be con el que cerraron trayectoria y en el que permitieron meter mano a Phil Spector, vivió tantos terremotos en sus meses de grabación. Para empezar, Brian Epstein acababa de fallecer, los Beatles habían vuelto de la India (y del Maharishi) bastante poco relajados para haberse ido “de gurú” y ya no eran cuatro, sino 1+1+1+1, que es muy diferente.

En el seno del grupo las cosas no estaban para echar cohetes: lo mismo Ringo Starr desaparecía unos días del estudio para no soportar a los demás (obligando a McCartney a tocar la batería en algunas sesiones de grabación) que el propio McCartney se enzarzaba en una discusión con George Martin, su productor de siempre, y los ingenieros tenían que parar la grabación porque aquello era insoportable (unos dicen que por culpa de ‘Ob-la-di-ob-la-da‘; otros, el propio Macca incluido, que por ‘Maxwell’s Silver Hammer‘).

El caldo de cultivo no era el ideal para trabajar durante mucho tiempo, pero, a la vez, cada uno de ellos tenía muchas ideas para el nuevo disco: había que grabarlas todas, había que meterlas en el mismo disco. Que saliera algo decente de aquella mezcla de ambición+mal rollo era difícil; que saliera esta montaña rusa de cuatro caras de vinilo llamada (o, mejor dicho, no-llamada) White Album es pura serendipia.

White Album: una amplia gama de grises

Pese a que la portada fuera de una simpleza absoluta (hablar de ella daría para otro posts; si queréis lo hacemos), los Beatles no se cortan y despliegan en el White Album todo su espectro sonoro: el que ellos han estado practicando desde el principio de su carrera y también el que les influye en aquella época. Por ello, no es de extrañar que el disco se abra con ese homenaje tan claro a los Beach Boys menos melancólicos que es ‘Back In The USSR‘.

Y, por esto mismo, el álbum blanco es imprescindible para echar por tierra la teoría de que los Beatles estaban por encima del bien y del mal, de que son el alfa y el omega del pop, de que ellos lo son todo. El White Album, con su amplia gama de grises que picotean por aquí y por allá, con su ‘Yer Blues‘, su ‘Dear Prudence‘, su ‘Birthday‘ o su ‘Honey Pie‘, les muestra como fans a la vez que músicos. Homenajean a otros grupos, coetáneos y/o pasados, sin necesidad de reinventarse en cada canción.

En el White Album, los Beatles son a la vez pop, blues, rock de los 50, música experimental y los Who (’Helter Skelter‘). No todo les sale bien, pero en este contexto de un disco excesivo, lleno de últimas gotas que colman el vaso, da igual: en los fallos también se puede ver la silueta del acierto. O, más bien, uniendo puntos con líneas acabas por ver el dibujo completo. Lo que falta para que quede perfecto lo pone tu cerebro.

Un disco hecho a bandazos

Quizás todos los puntos de giro que hacen del White Album un disco fallido ejemplar puedan ejemplificarse en esa cara cuatro del vinilo original. Se abre con ‘Revolution 1‘, mezcla de lo hippie (esas voces) con el rock primigenio y el estilo Kinks (el toque cabaretero), y con Lennon cantándole a la Revolución que, según él, iba a llegar de un modo u otro.

De allí se salta a ‘Honey Pie‘, con McCartney haciendo un ejercicio de composición retro que homenajea al music hall. Nada que ver una canción con otra y poca relación también con ‘Savoy Truffle‘, uno de los cortes que más suenan a ese 1968 en el que se grabó, y en el que los Beatles se asoman al sonido soul de Stax (como después harán otros grupos blancos).

De la potencia rock de la anterior no queda nada en ‘Cry Baby Cry‘, medio tiempo precioso en el que se ven como perduran los brotes psicodélicos que tan buenos frutos habían dado en los discos anteriores.

Y de ese momento engañoso, que mezcla una de las melodías más dulces del disco con una letra de terror infantil, se pasa a la pesadilla completa: el experimento llamado ‘Revolution 9‘, construido a base de loops, sampleados primitivos, recortes de aquí y allá, etc…

En cuatro canciones, como vemos, los Beatles se han construido una y otra vez a sí mismos para acabar por destruirse en la canción más experimental de toda su carrera. Por eso, y en el contexto de la difícil grabación del White Album, parece aún más importante que ‘Revolution 9’ no cerrara el disco. Si lo hubiera hecho, ¿habría sido posible tomar en serio la canción?¿ ¿O imaginar un nuevo álbum de los Beatles?

