Como ya os decíamos hace unos días, la lluvia de noticias sobre el nuevo álbum de Beck iba a ir llegando, y nosotros os tendríamos al tanto. Pues bien, la revista Rolling Stone hoy trae una entrevista con los dos fenómenos que están tras uno de los lanzamientos más esperados de este año: Beck y Danger Mouse. Ambos hablan sobre el nuevo trabajo y cómo ha sido el proceso de grabación y producción, además de hablar casi seguro del nuevo título del álbum: Modern Guilt, enigmático si se ve que el rubio eléctrico está detrás.

Las declaraciones de ambos son muy interesantes, se ve a un Beck hablando sobre un proceso de grabación agotador.

Fue el trabajo más intenso que he hecho hasta ahora. Era como intentar comprimir dos años escribiendo canciones en dos meses y medio. Las últimas diez semanas no ha habido ningún día libre, estábamos hasta las cuatro o cinco de la mañana cada noche.

A lo que Brian Burton, más conocido por Danger Mouse, responde alabando el nivel de trabajo de Beck, como si fuera una “máquina”, y recordando las largas horas que podía aguantar en el estudio. Las alabanzas entre ambos siguen cuando hablan de su buen rollo en el estudio. Beck:

Nos sentiamos como si estuvieramos grabando nuestro cuarto álbum juntos. Ayudó que compartiamos muchas influencias musicales. Estuvimos la primera semana hablando sólo sobre diferentes álbumes. Sus conocimientos son muy profundos, especialmente con los últimos años de los oscuros sesenta, y los tempranos setenta con el rock.

Cuando se trata del álbum en cuestión y su anterior concepción como diez temas cortos, Beck responde:

Deseaba que todas las canciones del álbum fuesen de dos minutos, pero luego di rienda suelta a cada una de ellas.

Respecto al sonido, Gavin Edwards, quien les hace la entrevista, habla maravillas del disco. Anticipa algunos títulos como Walls (incluso parte de su letra Some days are worse than you can imagine.), uno de los temas en los que Cat Power pone los coros; Chem Trails, la cual compara con la primera época de Pink Floyd, con Joey Waronker a la batería; y Beggars Shoes, asemejándola con un single de the Zombies.

Además, anticipa que en la anterior mezcla, cada canción empezaba con una guitarra acústica tocada por Beck sobre un redoble, y que Danger Mouse tocaba el teclado, dejando el resto de instrumentos para su compañero. Ahora, en cambio, el sonido recuerda a la etapa de los 60s británicos. Una gran entrevista que nos da mucha información sobre el trabajo y nos pone aún más el caramelo en la boca. ¿La fecha? El rumor dice que para junio, pero esperemos una confirmación oficial.

Vía | Rolling Stone

Las noticias irán llegando, poco a poco, se dejarán desear, pero en este caso serán recogidas una a una. Beck para un servidor es un genio y es uno de los lanzamientos más esperados de este año (se rumorea que para verano), en especial por la colaboración que tiene detrás (sí sí, Danger Mouse).

En este caso, desde Pitchfork, nos llega la otra tanda de novedades. El nuevo álbum de Beck tendrá diez canciones, las que sumarán en total treinta minutos, un metraje quizás corto para lo que se podía esperar, aunque seguro que tendrá detrás ediciones especiales como hizo en Guero, publicando después el LP en formato libro y añadiendo muchos más cortes.

Desde la misma página se hacen eco de comentarios en prensa:

El resultado [de la colaboración de Beck y Danger Mouse] es un conjunto de canciones directas que abordan, desde unas letras sociales e instrospectivas, un juego de palabras espontáneo, alegre y con humor.

Musicalmente, las diez canciones del álbum oscilan entre lo habitual y la experimentación, la mezcla y la estructura clásica del pop. Mientras, Beck y Danger Mouse han manifestado compartir intereses en el psych-rock, el folk, la electrónica minimalista, y la orquestación.

Todo apunta al camino que Beck nos tiene acostumbrados: experimentación y juegos sin parar. Diversión en canciones electrónicas pero ahora con un productor detrás que tiene la música negra metida en su cabeza. ¿Se juntarán ambos lados?

