Si tienes 51 minutos de tu tiempo libres, interés por la música de David Bowie y el inglés no es un obstáculo para ti, estás de enhorabuena. Y es que algún alma caritativa ha decidido colgar en Vimeo el documental de la BBC titulado Cracked Actor, basado en la figura del legendario y controvertido cantante de Brixton.

Rodado en 1974 por Alan Yentob para la televisión pública británica, y emitido por primera vez un año después, nos presenta a un Bowie profundamente afectado por su adicción a la cocaína. Además de los testimonios y desvaríos del músico, podemos encontrar grabaciones pertenecientes a su gira americana de presentación del Diamond Dogs, del cual hay bastante poco material registrado.

Así pues, creo que no hace faltar dar muchos motivos más para que activéis ya mismo el reproductor, o en todo caso lo dejéis guardado hasta tener el tiempo libre suficiente para dedicarle. Ya que parece que últimamente no nos llega mucho por su parte, y la mayoría de lo que se publica son refritos, tendremos que “conformarnos” con estas rarezas que aparece de vez en cuando.

Vídeo | Vimeo
En Hipersónica | Vídeos profesionales de la gira de Nine Inch Nails y David Bowie en 1995

Nos remontamos al ya lejano año 1995: Nine Inch Nails estaban en boca de todos gracias al lanzamiento, un año antes, del insuperable The Downward Spiral; por su parte, una de las mayores influencias de Reznor, David Bowie, seguiría cosechando aún más éxitos con el popular Outside. Con dos talentos de semejante calibre en tan buen estado de forma, no se les ocurrió mejor regalo para sus seguidores que iniciar una gira conjunta de conciertos.

La decisión no estuvo exenta de polémica en su momento, especialmente por parte de los aficionados de Bowie más conservadores, que no fueron capaces de apreciar el momento único para la historia de la música que supuso esta unión de fuerzas. Hasta ahora no hemos tenido material de mucha calidad para recordar dicha gira, pero quince años después del evento, el director David Williams ha decidido darnos una buena alegría.

Para ello ha colgado en el portal Vimeo una buena cantidad de vídeos de calidad profesional en los que podemos disfrutar de diferentes temas interpretados simultáneamente por ambas formaciones. Por ejemplo, ¿qué os parecería la sucia y oscura ‘Hurt’ (Vimeo) visitada de una forma completamente nueva gracias a la incorporación de Bowie?

Colosal, ¿verdad? Pues no os vayáis porque aún hay más. Turno ahora de ver poner a prueba un tema de Bowie aderezándolo con la metálica industrialización de Reznor, haciendo que ‘Hallo Spaceboy’ (Vimeo) suene ahora mucho menos marchosa, pero también más contundente y retorcida.

Me temo que ya no disponemos de más vídeos con los dos grupos al mismo tiempo sobre el escenario, pero sí hay otros excelentes documentos de ambas formaciones “a solas” durante esta gira. Por ejemplo, no os perdáis a Nine Inch Nails dándolo todo en ‘Wish’ (Vimeo), el cual es por cierto uno de mis temas favoritos de la agrupación americana.

Para terminar la ronda, aquí tenemos a David Bowie y su trupe clavando ‘The Hearts Filfthy Lesson’ (Vimeo), otro tema extraído del Outside y en el que el británico puso a latir con más fuerza su vena industrial. Lástima que sus compañeros de gira no hagan acto de presencia aquí, porque podía haber sido algo mítico.

A ver si el señor David Williams se estira y publica algún vídeo más, que esto es oro puro. Estos llevan ya un par de meses subidos a Internet, lo cual nos hace pensar que no aparecerán más, pero la esperanza es lo último que se pierde, ¿no?

Vía | Antiquiet

“Ground control to major tom”. Así comenzaba hace 40 años un tema que en seguida se convirtió en un himno pop. Era ‘Space Oddity’ y lo firmaba un joven David Bowie de 22 años que por aquel entonces ya llevaba cinco años desde que hubiese publicado su primer single, ‘Liza Jane’, bajo el pseudónimo de Davie Jones & the King Bees.