No. De ahí que ‘Good Night‘, como corte final, sea inapelable: pone los pelos de punta, suaviza el final de la pesadilla, casi supone un contrapunto irónico a los dos temas anteriores y acaba en lo más alto la montaña rusa emocional y sonora del disco blanco.

Nick Cohn, el crítico musical que mejor supo capturar el espíritu de la primera generación del rock’n‘roll y del estallido de la cultura pop, fue durísimo con este disco en la reseña que escribió para el New York Times. Fue de los pocos que vio en él un fracaso artístico, calificándolo de “aburrido hasta decir basta”.

Relleno hay en el disco y motivos fundamentados pueden encontrar los detractores, de igual modo que a los fans irredentos les dará motivos para elogiar su genialidad. En mi opinión, a los miembros de un grupo como los Beatles les sienta muy bien eso de ser falibles. Casi que se disfruta más.

Especial The Beatles en Hipersónica

1. The Beatles – Please Please Me: el esfuerzo vs el mito
2. The Beatles – With The Beatles: empezaba la gloria
3. The Beatles – A Hard Day’s Night: el culmen de la locura
4. The Beatles – Beatles For Sale: agotados por el éxito
5. The Beatles – Help!: de vuelta al folk
6. The Beatles – Rubber Soul: la vida es corta, seguimos huyendo
7. The Beatles –Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: uno de los mejores discos de la historia (I)
8. The Beatles –Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: uno de los mejores discos de la historia (II)
9. The Beatles – Magical Mystery Tour: seguían siendo los más grandes
10. The Beatles – Yellow Submarine: obligada banda sonora
11. The Beatles – White Album: cuanto más profundo bajes, más alto escalarás
12. The Beatles – Abbey Road: la genialidad del fin de una era
13. The Beatles – Let it Be: punto y final

Las fotos promocionales que se hacen los grupos son una estupenda forma de expresión más allá de la música, pero no todos saben aprovechar todo el potencial que éstas tienen. De hecho, la inmensa mayoría de bandas recurre a fotografías clónicas basadas en los estereotipos que identifican el género musical al cual pertenecen.

Todos estamos acostumbrados a la clásica fotografía promocional del grupo pop donde vemos a cada miembro mirando para un lado distinto, como pensando en lo suyo, o las que se hacen los grupos de metal, todos de brazos cruzados y con cara de mala leche (aunque eventualmente, alguno sale haciendo los cuernos y gritando). Hay grupos cuyo estilo musical podrías adivinarlo simplemente viendo las instantáneas con las que se presentan.

Pero entre toda esta colección de poses repetitivas, encontramos a algunos músicos que sí ponen bastante interés en las fotografías que les identifican, buscando ofrecer con ellas algo de frescura y originalidad. Como es algo que me atrae bastante, se me ha ocurrido recopilar en un artículo a los grupos que en mi opinión mejor lo hacen con sus fotos promocionales, aunque espero que vosotros aportéis más en los comentarios. Vamos con ello.

Rammstein

Estos alemanes siempre se han preocupado por no dejar indiferente a nadie con su música, con las portadas de sus discos, con sus actuaciones en directo, y por supuesto, también con sus instantáneas. En honor a la verdad, hay que decir que las que se hacían en sus primeros tiempos eran bastante sosas, pero con el paso de los años han ido ganando en originalidad, e incluso en provocación.

Ya sea vestidos como soldadas rusas de primera mitad de siglo, o convertidos en ejecutivos que huyen de un toro en el ruedo, las fotos de Rammstein pueden ser las más divertidas o las más impactantes. Es de esperar que con la llegada de su nuevo disco nos llegue una nueva hornada, aunque cualquiera se pone a imaginar con qué temática.

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The Who

Convirtieron la bandera del Reino Unido en un símbolo que llegó más allá de las fronteras nacionales, e hicieron de ella un icono del rock poniéndosela por manta. The Who tienen sus fotos de pose normales y corrientes, pero también tienen una buena colección de lo más simpáticas, y es por ello que no he podido resistirme a ponerlos aquí.

La banda ha pasado por muy diferentes etapas, y esto queda reflejado también en sus fotografías promocionales, pero yo me quedo con las que les representan en su faceta más desenfadada.

