Los álbumes dobles, los recopilatorios con dos singles buenos pero repartidos en dos discos, los remixes y los directos, los especiales en dos partes. 13 (1999, Food) tiene perfil para hablar primero de la terapia post Justine Frischmann y en esta segunda parte hacerlo de la jam de William Orbit.

Cambio de chaqueta, te queremos a ti, Orbit

La decisión de cambiar de productor era la más arriesgada que había tomado Blur en mucho tiempo. Adiós al quinto miembro desde sus inicios con Leisure (1991, Food), adiós a uno de los nexos que había impedido que los británicos se separasen, templando ánimos, haciendo de padre para unos jóvenes con una fama espontánea que digerir, eso y la lucha de egos conocida.

Ray of Madonna.

Dave Rowntree informaba a The Star:

Tenemos un nuevo productor con el cual esperábamos cambiar la forma que teníamos de trabajar. Queríamos empezar desde cero si necesitábamos hacerlo.

Que Stephen Street no siguiese a bordo fue decisión de Damon Albarn, para no variar. Él quería romper con todo lo anterior al completo y para ello la baja de Street se antojaba necesaria en su cabeza. El grupo necesitaba otros aíres y ellos mismos no los iban a encontrar, necesitaban un hombro sobre el cual apoyarse e impulsarse puesto que no daban para más.

Albarn sobre Street en 3862 Days:

Stephen Street siempre será parte de lo que somos nosotros, No sé cómo se siente por esta decisión pero espero que se lo tome bien. En realidad tenía que hacerlo. Tenía que ver si nosotros podíamos trabajar con alguien más. Era algo personal, nosotros necesitábamos a alguien que en realidad no nos conociese. Tú puedes ser más abierto frente a alguien que no te conozca. William ejerció un poco de siquiatra de todos nosotros.

William Orbit tampoco se quedó atrás a la hora de elogiar a Graham Coxon, una persona bastante insegura por todo lo que transmiten sus palabras, obras y personas que le rodean. De él dijo a Facemag:

Este tío puede hacerte llorar, él puede emocionar una guitarra más que nadie con quien he trabajado. Además es una de las personas más intrincadas que he conocido.

El libro 3862 Days recogía las dudas de Coxon:

Estaba un poco preocupado por cambiar de productor. Era muy reticente a decir adiós a Stephen porque soy un cobarde y estaba orgulloso del último álbum. Me llevó su tiempo conocer a William. Estaba un poco asustado de hacerlo. Al poco le conocí y me gustó mucho. Él es muy diferente a Streety quien es más como un profesor de universidad, más rígido. Con William era más haz lo que te dé la gana.

“Todos nuestros álbumes han vendido alrededor de las 600.000 copias. Es suficiente para mí”. Albarn.

Como decía Madonna, trabajar con él era como hacer una película. Tú creas escenas individuales pero no puedes decir cuál es su forma o el sentido mientras lo estás grabando. Él graba horas y horas de música y luego lo racionaliza. Es más como escuchar tu música como si alguien más pudiese escucharla. Es una revelación.

Según Alex James, “Orbit es completamente meticuloso y contemplativo en su propuesta”. Este modo de trabajar al principio confundió un poco a Coxon quien no estaba a gusto, según las palabras de Albarn en 3862 Days:

Al principio él sentía que estaba siendo excluido cuando en realidad William estaba tomando todo lo que él hacía y guardándolo. Parecía otra conspiración para Graham. Fue una gran sensación para Graham darse cuenta que no había ninguna gran conspiración en marcha. No es él contra el mundo. Es él y sus compañeros contra el mundo.

Ante todo, ¿por qué William Orbit? ¿Qué pintaba el productor londinense con Blur? ¿Qué iba a aportar al grupo que no lo hiciese otro?

En 1998 William Orbit ya se había licenciado en la competitiva empresa del éxito masivo, de las grandes masas de público y de los álbumes con tantos ceros detrás en ventas como singles en listas de éxitos. Ray of Light fue la causa de ello. Publicado el 3 de marzo de 1998 y grabado entre mayo y septiembre de 1997. Fue el álbum que renovó a Madonna y que le brindó unas ventas que en este momento parecen superar las 16 millones de copias en todo el mundo. La manera de unir una electrónica masiva y el Pop de patadón arriba supuso un triunfo para William Orbit.

Blur ya conocía la labor del solicitado productor desde hace años. El álbum Strange Cargo (1987, I.R.S. Records) no paraba de sonar en el autobús de la banda durante muchos de sus tours, según asegura Alex James en su libro, Bit of a Blur. Él mismo reconoce que “Orbit ayudó a Madonna a hacer su mejor álbum, Ray of Light, y que era el productor más solicitado del mundo”.

Por suerte, la relación con su sello no daba ningún problema, o al menos así lo aseguraba Damon Albarn a NY Rock:

Somos realmente afortunados. Las personas que están en EMI son las mismas de siempre. Son con quienes hemos trabajado durante toda nuestra carrera. Tenemos muy buenas relaciones, casi somos amigos. Ellos saben que nosotros no vamos a liarla.

Con EMI de su parte, la aventura de los remixes en forma de álbum para sacar tajada, como fue Bustin’ + Dronin’ (1998, Food), cobra especial relevancia en la carrera de Blur, pasando de ser un sacacuartos más a ser un punto y aparte con William Orbit colaborando por primera vez con los británicos. En realidad Orbit solo les hizo un remix, para ‘Movin’ On’’, que, todo sea dicho, fue de lo más destacable del doble álbum (el segundo disco contiene temas en directo). En esta aventurilla también participaron gente tan variada como Thurston Moore, Moby o John McEntire.

Para grabar el nuevo álbum Blur y William Orbit con su equipo se trasladaron al estudio que Damon Albarn tenía alquilado en Ladbroke Grove, al oeste de Londres. A unos 800 metros del piso que tenía en Goldborne Road. Un estudio enano sobre el Alex James decía en su libro: “Trabajar en aquel estudio era como grabar un disco en un ascensor“.

Habiendo cerrado al productor más caro del momento, la mayoría de las bandas probablemente habrían tomado el paso lógico de ir al estudio más caro del mundo pero nosotros escribimos 13 en uno en el oeste de Londres con buena relación calidad-precio.

Estudios Mayfair, Londres.

Después se pasaron a los conocidos estudios Mayfair, situados en Primrose Hill, Londres, cerca de Camden Town. Allí estuvieron otras dos semanas de trabajo ininterrumpido, con solo una visita puntual para ir al pub, según Alex James en 3862 Days. El propio bajista reconoce que el grupo estaba muy metido en la grabación y que tuvieron buenos resultados.

Esta visión no es la que tiene el propio Orbit que declaró a Uncut:

Había una batalla entre la dirección más experimental de Damon y la punk de Graham, y Graham prevaleció. La tensión que había ido creciendo en los anteriores álbumes llegó a su cenit aquí.

Dave Rowntree también habla sobre esto en el documental No Distance Left To Run:

El problema con 13 es que las cosas se empezaban a desmoronar entre nosotros cuatro. Hacerlo fue un proceso bastante triste. La gente no aparecía en las sesiones, o aparecían borrachos, insultaban y se iban cabreados.

Graham Coxon en el mismo documental:

13 me encantaba, y me encantaba llevarlo de gira. Pero yo cada vez me iba desequilibrando más. Yo estaba muy loco cuando hicimos 13, con lo que tuve algunos buenos momentos musicales, pero quizá no era muy buena compañía. No tenía ni idea de que las cosas iban mal entre Damon y Justine, aunque fuera fácil de adivinar.

El mismo Coxon declaraba a Facemag:

Hemos encontrado a Dios con este álbum. Este es el álbum de mayor potencia. La música es la mayor energía.

El proceso de grabación cambió y William Orbit metió en una nueva dinámica a Blur a la que no estaban acostumbrados al hacerles grabar durante horas jams que luego guardaba y editaría.

Damon Albarn:

Nosotros nos limitamos a hacer las cosas como nos gustaban y al final de cada sesión William guardaba las cintas, con horas y horas de jams, grooves e ideas con las cuales se puso a trabajar.

Una grabación que Dave Rowntree disfrutó de especial manera según contaba a 3862 Days:

Fue más divertida para mí. Yo tenía más influencia en las cosas más que añadir una simple pista de batería a la canción final. Las grabaciones de anteriores discos habían sido satisfactorias para mí pero no siempre divertidas. Grabar no es muy interesante para un baterista. Nunca he disfrutado especialmente grabando discos. Estas sesiones incluso se iban convirtiendo en algo más frenético, salvaje e interesante según el tipo pasaba. Es algo que creo que se puede percibir en el disco.

También declaró lo siguiente a la revista The Star:

En la grabación de 13 he podido añadir mi propio punto de vista, mi propio trabajo al álbum. Todas las baterías están por alguna razón. Actualmente estoy tocando el cielo con la punta de los dedos de alegría. La grabación de Blur fue más como correr una maratón, como si fuese la última carrera. No fue nada divertida.

Damon Albarn describía a NY Rock cómo era esta nueva etapa:

Es más sencilla, más natural, menos construida y definitivamente no es tan británica.

Coxon en No Distance Left To Run:

13 es un disco real y muy creativo. Salió de muchas sesiones de improvisación. Dios sabe cuántas semanas hemos necesitado para crear un buen sonido. Horas y horas y horas para hacer estas canciones. Lo mejor de grabar un disco como ese es que no sabes lo que estás haciendo hasta que está organizado. Era lo más cerca que podías oír a tu propio grupo sin ser parte del proceso que te revela el plan. Escuchar eso estaba lleno de magia.

Este nuevo proceso encaja con las aventuras recientes de Damon Albarn y Graham Coxon colaborando juntos en julio con Silver Apples en el festival Meltdown, así como del remix que ambos se marcan para el tema ‘Angel’ de Massive Attack.

Aventura en 13 hay y mucha para los cuatro de Blur en comparación a trabajos previos como The Great Escape. El propio Graham Coxon llamó a 13 como una “a devil worship bad trip Gong album“.

Según Dave Rowntree a The Star:

Este álbum es de lejos el mejor que hemos hecho, el más imaginativo y uno de los más interesantes. También es el mejor situado y el mejor producido.

¿Y a Stephen Street? ¿Qué le pareció 13?

Me gusta, pero yo soy un gran fan de Blur. Sin embargo, puedo imaginar porqué algunas personas pueden estar un poco desilusionadas con la dirección que ellos han tomado, porque es más oscuro – en el sentido que la voz de Damon pesa mucho, mientras que el bajo de Alex está demasiado reducido a un redoble de fondo la mayor parte del tiempo. No es como yo lo habría producido pero aún así creo que es un buen disco. Con el álbum Blur fuimos capaces de conjugar el lado arty y el experimental, especialmente con temas como ‘Essex Dogs’ o ‘Beetlebum’. Espero que ellos no permitan que su gusto pop desaparezca demasiado.

