Tras la derrota de España en baloncesto, apurando hasta el final y haciendo uno de los mejores partidos de la historia (se merecían el oro estos chicos), vamos con algo para levantar el ánimo de los domingos. La ración de funk del fin de semana.

Hoy probamos algo nuevo, nada de los clásicos originales, de los españoles, de la electrónica, ni de duetos, hoy toca irse al lado más hortera del sonido, hortera porque acabó derivando a tal sector, pero antes habría grandes grupos que darían al disco su momento de gloria sin que Saturday Night Fever ni los Bee Gees reprodujesen los tópicos de mal gusto como moda.

Aquí, John Travolta no es el protagonista, sino los grupos que sentaron una base para el género del baile. Quentin Tarantino conoce bien esta música, ya que sus películas se llenan de grupos desconocidos para el gran público y pero que, irónicamente, cuando suenan en sus largos, pasan a ser indispensables… Vamos con cinco para hoy.

La buena cultura musical de Tarantino la demostraba (por poner un ejemplo) al elegir el dardo de funk oscuro titulado ‘Jungle Boogie’, con el que en 1975 Kool & the Gang triunfaban, para Pulp Fiction. La elección era más o menos sencilla, pero Kool & the Gang, de quienes ya hablé en la primera entrega, decidieron luego dar el paso y hacerse con el disco. No pude resistirme a incluir su máximo éxito (es la perfección en la unión de las partes), pero antes mejor rescatar el paso hasta él con ‘Tonight’s the Night’. Everybody’s Dancin’ (1978, Mercury) ya había supuesto un leve cambio hacia el disco, pero demasiado tímido y flojo en partes. Tendría que ser con Ladies’ Night (1979, Mercury), donde el grupo se sacase la espina y empezase a sonar como un nuevo disco, el llamado dance disco, que culmarían con Celebrate! (1980, Mercury). ‘Tonight’s the Night’ tiene todo los elementos de la cultura disco, la base dance, la oscuridad que ellos supieron conseguir y la incitación al baile.

Kool and the Gang – Celebration (YouTube)

Pero el hit que les catapultó fue ‘Celebration’, y era indispensable pasarse por él. Un año después, en 1980, justo cuando el disco empezaba a tambalearse, los estadounidenses publican su himno situado en el disco dance. La canción sorteaba el término hortera que ya empapaba mucha de la música hecha para consumir en las discotecas. Sin su nuevo vocalista y líder, James “J.T.” Taylor, esta transformación no hubiese sido posible. Kool & the Gang consiguen en esta canción la mezcla perfecta entre los coros de fondo, su labor en primer plano y las trompetas sobre la base mantenida. Fue su único número uno, y es una de las canciones más recordadas por muchos.

Manu Dibango – Soul Makossa (YouTube)

Pero antes de ambas referencias populares, el disco ya había empezado a sonar sobre la mitad de 1970. Y el nombre que se suele citar para el comienzo es el del gran Manu Divango, otro de los reformadores del funk puro procedente de África, junto con su compañero Fela Kuti. El saxofonista camerunés publicó su primer LP bajo el mismo título que este single y ahí empezó otra historia. Si se observa la canción, se ve la base con cierta carga electrónica propia del dance primitivo, su saxo dando bandazos entre el funk y el disco de la primera época y luego los toques procedentes de su tierra. Es una canción que ha pasado a la historia y con la que empezó la carrera prometedora de Divango. 1972 fue la fecha en la que se publicó, y que contó con el apoyo del primer club de disco (The Loft) en Nueva York abierto dos años antes por David Mancuso, el nombre clave que popularizó el disco como promotor y DJ.

Donna Summer – The Hostage (YouTube)

La parte femenina en el disco empezó de la mano de Donna Summer, aunque ella era sólo una voz que estaba ahí gracias a la labor de un productor muy exitoso, como fue Giorgio Moroder. Italiano y encargado de los teclados, él estuvo detrás de todo el éxito de Summer. Con canciones mejores que otras, ‘The Hostage’ es la elegida por su entrada en 1974 como número uno en muchas listas, en especial en Europa, demostrando la entrada del disco poco a poco. Luego llegarían más y más, hasta que llegados los 80, Donna Summer decidiera bajarse y hacer un soul más desenfadado y con numerosos altibajos.