El joven británico empezaba a cambiarse de chaqueta como lo haría en posteriores años de manera sorprendente y del sonido Beat, de sus primeros pasos en la escena Mod de Londres, abrazaba la psicodelia, el gusto por la ciencia ficción y la devoción por figuras como Stanley Kubrick y su 2001: Odisea en el Espacio en la cual está inspirada ‘Space Oddity’.

A pesar de parecer desorientado cantando “Can you hear me, major tom?“, David Bowie logró su primer éxito, su primer número uno en la lista británica y la entrada al mercado estadounidense con un increíble puesto 15 en la US Hot 100, algo que no repetiría hasta seis años más tarde, muchos singles después, con ‘Fame’.

David Bowie – Space Oddity (YouTube)

El dato curioso, es que ese mismo año Roger Daltrey cantaba el tema compuesto por Pete Townshend para The Who, sólo que el major tom es sustituido por Tommy preguntado por su madre si puede oírla.

Al margen de la anécdota, ‘Space Oddity’ era uno de los himnos pop perfecto que David Bowie empezó a firmar desde muy pronto. Publicado el 11 de julio de 1969 y anticipando el buen resultado en ventas del segundo álbum del británico, de mismo título que el tema previo.

La celebración de los 40 años ha derivado en la publicación de este EP, en el que se incluye la versión mono original, con la producción de Gus Dudgeon, al igual que el resto de versiones, que llegan hasta un total de 12, entre las que se encuentran la edición estadounidense en mono o estéreo, además de las versiones instrumentales de cuerdas o en acústico.

Doce canciones que se resumen en sólo una, la inicial, pero que sacia la curiosidad melómana de quienes seguimos al gran Duque blanco, aunque sólo sea por echar la vista atrás y recordar ‘Space Oddity’ y la voz inconfundible de David Bowie. De no buscar esto, el EP en formato álbum no merece ni una mínima atención, mejor recuperar el álbum original y evitar que EMI nos vuelva a sacar los cuartos por algo así.

Sitio Oficial | David Bowie
Más en Hipersónica | David Bowie

No pensaba escribir sobre dicha colección tras leerlo en todos los medios anglosajones, pero si se hace sobre el nuevo uniforme antibalas del presidente Barack Obama tras llegar a la Casa Blanca ¿por qué no sobre los vinilos que guarda en la biblioteca de la mansión presidencial?

Los que somos melómanos empedernidos estas noticias las devoramos, primero con envidia y luego con más envidia, al igual que en su día hice con el hombre de los tres millones de vinilos en su discoteca personal. Hay gente con suerte, reconozcámoslo. Y ahora a ese club se une Obama, quien nada más llegar se ha encontrado con una colección gigantesca en la cual están incluidos vinilos de artistas de Bob Dylan, David Bowie o los Ramones.

La cifra exacta de vinilos no se conoce exactamente pero sí supera las 2.200 referencias ya que todo comenzó en 1973, cuando la RIAA (Recording Industry Association of America), la misma que ahora está haciendo su campaña de lobby, decidió que la biblioteca presidencial tenía que contener música además de libros. Para ello se donaron 2.000 LPs.

En este momento, con Nixon como presidente, se escogieron vinilos donde predominaban Pat Boone, the Carpenters y John Denver. En 1979, el productor John Hammond convocó una nueva comisión para actualizar dicha biblioteca durante el mandato de Carter. 200 nuevos vinilos se incorporaron a la colección. En esta ocasión las incorporaciones fueron más variadas, basadas en la música popular del momento, con álbumes como el Hunky Dory de David Bowie.

Después la biblioteca se cambió de lugar dentro de la Casa Blanca pero eso ya son detalles menores. Lo que sería interesante es ver qué álbumes forman dicha colección que Barack Obama ahora tiene a su alcance. ¿La actualizará añadiendo nuevas referencias? 2.200 vinilos son pocos para la casa más importante de todo el mundo y para alguien que ha sabido usar la música como un vehículo más para subir al poder.