13 en canciones

Blur vuelve a abrir un nuevo álbum situando toda su mejor tralla al inicio. ‘Tender’, ‘Bugman’ y ‘Coffee & TV’ se convierten en sus tres ases para conquistar al público más variado. Repiten la misma estructura que llevan haciendo desde Leisure (‘She’s So High’, ‘Bang’, ‘Slow Down’). Modern Life is Rubbish (‘For Tomorrow’, ‘Advert’, Colin Zeal’), Parklife (‘Girls and Boys’, ‘Tracy Jacks’, ‘End of a Century’, …), The Great Escape (‘Stereotypes’, ‘Country House’, ‘Best Days’…), Blur (‘Beetlebum’, ‘Song 2’, ‘Country Sad Ballad Man’…).

Hasta la quinta canción salen los éxitos más directos y ya para el final las canciones lentas con sus baladas. ‘No Distance Left To Run’ es la ‘To The End’, ‘Miss America’ , ‘Birthday’, ‘Strange News from Another Star’… correspondiente de 13. Aunque en esta ocasión 13 tiene una mayor bajada hacia los infiernos de los lloros de Albarn.

A partir de ‘Battle’ dominan los medios tempos y van desapareciendo las guitarras más duras que sí escuchamos en este tema. ‘Mellow Song’ es el lamento que abre la veda al resto y que culmina con la formidable ‘No Distance Left to Run’, una de las típicas composiciones de Albarn al bajar la velocidad e irse a una esquina a cantarle al cuello de su polo. Esta vez, con el cuello húmedo.

Antes de ‘Battle’ 13 ha ido jugando con el bucle de la jam que se han ido montando de diversas formas. ‘Swamp Song’ es la primera que abre más ese cambio en el sonido que en ‘1992’ se hace más evidente, con desarrollos instrumentales largos y un crescendo asfixiante para culminar al final con la caída del techo encima de la cabeza del cantante mientras que sigue silbando. Antes ya había dejado sus perlas: “Te encantaba mi cama pero escogiste la otra”.

Una canción que pide más fuerza en la guitarra de Coxon de la que percibimos en la mezcla, por no hablar del bajo de James, desaparecido, con la batería de Rowntree convertida en una hermana de la caridad. Solo el teclado de Albarn resiste en este tema más propio del Post-Rock. Tampoco es nada nuevo en Blur. Recuerda a ‘Sing’ pero pasado por unos traumas que buscan algo nuevo sin saber qué es.

Igual que con la pareja ‘B.L.U.R.E.M.I.’ y ‘Swamp Song’ (la última en entrar en 13, considerada cara B hasta el último minuto), que podría ser la continuación de ‘On Your Own’ y ‘M.O.R.’. Albarn sigue con el poso de Pavement y del Krautrock muy metido dentro, Albarn y Coxon, claro. Él mismo dice que son mejores haciendo este tipo de canciones de punk-rock.

‘Bugman’ es la canción de guitarras necesaria para abrir entre dos de Pop y seguir conservando a cierta parte de los fans que se habían sumado en 1997. Un tema rápido, con un tartamudeo efectista que le da su gracia junto a las capas de sintetizadores y filtros que acaba metiendo encima William Orbit, enterrando a la banda al fondo y con Albarn pidiendo oxígeno en falsete al final de la canción. Que sí, también dice que tiene que salir de la ciudad, que hay partes de riffs y bucles que traen a ‘Essex Dogs’ a la cabeza, y que, cómo es normal, es la favorita de Alex James de todo el álbum al ser “pura jam”.

Un álbum como 13 necesita de un vals triste e instrumental con el cual bailar como hombres en pena. ‘Optigan 1’ cumple esa función. Grabado después del concierto de Barcelona en junio de 1997, tras una noche de fiesta destructiva tras la que hasta el propio Alex James confiesa que se encontraban fatal pero que hicieron la “hermosa” ‘Optigan 1’ y “se sintieron mejor”.

Antes de llegar a este final en el que nos hemos encontrado la pintura sin cabeza de Graham Coxon de la portada despedazada por cada canción personal de Albarn ‘Tender’ había abierto las puertas con una ironía que podría haberse repetido en posteriores entregas, sin suerte. Ironía porque es el el alegato de luchar en un momento destrozado. Comienza su álbum más triste de la forma más alegre.

Es el Albarn llorica que nos encontramos al comienzo pero con contrastes. En la primera estrofa parece que va a caer la losa, los demonios se van, un alegato a Dios para que alguien le sane la mente… Mal rollo. Y de repente: “Get trought it”. “Y el amor es lo mejor”. No es un lamento completo, más bien es un canto de esperanza con el coro de góspel animando al hooligan a levantarse y dejarse de lloriqueos. Supéralo, Albarn, supéralo.

Alex James en el documental No Distance Left To Run:

Cuando colaboraban en ese disco era mejor que nunca. ‘Tender’ es probablemente la canción en la que más colaboraron. Graham escribió una parte y Damon otra.

El mismo bajista se extiende sobre ‘Tender’ en su libro:

Una mañana, Graham y Damon estaban trabajando en una nueva canción titulada ‘Tender’. Se me ocurrió que lo que en verdad necesitaba era un bajo doble. Me fui en taxi a casa para coger el mío y traerlo de vuelta al estudio, pero ellos se habían cansado de trabajar en la canción y se habían ido a por pan. Enchufé el bajo y le dije a William que me pusiese la canción de nuevo. Él dijo: ‘creo que tengo lo que necesito aquí’. Él me sampleó y sus ayudantes usaron su tecnología de ordenador para convertirlo en una línea de bajo. Sonó muy bien, estaba muy contento.

Al principio ‘Tender’ iba a llevar cuerdas, según cuenta William Orbit en 3862 Days pero “la canción siempre tuvo ese sentimiento góspel, entonces pensamos: ¿por qué no intentarlo con un coro de góspel real?”. En esas apareció el London Community Gospel Choir formado por 40 personas que dotaron a ‘Tender’ de un ambiente especial en el coro, dándole una épica que no chirría. El juego de voces lo es todo en ‘Tender’ con Graham Coxon añadiendo su granito de arena con el ‘oh my baby’.

Damon Albarn en No Distance Left To Run: “No me puedo creer lo importante que es hoy esa canción”.

Alex James añade una nota de humor a la historia de ‘Tender’ en su libro:

Recibimos un fax pidiendo que no fumáramos o maldijéramos, con especial referencia a las blasfemias, mientras el coro estuviese en el estudio.

Tan pronto como ellos comenzaron a cantar el tema se convirtió en un número uno al instante. Fue la mejor cosa que nunca hemos hecho. La canción fue un gran esfuerzo de colaboración entre Damon y Graham, también en un momento en que su relación estaba bastante inquieta.

En cuanto la canción terminó, William activó el micrófono para hablar y el coro le pudo escuchar a él diciendo: “Jesus H moterfucking Christ! Ooh shit! Sorry”.

Para tal declaración herida mejor recuperar antiguas baladas ya escritas con estructuras que le han funcionado. Sobre todo ‘Miss America’ que aquí parece revivir con más músculo.

Albarn buscaba liberarse y romper con el pasado en 13, ‘No Distance Left to Run’ cumple esa función de dar portazo definitivo a aquella época.

Graham Coxon sobre el tema No Distance Left to Run:

Nos quedó muy claro cuando escuchamos la letra. Y en ese momento para mí era una forma de recordarme que Damon no era un maníaco ambicioso y despiadado sin sentimientos. Era de carne y hueso y estaba sufriendo. Ese tipo de cosas me hacen quererlo de nuevo. Ese: ‘Vaya, es como yo, pero lo hace de otra forma’.

‘No Distance Left to Run’ se mantiene sin ataques, deseando que Justine Frischamnn “encuentre a alguien que le haga sentirse segura cuando duerma por las noches”. Albarn ya desiste de seguir luchando por una relación destructiva, él sabía que iba a acabar así, incluso al final llega a lamentar no haber pasado más tiempo con ella deseándola que encuentra a alguien que lo haga más. Pero al mismo tiempo le pide que si le ve se dé la vuelta y se marche. No quiere verla.

El segundo single que ayudó a promocionar 13 fue ‘Coffee + TV’. La canción más Pop de todo el disco y cercana al gusto del Rock de Graham Coxon (Pavement y cía, aunque Beck sigue ahí sobrevolando todo, igual que cierto poso de Britpop de aquellos años dorados). Un tema que lleva por título los vicios del guitarrista con los que superó su adicción al alcohol. De nuevo vuelve a ser una canción en la que Albarn y Coxon comparten protagonismo. El primero firma la música y el segundo la letra. Aún no sin polémica.

Graham Coxon a Select:

La única razón por la que la canté fue porque Damon tenía que escribir la letra para otra cosa. Él dijo: escribe una letra. Entonces cuando fui a casa la escribí esa noche e hice la grabación de la voz en dos tomas. Pero tenía miedo de cantarla en directo. Al final lo hice, no tenía elección.

Albarn a NME:

Cuando la escribí era más lenta, mucho más relajada, más ‘Country Sad Ballad Man’, un Country Blues calmado. Empezamos a tocarla y nadie entraba en ella. Graham lo intentó más rápido y consiguió el ritmo, él estaba más hacia Sonic Youth con ese ritmo en aquel momento. Entonces cogimos prestado el ritmo y yo realmente no podía sentir más, por lo que no podía terminar la letra.

Después Graham la cantó y no lo hizo muy bien. Yo le dije: ‘Eso no es suficientemente bueno’. Días más tarde él la cantó de nuevo y yo canté para completar las armonías. Ahí estaba el tema final.

Vuelve a ser gracioso que Graham Coxon, el supuesto más rockero de la banda acabe firmando en los últimos dos álbumes el tema más Pop y suave del álbum. Al menos en esta ocasión no fue el ‘You’re So Great’ de Blur. ‘Coffee & TV’ ha pasado a la historia de la música actual gracias a al videoclip de animación que dirigieron Hammer & Tongs con los cartones de leche.

Además de estos tres temas destacados, 13 tiene dos grandes canciones donde Blur sí cambia lo que estaban haciendo hasta entonces. ‘Battle’ y ‘Caramel’ son más Think Tank que 13 incluso. ‘Battle’ fue el tema que precedió a la ruptura con Justine Frischmann. Albarn lo escribió estando de vacaciones en Indonesia y tiempo más tarde William Orbit decide cubrirlo de capas de Krautrock mientras él ya atisbaba lo que se le venía encima pese a que parecía seguir luchando.

‘Caramel’ también sobrepasa los siete minutos junto a ‘Battle’ (‘Tender’ es la tercera canción de 13 que lo hace). De estructura similar, yéndose por las ramas de las elucubraciones instrumentales, con los teclados mandando bastante en primer plano y con una templanza inicial que me flipa. Ya a la mitad se produce el corte entre capas con eco, con ALbarn al fondo que parece haber entrado en modo chamán poseído entre tanta letra anunciando que “yo tengo que superarlo”, “tengo que ponerme mejor”, al tiempo que “yo te querré por siempre”. Tras un aparente final un mínimo interludio como el cierre de ‘Optigan 1’.

13 es el final de Blur como la banda colectiva que hasta entonces podía haber sido, con sus limitaciones. Aquí se acaba una época que no solo termina con Justine Frischmann sino con Graham Coxon al poco, y por ende con el grupo, que acaba siendo un proyecto personal más de Damon Albarn en breve centrado en Gorillaz, en la música africana y en convertirse en el gurú contemporáneo que todo hooligan aspira a ser entre grito y grito de los goles del Chelsea.

