Oficialmente, la redacción de Hipersónica está dividida por lo nuevo de U2, que ha salido hoy a la luz. Get on your boots puede pecar de muchas cosas, pero si algo se puede afirmar con rotundidad es que los irlandeses no tienen un tema similar a éste en su discografía, que estamos repasando aquí.

Y me cuesta hablar del tema, pero hay que reconocer que, cercanos a los 50 años como están, lo sencillo era empezar a tirar de grandes éxitos y de álbumes y canciones que sonasen a lo de siempre, otro How to dismantle an atomic bomb, y todo parece indicar que en esta ocasión no ha sido para nada así.

Se nota mucho la producción que han hecho Brian Eno y Daniel Lanois, pues el tema tiene ritmos distintos completamente en distintas partes de la canción, así como muchas “capas” que se notan a lo largo de la canción, se nota especialmente.

Entrar a valorar musicalmente el tema me ha costado y me sigue costando una barbaridad, pues creo que como gran seguidor de U2 mi opinión puede que no sea del todo imparcial, por ello que no me quiero mojar mucho. Es sorprendente, sumamente sorprendente, porque creo que muchos esperaban otra cosa de lo nuevo de U2.

A mí me gusta, me parece que The Edge a la guitarra ha hecho un buen trabajo y que Larry a la batería sí que se ha puesto las pilas y se ha marcado buenos ritmos. Bono quizá peca de excesivo en la parte final con ese Let me in the sound que no viene mucho a cuento en la canción, pero a mí al menos me gusta como primer single, es sumamente pegadiza. Lo dicho, esta gente podrán morir musicalmente hablando. Pero con las botas puestas.

Web oficial | U2

Audio | Goear

Más en Hipersónica | No line on the horizon

El álbum saldrá al mercado el 2 de Marzo, y vendrá producido por Brian Eno, Daniel Lanois en sesiones grabadas en Fez (Marruecos), Dublín, Nueva York y Londres. Como puedes ver, la portada puede parecer un tanto obvia al ser el mar sin un horizonte, inspiración de un cuadro del artista Hiroshi Sugimoto.

Sobre los formatos en los que saldrá el álbum, confirman los 5 formatos que comentamos en Hipersónica. Tienes la lista de canciones que compondrán No line on the horizon tras el salto.

• ‘No Line On The Horizon’
• ‘Magnificent’
• ‘Moment of Surrender’
• ‘Unknown Caller’
• ‘I’ll Go Crazy If I Don’t Go Crazy Tonight’
• ‘Get On Your Boots’
• ‘Stand Up Comedy’
• ‘Fez – Being Born’
• ‘White As Snow’
• ‘Breathe’
• ‘Cedars Of Lebanon’

Más en Hipersónica | No line on the horizon

Cambiamos un poco el formato de estos posts atemporales en lo que tratamos de recomendar discos partiendo de nombres conocidos. Ya os dijimos en la primera ocasión que queríamos vuestras preguntas y Vooodoochild nos pidió, entre otros, a grupos relacionados con la Velvet Underground.

La tarea era titánica y hasta cierto punto agotadora, porque hay miles y miles de bandas por todo el mundo que han sido influidas por el grupo de John Cale, Lou Reed, Maureen Tucker y Sterling Morrison. Así que, puesto que de todas maneras iba a ser una tarea incompleta, he decidido dividir el post en dos. Hoy hablaremos de discos (y sólo discos) que fueron influidos en su época muy directamente por la Velvet cuando ésta aún tenía estatus de grupo semidesconocido. Y en breve, en otro post, también trataremos sobre bandas más recientes que han sido influidas cuando la banda ya había adquirido algo más que status de culto y el paso de tiempo les había convertido en lo que siempre fueron: muy grandes.

Vamos, pues, con el primer paso: discos influenciados de manera directa y cercana en el tiempo por la Velvet Underground, discos que probar si te gustan los neoyorquinos.