Vía | Rolling Stone
Más en Hipersónica | 3 millones de discos componen la colección privada de música más grande

Si la envidia matase, como dice el refrán, servidor, ya tendría que recogerse en vida, porque al leer la noticia que ahora nos ocupa, como coleccionista y como melómano, el sentimiento de envidia por no llegar ni a una ínfima parte de esa colección, fue lo primero que apareció.

El hombre en cuestión es un estadounidense (para no variar) que empezó a los 12 años a comprar discos, y ahora tiene tres millones de álbums en su colección privada, todos ordenados alfabéticamente y catalogados en una base de datos propia. Vamos, por si no fuera poco tener semejante colección, también está catalogada minuciosamente, tanto, que Paul Mawhinney, el protagonista de la historia, asegura no haber perdido nunca un sólo disco.

La colección se compone tanto de vinilos como de discos y la tiene guardada en su propio almacen de Pittsburgh, Pensilvania. Durante 40 años se dedicó a llevar la tienda de discos RecordRama, cerrada en febrero de este año y por culpa de la situación económica la acaba de poner a la venta por 3 millones de dólares, cuando está valorada en nada menos que 50 millones de dólares.

La cifra es tan baja porque el propietario tiene que hace frente a numerosas deudas y alimentar a su familia, así que quiere el dinero lo antes posible. Entre los logros que tiene Mawhinney a sus espaldas, es haber creado una base de datos perfecta, la más completa de música popular según él mismo y contar con reliquias únicas: el 87% de su colección no está disponible en Internet según un estudio de la Biblioteca del Congreso; por no hablar de su máximo tesoro. Es una referencia única de The Rolling Stones que no salió a la venta y sólo hay 300 copias en el mundo, valoradas en 8.000 dólares cada una.

Sus anécdotas y viviencias son muy interesantes, como la que cuenta sobre David Bowie y cómo le ayudó a publicar Space Oddity. También comenta que en 2002 se retiró del mercado cuando éste empeoró, dejando paso al MP3 y al formato digital, al que crítica y no puede ni ver.

Compradores ha tenido, pero él dice que nunca ponen el dinero suficiente para hacerse con su colección. Yo si lo tuviese no lo dudaría. Como coleccionista, pensar en ver 3 millones de discos juntos en una colección privada es una quimera. Por ahora yo tengo casi 2.000, así que ya sólo me quedan 2.998.000 para alcanzar al estadounidense. Total, nada…

Vía | Rolling Stone

Reinterpretación, dice la nota de prensa. Acción que parecen llevar a cabo todos los artistas según sus discográficas y sus departamentos de marketing. Al final, la mayoría quedan en nada, en meros adornos que poner junto a otros adjetivos rimbombantes sin sentido. En este caso, cuando llegó el nuevo álbum de Remate (hará ya un mes, por lo que la escucha ha sido muy a fondo), volvía a aparecer el manido término.

¿Qué tenía que reinterpretar el músico madrileño si ya lo había hecho dos veces consecutivas, tras su primer LP, Deconstructin’ Mood (2003, Dusty Roses) y tras su segundo Ballads Don’t Change Things (2004, Limbo Starr). Dos cambios tan rápidos, con sólo cuatro álbumes en el mercado, prometían cierta calma en la carrera de Remate. Pero no, dicen que no hay dos sin tres, y el músico más internacional ahora mismo de la escena española lo ha vuelto a lograr.

Safe and Sound podría ser el resumen de la carrera de Remate hasta ahora. Es el perfecto ejemplo de reinterpretarse o morir. Cuando No Land Recordings (2007, Acuarela Discos) había supuesto su máxima cima, con críticas formidables tanto en España, como en el extranjero, con The Guardian, Uncut o NME rendidos a sus pies, lo más fácil hubiese sido repetir la experiencia, algo que no parece estar en la cabeza del madrileño. Nada más de sonar en la onda de Will Oldham, ahora es David Bowie quien domina el sonido.