I got no distance left to run.

Tracklist de 13 de Blur

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Fuentes | 3862 Days, Bit of Blur, No Distance Left To Run, Blur Page, Esquire, NME, Mojo, The Star, Face Mag, Select, Music365, Blur talk (cerrado), NY Rock, Wikipedia

Discografía de Blur en Hipersónica

• Blur – 13 (I): la terapia post Justine Frischmann
• Blur – 13 (y II): la jam de William Orbit
• Blur – Blur (1997): Coxon y el mercado del Rock Lo-Fi estadounidense
• Blur – The Great Escape (1995): convertidos en propiedad pública
• Blur – Parklife (1994): uno de los mejores discos de Pop de la década
• Blur – Modern Life Is Rubbish (1993): la búsqueda de un nuevo Pop
• Blur – Leisure (1991): unos jóvenes británicos dispuestos a comerse el mundo

Battle, Battle, Battle, Battle, Battle
Battle Someone… oooh.

Cual perro castrado, cual chiguagua vestido de domingo con su diminuto camisón rosa, con encaje y transferencias, cual profundo de la vida cuya fortaleza sentimental se ha venido a bajo Damon Albarn gimotea en ‘Battle’ con una voz duplicada con falsete pidiendo que alguien le adopte. Mirad cuánto ha sufrido. El joven rey del Britpop rubito, con su cara de pícaro hooligan de clase media pero con ciertas inquietudes (ya si eso para mañana) llora, gimotea, pide guerra, pide un descanso ante una dura ruptura que le deja devastado. 13 (1999, Food) es su solución. Y de paso la de Blur.

1999, el vértigo a cerrar un siglo

Blur en la portada de Q, abril de 1999.

El vértigo inventado y traído a cuento para engrandecer relatos. A final de los 90 a unos meses escasos de otra de esas fiebres tan nuestras, como fue el efecto 2000, nos habíamos quedado sin grandes moda masivas que dominasen la escena musical como hace unos años lo había hecho el Britpop. Este no andaba de parranda sino que estaba sufriendo el regusto de aquel chicle barato mascado hasta por el apuntador tras saborearlo una rubia despampanante.

Mejor aún, en 1999 una banda desconocida llamada Coldplay lanza su segundo single, Brothers & Sisters en Fierce Panda, ya publicado un año antes como cara B en una cinta de casete. Un año más tarde lanzarían su álbum de debut: Parachutes (Parlophone) y empezaba otra historia de otro rubito melodramático y más coelhista de la vida. En ese mismo año 2000, Oasis debían estar sufriendo los cortocircuitos de la fiebre de los tres ceros porque se atrevieron a publicar uno de sus álbumes más graciosos, Standing on the Shoulder of Giants (Big Brother) tras tres años de Be Here Now (Creation). Oasis siempre han tenido mucho humor.

Blur en la portada de New Music, abril de 1999.

Pero vamos, el vértigo de la banda estaba más en sus 30 años cumplidos; salvo Dave Rowntree que ya se le había pasado la tontería de saltar de dígito en 1994, puesto que es el mayor, del 64. Mientras, Damon Albarn, Alex James, ambos del 68, y Graham Coxon, del 69, se acercaban a tal barrera psicológica que a Albarn le había hecho ir madurando, explorando tales inquietudes entre lagrimón y lagrimón por su Justine querida.

Damon Albarn en la portada de Esquire, enero 2000.

Albarn a Esquire:

El único momento en el cual yo me sentía seguro era encima de un escenario o cuando estaba realmente borracho. Beber se convirtió en un estilo de vida. Era una forma más llevadera para estar. Suena ridículo pero no sentía que fuese a vivir mucho tiempo. Sentía que podía morir en cualquier instante…. Creo que fue una especie de menopausia de finales de los años 20 unida al estado jodido de la fama.

Por tirar de archivo, Damon Albarn en 1995, aún joven y exultante, corriendo tras de cerdos en granjas y justificando su Dan Abnormal, se sacaba una de sus perlas:

En 1991 dije que nuestro tercer álbum seríamos la banda más importante del país. Y ahora yo digo que en 1999 nosotros seremos el grupo más importante en el mundo. Y también en la luna. Y quizá en Marte.

En 2000 Dave Rowntree confesaba a Select:

Todo el mundo tiene su propia vida que vivir. Me ha llevado diez años conseguir un apellido. Durante una década he sido Dave el de Blur. Es bueno ser Dave Rowntree.

Blur después de Blur

Portada de Blurb.

Blur (1997) como álbum levantaba el desliz generado por The Great Escape (1995, Food) y se iba a unos terrenos en los que Graham Coxon estaba más feliz tras sus gafas de pasta negras. Albarn volvía a saltar, tenía a su amigo feliz aporreando la guitarrita y habían logrado entrar en los Billboard 200 de los Estados Unidos con su mejor puesto hasta la fecha, en el 62 (el anterior mejor registro fue un 150 con The Great Escape). Vale, Oasis logró un 58 con su debut y un meritorio puesto 4 con (What’s the Story) Morning Glory? (1995, Creation) y un 2 con Be Here Now pero, coñe, que en 2000 sacaron su broma de hombros agigantados.

Albarn declaraba a NY Rock:

En realidad estoy muy orgulloso de que Blur esté todavía en pie. Ya sabes que la cultura británica atravesó por un par de cambios extraños. Algunos sobrevivieron, otros no. Quizá esa es la razón por la que me gusta tanto Kurt Weill. Él es un superviviente, como nosotros.

Desde que publicasen Blur, el 10 de febrero de 1997, los británicos estuvieron de gira durante nueve meses por todo el mundo con resultados felices para ellos en grandes recintos, apoyo popular que también se tradujo en apoyo de la crítica.

Cuando Blur comenzó a grabar 13, desde junio a octubre de 1998, buena parte de los miembros habían experimentado por libre en nuevas aventuras sin Albarn como cabeza pensante. Graham Coxon parecía el más necesitado de ellas. En 1998 publicó su primer trabajo de estudio bajo su propio nombre. The Sky is Too High salió publicado en su propio sello Transcopic. Un trabajo de Lo-Fi donde su querido Hardcore estaba ausente entre temas lentos de Folk con guitarrita triste. También merece la pena destacar el estado de sobriedad de Coxon, que había dejado la bebida.

Coxon en el libro 3862 Days:

Yo solo dejé de beber por completo. Iba al pub y tomaba dos vasos de Coca-Cola, después iba a casa y bebía un montón de café, veía la televisión y escribía pequeñas canciones que acabaron convirtiéndose en mi disco. Fue parte de mi rutina terapéutica como comprar o hacer puré de patatas. Casi todo lo escribí completamente aburrido a las dos de la mañana cuando no estaba mentalmente muy contento entonces los temas surgieron demasiado folk.

El propio bajista había madurado. En declaraciones a Facemag:

Siempre quise pasar mi veintena borracho y haciendo el ridículo, siendo un genio alcohólico idiota que vivía en el Soho (Londres). Pero no es tan elegante cuando envejeces y empiezas a parecer una patata. La vanidad es mi gracia salvadora, definitivamente.

Por su parte, Dave Rowntree es el baterista tímido, vergonzoso, el que no rompe un plato y se saca la licencia de piloto, además de perfeccionar su dominio con los ordenadores de cara al trabajo con animación, entre otras cosas (la política llegaría más tarde). Había dejado la bebida, se había casado y vivía de forma tranquila en Hampstead, Londres; una de las zonas más caras de la capital. Es el hombre tranquilo, de pareja e inquietudes más por hobby que por oficio musical. Él mismo dice a Facemag: “La mejor cosa de estar en Blur ahora es darnos a nosotros mismos la libertad de no tener que estar solo en Blur”.

Rowntree declaraba a The Star el 9 de febrero de 1999:

Los días de intentar ser más luminosos se han ido. Estamos intentando sonar un poco más serios, en realidad no en el sentido estricto de la palabra, sino algo que podamos relacionar con ello, porque este es un negocio serio.

Albarn decía en 1999:

Es difícil ser tomado en serio cuando tú eres un chico guapo.

Rowntree aclaraba que no eran un grupo de Pop.

Pop es una palabra divertida. Tiene diferentes significados en según qué países. Si tú le preguntas a alguien en Francia ellos pensarán en algún tipo de música electrónica arty procedente de Estados Unidos, Pop es un grupo como New Kids On The Block. Si es a lo que tú te refieres, entonces no, no somos un grupo de Pop.

Mientras, el propio líder seguía a su ritmo. Empieza a colaborar con terceros, una faceta que luego se volverá algo habitual en su carrera, en especial con él como centro de las miradas. Albarn se une con Michael Nyman para Twentieth Century Blues donde rinden tributo a Noel Coward. También en la banda sonora de la película ‘Ravenous’ (1999) de Antonia Bird.

Sobre Nyman Albarn declara a Music365:

Él fue el que me enseñó a “nunca desaproveches una nota”. Tengo ese mensaje clavado en la habitación. Trabajo todo los días y tengo muchas cosas que van saliendo. No es de nueve a cinco, pero trabajo todo los días haciendo música de cualquier forma, y he empezado a entender qué significa no desaprovechar una nota.

El interés de hacer música para películas surge desde niño en Albarn, según cuenta a Music365.

El Libro de la Selva, por ejemplo: qué mezcla tan increíble de música, personajes y cine… En el colegio, me dio mucho por los musicales. Estuve muy metido en todo eso y, al final acabé en Kurt Weill. Siempre he tendido a ser melodramático y cinematográfico. Aunque eso de melodramático suena poco convincente, ‘cinematográfico’ funciona mejor, más como Massive Attack.

Damon Albarn estaba a mil. También hizo de gangster en la película ‘Face’ (1997) de Antonia Bird y se metió en el papel de George Harrison en el guión ‘Up Against It’ de Joe Orton (rechazado en su día por Brian Epstein) que dieron vida en septiembre de 1997 en BBC Radio 3.

Justine, de Sade a Albarn

Justine Frischmann.

Justine Frischmann no es la Justine ou les Malheurs de la vertu (Justine o los infortunios de la virtud) del marques de Sade , título en el cual plasma el vicio de una sociedad que busca pervertir a una joven cuya virtud anda en juego, recreándose en el acto sexual más sucio y violento. La líder de Elastica más bien es ese vicio personalizado y tiene en Damon Albarn su doble personalizado hasta cierta época, en la cual, como toda experiencia extrema, uno de los dos dice basta.

Albarn a NY Rock:

Estuvimos juntos durante ocho años. Ocho años es mucho tiempo, demasiado tiempo. Sobre todo si la relación es tan pública como era la nuestra. Pasé por una fase en la cual pensaba que tenía que justificar mis sentimientos, con todo lo que yo había invertido en esa relación. Como músico, la salida habitual es la música.

En Esquire se desquitaba: “La relación nunca iba a funcionar… ella es una pija”.