The Modern Lovers – The Modern Lovers (1976):

Jonathan Richman ha estado durante muchos años maravillado por el influjo de la Velvet, pero sólo en la primera parte de su carrera ha dejado ver claramente esa fascinación. Lo que está claro es que pocos como los Modern Lovers supieron recoger el instinto para el rock primario del grupo de Cale, Reed, Tucker y Morrison. Esa indiferencia urbana, esos juegos de guitarras, aparentemente trogloditas, pero complicados de seguir, esa chulería innata con la que podían decir “tú no eres Pablo Picasso, sólo un gilipollas” y que la canción sonase adictiva, frenética, oscura pero capaz de dar luz. O, bueno, dar vida a algo tan velvetiano como esta ‘Roadrunner’ (youtube)

The Rolling Stones – Sticky Fingers:

Ya Lester Bangs, mítico crítico musical, nos puso sobre aviso, así que apelo al argumento de autoridad si tenéis algo que objetar. Los Rolling Stones de aquí (mucho más que los de Exile on Main St., pese a que Bangs también lo citara) son tremendamente Velvet Underground, más en actitud que en música. Óscuros, drogotas (‘Sister Morphine’, ‘Brown Sugar’) y mucho menos expansivos de lo habitual, éste bien podría ser el primer disco mainstream al que le afectó de lleno la Velvet. Ya digo que quizás más en espíritu que musicalmente, porque los Stones iban por un camino mucho más blues, pero en cualquier caso Sticky Fingers tiene un lado muy Velvet Underground.

Brian Eno – Here Come The Warm Jets:

Durante mucho tiempo he estado dando la espalda a los primeros discos de Eno porque los identificaba con sus aventuras ambientales de los 80. Hace un año, haciendo caso por fin a quienes me insistían que los probase, le di la oportunidad a Here Come The Warm Jets y… ya tuve nuevo ídolo.

Las primeras obras del mítico músico y no menos mítico productor tienen una imaginación guitarrera desbordante, pero también muy de regreso a lo básico, como cada acorde que pulsaba Sterling Morrison, aunque la agresividad de los discos en los que Cale aún participaba está suavizada en los de Brian Eno, reemplazada por chispas de vida y vestida de glam. Mucho menos oscuro en sonido (las letras son otro cantar y en Eno bordean lo absolutamente ridículo), pero igualmente necesario.

The Stooges – Funhouse:

Desde el primer momento, los Stooges se apropiaron de ese sonido brutal, violento y distorsionado que a la Velvet le gustó mostrar en sus dos primeros discos. Y si en el grupo de John Cale el distintivo chirriante era la viola, Iggy Pop y los Asheton demostraron que podían hacer el mismo daño a los oídos con un saxo: fue en Funhouse, quizás el más velvetiano de todos los discos de los Stooges. Quizás, porque su desbordante debut tiene también el típico mal rollo nihilista tan VU saliéndole por las orejas. Trata de escuchar la canción titular de Funhouse sentado.

Television – Marquee Moon

Tan neoyorquinos y arties como la VU. Tan expresivos en su manera de concebir el rock. Tan experimentales pese a su apariencia. Tan necesarios que habría que hacer también otro post con un 5 grupos que te gustarán si te gustan Television. Tan cerebrales y tan pasionales a la par. Un placer musical como pocos.

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27 años después, quienes dieron vida a My Life In The Bush of Ghosts, uno de los discos más etéreos y sugestivos de los 80, han vuelto a unirse. Pero, seamos sinceros, esta vez la unión de David Byrne y Brian Eno daba más miedo que otra osa. ¿Podrían encontrar el espíritu adecuado para mantenerse a la altura de las expectativas? ¿Sería un fraude conjunto?

La primera escucha es un ZAS, en toda la boca. Personalmente, me esperaba cualquier cosa excepto un disco tan clásico, tan pop. Conociendo a ambos músicos y sus ganas por estar continuamente experimentando, Everything That Happens Will Happen Today es casi un disco ilógico.

Y es que la visión ha cambiado. En la cena en la que decidieron volver a unirse, Eno acordó quedarse con toda la música y Byrne ocuparse de las letras y las voces. Reparto de poderes que ha desembocado en un disco “de canciones”.