Aunque parezca extraño, es el dandy británico, El duque blanco, quien empapa el resultado final. Ironías del juego de Remate con su persona (nada más hay que ver la portada que se gasta para este álbum), él eligió el género glam para su MySpace y así echarse unas risas, pero detrás del género del propio Bowie y de T-Rex, hay cierta verdad.

Remate tiene algo que un músico de su categoría necesita para crecer al ritmo que lo está haciendo, sobre todo en cuanto a inquietud musical por tocar todos los palos, y no es otra cosa que formación musical clásica. Formado en piano y guitarra, en Safe and Sound llega el momento de sacarlo a relucir.

Sus anteriores trabajos estaban muy bien logrados, cada vez mejor en el sonido y en la producción (Paco Loco no deja solo al músico madrileño ni en un solo tema), pero el folk se le quedaba corto, su carrera pedía más. De ahí llegó el pop, un género difícil de componer cuando se hace de la manera en que los dos genios: el productor y el músico madrileño, lo han hecho.

Todo está grabado en analógico de nuevo, como ellos querían haberlo hecho en No Land pero que por falta de tiempo tuvieron que acabar masterizando en digital muchas pistas. La grabación dota del sonido clásico que piden las canciones. Temas de no más de cuatro minutos como máximo, y con una media de tres, barrocos en la composición, con el piano bien presente, las guitarras muy medidas y sobre todo, la voz de Remate en el punto exacto.

Suena a Bowie porque es uno de los genios del pop, y supo capturar este género en muchas vertientes, en este caso es la época de cálida y templada del británico la que aparece. Remate, en la entrevista que publiqué hace unos días, no confirmaba al 100% esta comparación pero sí se sonreía cuando se le relacionaba con el pop del maestro.

Y es que ejemplos no faltan. ‘An Eye In The Forehead’ es el tema pop medido sin despegar la voz, como si anduviese sobre la melodía construida por piano y trompetas; ‘Dead and Alive Holes’ repite jugada; ‘Unharmed’ prefiere dedicarse a los falsetes y a los tarareos; y mientras ‘Down To Earth’ tiene la intimidad que pide la canción, ‘Rise and Shine’ decide entonarse por el otro lado, tirando de estribillo, parones en las guitarras y coros femeninos. Si este último tema no recuerda a Bowie, ninguno lo hace.

Safe and Sound ya lleva la ironía en el título. El triple salto, con tirabuzón incluido, del artista que según nos va mostrando más, no tiene límites. El folk lo hizo suyo y lo perfeccionó. Ahora el pop es su objetivo y lo ha conseguido punto por punto. Como yo le decía en persona: en un futuro sólo queda el jazz para crecer. Y estoy seguro que lo volvería a hacer igual de bien. Álbum a escuchar, con el que empaparse, canciones para no despegarse de ellas y dejar el repeat puesto una y otra vez. Una joya.

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MySpace | Remate

Ya lo comentaba ayer, la entrevista con el músico madrileño Remate era muy extensa y con bastante contenido interesante para analizar su obra. Con calma, Safe and Sound, su nuevo gran álbum, se va desgranando en cuestión de producción, composición y directo. Seguimos donde lo dejamos, en el sonido orquestado que tienen ahora las canciones que traían a la mente a nombres como David Bowie.

Para ello, tiene que ser muy importante la formación clásica que tienes.

Este hecho en mi carrera ha sido fundamental desde siempre. Todo lo que tú tengas de formación tiene que ser un vehículo que te permita hacer lo que tú quieres, una herramienta con la que tú cuentas para que puedas trascender la pura formalidad de la música. Esto, junto con Paco, que es un músico, que sin tener una formación clásica, tiene mucha cultura musical y claro, después de tantos años, tiene muchos conocimientos; son las dos cosas que dan forma a los arreglos.

Tiene que ser difícil que un músico que intente hacer un álbum de este estilo, con un sonido y una producción barroca, luego no cuente con esa formación de la que hablamos.

Yo creo que hay de todo, hay músicos con formación clásica que dan con cosas sofisticadas y que son excelentes, hay músicos de formación clásica que dan con cosas sofisticadas y que suenan a ejercicio de estilo, y le falta textura; y luego hay músicos sin esta formación pero tienen intuición y con una formación autodidacta que dan con cosas increíbles. Hay de todo.