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Gnarls Barkley

Imposible no reírse con las estrafalarias pintas que gasta la extraña pareja cuando dicen de ponerse delante de una cámara, demostrando que andan sobrados de sentido del humor. La Naranja Mecánica, Tron, Superman o Pulp Fiction son sólo algunas de las muchas hilarantes transformaciones que nos han ofrecido. Lo que sea con tal de salirse de lo convencional.

El elenco de disfraces de Danger Mouse y Cee-Lo Green también sale a relucir en sus conciertos, añadiendo así un punto más de diversión a una música que ya es bastante amena de por sí. Una forma tan válida como otra de dar que hablar.

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Sun O)))

Si alguna vez vas paseando por un frondoso bosque, y ves aparecer entre la niebla a un par de monjes con guitarras eléctricas a cuestas, no te sorprendas: son Sun O))). Eternamente encapuchados, han conseguido convertirse en una formación bastante popular dentro de un género tan poco digerible por las grandes masas como es el drone metal, y saber jugar con su imagen también ha influido en ello.

Ese aura de misterio que envuelve al dúo, se hace totalmente palpable en sus inconfundibles y espectaculares fotografías de presentación, que van mucho más allá del clásico grupo de metal de tintes oscuros.

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Eagles of Death Metal

Como su música, las fotografías de este proyecto musical dirigido por Josh Homme y Jesse Hughes son irreverentes, frescas y divertidas, tomándose a sí mismos tan poco en serio como nos tienen acostumbrados. Ese mismo tono que hizo que alguien con mucho menos humor como Axl Rose los definiera como “the Pigeons of Shit Metal”, pero que a mí personalmente me encanta.

Ya sea fingiendo que han sido sorprendidos en su camerino con una groupie algo pasada de rosca, o luciendo de los más señoriales con tronos dorados y búhos disecados, la pareja siempre buscará arrancarnos una sonrisa al ponerse frente al objetivo de la cámara.

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Joy Division

Es una debilidad personal, supongo, y por eso no puedo dejarlos fuera de esta lista. A simple vista, las fotos de Joy Division no son mucho más especiales que las de cualquier otro grupo de la época, pero observándolas puedes percibir esa misma desolación espiritual que los hizo únicos.

Marcos en los que ellos casi parecen invitados no deseados, siempre distantes y faltos de color. Joy Division fueron irrepetibles, y el recuerdo visual que nos queda de ellos también.

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Björk

Se hace difícil imaginar una fotografía de la islandesa que no impacte, llegando a unos niveles de exceso visual que, cuando funcionan, pueden llegar a ser muy espectaculares. Pero este afán por resultar llamativa también se traduce algunas veces en fotografías de lo más horteras, las cosas como son.

En cualquier caso, está claro que no es el equilibrio lo que busca Björk, la cual siempre ha demostrado desmarcarse del clásico retrato del músico solista. Por las fotografías verdaderamente buenas que circulan de ella, y no por los engendros que también hay, aparece en esta lista.

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The Beatles

Podríamos decir que ellos fueron quienes enseñaron el camino a seguir en este terreno, demostrando a sus contemporáneos hasta qué punto se podía sacar provecho a su imagen. Cada una de las fotografías de The Beatles son verdaderos iconos de la cultura contemporánea, totalmente reconocibles hasta por los menos amantes de la música.

Las hay simpáticas y desenfadadas, y también las hay de pretensiones serias. Podrán gustar más unas u otras, pero la huella que el cuarteto de Liverpool dejó en este terreno es innegable.

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The White Stripes

Y me dejo para el final a unos verdaderos maestros en este terreno, The White Stripes, quienes han sabido como nadie dar una fuerte personalidad a sus retratos. Las situaciones en las que se nos han presentado son de lo más dispares e incomprensibles, pero contando siempre con un estilo particular que las hace fácilmente reconocibles.

De hecho, es fácil incluso averiguar al lanzamiento de qué disco se corresponde cualquiera de sus fotografías de un solo vistazo. Si hay un conjunto que ha puesto siempre atención a estos detalles, insignificantes para la gran mayoría, son ellos.