Cada vez está más cerca y uno ya se muerde las uñas. En especial preguntándose qué papel cumplirá Cat Power como colaboradora en alguna canción del álbum. Sorpresa tras sorpresa…

Vía | Pitchfork

Ya sabemos que lo de Beck Hansen es la mezcla. A veces les sale muy, pero que muy bien, y otras no tanto. Pero a él le mola ser una coctelera humana, un músico capaz de juntar lo más insospechado en la misma canción y conseguir que funcione.

Y no para, porque lo nuevo de Beck contará a los mandos de la producción con Danger Mouse (el cerebro detrás de Gnarls Barkley) y parece ser que también la estupendísima Cat Power se pasará por el estudio.

¿Qué puede significar eso? ¿Tendremos una joyita soul a la manera del siglo XXI? ¿Una especie de Crazy cantado por Chan Marshall y musicado por Beck? ¿Es algo así posible?

Saldremos de dudas a finales de año, cuando está prevista la publicación del nuevo disco del californiano, que de momento no tiene título.

Vía | Indiespensables

Una semana en el motor de un autobús, el disco del que hoy en Hipersónica celebramos su décimo aniversario, es una obra marcada por una ruptura amorosa. De ahí, de ese mismo tema, han salido no pocos discos en el mundo del rock. Teniendo en cuenta que el amor es uno de los motivos principales en la historia de la música, el desamor se ha ganado también un sitio en el podio de “temas recurrentes”.

Lo que pasa es que, no pocas veces, las rupturas amorosas se musican de manera torpe y tópica. Pero cuando llega alguien con ideas frescas, no hay posibilidad de evitar rendirse. Por eso, hoy quiero elegir otros cuantos discos de ruptura imprescindibles, para acompañar al de Los Planetas. Los elegidos son:

The Mountain Goats – Get Lonely

El penúltimo disco de John Darnielle y los suyos fue todo un tratado de escribir canciones con el corazón roto y una profunda reflexión sobre su recién adquirida soledad y los trucos que hacemos y trampas en las que caemos para superarla. Por ejemplo, mantenerse ocupado (Try to think like a machine / Focus in on the task / Try not to think about what it means). O imaginar otros mundos (And when I got home I thought about you / Like a desperate policeman searching for clues / And I almost passed out just then / And I shut my eyes again / Headed for the dark hillsides /In the hidden places). O vivir en la nostalgia de un pasado que ya no volverá, como en la fantástica Moon Over Goldsboro.

Pero el disco alcanza su cumbre en la letra de Woke Up New (youtube) por fijarse en los detalles que nos quedan tras el final, en los restos del naufragio sentimental. Por contar algo tan básico como las cosas que se hacen la mañana después de que ella te deje:

La primera vez que hice café, hice demasiado para mí solo, pero me lo tome entero porque tú odiabas cuando desperdiciaba cosas.

Beck – Sea Change

Beck Hansen se ha vestido en no pocas ocasiones de algo parecido a una caricatura de sí mismo o de otras muchas cosas. Tras hacer de Prince en Midnite Vultures, posiblemente la idea hubiese sido seguir por esa línea. Pero a Beck le rompieron el corazón y, a cambio, él entrego el disco que había amenazado hacer en Mutations, pero que no llegó a concluir porque siempre tenía la sonrisa a mano.

Sí, a cambio de sufrir, Beck vuelca su caleidoscopio psicodélico, su batidora de estilos, en un álbum hecho con el corazón casi congelado, aunqque él mismo diga que supone que lo está haciendo bien. Guess I´m Doing Fine (Dailymotion), se repite una y otra vez el rubio californiano. Sí, Beck, lo hiciste muy bien.

The Afghan Whighs – Gentlemen

I should have seen this shit coming down the hall
Every night I spent in that bed with you facing the wall

La portada del disco (dos niños, él sentado en un lado de la cama, con la mirada perdida; ella, tumbada, mirándole fijamente con ojos de condescencia) es premonitoria. Gentlemen es el disco en el que Greg Dulli se pasa a sí mismo las facturas de los amores perdidos, esos que miraban a la pared en vez de a sus ojos cuando dormían juntos.