¿Cómo es en tu caso la relación con Paco Loco?

Creo que tiene un talento muy grande, que le convierte con un productor con mayúsculas, un productor en un sentido anglosajón y clásico del término, que aquí no ha estado tan presente hasta hace unos años. Ya se va estableciendo la idea de que un productor de música es el director de la producción, que no sólo se refiere al sonido, se refiere a un espíritu, a una orquestación, a un sentido, y luego escucha las opiniones de los músicos que van ahí y se acopla a ellos, en algunos casos estará más cerca o más lejos, pero hablamos de una persona con un gran talento y de un respeto muy grande por la música y por las personas. Entonces, si las personas llegan y hablan con Paco y él tiene esas condiciones, es una situación ideal.

En este caso, Paco Loco vuelve a ser casi la mitad de Remate, baterías, guitarras…

Él toca la batería en todo el álbum y luego mete otros arreglos tipo guitarras, bajos…

Es decir, que a la hora de componer las canciones, ¿tú lo has hecho pensando en ti o también pensando en esta dinámica compartida?

Yo sabía que Paco me iba a dar lo que necesitaba para este disco. Yo sólo con este álbum no daría con él. Necesitaba la relación personal que tengo con Paco, en la que él entiende lo que yo imagino, y cuando ya me capta lo que yo le estoy contando, entonces ya lo pintamos y lo grabamos.

Y luego en directo, ¿cómo se lleva esta forma de trabajo?

Paco Loco es una parte esencial de mi banda, cuando toco con ella al completo. Ya que yo toco solo, toco en formaciones pequeñas, más grandes… dependiendo del momento, de la potencia, del escenario…

He tocado últimamente mucho con banda completa, y ahora el 13 de septiembre doy un concierto en Madrid, en la Noche en Blanco, que va a ser sin Paco, ya que es un escenario y una situación en la que hemos considerado hacer un concierto más pequeño, con mi nuevo batería y con Pablo Errea, quien es parte de mi banda, The Guinea Pig, y yo tocaré el piano, la guitarra, a la ver que canto.

¿Y cómo se cambia un álbum concebido con una riqueza de sonido tan amplia a un formato de trío?

Siempre considero que son dos mundos diferentes. Una cosa es un disco. Yo grabo con una idea, el trabajo tiene una reflexión y tiene una relación diferente. Tú escuchas la música en unas condiciones concretas, la mayoría de las veces solo. Y tiene una idea global, expansiva, de una serie de canciones. Luego, eso en directo, tiene unas manifestaciones de lo más dispares. Yo lo concibo de una manera evolutiva. El disco refleja un momento, una situación, y unas ideas. En directo, a veces será más fiel y por el contrario, podrá ser totalmente diferente. Se desarrollará, evolucionará, hay canciones que mutarán en otros compases, en otras instrumentaciones. Quien crea que va a ir a verme en directo a escuchar el disco como tal, que no vaya, porque se equivoca. Hay que divertirse, y las cosas evolucionan y de repente un día te das cuenta que la estás interpretando como en el álbum y otro día que es muy diferente.

Entonces, si Remate ha experimentando un cambio en el sonido, cuando se escuchen las anteriores canciones en los conciertos, ¿sonarán como lo hacen las nuevas ahora o seguirán como estaban?

Inevitablemente algo habrá, pero es más inconsciente que consciente. Y luego además, tampoco yo soy de revisitar mucho lo que yo haya hecho. Aunque siempre habrá alguna… depende de muchas cosas, del estado de ánimo, de las personas con que tocas ese día las canciones…

Remate – Dinosaurs (YouTube)

Ya en la grabación, ¿por qué motivos se vuelve a elegir la grabación analógica frente a la digital?

Nosotros ya grabamos de manera analógica No Land Recordings pero al ser tantísimas canciones y disponer de menos tiempo de grabación, pues grabamos en analógico, mezclamos en analógico algunas y otras no daban tiempo material; ya que hay que pensar que eran 25 canciones pero yo grabé más. Había demasiado material y teníamos que cerrarlo. No dio tiempo para hacerlo perfecto.