The Blackbyrds – Walking in Rhythm (YouTube)

Y para cerrar, uno de los singles que se colaron entre los números 1 y como una de las canciones más radiadas. The Blackbyrds son uno de los grupos de funk que supieron adaptarse según los vientos que corrían. Magníficos en su primera época de funk más puro, con cuatro trabajos en tres años inmejorables. Desde su homónino en 1973, hasta Cornbread, earl and me en 1975. Sin comerse un colín porque había varios mejores que ellos, pese a que sus canciones instrumentales rebosaban groove puro, en 1975 apostaron por el disco desde el lado más meloso, ‘Walking in Rhythm’ fue publicada y no salió rana. Era el disco previo a la explosión dance, que si bien tiene su tirón, yo prefiero la versión de los Blackbyrds más funk.

Una revisión para quitar un poco de caspa a un género “maldito” para muchos y que no deja de tener sus tesoros ocultos entre tanta bomba comercial para la discoteca. El disco tuvo una gran repercusión y cambió la cultura de la música en gran medida, llevando a la discoteca a mucha gente que hasta ese momento bailaba al ritmo de rock and roll o de las baladas poperas. La música dance empezaba a aflorar.

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Lo mismo que comentaba en la sección de Versiones para una tarde de viernes el otro día, sucedió con este apartado. El tiempo ha imposibilitado retomar el funk durante unas semanas, y como esto no puede ser, había que retomarlo cuanto antes. No pueden faltar las cinco canciones que animan la mañana de un domingo, ya de por sí difícil.

Anteriormente hablamos del funk respecto a diferentes parámetros. Nos quedamos revisando a los grupos españoles más emblemáticos de funk, dejamos atrás a los artistas actuales que modifican el género, y empezamos como había que hacerlo, rindiendo culto a los clásicos.

Hoy toca hablar de los duetos en el funk, las parejas más emblemáticas y más recordadas de la historia. Ya sea como colaboración, o como grupo establecido en formato dúo. Nombres como los de Tina Turner y su ex marido, Ike, Aretha Franklin y alguno más. Sólo hay que saltar para descubrirlos.

Tina & Ike Turner – Proud Mary (YouTube)

El primer dueto está formado por la pareja Turner. Para mí es uno de los mejores duetos que se han hecho nunca, además de ser una de las parejas que mejor supieron compaginarse (hasta que el desquiciado de Ike Turner hiciese lo que todos sabemos). Hasta el momento de su separación acapararon portadas, números uno y firmaron discos de la talla como el que recoge el tema elegido: Workin’ Together (1970, Liberty). El álbum mencionado es su techo junto con el mítico River Deep – Mountain High (1966, A&M). ‘Proud Mary’ no es un tema suyo, sino una versión de Creedence Clearwater Revival, pero que popularizaron el matrimonio Turner. La fuerza que alcanza en el estribillo apoyado en trompetas y en voces corales es innigualable, como lo es ver a Tina Turner desenvolverse de esa manera en 1970. ‘Proud Mary’ ganó un Grammy y consiguió el puesto cuatro en la lista de éxitos pop de Estados Unidos.

James Brown & Pavarotti – It’s a man’s world (YouTube)

El indiscutible en la lista cuando se habla de funk, quien podría llenar las cinco propuestas fácilmente y que aparece hoy de la forma más atípica: versionando su ‘It’s a man’s world’ de la mano de otro tótem en cuestión de voces: Luciano Pavarotti. El hecho de elegir uno de sus temas más lentos, con el soul y la balada de la mano, se debe justo a eso, a admirar la capacidad ecléctica que tenía Brown. Aquí hay funk en el sentido estricto del término, hay la magia de un género que emociona, y la versión en concierto con una gran orquesta detrás y las dos voces delante, es para el recuerdo. Ambos están pletóricos y el tema gana enteros según llega al final. Emociona.