El propio Albarn habla que fue el que más luchó por la relación, el que siempre estuvo ahí para Justine Frischmann en los momentos más duros sin encontrar la misma respuesta por la parte de ella cuando lo necesitó. Él decía a 3862 Days:

Fue poco realista e ingenuo pensar que podíamos atravesar aquella fama y no quedarnos en el centro. Estaba en una mala relación. Mi vida no estaba bien. No estaba en armonía. Islandia ayudó. Fue una gran experiencia pero la verdad es que la cosa se jodió más y empeoró al volver a casa.

Girls & Boys.

La prensa no ayudó en absoluto, menos aún los paparazzi, como decía Albarn a NME en 2000:

Es algo horrible, todavía sufro las cicatrices de ello. Cuando tengo que salir con mi hija, cinco de diez veces hay alguien que me sigue con una cámara y al menos una vez al mes hay una fotografía mía en The Sun o The Mirror mostrándome como un padre. Es algo tan malo que la gente no se lo puede imaginar.

La ruptura con Justine Frischmann no solo es clave para Blur – con sus compañeros sabiendo lo justo de la vida personal de un hermético Albarn, según él mismo- por el cambio que supone 13 para su carrera, sino que también es crucial para un proyecto posterior de Albarn donde comienza a experimentar con nuevas facetas ahora ya comunes al pensar en su nombre.

Jamie Hewlett y Damon Albarn, “románticos en recuperación”.

En estas aparece Gorillaz, que surge en dicha época. Con Damon Albarn llorando por las esquinas de repente se encuentra con otro amigo que está pasando por la misma situación. Este no es otro que Jamie Hewlett. Para más inri, Albarn y Hewlett compartían grupo de amores. Sí, Elastica. Esta vez es Jane Olliver quien ya conocía bien a los de Blur, puesto que también había sido novia de Graham Coxon.

Según Albarn a Facemag:

Ambos [Hewlett y él] somos románticos en recuperación. Ha sido fantástico vivir un montón de fiestas y risas con él. Estoy seguro que ya tiene su propia mitología lista. Hemos tenido a mucha gente alrededor.

Albarn dijo a Esquire que compró un piso que compartió con Hewlett aunque en verdad parece que lo alquiló durante un año. Un piso de una sola habitación situado en Golborne Road, al oeste de Londres en Notting Hill, una zona con un alto porcentaje de inmigración marroquí (conocida como ‘Little Morocco’). Tal piso era conocido por Alex James como “The Danger Zone”. El caos de los solteros.

El momento sentimental le hacía escribir solo canciones tristes y oscuras. Con 13 se termina cualquier resquicio de volver a la época de la trilogía donde reflejar la vida británica. El (des)amor centraba toda su idea creativa por aquellos días:

Albarn a Facemag:

Las personas nunca habrían imaginado que fuese capaz de escribir una canción sobre la fe. Es otro aspecto de la clase media inglesa, es difícil estar en contacto con tus propias emociones. Tienes todo tipo de expresiones que tu educación y formación te dieron pero a menos que puedas aprovecharlas para otra cosa, son algo realmente inútil.

El cantante pasa de letras hedonistas y puntuales tintes políticos (de los cuales por este momento está bastante incrédulo como decía a NY Rock al hilo de temas como ‘Charmless Man’: “Fui ingenuo al creer que sería suficiente con reemplazar el Gobierno. Me reía de los gobernantes y después me di cuenta que incluso al librarnos de ellos fueron reemplazados por otros iguales”) a letras en las que se sincera más que nunca. En 13 él recoge sus dos últimos años de vida.

Albarn a Select sobre 13:

En ocasiones es un poco pesado, pero no hay nada dentro de él que sea hipócrita, cualquier cosa que saliese de allí era bueno para mí. No me arrepiento en absoluto.

Albarn a Facemag:

Tienes que ser precavido cuando tu escribes álbumes tan personales. He visto muchas personas decididas a ser completamente abiertas y lo que queda es una verdadera confusión sobre quiénes son porque ellos no tienen nada que guardar para sí mismos. Realmente puede joderte.

‘Tender’ y ‘No Distance Left To Run’ se convierten en dos de las canciones que más concentran los recuerdos personales. Dardos como “Estoy arruinando mi vida”, “Oh Dios, necesito encontrar alguien que pueda curar mi mente”, “el amor es la mejor sensación que tenemos”, “no quiero matarme a mí mismo tratando de mantenerme en tu vida”… son algunos ejemplos de las perlas que Albarn va dejando sueltas.

Y es que si antes el cantante era un émulo de un vacuo Orwell, o seguía de lejos el rollo de papel de baño tirado por su querido Ray Davies, en 13 Albarn se convierte en un Coelhista de la vida que llora más que un emo tras una adaptación de Bambi en forma de emopony con banda sonora de Tokio Hotel. La capacidad de letrista de Albarn ha sido bastante escasa desde siempre, con letras banales y fáciles, pegadizas, de buena cualidad sonora pero no más allá. Pedirle más cuando recurre a espantar sus fantasmas amorosos sería ilógico.

(Continuación de la segunda parte).

Tracklist de 13 de Blur

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Fuentes | 3862 Days, Bit of Blur, No Distance Left To Run, Blur Page, Esquire, NME, Mojo, The Star, Face Mag, Select, Music365, Blur talk (cerrado), NY Rock, Wikipedia

Discografía de Blur en Hipersónica

• Blur – 13 (I): la terapia post Justine Frischmann
• Blur – 13 (y II): la jam de William Orbit
• Blur – Blur (1997): Coxon y el mercado del Rock Lo-Fi estadounidense
• Blur – The Great Escape (1995): convertidos en propiedad pública
• Blur – Parklife (1994): uno de los mejores discos de Pop de la década
• Blur – Modern Life Is Rubbish (1993): la búsqueda de un nuevo Pop
• Blur – Leisure (1991): unos jóvenes británicos dispuestos a comerse el mundo

The death of the party
Came as no surprise
Why did we bother?
Should have stayed away.

Blur, ‘Death of a Party’.

Dos años más tarde, un nuevo álbum éxito en ventas nacionales, un viaje a Islandia entre medias y una relación musical que pasa de basarse en el intercambio de cartas a aporrear guitarras. Blur ponían fin a su visión autárquica británica. Comenzaba un nuevo grupo, con un líder cada vez más alejado de Londres con todo lo que conllevaba, con un álbum al que ni siquiera es necesario poner un título, con la discográfica enfrentada por la falta de singles y lo poco comercial de la propuesta que acabaría convirtiéndose en su mayor hito pero con una cosa clara: les molaban Pavement y Sonic Youth, ejem, digo, querían cortar de raíz con lo anterior.

Adiós Gran Bretaña

Blur es el álbum con el que la banda más popular de aquellos años decía adiós a su querido país. Damon Albarn al frente de la nave. Graham Coxon a la sombra, en la que parecía estar tan a gusto. Con el quinto álbum de estudio Blur buscaba saltar a otro gran mercado, el principal del mundo: Estados Unidos. Cierto es que habían gastado todas las balas y que el Britpop de The Great Escape (1995, Food) pedía un cambio claro, pero de fondo otro nombre tenía gran parte de la culpa.

Oasis habían pasado de ser unos polemistas oportunistas para tener una campaña de marketing gratis frente a los niños buenos del país a arrebatar a Blur las listas de éxitos gracias a su mejor álbum: (What’s The Story) Morning Glory? (1995, Creation). Con este arrasan en ventas en buena parte del mundo logrando, hasta la fecha, 14 discos de platino en Gran Bretaña; y sobre todo: 4 discos de platino en Estados Unidos, país que a Blur se les resistía, en parte debido a su sonido, en parte debido a las maniobras de su discográfica en aquel mercado, SBK.

Para más inri, Oasis logra entrar en las listas estadounidenses en el mismo momento que Blur giraban por dicho país (‘Look Inside America’ sale de ahí). La absurda batalla cambiaba de ganadores temporales. Alex James dice en su libro ‘A Bit of a Blur’ antes del viaje de Albarn a Islandia: “Everywhere he went he was tormented by Oasis’s music. The balance of power had shifted. Their album was outselling ours.”.

Si a esto añadimos que su discográfica EMI prefiere centrar sus esfuerzos comerciales a potenciar a Radiohead, quienes en 1997 publican OK Computer (Parlophone) nada menos, Blur necesitaba buscar nuevas fronteras a su sonido o iba a acabar tirando la toalla como tantos grupos de Britpop que se separaron.

El momento del Rock Lo-Fi y el Noise

El cambio de sonido con Blur no llega como tal cosa. No hay ningún ángel respondiendo a la réplica si no conozco jarcoreta: el Espíritu de Malkmus vendrá sobre ti y te hará sombra la virtud de Thurston Moore. No. Eso no pasa. Más bien es Graham Coxon quien juega a ser el ángel, con sus gafas y con su novia de aquella época que le había descubierto aquellos sonidos del Hardcore estadounidense justo cuando estaban al poco de publicar su querido ‘Country House’. Es más, durante la grabación de The Great Escape es cuando este compra los primeros dos discos de Pavement, sonido que no gusta a Alex James. Después llegaría Albarn, en palabras del propio guitarrista al libro ‘3862 Days’:

He’d started listening to the folky side of Beck and Pavement and The Beastie Boys, which he’d always hated. He’d always said hip-hop had “no tunes”.

El propio James cambió de opinión al poco para declarar:

It was more interesting to go and abuse Thurston Moore in New York than hang out with Pulp in the West End.

El llamado rock alternativo, Lo-Fi o Noise de Sonic Youth, Throwing Muses, Pavement, Nirvana y Hole, entre muchos otros, se encontraba en un buen momento de popularidad por aquella época. Damon Albarn siempre ha sido una gran esponja a la hora de asimilar sonidos y este no les pillaba tan lejano como puede parecer puesto que en los tiempos de Seymour y los primeros álbumes de Blur manda el Shoegaze.

El propio Damon Albarn invitó a Londres en 1996 a Stephen Malkmus, líder de Pavement, quienes ya habían publicado sus tres primeros y grandes álbumes; en 1997 también volverían a coincidir en el mercado con Brighten the Corners (Matador). Es más, la leyenda sitúa en el mismo metro cuadrado compartiendo grandes influencias a Malkmus y a la otrora pareja de Albarn, Justin Frischmann, bajo el techo de este último. Así que de ser cierto, Albarn pudo saborear bien el estilo de Malkmus. Por aquel entonces este debía decirle que Blur tenía buena reputación en la escena underground estadounidense, algo que años más tarde puntualizaba con otras palabras.

Momento meditación en Islandia

Damon Albarn tiene en Islandia su particular evasión en 1996. Las relaciones con el grupo no estaban en su mejor momento, con Graham Coxon había habido varios roces y la comunicación se mantenía mediante intercambio de cartas postales. Cada vez se están distanciando todos más entre sí – Dave Rowntree llega a decir en el libro 3862 Days que se veía poniendo al día su currículo – y en marzo de dicho año Albarn marcha durante unas vacaciones a dicho país, el cual convertiría durante el verano en su base de operaciones para grabar el álbum Blur.

El líder de la banda decía estar viviendo un infierno en aquel momento, su relación (abierta) con Justin Frischmann no ayuda en absoluto y menos aún su constante consumo de drogas y alcohol. De este poso van a surgir sus canciones más personales hasta la fecha. Si en The Great Escape Albarn ya se deja ver de forma oscura y decaída, pero con un contexto animado y alegre en las melodías, en Blur aquel Dan Abnormal cobra más vida. Lo bueno es que se deja de tanto Orwell de baratillo.