A Everything That Happens se le ven las ganas de recopilar parte de lo mejor de las carreras de ambos músico. Byrne, por ejemplo, da algunas pinceladas líricas de los mejores discos de Talking Heads: la hermosa apertura de ‘Home’ casi parece un regreso a las letras de sobre edificios y comida, sólo que esta vez Byrne no suena desorientado, confuso, mareado por el mundo, sino sabio y calmado: I’m looking for a home, where the wheels are turning… canta mientras Eno le envuelve en guitarras tratadas como sólo él sabe hacerlo.

No olvidemos que Brian Eno sigue siendo un tipo solicitado en el estudio. Uno que nunca va a darte la visión que esperas de él. Everything That Happens recuerda, a estas alturas, a gran parte de sus primeros discos en solitario, sólo que extirpándoles sus ridículas letras y sin que el colchón instrumental sea tan rompedor. Con más años, menos sorprendente y con más trucos de perro viejo, pero se disfruta igual.

Hay ocasiones en las que ambos parecen haber trabajado conjuntamente (o eso, o antes de grabar ‘I Feel My Stuff’ Eno se empapó de todos los discos de Talking Heads). Y todo el disco tiene la pinta de ser de los que crecen,, de los que de primeras no parecen para tanto, pero sí lo son.

Quitemos miedos, pues: éste ha sido un retorno que ha merecido la pena. Además de viejos, este par de mitos son sabios. Tan inesperado como bonito.

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Siempre veo nuestros albums en términos de los albums de U2. Viva La Vida es nuestro Unforgettable Fire porque es menos evidente, es más oblicuo. Trata sobre el sexo, la muerte, el amor, el miedo, los viajes y l enfermedad. Hay luz y oscuridad.

Realmente no podría estar más de acuerdo. En la crítica que hice al disco comentaba la gran influencia que se nota de Brian Eno en esa atmósfera densa y de experimentación que tiene el disco, ciertamente al igual que The Unforgettable Fire. En aquel álbum del 85 estaba en la producción Brian Eno, en el que se forjó Pride (In the Name of Love), un tema emblemático de los irlandeses. ¿Saldrá de este álbum algún tema mítico en el futuro de los ingleses? Seguro.

Además, ante la pregunta de cómo se consideran como banda, Chris Martin dice:

No creo que Coldplay seamos la mejor banda del mundo, por ejemplo Arcade Fire o Sigur Rós son mejores que nosotros, yo nos pondría en la séptima posición…

Sobre estas últimas, yo no soy muy dado a hacer ránkings, y tampoco decir qué banda es la mejor del mundo ahora mismo. Si bien es cierto que Coldplay creo que está en esa transición de pasar de ser una banda de corto recorrido a una banda mítica, y tanto en este álbum como en el siguiente quizá pase gran parte de su futuro.

Recomiendo pasar encarecidamente por los comentarios a mi crítica del álbum, pues se está gestando una conversación bastante interesante sobre él y sobre los nuevos rumbos de Coldplay.

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En Parachutes, Coldplay triunfaron porque hicieron gala de una contención inusual en un grupo como ellos. Con los matices vocales de Jeff Buckley y la ampulosidad que siempre está detrás de casi todo grupo británico que pretende hacer épica, aquellas canciones fueron gozosos susurros, muestras perdurables de que la banda había escogido el mejor camino.

Poco a poco, disco a disco, los propios Coldplay se han ido encargando de traicionar todo lo que en su primer disco había de bueno. Abrazaron el rock de grandes estadios, copularon secretamente con los discos de U2 y se encargaron de ir haciendo las canciones cada vez más gigantescas, cada vez más monumentales, cada vez más de cartón piedra. Apostaron por el caballo grande, daba igual las condiciones en las que estuviese, si andaba o no. Y se hicieron famosos, ricos e insoportables.