The Staple Singers ft. Curtis Mayfield – Big Mac (YouTube)

Tenía ganas de poder rescatar a Curtis Mayfield, quien no había tenido cabida hasta ahora pero que en próximas entregas será de los mencionados por su mezcla hacia el soul tan orquestada y psicodélica. A The Staple Singers les dio cobijo el próximo Mayfield, en su sello Curtom Records tras su paso por Stax Records, quienes estaban en bancarrota en 1975. En ‘Big Mac’ (perteneciente a Let’s Do It Again (1975, Curtom Records)), la banda estadounidense apuesta por un instrumental para la banda sonora de la película que da título al álbum. Hechizantes riffs, bajos del género y toques de psicodelia.

James Brown & PRince & Michael Jackson – Live (Imeem)

Si antes hablaba de la supremacía de James Brown en esta sección, con esta elección se confirma aún más, pero es inevitable no hablar de este vídeo cuando se habla de duetos, colaboraciones y demás. Son tres artistas con mayúsculas juntos, unidos por el Padrino del Soul pero demostrando cada uno lo que saben hacer. Ambos invitados eran jovencísimos, Michael Jackson aún conservaba su color original de piel y el timbre agudo que maravilló, además de la cualidad de bailarín terremoto. Mientras, Prince era el de la guitarra mágica, con solos de música negra que le salen por arte de magia. Una actuación y un vídeo a recordar.

Aretha Franklin & Keith Richards & Ronnie Woods – Jumpin’ Jack Flash (YouTube)

Da igual que sea funk y hablemos en muchas ocasiones de soul, porque ambos géneros están tan pegados que los mejores artistas negros los juntaban sin importarles las barreras o para qué público iban a ir dirigidos. Aretha Franklin es la voz del soul por excelencia pero en muchos de sus temas la melodía tiene cuerpo de funk, y viceversa. En la canción elegida, Franklin se junta con otros dos artistas de su misma talla en sus respectivos instrumentos. Son Keith Richards y Ronnie Wood, dos Rolling Stones de la vieja guardia. Los tres deciden versionar uno de los himnos stonianos, ‘Jumpin’ Jack Flash’, privándolo de cualquier rock & roll de base, haciéndolo llamativo, alegre, pegadizo (más aún) y volviendo a ser una canción de BSO, esta vez para la película de Whoopi Goldberg.

Espero que con canciones así la mañana del fin de semana se haga más amena. Por lo menos, se piensa en el lunes disfrutando de buena música.

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Volvemos en un domingo caluroso con cinco canciones para combatir el calor, aunque casualmente, todas ellas promuevan el baile y traigan consigo ritmos tan pegadizos que nos hagan despegarnos de nuestra silla para dar unos pasos al ritmo de las melodías.

Hoy toca recuperar la trayectoria española en el terreno del funk, ya que el primer día estuvo dedicado a asentar un poco las bases con cinco grandes nombres, el segundo fue para los artistas actuales más accesibles que modifican el género y los españoles tenían que ser los terceros en aparecer. Por desgracia, el trabajo de los gtrupos españoles en el funk es más bien escaso, nombres puntuales que comentar pero que se quedan en nada si vemos todo el trabajo que hay fuera de nuestras fronteras.

Se puede decir que no ha calado mucho el género en nuestra historia musical. El primer grupo que dio un empuje a esta música fue Los Canarios, y estamos hablando de los 60s, pero luego habría más bien una ausencia de bandas que cogiesen su batuta de revisión del soul más psicodélico. Hoy en día, destaca un grupo que está ya dando que hablar. Son The Right Ons y cuando les vi en directo transmitieron esa fuerza y destello del funk más rockero, además, en una entrevista que les hice, hablaron sobre todo este mundillo en el que se sienten muy a gusto.