When We Two Parted (Youtube), Be Sweet (tengo una polla por cerebro, afirmaba sin rubor mientras contaba cómo ella quería amor y el sólo sexo), My Curse o esa alucinante Debonair que casi puede bailarse acaban por pintar el amor como una trampa, una cárcel que sólo provoca placer momentáneo, pero que acaba doliendo más de lo que recompensa.

Ryan Adams – Heartbreaker

Antes de ponerse a ser una estrella del rock y de darle a la bebida más de lo recomendable, Ryan Adams dejó un disco de los que quitan el aliento. Llevando el country alternativo de Whiskeytown a nuevas cotas, Adams canta con si su voz fuese su corazón, que en aquellos días parecía el de casi un adolescente: Adams se sabía roto por dentro y, por supuesto, no tuvo ninguna intención de ocultarlo.

Heartbreaker es un pedazo de rock´n´roll clásico, donde los tiempos altos te dejan helado y las baladas acaban por romperte en pedazitos. Come Pick Me Up (youtube), con una armónica y un punteo de guitarra de los que hacen llorar, es un buen ejemplo de que, por primera y casi única vez en su carrera en solitario, Adams no quiso ser de cartón piedra, sino un cantante sincero.

Spiritualized – Ladies & Gentlemen, We´re Floating in Space

Though i have a broken heart
I’m too busy to be heart broken
There’s a lot of things that need to be done
But i have a broken heart

Though i have a broken dream
I’m too busy to be dreaming of you
There’s a lot of things that i’ve got to do
But i have a broken dream

Jason Spaceman tenía una novia, pero le dejó por el cantante de The Verve. Y mientras la prensa musical inglesa se encargaba de airear los trapos sucios y de ejerce de tomateros, Jason se encerró en su propia cabeza, en busca de algo que le sanase. De una medicina para recomponer el corazón hecho trizas. Y él, que siempre había estado tan cerca de las drogas, nos regalo un medicamento sin fecha de caducidad: Ladies & Gentlemen, We Are Floating In Space.

Tremendamente relacionado con Una semana en el motor del autobús en temática lírica (el dolor no se puede aguantar, pero existen vías químicas para mitigarlo) y en conclusión (los últimos fragmentos del disco son liberadores en cuerpo y alma), Spiritualized grabaron un disco en el que los Stooges, MC5, la Velvet y el freejazz se daban la mano para hacer de receta médica.

Vendido con el aspecto de un medicamento (el libreto simulaba al de los prospectos medicinales e incluso en sus primeras ediciones los cds salían de una tableta como la de las medicinas), Ladies & Gentlemen We Are Floating in Space sigue teniendo un valor terapéutico incalculable y sus canciones aún son la repera. Por ejemplo, esa Broken Heart (youtube) que casi parece música sacra.

And i’m wasted all the time
I got to drink you right off of my mind
I’ve been told that this will heal given time
But i have a broken heart

And i’m crying all the time
I have to keep it covered up with a smile
And i’ll keep on moving on for a while
But i have a broken heart…

Marvin Gaye – Here, My Dear

Si hay una obra que merezca la pena llevar la etiqueta de disco de divorcio, sólo puede ser ésta. Porque Here, My Dear es el álbum con el que Gaye pagó la separación de Anna Gordy. Extremadamente sincero, casi pornográfico en su planteamiento, Here, My Dear sirvió para que la exmujer de Gaye recibiese su “parte de lo nuestro”.

Pero mientras otros artistas, sabiendo que el dinero iba a ir para su antigua amante, se hubieran esforzado en hacer el peor disco posible, Marvin Gaye se puso de nuevo las pilas con una colección de canciones muy notables, de tono futurista y que anticipan parte del soul de los 80. Nadie como él supo hacer de la venganza un plato tan caliente.

Liz Phair – Exile in Guyville

Deslenguada, procaz y sincera hasta la médula, Liz Phair debutó con un ajuste de cuentas de estilo casi mafioso. Con canciones de indierock contagioso, Phair anunció que iba a hacer una respuesta al Exile on Main Street de los Rolling Stones tema a tema. La chica no cumplió, pero dejó perlas de cuando la amargura y el dolor tras una relación se transforman en rabia y un sincero “que te jodan”.