Uno tenía la esperanza de que algo cambiase con el nuevo disco, de que Brian Eno pusiese ingredientes especiales en las canciones de Coldplay, de que les rebajase el tono, de que recuperara esos momentos en los que ellos insinuaban en vez de mostrar. Pero Violet Hill es un martilllazo en toda regla a cualquier tipo de esperanza de ésas, un martillazo que pega Chris Martin en el vídeo de la canción a todos los que creímos en que Parachutes era el comienzo de algo diferente, no de unos nuevos U2. O peor, de unos nuevos Simple Minds, que es a lo que llega el primer single de Viva La Vida or Death And All His Friends.

Vídeo | Dailymotion

Llegamos hoy al último de los tres capítulos con los que hemos tratado de echar un vistazo a la trayectoria de Manta Ray, una banda tan interesante como controvertida entre los aficionados (tenía completamente maravillados a quienes gustaban, mientras que el resto de mortales solía situarse en el extremo opuesto).

Su disolución, anunciada ahora hace un mes, es una pena que aún lloran muchos. De hecho, en myspace se ha iniciado una campaña para pedirles una gira de despedida que permita verles por última vez sobre los escenarios de toda España. No estaría nada mal, la verdad, ya que en directo siempre han sido irreprochables.

En este último post, contemplamos cómo Manta Ray dieron un nuevo golpe de timón, con tres discos que les cambiaron casi por completo. ¿Fue algo malo? Veamos:

Heptágono (con Schwarz)

En 2001, surgió la enésima colaboración entre Manta Ray y otra banda. Era un encuentro que parecía casi predecible. Mientras Manta Ray se habían ido librando de lo que ellos consideraban rémoras en su música y volviéndose progresivamente más cerebrales, Schwarz eran, desde el inicio de su carrera, la banda más alemana del indie español. Así que cuando se anunció un disco compartido, sólo quedaba saber si iba a ser consecuencia de una ruta de colisión, de un camino convergente o (quizás la peor opción) de un sendero paralelo que nunca se cruzaría (algo así como un nuevo Diminuto Cielo).

De elegir bien a los amigos, de eso se trata, como recuerda Enrique Martínez en la entrevista que el Feedback-zine (¿dónde estáis?) les hizo a los dos grupos con motivo del lanzamiento de Heptágono.

El disco no es sólo un aquí te pilló-aquí te mato, sino que recuerda al modo de trabajo con el que se han grabado todos los discos de la serie In The Fishtank: se trata de reunir en el estudio a dos bandas con visiones parecidas y que trabajen juntas para grabar en directo, sin trucos ni retoques, una nueva obra.

Como condiciones previas, en Heptágono tenía que aparecer una versión de cada banda, que la otra grabaría por separado, y dos versiones de otros músicos, grabadas conjuntamente. Las otras tres canciones debían ser fruto del esfuerzo común.

Aunque el concepto del disco y la propia manera de ser de los grupos participantes pudieran propiciarlo, Heptágono no se va por las ramas. La improvisación, que existe, está bien acotada. Las jams instrumentales, que aparecen, no se estiran hasta el infinito. El caos vive, pero no ahoga. Con tanto músico junto, en vez de emborronarse la paleta de colores de Schwarz y de Manta Ray, lo que se consigue es que haya muchísimos más matices.

Curiosamente, lo más flojo del lote son las versiones que Manta Ray y Schwarz se dedican, grabadas por separado. El resto de canciones puntúa tan alto que, indirectamente, se nota que esos dos temas (If You Walk tocado por los murcianos y I´m Bored With Rock´n´Roll ejecutado por los de Gijón) son los lados borrosos del heptágono.

Por contra, puntúan alto las interpretaciones de Antenna (Kraftwerk), muy poco respetuosa con los alemanes y por ello interesante (youtube), y el precioso On Some Faraway Beach, de Brian Eno, que ralentiza la emocionante original, le pone ruiditos más marcianos y no suena por ello más fría. Ahí vuelve a aparecer el José Luis García que tantos seguidores de Manta Ray deseábamos volver a escuchar. Será, casi, la última vez que cante a la manera de sus primer disco.