El acoso público sufrido y el no poder mantener el anonimato también había hecho que Albarn se decantase por Islandia. La mujer de Stephen Street, Sarah, fue quien le sugirió irse a Reikiavik en una cena.

En Islandia todo fue más relajado – aunque al principio Graham Coxon se negaba a ir hasta allí -, el grupo logró recuperar la unión perdida y pudieron dar paseos o montar a caballo sin tener que sortear el acoso constante de los medios y de los fans. Las sesiones iniciadas en los estudios Mayfair de Londres se continuarían en el nuevo centro de operaciones.

Stephen Street repite como productor

La mayor sorpresa que uno podría ver en esta ecuación es la continuación de Stephen Street como productor. Blur buscaban cambiar de forma drástica y aún así escogen al productor con el que llevaban trabajando desde su debut. Ni siquiera el resultado de The Great Escape les hace romper este lazo. Sorprendentemente, Albarn le dirá a Street más adelante, una vez terminado Blur, que para el próximo álbum sí buscarán un nuevo productor, cuando el cambio más claro estaba hecho.

Al parecer Stephen Street ejercía el papel habitual en algunos productores de ser el quinto miembro de la banda. Todos hablan bien de él y cuando Albarn toma la decisión de prescindir de él Coxon y James no lo tienen nada claro, este último afirma en ‘3862 Days’ que Street estaba destrozado tras la noticia, hecho que confirma el propio productor.

De cara a Blur, por mucho que las influencias sonoras estuviesen más en un garaje estadounidense Albarn seguía llevando la batuta y con Street tras la cabina los recuerdos constantes a The Jam, The Kinks, David Bowie o The Specials (con ‘Theme From Retro’ dicen homenajearlos) siguen rondando por la mente. Yo aquí sigo viendo más a Ray Davies, Paul Weller y sobre todo al Duque Blanco que a Thurston Moore o a Malkmus.

El cierre de Blur va hacia esa parte Pop que Blur ha mantenido desde un inicio. ‘Strange News From Another Star’ y ‘Essex Dogs’ – el paso en largo hacia lo siguiente de la banda – son el nuevo sueño húmedo de Albarn con Bowie como en varios de sus trabajos previos (y futuros). ‘Strange News From Another Star’ podría pasar por una cara B de la época de Ziggy Stardust, incluso el filtro que Bowie usa para cantar ‘The Man Who Sold The World’ sirve de base para otras ocasiones.

Incluso el gusto por el sonido electrónico que sobrevuela varios de los temas de Blur podría venir de Bowie. Stephen Street es el que incorpora nuevo hardware a las sesiones de la banda para jugar con los loops. ‘On Your Own’, tercer single extraído del álbum, es uno de los temas que más notan el cambio con varias líneas que se van metiendo por en medio. Aquí de nuevo podrían volver al Baggy que tan bien les funcionó en Leisure (1991, Food). Es una continuación de ‘Bang’ pero con mejor producción, voz duplicada y ruido al fondo. Aquí también incluyo ‘Death Of A Party’ como línea clara de unión entre Madchester y lo que hace Blur en este momento. Uno de mis temas favoritos de este álbum y de Blur en general. Con clara influencia de Jarvis Cocker y sus Pulp. Dicho tema procede de los demos de la época de Modern Life is Rubbish (1993, Food). Con ‘I Love Her’ tema que regalarían a su club de fans en octubre de 1997 y grabado en 1991 seguían con el matrimonio con los Happy Mondays.

Al fondo es donde se encuentra Alex James quien no destaca tanto de entrada como en algunos temas de The Great Escape pero al final se convierte en la base de ‘Strange News From Another Star’, ‘Movin’ On’, ‘On Your Own’ y ‘Essex Dogs’ con varias líneas en las que sí tiene más protagonismo.

Grahan Coxon había dejado la bebida y se estrena como compositor y vocalista solista en Blur con ‘You’re So Great’ un tema que es mi momento favorito del disco naranja por la ironía que aquí puede verse. Un tema de letra cursi y facilona, con un guitarra acústica y una voz con escasa gracia, firmado por el hombre que prefería sonidos más duros. Sancho se quijotiza.

Blur acaba siendo un escaso acercamiento al Rock mencionado. ‘Song 2’, el segundo single extraído, es el tema más cañero y radiado de Blur, aquí comparte riffs potentes con ‘Chinese Bombs’ y ‘M.O.R.’, cuarto single del álbum. Albarn sigue recurriendo al duplicado de su voz y su juego con los falsetes en varios de los temas, sobre todo en ‘I’m Just A Killer For Your Love’ – tema del que Albarn habla como “Sly and the Family Stone meets Black Sabbath”, sin acordarse del ‘Psycho Killer’ de Talking Heads – y ‘Country Sad Ballad Man’, muy Beck hasta en el riff. Mientras que ‘Beetlebum’, canción sobre la que se sigue elucubrando un significado que el propio Albarn juega al despiste, sin saber lo que significa, solo le vino a la cabeza y lo dijo, se convierte bien en el resumen de la temática pesimista de las letras, aquí con drogas y con Justin Frischmann en mente.

En los extras de los singles publicados (‘Beetlebum’, ‘Song 2’, ‘On Your Own’, ‘M.O.R.’ y ‘Death of a Party’, este último publicado en exclusiva para su club de fans) encontramos ‘Dancehall’, tema que publicaron como extra en las versiones estadounidenses y japonesas de Blur. Faltaba la influencia de Beck más clara, ‘Swallows in the Heatwave’ y ‘Bustin’ + Dronin’’ también se apuntan a esto.

En el single de Beetlebum es donde más temas extras hubo, puesto que en el resto dominan los remixes (horrible el ‘Beetlebum’ de Moby, mientras que William Orbit se limita a meter una base a ‘Movin’ On’) y los directos como en ‘On Your Own’ con el concierto de Peel Acres donde el grupo suena como este verano pude verlos. Este tipo de cara B pocas veces destacan, ‘All Your Life’ podría ser una excepción, a poco mejor que ‘Woodpigeon Song’

En ventas, Blur se reveló a sus queridos jefes de discográfica. De nuevo un número 1 en Gran Bretaña, aunque con menos éxito continuado que los anteriores, otro disco de platino en Europa y un importante disco de oro en Estados Unidos, país del que la propia banda habla que la gente no sabía quién era Blur y no recordaban sus temas anteriores, hecho que también les benefició en este caso.

Blur volvió a pisar territorio estadounidense y agotar las entradas (volverían de nuevo en menos de un año con más citas). Logró entrar a la Billboard Hot Hundred en el puesto 89, cuando el máximo había sido el 152 con Parklife. Tras una gira por otros países como Alemania y Escandinavia saldría ‘Song 2’, tema que se benefició de grandes campañas de publicidad, lo que le convirtió en un teme generacional. Aquellos que se acuerdan del Fifa 98, del lanzamiento del Pentium II, de la banda sonora de Starship Troopers. Incluso el equipo de hockey sobre hielo estadounidense lo usó como banda sonora. Fue su mayor éxito. Incluso se negaron a una gran suma que la armada estadounidense ofrecía para usarlo en su campaña.

Discografía de Blur en Hipersónica

• Blur – 13 (I): la terapia post Justine Frischmann
• Blur – 13 (y II): la jam de William Orbit
• Blur – Blur (1997): Coxon y el mercado del Rock Lo-Fi estadounidense
• Blur – The Great Escape (1995): convertidos en propiedad pública
• Blur – Parklife (1994): uno de los mejores discos de Pop de la década
• Blur – Modern Life Is Rubbish (1993): la búsqueda de un nuevo Pop
• Blur – Leisure (1991): unos jóvenes británicos dispuestos a comerse el mundo

Os recordamos que seguimos con nuestro especial sobre Blur. El grupo lleva desde hace tiempo mareando la perdiz de que su reunión no se quede sólo en los conciertos que van a seguir haciendo, uno de los cuales les traerá al próximo Primavera Sound 2013.

De momento, lo que sí que anuncian es ParkLive, cinco CDsy un DVD que saldrán el próximo 3 de diciembre y que contendrán el concierto de Hyde Parke del pasado mes de agosto, otro live más íntimo en The 100 Club y otro CD con canciones grabadas en vivo este mismo verano, incluida ‘Under The Westway‘.

Discografía de Blur

Éste va siendo nuestro repaso a la discografía del grupo:

• Blur – Leisure (1991): unos jóvenes británicos dispuestos a comerse el mundo

…se habían conocido en la Universidad de Londres y tocaban lo que en aquel tiempo estaba triunfando: shoegaze. Ese primer single se contagia de un género que abordaban pero sin llegar a lograr nada del otro mundo. ‘Sing’ era la cara B, producido por la propia banda, un tema shoegaze incorporando los teclados y la reiteración que cuadraría a la perfección en 1996 cuando Danny Boyle lo incluye en Trainspotting y el tema se convierte definitivamente en un himno de la banda en ese momento.

• Blur – Modern Life Is Rubbish (1993): la búsqueda de un nuevo Pop

(…) recoge el guante de las letras sociales y costumbristas de Davies y el pop de varios grupos, entre los que se encuentran The Jam, The Who, los mencionados Kinks y sobre todo, los Small Faces. Para todo esto hacía falta un productor diferente a cualquiera de los anteriores que se pasaron por la grabación de Leisure. Blur quiere trabajar con Andy Patridge de XTC y Food Records se lo consigue.

Pero el problema viene en las sesiones de estudio, que fueron calificadas por el propio Alex James como “desastrosas”. La banda graba cuatro temas pero al final acaban por volver a llamar a Stephen Street, aunque las condiciones son claras: nada del sonido anterior, estaban buscando reformular el pop británico de ese momento.

• Blur – Parklife (1994): uno de los mejores discos de Pop de la década

Con Parklife, Blur lograban su álbum más cohesionado, la reformulación del pop británico en los 90s que buscaban la encuentran y los apuros económicos con Food Records se pasan al lograr buenas ventas (cuádruple álbum de platino en UK) y hasta el premio Brit al Mejor Álbum británico en 1995

• Blur – The Great Escape (1995): convertidos en propiedad pública

The Great Escape muestra a un Albarn convertido en Dan Abnormal, pseudónimo que escogía cuando tocaba los teclados para Elastica en temas como ‘Waking Up’. La temática que domina en el cuarto álbum de Blur contrasta con la popularidad que vivían en aquel momento. El cantante no pasaba por su mejor etapa y se nota, no solo en lo artístico. Temas como ‘Country Sad Ballad Man’ o mismamente la mencionada ‘Dan Abnormal’ explican bien el nuevo rumbo que Albarn buscaría en Islandia pocos meses después, lejos del bullicio y de los flashes.

En The Great Escape Blur dicen adiós a este toque Baggy y Madchester que tan bien habían conservado como esponja que Albarn era. Las canciones bajan de nivel frente a sus anteriores trabajos pero por el contrario Alex James, quien a priori tendría que ofrecer su peor cara por su constante juerga, logra los mejores registros al bajo con unas líneas que son claves para mantener ese toque adictivo de los temas.