Es obvio que un disco con una canción titulada Divorce Song va sobre eso, pero con el tiempo parece que se la ha dado más importancia a que Phair hablaba de sexo sin pelos en la lengua (había incluso cierta condescendencia machista en gran parte de las críticas que recibió el disco) que a su maestría para cantarnos que una ruptura es por igual dolor, rabia, frustración y liberación. Fuck and Run (youtube) es un genial ejemplo.

NIN – Pretty Hate Machine

La elección heterodoxa para esta lista, pero válida, puesto que Pretty Hate Machine es un disco de traiciones, amorosas o no. Puede que Reznor no estuviese enamorado, pero su rabia sale como si le hubiese dejado la persona más importante de su vida. O quizás sea esa la cuestión: que con el resto del mundo también se puede romper y que una decepción de ese calibre sólo puede contarse como lo hacen NIN en Pretty Hate Machine.

Bob Dylan – Blood On The Tracks

En cualquier caso, toda elección de esta lista será incapaz de lograr lo que Dylan consiguió en el disco con el corazón roto por antonomasia, su manera de decir adiós a la Sad Eyed Lady Of The Lowlands a la que le había dedicado aquellos once minutos geniales en Blonde On Blonde.

Eminentemente acústico, trágico al estilo de Raymond Chandler, Blood On The Tracks pasa de la amargura al dolor íntimo, de la pena a la rabia, de la tormenta a la paz en diez canciones teñidas con la más absoluta tristeza. Para mí éste es el mejor disco de su carrera, el que más se hace querer y aquel en el que da igual que Dylan sea un mito o no, porque lo ves como una persona cautiva y desarmada ante el veneno de las relaciones.

Nadie desde entonces ha sido capaz de igualar la pena que Bob Dylan dejó, sin necesidad tampoco de hacer de su tragedia un ejercicio de exhbicionismo impúdico. Si Dios tuviese alguna vez el corazón partido, haría un disco así.

Odelay, Beck, Beck, Odelay, el orden de los factores no altera el producto. El quinto disco del californiano, y segundo para la industria, fue su confirmación cuando todavía era un joven con un éxito irónicamente llamado Looser (hasta hoy, uno de sus mejores temas). Atrás dejaba su influencia y experimentos por la vía del folk para pasarse de lleno a los sintetizadores y todos los aparatos que en manos de Beck cobraban vida propia.

Fue un disco fresco, revolucionario para una época en que la electrónica, si bien construía sus pilares de forma muy dispersa en diferentes frentes, no tenía mucha vocación de superar un gran público que se interesase por sonidos más extraños de lo normal. Beck consiguió el éxito de crítica y público, en parte por una acertada campaña comercial y el saber estar del músico en el momento exacto, pero en su mayoría por la tremenda calidad que acompaña a Odelay.

Todo empezaba con Devil’s Haircut, himno nada más reproducirse por primera vez y escuchar la base; Hotwax nos daba al Beck más volcado al rap, parte que explotaría en posteriores entregas como Guero (2005, Interscope); Lord Only Knows demostraba su poderío en el manejo a su antojo del ritmo y con The New Pollution anticipaban Midnite Vultures (1999, DGC). Y así podríamos seguir hasta el último corte, porque todo en Beck es el eterno retorno, el último disco puede sonar al primero y viceversa, desde un inicio podría haber estado anunciado Sea Change (2002, DGC) y no habernos enterado.

La magia que posee es inusitada para un artista de su generación, quemados a las pocas referencias publicadas o hundidos por no saber aguantar la fama y su mundo. Beck al parecer ha hecho de ésta un elemento más para su música. Bien se puede pasear por las mejores majors que coger otra vía ajena.

Ahora se dejan tres remixes para empezar el fogonazo del segundo disco, en manos de U.N.K.L.E. (Where It’s At), el otro rubio de oro de la electrónica: Aphex Twin (Richard’s Hairpiece) y Mickey P (American Wasteland). De los tres, el único que carece de gracia es el último, manteniendo los dos primeros el nivel de los artistas que los firman. Cada uno los llevan a su terreno, U.N.K.L.E. más oscuros y Aphex Twin en una mezcla entre breakbeat y techno.