Estratexa (2003)

Con Estratexa Manta Ray no sólo cambiaron de sello (adiós a Astro, hola a Acuarela), sino que decidieron, por primera vez en su carrera, que sus posicionamientos personales tenían que ser visibles en un disco. Posicionamientos en lo político y en lo musical que convirtieron Estratexa en un disco rabioso, violento, furioso… y, también, en unos pocos resbalones, en un gesto donde su excesivo expresionismo acaba por rebajar la presunta intensidad, hasta convertirla en histrionismo de galería de arte.

Ésa es la pega menor que se le puede poner a Estratexa, algo así como el viaje de Alemania a Washington DC. Manta Ray no son Shellac ni, posiblemente, nunca lo han pretendido, pero con su nuevo disco buscaban los rastros del grupo de Steve Albini . Sólo así podían nacer cosas como la canción titular (youtube): un bajo saturadísimo, una batería brillante y un crescendo de puro rock que desemboca en un final demoledor. Cuando Estratexa funciona (o sea, la mayoría de las veces) su sonido es el del nerviosismo de la revuelta. White Riot, a riot on my own, que dirían los Clash.

Quizás ésa sea la mayor virtud de Estratexa: por encima de sus canciones está su sonido, demoledor. Algo que tiene aún más valor porque era lo que la propia banda buscaba:

Queríamos desprendernos de toda la luminosidad que habíamos adquirido en Esperanza, de las bases electrónicas, los arreglos de cuerda. Necesitábamos hacer un disco más crudo, más rabiado. Un disco como Estratexa pretende ser un grito crítico contra un mundo cada vez menos habitable. Y esa es nuestra estratexa actual.

Se abandona cualquier rastro de melodía. Los ritmos se vuelven hipnóticos. La fuerza del nuevo concepto es palpable en Asalto (youtube). Vale, nada especialmente novedoso, si se piensa: Estratexa lo único que haces es coger a los grupos de Dischord y mezclarlos con algo de krautrock. Pero, de nuevo, no es la innovación lo que importa y no es por ello por lo que se debería juzgar a Manta Ray, sino los resultados sonoros, donde hay pocas pegas.

Estratexa sólo se toma respiros en Añada y Another Man, y son falsos remansos de paz, donde la tranquilidad se orienta hacia sonoridades más freejazz, como en Rosa Parks, o directamente más tenebristas, como Ausfahrt.

Aunque en un primer momento, Estratexa apabulla y se corre el peligro de encumbrarlo muy alto, con el paso del tiempo se ven las taras de la propuesta, ya comentadas. Que Manta Ray buscasen el sudor, lo físico, y les saliese algo más orientado hacia el art rock es sólo ejemplo de sus propias limitaciones en el estudio. Mientras en directo este disco sí transmitía sensaciones parecidas a las de Shellac, en la grabación sólo llegaba a querer sonar a como los de Chicago. Además, como nueva vía musical para el grupo, no dejaba mucha posibilidad a una continuación.

Me releo y veo que parece que Estratexa no me guste. No lo toméis por ese camino: es un disco notable, pero tampoco supera a la mejor encarnación de la banda.

Torres de electricidad (2006)

Si Extratexa ejerciera de antítesis de toda la carrera de Manta Ray, Torres de electricidad debería haber sido la síntesis. Al menos, eso parece cuando lo escuchas. En el mismo disco conviven el grupo violento, el cerebral y el pasional: tres caras de la misma moneda que alcanzan su mejor unión en Por qué evadirse a otros mundos aún más pequeños, quizas el ejemplo de que el grupo parecía por fin dispuesto a aceptar todas sus vertientes. Esa gran gema de épica matemática es, desde el mismo momento en que la escuchas por primera vez, una de las mejores canciones de Manta Ray y su presencia sirve para elevar el nivel medio de Torres de electricidad, otro disco notable.