Los Canarios – Get On Your Knees (YouTube)

Así, el primer tema no podía ser para otra banda que no fuese Los Canarios, grupo mítico donde los haya para algunos. A la cabeza, su líder en la mejor época: Teddy Bautista, sí, el mismo que se ganó la fama de magnate sin escrúpulos al mando de la SGAE, pero todos tenemos una buena época, incluso alguien que buscó en la música la explotación mercantil que en un principio atacaba e incluso cantaba consignas al estilo hippie (‘Free Yourself’). ‘Get On Your Knees’ fue un tema mítico, de sus mejores hits, protesta, reivindicativa y con unos arreglos que por aquel entonces, España ni sabía de su existencia. De todas sus canciones, yo me quedo con ‘Child’, pero esta la dejamos para otro momento.

Aunque de todos los grupos que ha habido en España en este terreno, mis favoritos son Alcohol Jazz. La banda madrileña comenzó en 1984 y en su haber, tienen cuatro álbumes a cada cual mejor, desde Persecución implacable (2001, Subterfuge Records), hasta Beleça (2005, Subterfuge Records). La pena es que con tantos años sólo tengan estos trabajos publicados, pero es un hecho más de cómo no hay cultura de funk por estas tierras. El tema que os dejo a continuación es de Beleça, un hit gracioso, pegadizo y con una gran voz (Txaloman) poniendo cuerpo a versos que una vez que los escuchas, los recuerdas siempre que ves a un hombre calvo. Magníficos.

Ortophunk – Psicodelia Latina I (YouTube)

El tercero, es un grupo que ya tiene su trayectoria también consolidada, pero por desgracia, son casi desconocidos salvo para un determinado público. Son Ortophonk, desde el norte (donde hay un importante movimiento de esta música), más concretamente desde Vitoria, llevan ya ocho en activo intentando hacerse un hueco en esta escena tan cerrada. Los festivales de jazz ya les han acogido en varias ocasiones pero siempre falta el siguiente empujón. Su fórmula es el funk más puro, con ritmos originales, mucha alegría y movimiento y siempre experimentando para aportar avances desde la electrónica o desde la vena latina. Acaban de publicar su nuevo álbum, Massala Fims, el cual comentaremos en breve en Hipersónica, además de entrevistar al grupo.

Fundación Tony Manero – United Soul (YouTube)

Otro grupo que no se podía quedar fuera de esta lista, es la Fundación Tony Manero. Ellos han conseguido poner el funk con el disco y el soul, a un nivel más popular y conocido que el resto de sus compañeros. Consiguieron hasta tener éxitos con alguno de sus temas y siempre bajo una gran calidad, en la misma línea que Jamiroquai está trabajando ahora mismo. Canciones movidas y directas para bailar, con una estética propia de la música disco, ha sido un grupo fiel a sus principios desde que en 1995 empezasen a sonar en Barcelona. Este ‘United Soul’ es una muestra de la gran calidad de su sonido y su fórmula pegadiza.

The Right Ons – Do Your Thing Babe (YouTube)

Y el quinto y último, era difícil elegirlo, porque ha supuesto dejar fuera a alguno, en especial a Tokio Sex Destruction, quienes fueron otro de los primeros grupos que surgieron en España mezclando rock y funk con tanta calidad. Debido a esto, a la gran trayectoria de los catalanes, los prefiero dejar para otro artículo con figuras internacionales. Ahora mejor hablar de la próxima promesa en la escena española. The Right Ons tienen el gancho exacto de la música negra, y aunque en concierto vayan más al rock, su punto de partida es el funk, como ellos mismos reconocen (incluso el nombre hace homenaje al género). Desde diferentes puntos de España, los cuatro componentes de la banda (dos de ellos también en Jet Lag), firmaron el año pasado uno de los mejores debuts nacionales bajo 80.81 (2007, 2Fer Records). ‘Do Your Thing Babe’ fue su primer single, aunque no es la mejor canción, yo prefiero quedarme con una de sus caras B: ‘Shake Shake Shake’.