• Blur – Blur (1997): Coxon y el mercado del rock lo-fi estadounidense

Blur acaba siendo un escaso acercamiento al Rock mencionado. ‘Song 2’, el segundo single extraído, es el tema más cañero y radiado de Blur, aquí comparte riffs potentes con ‘Chinese Bombs’ y ‘M.O.R.’, cuarto single del álbum. Albarn sigue recurriendo al duplicado de su voz y su juego con los falsetes en varios de los temas, sobre todo en ‘I’m Just A Killer For Your Love’ – tema del que Albarn habla como “Sly and the Family Stone meets Black Sabbath”, sin acordarse del ‘Psycho Killer’ de Talking Heads – y ‘Country Sad Ballad Man’, muy Beck hasta en el riff. Mientras que ‘Beetlebum’, canción sobre la que se sigue elucubrando un significado que el propio Albarn juega al despiste, sin saber lo que significa, solo le vino a la cabeza y lo dijo, se convierte bien en el resumen de la temática pesimista de las letras, aquí con drogas y con Justin Frischmann en mente.

• 13 (1999): La terapia post-Justine Frichmann y la jam de William Orbit.

13 es el final de Blur como la banda colectiva que hasta entonces podía haber sido, con sus limitaciones. Aquí se acaba una época que no solo termina con Justine Frischmann sino con Graham Coxon al poco, y por ende con el grupo, que acaba siendo un proyecto personal más de Damon Albarn en breve centrado en Gorillaz, en la música africana y en convertirse en el gurú contemporáneo que todo hooligan aspira a ser entre grito y grito de los goles del Chelsea.

• Think Tank (2003)

En 1995 el Britpop no solo no estaba de capa caída, sino que se encuentra con una de sus mejores obras: Different Class (Island) de Pulp; casualmente habían tardado el mismo tiempo, un año, entre su otro gran álbum, His ‘n’ Hers (1994, Island), que Blur entre Parklife (1994, Food) y The Great Escape (1995, Food), con la salvedad de que los de Jarvis Cocker lograrían una maniobra perfecta y los de Damon Albarn abrir la puerta al Pop británico cansino que sería la tónica general de este estilo en años posteriores hasta que por fin de tanto estirarse por los mismos grupos clónicos dejó de ser rentable, y por tanto, cayó en desuso.

1995, la masificación del Britpop

1995 fue un año clave para el Britpop porque comenzaba su expansión comercial hacia el público masivo. Es el año en que Oasis publica su segundo álbum (What’s the Story) Morning Glory? (Creation), Elastica debuta con su homónimo para Deceptive (y Geffen en Estados Unidos, que en aquel entonces andaba con Sonic Youth y Nirvana, entre otros tantos), Supergrass también se estrenan con I Should Coco en Parlophone, The Boo Radleys tienen Wake Up! para Creation, The Charlatans con otro homónimo en Beggars Banquet, The Verve con A Northern Soul para Hut y Echobelly lanza On en Rhythm King, entre otros muchos lanzamientos.

1994, 1995 y 1996 fueron los principales años del Britpop, cuando más actividad hubo y los grupos destacados publicaron sus trabajos. Es casual que mientras muchos llegaban al negocio, Blur ya estuviese situado como el grupo popular a seguir, el grupo cuyo público había crecido como si fuesen grandes estrellas de pop, gritando de forma histérica allá por donde fuesen, algo que el cuarteto no llevaba muy bien, en especial Graham Coxon, según escribe Alex James en su biografía Bit of a Blur (2007, Little, Brown & Company), a la cual haré alusión en siguientes ocasiones.

Blur se convirtió en propiedad pública

Blur en los Brit de 1995.

Blur had become public property. Alex James.

El sábado 17 de junio de 1995 la historia de Blur cambia. Ni influencias, ni inspiraciones paranormales, ni viajes al Tibet. Lo que tenían ante ellos eran más de 27.000 personas en el Mile End Stadium, un estadio situado al este de Londres que puso este día en rojo dentro de sus récords personales. 27.000 personas que arropan al grupo tras el éxito logrado con Parklife (1994, Food). 27.000 personas que habían visto cómo meses antes, el 20 de febrero de 1995 concretamente, Blur se había alzado como el grupo de moda en los Premios Brit.

Blur venían de arrasar en los Brit obteniendo los cuatro premios más importantes: mejor álbum, Parklife, mejor single, mejor vídeo británico, ambos por ‘Parklife’, y mejor banda. Un año más tarde, en el mismo escenario, los hermanos Gallagher les dedicaban una emotiva versión de ‘Parklife’ convertida en ‘Shite-life’ tras recoger el premio a mejor banda del año, pero para entonces Blur ya habían pasado a la historia de los premios al ganar los cuatro grandes en una única noche; noche en la que Oasis cantaban ‘Clavelitos’ desde su butaca y odiaban al trío británico por cuestiones de pose y hacerse oír, ya que Oasis eran los segundos. Graham Coxon estaba al lado de Liam Gallagher y este le dijo: “You fucking look me in the eye and tell me you deserve that award”. Y eso que Albarn dijo al recoger el premio de mejor banda que lo deberían compartir con Oasis.

La frase: “Blur had become public property” la escribe Alex James en su biografía hablando sobre el concierto de Mile End. En aquel momento Blur ya había anunciado que estaban a punto de publicar un álbum por lo que aprovecharon el concierto – con The Boo Radleys, Skars, The Cardiacs y otros como teloneros – para adelantar dos nuevos temas: ‘Stereotypes’ para los bises y ‘Country House’ durante la primera parte, después del medio tempo ‘Magic America’.

La sensación del grupo no era muy positiva ante esta masificación con la que comenzarían en verdad los problemas, ya iniciados anteriormente por la conversión en el dios Dioniso por parte de Alex James, la cual llegará a sus extremos en próximos meses. Damon Albarn hablaba, según el libro ‘3862 Days’, de que era la primera gira donde los chicos indies y los tíos aficionados al fútbol frotaban sus hombros entre el público. La percepción dentro de la banda era que se iban hacia el mainstream más masivo y sin gusto. Graham Coxon es quien se volvería más elitista y a quien le afectaría más este salto al vacío de la popularidad extrema. Dave Rowntree ya percibió este cambio en su amigo. En palabras a ’3862 Days’:

Graham fue el primero que comenzó a sentirse desilusionado. A todos nos encantó ese arrebato de éxito. Era como estar sueltos por el Toys R Us. Pese a todo, había sido un proceso lento, bien construido. No fue hasta los Brits cuando las cosas se comenzaron a volver completamente locas. De hecho, nunca he sentido ser una estrella de pop salvo esa noche. Fue absolutamente fantástico.

Esta masificación se tradujo en miles de compromisos promocionales, miles de apariciones en televisión, fiestas nocturnas, galas de premios y el constante acoso de una prensa en la que se incluía la de peor calaña. Damon Albarn era el foco de las miradas al ser el líder y perfecto icono carismático de la banda. Encima su relación con Justine Frischmann no atravesaba su mejor momento. Carne de cañón para todo tipo de rumores.

Cada miembro de Blur reacciona de forma distinta al cambio de estatus. Dave Rowntree acababa de casarse con su novia canadiense Paola, decide dejar la bebida apuntándose a Alcohólicos Anónimos y pasa su tiempo libre con su verdadera pasión: los aviones en su tranquila casa en Hampstead. Graham Coxon salía con una artista feminista que pertenecía a la escena independiente de Hardcore estadounidense; inspiración que más adelante sacaría a la luz.

Damon Albarn vivía en la zona de Nothing Hill junto a Justine Frischmann. Por el acoso de los medios llegaba a estar recluido en casa con todo cerrado. Alex James vivía en West End entre constantes rupturas con su novia Justine, múltiples amantes (Helena Christiansen incluida) y las fiestas más salvajes. Su ritmo de vida era un desmadre continuo. Según él mismo: “Siempre quise ser un genio idiota alcohólico del Soho”. En ese momento James llegó a beber dos botellas de champán al día durante 18 meses. Y bien podría haberse quedado a vivir en Groucho, el club de moda por aquel entonces.

De estar todos unidos en la época universitaria a comenzar a disgregarse y vivir cada uno su vida, dando forma a proyectos en paralelo como el de Alex James con Stephen Duffy, Justin Welch y Charlie Bloor.

The Great Escape, primera toma de contacto

Blur grabaron el que sería su cuarto álbum de estudio por parones. Hasta mayo de 1995 no terminarían las sesiones que comenzaron en enero. Entre medias constantes idas y venidas, constantes intentos de dar de nuevo con la tecla bien pulsada en anteriores temas. El título tampoco estuvo decidido hasta el final. En junio de 1995 The Great Escape fue la elección definitiva, cualquier hipótesis está abierta detrás de dicho significado. Blur querían escapar pero se equivocaron de camino para el tercer álbum con el que ponían fin a su trilogía en la que buscaban captar el estilo de vida británico de final de siglo.

The Great Escape sufre el síndrome de disco menor al compararse con los anteriores. Si The Great Escape hubiese sido publicado por otro grupo lo mismo algunos lo auparían más (no obstante en el Britpop se han mitificado auténticos mojones), mientras que otros lo ignoraríamos más. Poco queda de la eficacia de Parklife salvo en varios singles, así como del comienzo Shoegaze que ya en Modern Life Is Rubbish (1993, Food) Blur fue dejando de lado para dar más cancha al Pop de melodía clara, alegre y pegadiza.

De nuevo Stephen Street fue el productor del álbum, esta vez sin la compañía de John Smith, Steven Lovell o Stephen Hague con quienes sí compartió créditos en los anteriores trabajos de Blur. Él mismo decía a ‘3862 Days’:

Había mucha euforia en torno a Parklife. Este tomó vida por sí mismo. Seis, siete y ocho meses después todavía estaba en el Top 10. Incluso cuando no ganaron el premio Mercury doblaron las ventas durante la noche. Fue un poco como el fenómeno de Robbie Williams en 1998. Recibí una llamada al poco de terminar Parklife diciendo: “¿Estás listo para hacer el siguiente?” Great Escape siempre pareció como un álbum extraño en el sentido que ellos aún estaban promocionando Parklife. Ese álbum no había muerto del todo y aún tenía cuerda. Otros grupos habrían esperado para que el disco siguiese su curso, lo que podría haber sido más sensato, pero Damon en particular es tan prolífico que ellos querían hacerlo.

Con el clima de desunión anterior Blur no estaban tan unidos como antes. Aún así se imponen una rutina de trabajo intentando compaginar al máximo posible su nuevo calendario de estrellas del pop. Las sesiones iban desde media mañana hasta las 10 de la noche, una forma de trabajar de músicos que sabían que tenían que buscar un nuevo éxito y superar el anterior, proeza imposible en ese momento.

Pese a que la presión era muy alta Blur logra grabar el álbum en cinco meses. Su segundo más rápido hasta la fecha, solo por detrás de los tres que tardaron en Parklife, nada que ver con los 17 meses que dedicaron a Modern Life Is Rubbish (1993, Food).