Sí, así es, otro disco notable, pero tampoco un disco perfecto. Me parece, no obstante, más valiente que Estratexa. Prosigue el camino de aquél en canciones como Mi Dios Mentira (youtube), con la que dan ganas de liarse a hostias con la gente o de hacer saltar el mundo por los aires, una sensación siempre gratificante en un disco de rock (siempre que no la llevéis a cabo, claro). Tensan más sus nervios en cosas como Don´t Push Me, sin necesidad de estar siempre pareciendo que son los más duros del lugar. Y cierran el disco (y su carrera) con la buenísima Torres de electricidad, otra canción larga que subir al podio de sus mejores temas.

Cómo se puede comprobar en el directo grabado en Granada, la gira fue apabullante. Tanto que varias noches parecía que el grupo iba descarrilado, al límite. Que incluso sufría. Ahora aquello parece una premonición. Pero, después de todo, puede que sea mejor que el grupo ya no siga adelante: dijeron mucho y lo dijeron bien. Si su vida ha cambiado, si sienten la necesidad de estar en otros proyectos, su carrera se cierra sin apenas pasos en falso. Se van justo cuando podrían haber empezado a desvanecerse, en vez de a arder. Y recambios hay de sobra, hasta mejores: que sus fans se fijen en Lisabö, si es que aún no los conocen. (Bueno, la verdad es que debería ser obligatorio escuchar a Lisabö).

Más en Hipersónica | Manta Ray: Discografía (Parte I), Parte II

Se saben más cosas del nuevo álbum, que saldrá el 16 de Junio. La curiosa frase viene de una obra de la artista mexicana Frida Kahlo. El nuevo álbum fue grabado parcialmente en Barcelona y como comentamos la producción vino a cargo de Brian Eno, componente de Roxy Music y que por ejemplo ahora está produciendo lo nuevo de U2.

Se comentan los posibles títulos de las canciones : Famous Old Painters, Glass of Water, Lost! (¿hará referencia a la serie?), Cemeteries of London, Violet Hill, Poppy Fields, 42, Yes!, Leftrightleftright, Rainy Day y Prospekt’s March. No viene de más recordar que el título que tuvo el álbum hasta ahora era Prospekt, así que quizá esa canción tenga bastante peso en el disco. Lo único que sé es que me muero de ganas por escuchar lo nuevo de Chris Martin y los suyos..

Vía | Muzikalia

¿Qué es exactamente música experimental? Bueno, hay algo en común entre los dos futuros discos y es que en bambalinas está Brian Eno, así que cualquier cosa me espero, para bien y para mal.

Los de Chris Martin han dicho que sentían que sus tres primeros álbumes (Parachutes, A rush of blood to the head y X&Y) eran una trilogía y como tal ya ha finalizado para dar paso una nueva etapa en la banda.

Del lado de Bono y compañía, teniendo en cuenta que el propio artista había definido a How to dismantle an atomic bomb antes de su salida como punk rock hecho desde Venus ya me espero cualquier cosa. Lo cierto es que si la banda quiere una salida y un retiro digno debe mejorar un poco e innovar como hicieron con Achtung Baby.

Y tú, ¿crees que está de moda esto de la “música experimental” o es un simple concepto para mantener las ganas de un disco nuevo?

La banda, que tuvo varios cambios en sus integrantes, volverá con su formación original, es decir: Bryan Ferry, Phil Manzanera, Brian Eno, Andy Mackay y Paul Thompson. En principio se han reunido para grabar un nuevo álbum que, tras 26 años, saldrá en el mes de Abril. Bryan Ferry declaró que en el álbum podrían incluir una colaboración de los Scissor Sisters, que ya estaría grabada.

Los rumores de una reunión de la banda se confirmaron en Enero del 2001, cuando la banda anunció una gira a nivel mundial con 50 conciertos, algo que fue plasmado en el dvd Live at the Apollo. La reunión venía sonando para un disco desde 2006, si bien Brian Ferry la retrasó un tiempo por la salida de su disco Dylanesque.

Habrá que ver qué sale de esa reunión, y ver si sigue existiendo la chispa que quizá se haya perdido entre algunos miembros de la banda. ¿Será el reencuentro estrella de 2008? Quién sabe, aún estamos en Enero y la noticia ya lleva un tiempo sonando, pero en principio todo apunta a ello.

Vía | La Furgoneta Azul