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Lo de los Beatles es la arqueología musical que nunca cesan. Si ellos mismos sacaron Anthology para sastisfacer las ansias de muchos de sus seguidores de material inédito o de rarezas de estudio (y, ya de paso, ganar dinero con ello), lo completo de aquellos discos no ha conseguido frenar la aparición de nuevas canciones. La última, ‘Revolution 1 (Take 20)‘, ha aparecido hace dos días colgada en Youtube.

Para quienes no sean fanáticos de los Beatles, la nueva toma de la canción del White Album es sólo una anécdota, pero para los seguidores de este tipo de rarezas es todo un acontecimiento. Primero, porque nunca se había escuchado antes. Segundo, por los once minutos que dura (siete más que la original) y la calidad con la que ha aparecido. Y tercero, porque la segunda parte de la canción es más ‘Revolution 9‘ que ‘Revolution 1‘

Aunque aún no se ha confirmado que sea auténtica, tiene todas las trazas para serlo y la grabación original puede convertirse en una pieza muy codiciada.

Vídeo | Youtube
Vía | NME
Más en Hipersónica | Los Beatles podrían editar Carnival of Light, canción inédita de 14 minutos

La banda ya ha dado un concierto el pasado viernes 9 de Enero en Zaragoza, tocando canciones como ‘Dream All Day’ de The Posies, ‘Dear Prudence’ de The Beatles, ‘The One I Love’ de R.E.M. o ‘Magia en tus ojos’ de La Granja.

Además del concierto de esta particular banda, tenemos información fresca de Amaral y de su nuevo single, ‘Perdóname’, tras el salto.

Estos días el dúo ha estado rodando el videoclip del tercer single en el Puente de Hierro de Zaragoza, que se prevee estrenar a finales de Enero o principios de Febrero. El vídeo, dirigido por Rafa Sañudo está basado en una historia corta de Juan Aguirre, que parece no va a salir en el vídeo.

En Hipersónica ya hablamos de la elección de ‘Perdóname’ como single y nos preguntábamos sobre la escasez de videoclips en este disco del dúo. Pues la bien, la banda ha dicho que ‘Tarde de Domingo rara’ quedó huérfano de vídeo por la extensa gira de verano, que hizo imposible hacer coincidir una fecha para grabar.

Más en Hipersónica | Amaral
Web oficial | Amaral

Paul McCartney quiere que una de las leyendas más populares de la historia de la música, la existencia de una canción inédita de los Beatles de más de 14 minutos de duración, pase a ser realidad. El ex componente de los Fab Four ha confirmado en una entrevista reciente con BBC Radio 4 que ‘Carnival of Light’ no es un mito, sino que en verdad existe y que los supervientes de la banda (y sus herederos) se están planteando sacarla a la luz.

‘Carnival of Light’ fue grabada con motivo de un festival de música electrónica que se celebró en 1967, pero nunca llegó a ver la luz. Según McCartney, él quería que la canción fuese incluida en las series de Anthology, donde se recogieron gran parte de las rarezas de los Beatles, pero el resto de la banda se negó.

Así define McCartney la canción:

Me gusta porque es los Beatles absolutamente libres, sin ataduras. Les dije que todo lo que quería que hiciesen cuando la grabamos era estar cerca de los instrumentos y hacer lo que quisieran: gritar, golpearlos, tocarlos, sin necesidad de que tuviera sentido. Y eso fue lo que hicimos; después pusimos algo de eco.

Ahora, según Paul, “ha llegado el momento de que salga a la luz”, puesto que Ringo Starr y los herederos de John y George han dado el visto bueno. ‘Carnival of Light’ se grabó en los estudios de Abbey Road y sólo se pudo escuchar una sola vez, en el citado festival de música electrónica. Según cuenta la leyenda incluye un órgano, guitarras distorsionadas y la banda gritando cosas como “Barcelona”.

Inspirada por experimentalistas como John Cage y Karlheinz Stockhausen, puede que a ‘Carnival of Light’ le queden meses contados para seguir formando parte del mito Beatles.

Vía | BBC News

Y que conste que no lo digo yo, sino que es resultado de la nueva manera de Billboard de contabilizar los artistas con más números 1 de la historia según sus archivos. Hasta ahora, en la revista contaban también los años en los que el ranking se llamaba Top 100, en vez de Hot 100. A partir de ahora, esos primeros años de la lista ya no cuentan, de ahí que Elvis haya dejado de ser el segundo artista del ranking para caer hasta la decimocuarta posición donde está igualado con Phil Collins. Ambos tienen siete singles que fueron número uno.