Ahora ya sí que lo tenía muy claro desde el principio porque quería grabar y mezclar todo en cinta. Es un problema de sonido evidente, porque la grabación analógica suena infinitamente mejor, más auténtica. Suenan los trastes, el pedal del piano… es que se oye todo en esta grabación y eso no pasaría nunca con la digital.

Luego, haciendo la música que nosotros tocamos, que es una o dos tomas, la interpretación de la canción es lo más importante de todo; en especial, cómo vaya discurriendo mi interpretación sobre la canción. Eso no lo capta la digital, la empasta más, la unifica más, la dinámica la modifica. Tiende a aplanar un poco todo.

Pero este proceso tiene que llevar bastante tiempo.

Empezamos en abril y lo terminamos todo. Tenía más de treinta canciones preparadas, pero a la hora de grabar finalmente fueron 22, entre el álbum y el single que va a salir en vinilo. Hay un par o tres que me gustan mucho y que las utilizaremos para inéditos, para alguna revista que nos pida alguna canción rara, o para una edición extranjera que te piden que haya inéditas. Tenía más sentido las que he elegido como álbum y dejar esas fuera, porque son un poco diferentes.

Hablando del EP que se publicará el 26 de septiembre, ¿cómo ha sido la idea de lanzar un 7’’ ahora mismo?

Como tenía más canciones de las que yo quería que confeccionaran el álbum, ya que es un trabajo bastante intenso, quería que se entendiera bien, que hubiera un principio y un final claro, había una serie canciones que yo veía que había que darles otro rollo. Y Mushroom Pillow me propuso publicar un single, como el single del álbum (‘An eye in the forehead’). Una propuesta muy clásica.

Pero ahora mismo estos lanzamientos son muy reducidos, pese a que se está volviendo para conseguir unas mayores ventas al perfeccionar el producto y hacerlo más limitado.

Sí, se hace menos. Nuestra idea es darle una elegancia a la publicación del disco un poco mayor. Molaba sacar un 7’’ clásico, con el single del álbum y con tres canciones, que a parte de las que te he dicho que utilizaremos para cosas más raras, también podían haberse incluido en Safe and Sound pero tienen un punto extravagante en el sonido que las he metido ahí.

Y el EP, ¿es una edición limitada?

Sí, es una edición limitada. Viene el vinilo, dos canciones por cara, con un diseño muy parecido al del álbum y luego dentro te viene un código para que te puedas descargar el álbum en iTunes y todas las plataformas de Internet. La tirada no sé exactamente cuánto es. Se podrá vender en Mushroom Pillow, en alguna tienda, pero sobre todo lo llevaremos a los conciertos como un objeto delicado.

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MySpace | Remate

El nuevo trabajo de Remate bien puede ser uno de los mejores discos del año a nivel nacional. Sin pretensiones de ningún tipo a la hora de buscar el sonido, a la hora de cambiar de registro (porque ya no hay nada de folk, sólo hay pop), el músico madrileño ha logrado culminar en un solo álbum, lo que muchos artistas necesitan hacer en toda su carrera dentro del pop. Si lo anterior había sido para quitarse el sombrero ante su música, Safe and Sound es la demostración de que todavía queda mucho que descubrir tras el pseudónimo de Remate. Para ello, y para entender un poco más el cambio de género, nos fuimos a un bareto del barrio madrileño de Chamberí, donde, entre los Juegos Olímpicos de fondo atronando en el televisor, el trajín de tazas de café, se puedo hacer una entrevista larga que he divido en partes para disfrutarla mejor y evitar tanta información de golpe. Fue todo un placer.

¿Cómo enfocas un quinto disco en la carrera?