Cinco ejemplos de qué se ha hecho por aquí y que se está haciendo ahora mismo. A ver si en los próximos años hay más impulso de esta escena.

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Seguimos intentando animar el domingo, prorrogar la fiesta que hemos tenido este fin de semana y afrontar mejor el lunes. Hoy toca ver cómo entienden el funk diferentes artistas actuales. El primer día hablé sobre grupos como Funkadelic, James Brown o Sly empezaron a sentar las bases de lo que sería el funk con mayúsculas, revisionándolo y nunca conformándose con un único sonido de fórmula.

El segundo día tenía que ser entonces sobre qué hacen los artistas actuales cuando encuentran este sonido y lo hacen suyo, lo analizan y lo añaden diferentes elementos para enriquecerlo. La electrónica es el género que más está ahondando en el funk, tiene las bases como aspecto fundamental y eso se nota a la hora de construir los temas, donde los riffs de la música negra siempre tienen su tirón (y si no, que se lo digan a Gnarls Barkley con ‘Crazy’).

Jamiroquai – Canned Heat (YouTube)

El primer dardo para empezar sin rodeos lo firma Jamiroquai. El artista británico se ha asentado como el músico por excelencia, tanto para el público mayoritario como para el minoritario, a la hora de mezclar el funk con una fórmula pegadiza. Esta mezcolanza le ha valido para firmar un hit tras otro y conseguir importantes ventas y puestos en las listas de singles en muchos países. Los primeros discos que publicó son trabajos que entienden muy bien el funk de forma moderna, en especial Emergency on Planet Earth (1993, Sony Music) con el presentó una propuesta que daba un paso más en el acid jazz de la época y entraba de lleno en el mainstream sin miedo a hacerlo mal. PsYmOn, ahí va el tema dedicado.

LCD Soundsystem – Give it up (YouTube)

Uno de los mejores singles que un grupo ha sacado en estos años sin haber estado incluido anteriormente en su disco. ‘Give It Up’ no estaba en el homónimo de LCD Soundsystem, había que irse a la edición especial para poder disfrutar de él, pero merecía la pena. James Murphy es la cabeza más representativa de lo que vendría a llamarse dance-punk, que no era otra cosa más que un funk evolucionado desde unas bases electrónicas más movidas, directo a la pista de baile si vemos otras cancíones del grupo de Murphy o si vemos la obra de Hot Chip. James Murphy tiene ese talento para conseguir un nuevo funk, toda su electrónica está cargada de ello.

Matthew Herbert – The Audience (YouTube)

Matthew Herbert es uno de los talentos que tiene la electrónica ahora mismo, tuvo su época dorada hace unos años, pero en cuanto le apetezca volver, seguro que vuelve a recuperar la chispa que no supo explotar Scare (2007, !K7 Records). Roisin Murphy sabe cuál es el potencial de Herbert, fue quien le firmó su carta de presentación, con la que consiguió tanto éxito. En Bodily Functions (2001, !K7 Records) repite colaboración con su pareja sentimental Dani Siciliano, firmando su mejor disco, un compendio perfecto de acid jazz de altura. Su mejor tema es el último: ‘The Audience’, tranquilo, pegadizo, con diferentes partes y con una voz, la de Shingai Shoniwa, haciendo bien su parte en la back vocal. Un artista completo.

Beck – Sexx Laws (YouTube)

No podía faltar Beck si hablamos de cómo entienden el funk los actuales artistas. Casi toda su obra tiene los tintes del género y sus bases se cubren con este sonido, de ahí que sean tan adictivas. He elegido ‘Sexx Laws’ por recordar un gran tema donde el característico electro-pop del californiano ha cogido la esencia negra, tanto en las trompetas como en los desvarios que hay por detrás de la melodía. Los coros, y hasta las partes más instrumentales, tienen el toque antiguo pero siempre actualizado por Beck, quien ha demostrado una maestría a la hora de revitalizar su música paso a paso. En sus últimos álbumes, el funk está más que presente, ‘E-Pro’ tiene una base de género, al igual que ‘Girl’, sólo hay que quitarle todos los añadidos de encima.