Es decir, que con el nuevo sistema de contar números unos, Billboard no cuenta diez de los singles de Elvis Presley que alcanzaron la máxima posición en la lista. Muchos pensaréis que El Rey se estará revolviendo en su tumba al estar igualado con alguien como Phil Collins. Bien, pues ya podéis tranquilizaros: primero, Elvis no está muerto (como seguro que muchos ya sabéis); y segundo y más importante: antes compartía la segunda posición del ranking con… ¡Mariah Carey!

Por si fuera poco, el último single de éxito de la Carey, ‘Touch My Body’, también fue número uno, por lo que Elvis ya sólo estaría en la tercera posición de la tabla. Arriba del todo están los Beatles, con 20 números uno, pero cuidado, porque la Carey sigue viva y coleando y aún podría llegar hasta allí. Es lo que tienen las listas.

Vía | No Rock and Roll

La subasta tendrá lugar en Londres y el precio de salida será de 300.000 libras (unos 380.000 de nuestros euros, casi ná), pero todo parece poco para poder disfrutar en nuestras casas de un pedacito de la historia reciente de la música.

John Lennon escribió esta canción en 1969 durante el encierro por la paz que mantuvo en un hotel de Montreal (Canadá). No estaría mal que el dinero recaudado con la venta de ese texto se destinara a fines similares a los que promulgaba en sus versos. Sí, soñar es gratis y aún no se subasta.

Junto al manuscrito, se pondrán también a la venta unas fotografías inéditas tomadas por Gail Renard, guionista de televisión, que en aquel año 69 contaba con 16 años. La chica consiguió llegar hasta Lennon a pesar de la seguridad desplegada por todo el hotel y arrancarle una entrevista y unas cuantas imágenes.

Siguiendo el ejemplo de Poprosa, hoy en Hipersónica os contamos algunos de los mitos falsos más famosos de la historia del rock, junto a otros que no lo son tanto. Ninguno de los que aparecieron en el post de Poprosa estará aquí, así que os recomiendo echarle un vistazo antes, porque no, no hablaré de la famosa muerte de Paul McCartney…

El porro de los Beatles:

¿Se lo fumaron o no los ingleses cuando iban a ser recibidos por la Reina en Buckingham Palace? ¿Se liaron uno en los baños de palacio y luego salieron más que relajados a saludar a Isabel II? John Lennon dijo que sí, pero luego admitió que no, que estaban demasiado asustados como para hacerlo. Pero Paul McCartney tampoco lo tienen muy claro. En cualquier caso, si no se lo fumaron, alguien debió dejarlo escondido en alguna parte, porque, si no, no se explican tantas cosas raras en la Corte.

La transfusión de sangre de Keith Richards:

Que el guitarrista de los Stones eran un probado consumidor de todo tipo de sustancias químicas es algo admitido por él mismo. De hecho, tampoco es que nunca se haya caracterizado por llevar una vida sana. Sin embargo, a mediados de los 70 se difundió el rumor de que, para superar su adicción a la heroína, Kiz se había sometido a un cambio completo de la sangre que circulaba por sus venas en una clínica suiza. Aunque se ha negado que fuese cierto, la historia podría servir de base para algún estrambótico caso del doctor House.

Robert Johnson y su pacto con el diablo:
El mito entre los mitos del Blues. La gente se pregunta como pudo Johnson adquirir tal maestría en tocar la guitarra en apenas dos años, los que estuvo alejado de Robisonville, entre 1931 y 1933. Desde el mismo instante de su regreso comenzaron las teorías y una de ellas aseguraba que había hecho un pacto con el diablo, como el de Fausto, para conseguir ser un maestro de la música. El mito adquiere proporciones literarias dignas de Faulkner cuando se adereza con que Johnson vendió su alma en el Mississippi.

Él siempre lo negó, a diferencia de otro músico contemporáneao a Robert Johnson, Tommy Johnson, quien afirmaba sin rubor alguno que él si se que había adquirido un pacto con el maligno.

Richey vive:
Podría haber sido Elvis, pero lo de éste ya sabemos que es cierto, que se está tomando un cubatón con Jesús Gil en algún paraíso fiscal. Pero de Richey James, líder de Manic Street Preachers y hombre bastante dado a la automutilación, también se rumorea que su desaparición fue un truco para huir de la presión. Los medios ingleses incluso especularon con la posibilidad de que fuera un ardid publicitario. De momento, no ha vuelto. Y aunque el grupo parecía que iba a mejorar, lo cierto es que la carrera de los Manic en los últimos años da ganas de hacer una sesión de espiritismo y convencerle de que ponga un poco de orden.