El sinónimo de The Great Escape, el single que lo define, es ‘Country House’, uno de los peores temas de Blur y que más odió Graham Coxon, causando una desavenencia clara a la hora de elegirse para más inri como el primer single con el que el 14 de agosto de 1995 se presentarían en público. El guitarrista optaba antes por ‘Stereotypes’, canción con la que abren el álbum y que al final salió en tercer lugar el 12 de febrero de 1995, ‘The Universal’ ganó la partida el 13 de noviembre de 1995.

‘Country House’, uno de los primeros temas que Albarn envío a Stephen Street para este nuevo disco, tenía el gancho típico del hit sencillo y malo. Un estribillo facilón repetido hasta la saturación en apenas cuatro minutos, con las segundas voces haciendo el contraste y un puente instrumental para oxigenar tanta trompeta, tanta jovialidad vacía. La realidad: el primer número 1 de Blur en la lista de singles británicos. Solo lo han vuelto a conseguir con ‘Beetlebum’. Ni siquiera con ‘Girls & Boys’ (5), ‘Parklife’ (10) o ‘Song 2’ (2).

Si la paciencia de Coxon era limitada con ‘Country House’ se le sumó un nuevo frente: Damien Hirst. Uno de los “artistas” británicos con más morro y marketing de las últimas décadas era colega íntimo del, casualmente, miembro por el que Coxon sentía menos simpatía: Alex James. El videoclip que Hirst se marcó para tal single avergonzó al guitarrista interesado por terrenos más serios y “artísticos”. Por no hablar del guiño a Queen. La batalla que por aquel entonces ya estaban librando con Oasis se decantó del lado de Blur. El single de los Gallagher, ‘Roll With It’, otro de sus peores temas, mordió el polvo de los perdedores con un segundo puesto. Por supuesto, Alex hizo una fiesta a lo grande en Groucho.

I hate the video for ‘Country House’. I love the song but the association with it has become Page Three and Benny Hill instead of Blur.

Graham Coxon.

Al margen de ese estado animado The Great Escape muestra a un Albarn convertido en Dan Abnormal, pseudónimo que escogía cuando tocaba los teclados para Elastica en temas como ‘Waking Up’. La temática que domina en el cuarto álbum de Blur contrasta con la popularidad que vivían en aquel momento. El cantante no pasaba por su mejor etapa y se nota, no solo en lo artístico. Temas como ‘Country Sad Ballad Man’ o mismamente la mencionada ‘Dan Abnormal’ explican bien el nuevo rumbo que Albarn buscaría en Islandia pocos meses después, lejos del bullicio y de los flashes.

En The Great Escape Blur dicen adiós a este toque Baggy y Madchester que tan bien habían conservado como esponja que Albarn era. Las canciones bajan de nivel frente a sus anteriores trabajos pero por el contrario Alex James, quien a priori tendría que ofrecer su peor cara por su constante juerga, logra los mejores registros al bajo con unas líneas que son claves para mantener ese toque adictivo de los temas. ‘Entertain Me’ es su momento álgido. ‘Charmless Man’ es otro de estos en la que para mí es la mejor canción del álbum seguida de ‘The Universal’ y la penúltima mencionada.

En ‘The Universal’ Albarn continúa la estela de ‘To The End’ con Françoise Hardy, no obstante fue un tema que surgió en las sesiones de Parklife. Él al piano, instrumento que poco a poco iría explotando más, mientras cantaba unas letras a lo Orwell versión sacarina. Él se encontraba acosado y entre riffs seguía obsesionado en ‘It Could Be You’. Su relación con Justine era una piedra de toque dura y nosotros lo tenemos que aguantar en la soporífera ‘Yuko & Hiro’ entre sonidos de The Beatles junto a Supertramp. También su estado de consumo de cocaína de forma regular y alcohol ayudan. Un medio tempo para el cual Stephen Street usó efectos de sonido de una piscina extraídos de un disco de la BBC. ‘Ernold Same’ compite con la anterior en llevarse el galardón al peor tema de la lista, esta vez con Albarn imitando a su querido David Bowie a quien tanto debe.

The Great Escape es el álbum más Pop de Blur. Seguían metiendo las trompetas que tanto gustan a Albarn (y a The Specials) en temas como ‘Fade Away’ y ‘Mr. Robinson’s Quango’, seguían explotando los contrastes con los coros y las dobles voces para que Albarn tuviese colchón sobre el que caerse (‘Top Man’), y daban la mínima versión de guitarras que luego conoceríamos en Blur (‘Globe Alone’).

Tiempo más tarde Albarn hablaría sobre The Great Escape como un álbum desordenado. Acertado o no fue el segundo álbum de Blur que alcanzaba el primer puesto en Gran Bretaña y entraba en una discreta posición en el número 150 en los Estados Unidos. Aún así, no alcanzaron los cuatro discos de platino en Gran Bretaña pero sí lograron cuatro oros repartidos en Francia, Canadá, Noruega y Suecia. Además de repetir el platino de Europa. EMI, tras zamparse a Food Ltd., tenía un nuevo grupo de masas confirmado un año después de su primer gran éxito. Esa moda transitoria que la propia multinacional creía que serían Blur les sigue dejando aún hoy unas arcas nada transitorias. Y nosotros tenemos al cerdo del vídeo de ‘Country House’. Win to win.

Discografía de Blur en Hipersónica

• Blur – 13 (I): la terapia post Justine Frischmann
• Blur – 13 (y II): la jam de William Orbit
• Blur – Blur (1997): Coxon y el mercado del Rock Lo-Fi estadounidense
• Blur – The Great Escape (1995): convertidos en propiedad pública
• Blur – Parklife (1994): uno de los mejores discos de Pop de la década
• Blur – Modern Life Is Rubbish (1993): la búsqueda de un nuevo Pop
• Blur – Leisure (1991): unos jóvenes británicos dispuestos a comerse el mundo

Blur no iban a volver a juntarse nunca más. Blur no iban a grabar un nuevo álbum. Los miembros de Blur pasaron página y se encuentran metidos en sus aventuras en solitario. También Rajoy nos iba a salvar. La realidad de los múltiples ceros ha traído a una banda de vuelta dejando atrás cualquier absurdo enfrentamiento entre personalidades artísticas tan activas como Albarn y Coxon. Blur han regresado y en directo lo han hecho a base de nostalgia que es lo que les ha generado los distintos ceros (espero que en el nuevo álbum sigan por donde lo dejaron). En escasos conciertos minoritarios, en localidades inglesas alejadas de los grandes núcleos urbanos, para que no se notase demasiado, pero han pasado por el aro igual que tantos otros.

Una previa fría

Como fan incondicional de Blur esta vez no me los iba a perder. Su regreso en Hyde Park en 2009 se me escapó por cómodo, pero la gira de “calentamiento” previa al cierre de los Juegos Olímpicos el próximo 12 de agosto de nuevo en Hyde Park, la cual les ha llevado por pequeñas localidades inglesas, además de una fecha en Dinamarca (en el festival Smukfest) y en Suecia (en el festival Way Out West), era mi oportunidad. Entradas para Wolverhampton conseguidas, me molaba el nombre de esta ciudad y su localización, además conocía a su equipo Wolves. 3.000 personas como aforo. Bien.

Sorpresa previa ante la poca tirada que Blur despertaba en los espectadores. Un concierto así de otro grupo en Madrid habría tenido una cola previa de gente esperando aburrida ante la absurda idea de que les iban a quitar su sitio desde casi el día previo. También es cierto que era el segundo día que Blur tocaba en esta ciudad cercana a Birmingham. A las 12 de la mañana no había ni 20 personas esperando. A las 16:00 la cola contaba con máximo 30 personas. Entre ellos, nosotros, que como tonto que soy los nervios pedían estar ahí por si acaso, pese a detestar hacer cola previa.

Las puertas abrieron antes de las 19:00, hora marcada, organización impecable. En ese momento tampoco había mucha gente esperando, entre 150 y 200 personas según datos independientes del instituto Urdaci. Esto podría ser trivial, que lo es, como toda crónica, pero a mí me llamó demasiado la atención porque esperaba un público impaciente por entrar.

Los grandes éxitos entre ingleses

Foto: XoxoHell. Concierto en Margate el 1 de agosto.

Minutos antes de las 20:00 las ganas de que comenzase Blur eran máximas. Por contra, The Bots salieron como teloneros. Un dúo de adolescentes de Los Ángeles que se dedican a hacer Punk-Rock sumando el Blues Rock y el Garage de siempre como una banda en un local de ensayo. Con batería y guitarra, temas rápidos, estructuras conocidas por todos y una voz en segundo plano. Fin de esta primera parte.

A lo que íbamos. Suena ‘Girls & Boys‘ de comienzo y la locura se desata. Las primeras filas son una jungla. Logramos aguantar hasta mitad del concierto, cuando con ‘Parklife’ ya pedíamos oxígeno gratis porque eso no era un pogo ni era nada. Era una avalancha infernal difícil de soportar si andas pensando más en que salga viva tu novia que en cómo le queda la camiseta a Graham Coxon tras sus sesiones de gimnasio para esquivar el perfil de fideo de patio del colegio sin bocadillo.

Toda la escasa emoción que se vivió fuera del recinto se concentró en aquellas primeras filas. El resto del recinto también vivió el concierto de forma entregada, caldeando el ambiente y logrando ese estado de frenesí que me mola tanto al meterte en la situación.

Damon Albarn se dejó de su pose intelectual y de óperas mandarinas para enfundarse su polo de Fred Perry talla hermano pequeño y no paró en todo el concierto. Intercambió papeles a la guitarra o solo el micro, azuzando de buena gana al público. Voz en primer plano y banda detrás de él, con bastante diferencia lo cual no benefició en absoluto al bajo de Alex James que quedó atrapado entre la bola de sonido en la que Graham Coxon parecía estar feliz con unas guitarras distorsionadas, nada de la balada y guitarrita pop británica, la tralla dominó desde el inicio, a veces sin necesidad, quedando en el aíre cualquier matiz que sabía que no era el momento para pillar con lupa.

Parklife dominó en el repertorio, como no podía ser de otra manera. A las mencionadas se sumaron ‘Tracy Jacks‘ y ‘Jubilee’, abriendo el concierto con cuatro temas seguidos de su mejor álbum hasta la fecha. Nada de arriesgar. Y para el final más: ‘This Is a Low‘ casó muy bien en la primera despedida para tomar aíre y ‘End of a Century‘ hizo lo propio en los bises.

Blur sonaron correctos, lejos de su última época y más con el músculo de su época intermedia en la que llegaron al gran público. Lo máximo fue ‘Caramel’ de 13, cuando a Albarn le dio el siroco de hacerse un Radiohead. De Think Tank solo sonó ‘Out of Time’. No era la noche para pedir otras sorpresas. Pero ‘Bugman’ tendría que haber caído, porque sí se adaptaba al repertorio. ‘B.L.U.R.E.M.I.’ también habría dado más locura a la noche. Al igual que olvidar ‘Crazy Beat’, ‘Ambulance’ o ‘Caravan’. Aunque mi sorpresa fue no escuchar ‘Charmless Man’, uno de los temas que levantan The Great Escape, del cual sí cayeron la facilona ‘Country House’ o ‘The Universal’.