Fatboy Slim – Weapon of Choice (MySpace)

El big beat tuvo su explosión y su máximo reconocimiento con Fatboy Slim, quien también lo popularizó como hicese Jamiroquai con su mezcla para el gran público. Fatboy Slim se fue abriendo hueco, Norman Cook es otra de las cabezas pensantes que no tiene ni un pelo de tonto, pese a que en los últimos años haya olvidado cualquier atisbo de volver a sonar como en su día lo hiciese. El big beat tiene una base muy marcada, con ganas de fiesta y con una fórmula donde se cuela también la pegada del funk. La elección de ‘Weapon of Choice’, a parte de por el gran videoclip que filmó Spike Jonze, y la actuación de Christopher Walken volando de un lado a otro, se debe a que el sampler usado es de una canción de Sly & the Family Stone, de la canción ‘Into My Own Thing’ de 1968, demostrando la efectividad de los clásicos.

Cinco muestras de qué se entiende por funk hoy en día, con cinco representantes conocidos para la gran mayoría, con un sonido a través del cual han conseguido lo que otros artistas hicieron en los setenta: éxtio, baile y mucha ganas de fiesta. Hoy en día se está denominado funk a muchas canciones que en absoluto tienen nada de este sonido, incluso a veces ni se sabe qué es lo que se está diciendo, así que había que recordar cinco artistas que sí que saben lo que hacen.

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Ilustración | El Blog de Álex López

Los domingos son el peor día de la semana si se ve que al día siguiente hay que volver al trabajo, a la rutina diaria y a los agobios de los horarios. Es un día de descanso y en el que quizás muchos ya estén de vacaciones, para ellos: enhorabuena; para los demás aprovechemos a alegrarnos los oídos con cinco buenos temas de funk para moverse un poco de la silla mientras estamos ante el ordenador.

El funk implica ritmo, pura fiesta imparable, de principio a fin. Cuando empieza el bajo (instrumento clave en este género) a sonar, muchos callamos y empezamos a apreciar uno de los sonidos más rítmicos existentes. Se suelen añadir instrumentos de viento metal como trompetas o saxos. No es de extrañar, que tanto los mejores bajistas, como los mejores trompetistas o saxofonistas, hayan surgido de aquí.

Nombres como Miles Davis, renovador imparable, Maceo Parker como el gran nombre a la sombra, y así un nombre tras otro. Surge de la comunidad negra, evolucionando el gospel y llevándolo a las fiestas y las discotecas de la época (casas particulares donde hacían sus fiestas). Es uno de mis géneros favoritos, por la fuerza, por la movilidad que tiene, y por el gancho directo que da nada más sonar. No tiene rival en cuanto a sonoridad, el funk es la vitamina perfecta para cualquier persona.

Kool & The Gang – Kool & The Gang (YouTube)

Los primeros de la lista son Kool & the Gang, el grupo estadounidense dio un primer disco soberbio, funk con mayúsculas, de principio a fin. Casualmente, este tema de casi tres minutos (poco para ser este sonido), es el corte que abre su disco homónimo de 1969. Un instrumental construido a través de trompetas, saxos y un bajo hipnotizante. Después, el grupo sería conocido por su cambio antes de los 80 a la música disco, haciendo bailar a todos con ‘Celebration’ o ‘Ladies’ Night’; aunque yo me quedo con su primera época, donde el funk era puro y sabían cómo moverlo bien. Ese disco es una obra maestra del género.