Muerta por un sandwich:

Mama Cass Elliot murió en su piso de Londres con 32 años. No sé si fue por una broma macabra provocada por su aspecto en vida, pero enseguida empezó a correrse el rumor de que se había atragantado mientras devoraba un sandwich en la cama, con un trozo del delicioso emparedado ejerciendo de criminal, pegado a la traquea.

El rumor no es cierto, aunque está claro que el amor excesivo a la comida le hizo poco bien a la componente de The Mamas & The Papas, puesto que el ataque del corazón que la llevó a la tumba si que estuvo provocado por su obesidad y su dieta (ejem) poco mediterránea.

Mars, mucho mejor que el puro de Clinton:

Como podéis leer en cualquier biografía escrita por alguna groupie de los años 60 y 70, el sexo ha sido moneda de cambio habitual en el mundo del rock y ha deparado no pocas anécdotas. Una de las más míticas y de la que no se sabe con certeza si ocurrió es la que involucra a Mariane Faithfull, Mick Jagger y una barrita de Mars introducida por donde ya os imagináis. Se dice que el trío (o el dueto más la golosina) fueron pillados en plena orgía pastelera en una redada antidroga, aunque parece ser que se la inventó el propio Jagger en el rato que estuvo en el calabozo, para pasar el rato.

La lengua de Gene Simmons:

¿Tiene el cantante de Kiss un trasplante de lengua de vaca? Desde que se le vio aparecer por los escenarios haciendo alarde de su lengua, apareció el rumor de que, en realidad, había necesitado ayuda médica para conseguir semejante longitud en el apéndice (en el superior, digo, que del otro nada sé).

Sin embargo, Simmons, que tiene muchas cosas pero no pelos en la susodicha, lo dejó bien clarito en su biografía. El había nacido con ese portento dentro de la boca y desde jovencito le resultó “muy útil” cuando estaba en la cama con chicas. Genio y figura.

El suicidio del hombre de la canción feliz:

La ironía hecha mito. ¿Se suicidó Bobby McFerrin, el hombre que encandiló al mundo con ese himno al optimismo que es Don´t Worry, Be Happy? Así funcionan los mitos: la realidad no puede estropear una buena leyenda. Y Bobby McFerrin, que aún sigue vivo, ha tenido que soportar cómo se corría el rumor de que su vida era una mierda y había decidido pegarse un tiro al poco de conquistar el éxito.

Hoy es noche de Oscars y la maquinaria promocional de la gala y el cine estadounidense ya está en marcha. Nos quieren convencer de que saben que es lo mejor del año e, incluso, nos quiere hacer comulgar con ruedas de molino, como esas siempre bizarras candidaturas a mejor canción.

Es batalla perdida, eso ya lo sabemos, pero, de vez en cuando, da gusto ver cómo se cuelan melodías que poco o nada tienen que ver con las habituales de la industria del cine. Así que hoy, para ponernos en sintonía con el resto del mundo, Hipersónica recuerda cinco ocasiones en las que Hollywood aguantó candidaturas atípicas para la categoría de mejor canción que, por cierto, se instauró para que el Let It Be de los Beatles tuviera su reconocimiento en la gala cinematográfica más mediática del mundo.

Por cierto, casi todas ellas no ganaron. Porque una cosa es abrir la mano y otra cosa premiar a cualquiera (supongo que se dirán los responsable de la Academia).

Eminem – Lose Yourself (Youtube)

El solvente Rocky estilo hip-hop que hicieron al alimón Eminem y Curtis Hanson tenía muchos puntos débiles, pero no desde luego la tremenda canción central de la banda sonora. A Eminem no le dio la gana ir a recoger un Oscar que estaba cantado (tocaba subirse al carro hip-hop, ya se sabe que los académicos llegan siempre tarde a todo), pero se lo acabó llevando a casa. O se lo llevaron, mejor dicho.