En la despedida Blur demostraron una variedad de temática bastante irónica. El gusto de Albarn por las letras simplistas estilo Orwell con ‘Under the Westway’, ‘End of a Century’, ‘For Tomorrow’ y ‘The Universal’. Un cierre en el que combinó una parte al piano, no obstante abrió con la generacional ‘Sing’ y despidió con todos entregados. Medios tempos efectistas a los que muchos hemos convertido en banda sonora en ciertos momentos.

Yo me lo pasé de lujo cumpliendo un sueño.

Setlist de Blur en el Civic Hall de Wolverhampton

• Girls & Boys
• London Loves
• Tracy Jacks
• Jubilee
• Beetlebum
• Coffee & TV
• Out of Time
• Young & Lovely
• Trimm Trabb
• Caramel
• Sunday Sunday
• Country House
• Parklife
• Colin Zeal
• The Puritan
• Popscene
• Advert
• Song 2
• No Distance Left to Run
• Tender
• This Is a Low
  Bises:

• Sing
• Under The Westway
• Intermission
• End of a Century
• For Tomorrow
• The Universal

Extraído de Setlist.fm.

Fotos | XoxoHell (concierto en Margate el 1 de agosto más en su Flickr)
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Blur presentaron ‘Under The Westway’ y ‘The Puritan’ hace cuatro días y a Natxo estuvo a punto de darle algo. Que si lo shorts de Graham Alex, que si en un mes me voy a verlos a Londres. Se lo perdonamos porque… total, para lo poco que para últimamente por Hipersónica, hemos decidido no chafarle sus experiencias. Esperamos, eso sí, verle vestido con pantaloneta y sonrisa en la cara, grabándose su propio “fanvideo” de, por ejemplo, esta ‘Under The Westway’ que ahora los propios Blur nos enseñan en imágenes desde el estudio.

A mí esta canción me gusta un puñado. Son los Blur de las baladitas pop contagiosas, los que en su día robaban corazones. En mi colegio, cuando salió, fijaos que eran capaces de enamorar a una chica hasta con ‘The Universal’. Lo de “una chica” es literal: sólo “una” se fijaba en ellos y lo suyo por Damon y compañía era un poco amor fou, a lo Belieber, pero, ah, eso le daba un aire especial.

Hoy es jueza, para qué veáis si es ciega o no la justicia. Aunque tampoco sé qué pensará a estas alturas de The Great Escape: espero que haya entrado en razón.

Pero volvamos a Blur. Al piano, Damon siempre ha funcionado y el grupo pone una atmósfera que deja con ganas de volver a la canción. A priori, es bastante más single que ‘The Puritan’, aunque las dos están ya a la venta en digital y en unas semanas en formato físico.

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Cuida a los fans que al final son los que te van a dejar los millones en el banco. ¡Hazte un tuister! te diría algún CM recién sacado su curso de CCC. ¡No, mejor saca una caja recopilatorio con los mismos discos que ya has reeditado mil veces para sacarlos los cuartos! Y así una espiral hasta que hoy Blur se han subido a una azotea y han tocado dos nuevas canciones en directo en streaming a todo el mundo: ‘Under the Westway‘ y ‘The Puritan‘. La maniobra social fue todo un éxito.

‘Under the Westway’ y ‘The Puritan’: no hay tantos cambios

‘Under the Westway‘ fue el primer tema que cayó. Blur marcándose una nueva entrega a lo Think Tank mezclado con ‘For Tomorrow’ (referencia que también reiteró @Feemcbee. Damon Albarn al piano, con un tempo lento y una letra de las suyas en este momento. Letra que hace unas horas colgaron en las redes sociales, partitura incluida.

Una hora más tarde sonaba ‘The Puritan’, tema del que ya se había filtrado un avance por Internet bastante chustero, que prometía poco, cual Beck en sus inicios con el rollo folkie en el cual no veía muy lejos a Albarn. En directo y a una calidad buena el tema mejoró. Graham Coxon a los coros con un agudo lalalá de gato sodomizado pero con gafas de pasta, el bajo de Alex James cogiendo más cuerpo, como en sus primeros álbumes (¡bien!), así como la batería machacona de Dave Rowntree. Me recordó cuando a Blur le gustaba sonar a unos The Jam directos o a partes de The Clash, grupos por los que siempre se han declarado seguidores.

Ambos temas presentados, escritos por Damon Albarn para su actuación en Hype Park en verano e inspirados por lo de siempre según él mismo (lo que le rodea, la vida, el tiempo, etc.), ya pueden descargarse en iTunes y el 6 de agosto saldrán en formato vinilo en 7”, un vinilo limitado (no sé sabe cuán de limitado es el eufemismo) y coloreado que publicará su sello Parlophone y que ya puede reservarse.

El grupo respondiendo a los fans

Después de varios años sin respuesta alguna, de rumores y de más historias (¡hola NME!), los cuatro miembros de Blur han estado respondiendo por Twitter a las preguntas que les iban llegando. Una buena sesión que os recomiendo leer en su cuenta oficial.

A mí no me han hecho ni p. caso, pero el volumen de preguntas ha sido muy alto. Ya sabemos que no garantizan que haya uno de los quesos de Alex James en el concierto de Hyde Park, el cual tendrá temas antiguos y alguno nuevo. Volvieron a recordarles la manida batalla en el Britpop, por si a día de hoy colaborarían con alguno de los Gallagher, a lo cual Graham Coxon respondió que ya le va a telonear en otoño. Hicieron bromas sobre su separación (¡hola de nuevo NME!) y sobre su vestimenta (Alex James llevaba bermudas porque el día se levantó soleado).

Lo más interesante: “I still have 2 boxes of cassette tapes I haven’t gone through yet – there’s prolly more…“. No pone qué miembro lo dijo pero ahí quedan más reediciones.

Por el momento yo cuento los días que me quedan hasta verlos en Wolverhampton el 6 de agosto. Este regalo ha sido todo un detalle.

Galería de fotos

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De momento no hay nada confirmado en España, pero tras esta serie de conciertos y los que tienen pensado ofrecer en el Festival Skanderborg de Dinamarca y el Way Out West de Göteborg (Suecia), en el que compartirán cartel con The Black Keys (los dos grandes ausentes en nuestros festivales de este año), uno empieza a tener esperanzas de que más tarde recalen por aquí.

Por el momento estas son las siete fechas confirmadas por Blur, todas ellas en un período de tiempo de tan solo 12 días. Tiene que haber más ¿verdad?:

01 de agosto: Margate (Inglaterra) – Margate Winter Gardens
05 de agosto: Wolverhampton (Inglaterra) – Wolverhampton Civic Hall
06 de agosto: Wolverhampton (Inglaterra) – Wolverhampton Civic Hall
07 de agosto: Plymouth (Inglaterra) – Plymouth Pavilions
08 de agosto: Skanderborg (Dinamarca) – Smukfest
09 de agosto: Gothenberg (Suecia) – Way Out West Festival
12 de agosto: Londres (Inglaterra) – Hyde Park

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And I might as well grin and bear it
Because it’s not worth the trouble of an argument
And in any case I’d rather wear it
It’s like a badhead in the morning.

Blur, ‘Badhead’.

Levantarse con la noticia de la eterna reedición de la obra de uno de tus grupos favoritos es uno de los colmos de todo fan. Un fan tonto. Un fan coleccionista; vamos, tonto, por lo tanto. ¿Que Blur vuelven a despertar interés? Ahí está la discográfica de turno mandando un estudio de beneficios y pérdidas de si compensa o no publicar de nuevo más extras de la banda que Damon Albarn vuelve a dar por muerta antes de siquiera haberla puesto en pie. Y como fan tonto que soy no me merece la pena discutir, mejor pongo mi mejor sonrisa y pienso cuánto hay que aflojar esta vez.

La discografía de Blur se verá ampliada el 30 de julio con motivo de un 21 aniversario con visos de tragedia, la que a buen seguro tiene a Albarn, el hombre ópera, detrás. A sus eternas distintas ediciones, cada álbum publicado por el grupo volverá a verse reeditado con esas ingentes cantidades de material inédito que las discográficas dicen tener siempre guardado en el cajón. Claro que si está ahí, será por algo. Ahora prometen: material inédito en canciones y fotografías, libretos ampliados y “más” (añádese aquí el eterno deseo de un fan que se inventa su su santo grial para justificar el daño a su VISA).

Hace tiempo que la música se convirtió en la industria del boxset de precios excesivos. Es lo único que no ha perdido valor como regalo, los CD son poca cosa para un detalle, mejor una caja de 200 euros, claro. Así que Blur también tendrá la suya que en Amazon ya han subido por la módica cantidad de 157,99 libras, unos 193,39 euros. En este boxset tendremos reunidos los siete discos de estudio, tres DVD de esos que no te pones pero que sabes que tienes dos horas de material inédito que ver, un single de 7” con el tema ‘Superman’ en directo y un libro de pasta dura (lo que a mí me llama más la atención de todo el conjunto).

Blur – Badhead (directo)

¿Detrás de todo esto quién está? EMI. ¿Quién si no? ¿Y detrás de todas las múltiples referencias que ha sacado Blur en sus años de carrera (juntos y disueltos)? EMI. Parlophone es EMI desde 1931.
Empresa con serios problemas económicos según todas las informaciones.

Los extras prometidos en cada álbum son un mojón. Son temas que a poco que hayas sido fan de la banda, fan de estos bobos digo, tendrás en tu colección. Directos que no dejan de ser en la BBC Radio, en The Budokan, Mile End, acústicos, o en la XFM; mientras que en bootlegs la discografía de Blur es muy extensa. Los temas incluidos en los singles que el fan club de Blur sacaba en su día, esos remixes que eran peores que las originales (en algunos casos, tarea compleja) o rarezas que son demos de los temas conocidos, con el miedo que ya conocemos en estos casos. Demos que al final no justifican pagar 200 euros.

Ya el 27 de septiembre de 1999 Food sacó una caja por el décimo aniversario de Blur con todos los singles hasta el momento (No Distance Left To Run fue el último), los cuales tenían sus respectivos extras. 22 discos en total. A eso hay que sumar las múltiples ediciones de cada álbum original en diversos mercados (si nos fiamos de Discogs Parklife cuenta con 16 distintas) con más cortes que a veces se incluían. Por no hablar del alto número de recopilatorios, de singles sueltos y hasta de algún vídeo (cuatro en total). Ah, y la lista de bootlegs conocidos.

Por mi parte esta vez no pico. Ya se pueden quedar con esa caja en los grandes almacenes y volver a tratarnos como bobos que no. Después de tener múltiples ediciones de un mismo disco (desde la australiana a la alemana o japonesa), después de buscar hasta el bootleg más raro por eBay o de pensar en algún día la chorrada de pagar un alto precio por el 7” de The Wassailing Song (su single más caro, sin interés alguno y una de las pocas referencias que me falta de Blur en mi colección), el falso 21 aniversario de Blur lo va a celebrar EMI solita. Que para rescatar economías ya estamos haciendo el parias con los bancos. Ya cuando esté a saldo me comeré mis palabras. Sobre el especial pendiente hablamos otro día.

I know.

Blur, ‘Badhead’.

Vía | Consequence of Sound
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