James Brown – Funky Drummer (YouTube)

Aunque si se quiere un hombre clave, un hombre que tiró del funk hasta arriba gracias a su mentalidad y su forma de trabajar (no obstante, le llaman the hardest working man in Show Business por su actitud), ese no es otro que James Brown. Él tenía clase, y lo más importante, tenía cabeza. Supo ir poco a poco hasta llegar a lo más alto, arriesgando hasta el punto de producirse él mismo el primer disco en directo tras el rechazo de su discográfica (después, el tiempo le dio la razón: Live at the Apollo (1963, King) se convirtió en el disco más vendido). Se supo reunir de los mejores, y eso se plasmó en su música. En ‘Funky Dreamer’, tema que siempre recomiendo a la gente que empieza en el funk, ya tenía a su inseparable Maceo Parker en el saxo tenor. Siete minutos de pura magia, con la voz del padrino del soul y con una melodía inigualable.

Sly & The Family Stone – I Want To Take You Higher (YouTube)

Los grupos que más destacaron en su época, fueron los más reformistas. El funk no tenía barreras y ahí se podía ver a Sly & the Family Stone cómo las destruían. Lo llevaban a la psicodelia, como Jimi Hendrix, lo llevaban al rock, lo llevaban al soul, y entre medias, salían sus canciones. Hoy en día su legado es fundamental para entender la evolución de la música negra (y la música en general). Sylvester Stewart, más conocido como Sly Stone, era la cabeza del grupo, un chico intrépido y con una voz magnífica. Fue la personalidad que todo grupo quería tener en ese momento, además de carismático, tenía talento; no obstante él era el cantante, letrista, productor y multiinstrumentista en la banda. Facturaron discos redondos como Stand! (1969, Epic), al que pertenece este tema. Aquí parecen prescindir de su mensaje crítico, para hacer una oda a la música y a la sensación que ésta produce en quienes la sienten. Si se escucha la discografía de Sly, la música parece otro mundo.

Funkadelic – Who says a Funk band can’t play Rock! (YouTube)

Si Sly y su familia revolucionarion al funk, Funkadelic revolucionó todo lo que se propusieron. Todas estas bandas tenían a una cabeza pensante única, que les guiaba por dónde tirar y adelantándose a su tiempo siempre. Además, luego contaban con una gran calidad en los componentes de la banda, que sabían interpretar las lecciones de su “líder”. Este líder, en Funkadelic, era George Clinton, quien también lo era de Parliament. Un hombre visionario, sin miedo a fusionar géneros ni temáticas, para él sólo existía las ganas de transmitir el llamado groove. En ambos grupos, la cantidad de miembros que pasaron por sus filas fuera monumental, y todos ellos maestros en el dominio de sus instrumentos. Vemos a nombres como Maceo Parker (lo dicho, el hombre en la sombra), Walter “Junie” Morrison, Bernie Worrell o Bootsy Collins, por sólo nombrar a cuatro. Con tales figuras, muy mal tendría que ser para que no salieran hits uno tras otro. La prueba: ‘Who says a Funk band can’t play Rock!’, toda una declaración de intenciones de reforma. El rock se ve en los grandes solos de las guitarras eléctricas, mientras la letra se ríe de los géneros y sus limitaciones.

Maceo Parker – There Was A Time (YouTube)

Y no podía faltar el artista tapado por excelencia. Tapado para el gran público, porque entre los grupos, era el fichaje estrella si se conseguía poder contar con él. Así se han peleado por sus servicios gente de la talla de James Brown, Prince... Es uno de los saxofonistas con más clase a la hora de interpretar el funk. Cuando se escucha la obra de James Brown, si hay un saxo destacando, suele ser el suyo. Cuando en el mítico grupo The JB’s hay un sonido explosivo, hay que pensar en él. Y eso que entró a formar parte del colectivo de Brown porque su hermano, Melvin, fue llamado por James Brown y éste tuvo que aceptar en el “lote” a Maceo. Aquí está versionando un tema genial de su maestro, donde asombra a cualquiera cuando decide hacer sus solos. Un auténtico torbellino.

Con estas cinco canciones, seguro que el domingo se hace más llevadero. Groove para el cuerpo, sonidos explosivos para los oídos. La semana que viene más.

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