Aimee Man – Save Me (1999) (Youtube)

Paul Thomas Anderson no sólo bajo a ver a Tom Cruise para darle un papel que enderezase su carrera, sino que se agenció a una antigua nuevaolera para que, en su nuevo papel de folkie reposada, le diera el satinado perfecto de tristeza irresoluble que Magnolia necesitaba. De hecho, toda la película esta inspirada y basada en las canciones que Aimee Mann mostró a P.T. Anderson mientras trabajaba en el que iba a ser su siguiente álbum.

Tanto se enamoró el director de Boogie Nights de la música de Aimee que incluyó algunas de las letras en los diálogos de la película. No ganó el Óscar, sí el Globo de Oro, pero se puede decir que, sin Save Me, Magnolia no hubiese existido.

Blame Canada (1999) (Youtube)

La banda sonora de la película de South Park contenía esta ácida diatriba contra los canadienses. Si Def Con Dos le echaban la culpa de todo a Yoko Ono, las madres de los EEUU animados culpaban a los norteños de todos sus propios errores.

Juro que he visto en foros USA a gente que se la tomó en serio, pero que algo así se colara en la tradicionalmente encorsetada gala de los Oscars sólo puede ser fruto del terror milenario o de esa histeria colectiva que habían en 1999. Para igualar la gesta, los responsables de los Goya deberían meter con calzador en una de sus categorías el Vivo con tu madre, de La Hora Chanante. Hasta entonces, no podremos tomarnos en serio las galas del cine español.

Elliott Smith – Miss Misery (1997) (Youtube)

Las cosas de las películas de Gus Van Sant. Incluso aunque El indomable Will Hunting fuese una historia sobrevalorada que dio demasiado bombo a dos carasdepiedra (Ben Affleck y Matt Damon) y les premió conjuntamente por uno de los guiones más manidos de la historia del cine, todo eso se compensó por poder disfrutar de la canción de Elliot Smith y, sobre todo, por compartir aquel mal rato que pasó, solo con su guitarra y su traje blanco, en pleno escenario de la gala de los Oscar.

Por un momento, pareció que el mundo quería ser como Elliott Smith. Pero no: prefirieron ser como la petarda de Celine Dion y su transatlántico hundido. Mejor para nosotros: el barco de Smith aún navega, incluso después de muerto.

Tom Waits – One From The Heart (1982) (Youtube)

Corazonada fue una locura que se le ocurrió a Coppola cuando acabó demasiado harto de aquel “Horror” que Marlon Brando tan bien recitaba en lo más profundo del corazón de las tinieblas. Un musical que costó una millonada y hundió al cineasta en una de sus primeras grandes quiebras. Da igual: la película no estaba tan mal como se dice y, además, nos permitió disfrutar de un Tom Waits extremadamente romántico.

Canciones de hace 50 años revisitadas por el tipo de la voz cavernosa en un momento en que su carrera se iba a convertir en imprescindible. Y, si no, cantadas por Nastassja Kinski, como esta Little Boy Blue. Desde el corazón: ¡una gozada! Claro: no ganó. Ójala todos los fracasos fuesen como el de Corazonada.

Me aventuré a asegurar la semana pasada que el dominio de Radiohead al frente de la lista de bandas más oídas en nuestro grupo de Last.fm había comenzado a decaer, para constatar ahora que se trató de un error por mi parte dicha consideración. La banda de Thom Yorke se recupera hasta alcanzar los 99 oyentes, volviendo a dejar muy atrás a los eternos segundones en que se han convertido The Killers.

Interpol y Muse , que en otros tiempos también fueron líderes indiscutibles de esta lista, han aumentado bastante sus oyentes con respecto a la semana pasada, lo que les ha permitido recuperar los peldaños que han ido perdiendo progresivamente.

Por lo demás, Placebo vuelve a suceder a The Beatles en el habitual relevo que se produce cada semana y, casi sin darnos cuenta, el grupo ya casi roza los 400 miembros, quedándose concretamente en 398. Con toda seguridad, para la semana que viene los habremos alcanzado.

Donde sí que empieza a notarse ya el desgaste de In Raibows es en la lista de temas, en la que aunque sus diez canciones siguen copándola, lo hacen esta vez por muy poca diferencia, pues The Pretender de Foo Fighters se ha quedado a tan sólo un oyente de Videotape. No es que tenga ganas de que otros temas suplanten a los de Radiohead en esta lista, pero es que se hace un poco aburrido de una semana para otra ya si siempre vemos lo mismo.

Hipersónica en Last.fm