Después vienen once cortes de caras-B y tres añadidos al primer cedé. En estos casos, como siempre pasa, hay de todo. Desde un Beck creativo (Electric Music and the Summer People) hasta un puro experimento con ruido (Lemonade). La mayoría dan canciones a tener en cuenta para los seguidores de la obra de Beck, y también para aquellos que quieran disfrutar de un buen disco de electrónica sin barreras. Una edición Deluxe para recordar Odelay e ir situando a Beck donde ya está hace mucho tiempo: entre los más grandes.

El rubio más popular de la electrónica (¿acaso tu madre conoce a Aphex Twin?) vuelve a España tras un buen tiempo sin visitarnos. Madrid será el único lugar elegido por Beck para realizar su directo. La fecha: el nueve de julio. El recinto: La Riviera. El precio: 33 euros.

Para un servidor será uno de los conciertos más esperados del año, ya que Beck no viene con nuevo disco y nunca se sabe por dónde saldrá el artista estadounidense. The Information será el más predominante en su repertorio, pero seguro que caen sus primeros hits (“Looser”, “Devil’s Haircut” o “Sexx Laws”).

Pero la sorpresa mayor estará si decide presentar su material aún sin publicar, previsto para otoño de este año, ahí sí que los seguidores quedaríamos agradecidos por verle en directo. Este trabajo es la unión entre dos genios: Beck y Danger Mouse, las expectativas no son pocas…

Vía | Iguapop

Atentos, porque en las próximas fechas van a estar a disposición de todos dos de las reediciones muy esperadas. Más de diez años después, tanto el Odelay de Beck (¿su mejor disco aún?) como el Young Team de Mogwai (debut mítico donde los haya) van a recibir un trato preferencial por parte de sus creadores.

Generalmente, no suelo estar muy de acuerdo con las reediciones de discos que aún se pueden encontrar con facilidad en las tiendas, principalmente porque los extras con los que pretenden venderse suelen ser meros añadidos vacíos y sin interés real para el que no es muy fan. Siempre hay excepciones, como la gloriosa recuperación del Steve McQueen de Prefab Sprout, con ese segundo disco acústico en el que las canciones antiguas vuelven al presente con toda la fuerza del mundo.

A lo que nos ocupa. En el caso de Beck, la reedición de Odelay vendrá acompañada por dos canciones que no llegaron a incluirse en el mítico disco y un segundo cd, con remezclas de las canciones originales. Teniendo en cuenta lo mucho que se prestaba al remix aquel collage de estilos que era el disco del rubio californiano, ese segundo cd podría no ser simplemente un añadido para hacer picar a los fans. ¿En qué habrá quedado convertida la estupenda The New Pollution que encabeza este post?

Por su parte, Mogwai han decidido recuperar su debut para conmemorar los diez años de su publicación. Para ello, le darán un lavado de cara al disco, remasterizándolo, dándole un nuevo aire a la portada, añadiendo unas cuantas canciones extra sacadas de las sesiones de grabación y recordando aquellos días con un dicen largo texto de acompañamiento al disco.

Puede que ya sólo se recuerdo Young Team como un disco de guitarras encendidas, pero lo mejor de todo eran los contrastes, como se puede ver en la cálida Radar Maker.

Conquest fue la mayor sorpresa del esperado Icky Thump y rodeado de sorpresas estará el lanzamiento de este divertido pasadoble mariachi como nuevo single del sexto disco de The White Stripes.

La primera de ellas es que Beck ha grabado con ellos tres nuevos temas en los que toca el piano, pone su voz y la slide guitar y que acompañarán al tema Conquest como caras B en las tres versiones en 7 pulgadas en las que se presentará este nuevo single haciendo honor a sus ya míticos tres colores: rojo, negro y blanco.

Cash Grab Complications On The matter aparecerá en el vinilo rojo, It´s My Fault For Being Famous en el negro y Honey, We Can´t Afford To Look This Cheap es la elegida para la versión en blanco. La unión Beck-White Stripes puede ser explosiva pero únicamente en Estados Unidos se pondrá a la venta un maxi single que reune todo el nuevo material. Aquí tendremos que esperar hasta el último día del año para decantarnos por alguno de los tres colores. ¿O nos hacemos con los tres?

El videoclip de Conquest también promete alguna que otra sorpresa y es que de momento sabemos que Jack White se calza el traje de luces para conquistar a su amada. ¡To-re-ro!

Vía | NME
Sitio Oficial | The White Stripes