De ninguna forma en particular, yo mismo también, cuando veo que es el quinto álbum, parece más de lo que yo creo que es. Por un lado, refleja que he tenido una actividad y que siempre he estado intentando crecer y eso supone grabar discos y avanzar, pero nada más. Sí es muy importante para mí que sea el quinto álbum desde el punto de vista artístico, yo no habría llegado a este álbum sin los anteriores. Pero en un sentido de poner la pila de discos y que eso pese más o menos, nada de eso. En el sentido del quinto disco, una carrera y tal… nada, esto empezó antes de ayer en el fondo y es una cosa mucho más larga, yo lo veo con más perspectiva.

Pero desde el sentido artístico del que hablas, el cambio del primero al último está siendo abismal.

Sideral (Risas). Sí, el primero es un disco para mí, es un trabajo en el que yo, con muy pocos elementos, menos de los estrictamente necesarios para grabar un álbum, lo hago, pero ni yo mismo sé lo que estoy haciendo. Para mí tiene cosas chulas, porque es sincero, hay momentos muy interesantes, pero es un disco para mí. A partir del segundo ya considero que empieza todo, que tiene un contexto cada disco. Yo sí que veo de una manera evidente que en cada trabajo voy un poco más allá.

Y como artista en sí, cuando ya te estás dando cuenta de que lo estás haciendo bien y vales para ello ¿con cuál te sientes más identificado?

Yo me doy cuenta de que lo estoy haciendo moderadamente bien cuando hay una serie de personas que me inspiran y que me merecen mucho respeto y que son personas que enriquecen mi vida personal y artística y están involucradas conmigo con toda su fe y devoción. En ese sentido me doy cuenta de que no lo estoy haciendo mal. Si yo estuviera solo, mirando lo que hago con un microscopio en un laboratorio cerrado y claustrofóbico, no tendría ninguna vara con la que medir. Yo lo mido respecto con la gente que está involucrada en mi proyecto.

Hablas de la gente que está ahí, desde Limbo Starr hasta…

Hablo de todos, desde todos los sellos que han publicado mis discos, y fundamentalmente de Paco Loco, Muni, Pablo… todas las personas que se involucran conmigo. Y luego ya, con el álbum que me siento más identificado, evidentemente, es con el último, porque tú estás con lo que haces, eso es así. Yo creo que con No Land Recordings culminé algo que llevaba de algún modo, inconsciente o consciente según el momento, dando señales, y me parece hasta entonces la mejor expresión de lo que llevaba haciendo. Ahí es donde se culmina algo, sea lo que sea eso.

Y ahora con Safe and Sound me parece que estoy abriendo otra puerta, tengo una sensación muy clara de eso.

Yo mientras escuchaba Safe and Sound sí que era consciente de esa puerta o ese cambio del que hablas. Si antes Remate sonaba dentro del folk ahora el primer nombre que me venía a la cabeza era David Bowie.

Sí, yo creo que tienes bastante razón, más allá de las referencias concretas. Creo que el folk, que es un género moderno, en el sentido de la etiqueta, muy ambiguo, muy etéreo, que recoge demasiadas cosas que son o no son folk, se vio culminado en No Land Recordings; donde hay una manera mía totalmente intuitiva. Pese a que escucho muchísima música, no es una cosa de generación espontánea, pero sí es compatible con una cierta perspectiva acerca del folk, que no sólo es americano, ya que siempre que se habla de folk desde allí y hay muchas cosas que vienen desde Inglaterra que a veces me inspiran igual o más.

Safe and Sound es un disco de pop, es así, eso es lo que me obligaría a darte la razón con lo de David Bowie, que me encanta y siempre me ha gustado. Así es como yo interpreto el pop.

Es más, en el MySpace se puede leer como género del grupo: Glam, broma o no, no deja de tener su acierto.

Lo llevo poniendo meses, y eso es porque… bueno, me divierte (risas). Pero algo puede haber de eso.

Da la casualidad que el sonido del género glam puede verse relacionado con Safe and Sound por la orquestación.

Algo puede haber de eso pero yo también me río un poco de esas cosas. Las etiquetas son una brújula. Yo en un momento puse canción popular melodramática… aunque eso era más una broma. Puede haber algún significado detrás de glam pero siempre desde mi punto de vista.

Hombre, pero tú eres es el que está componiendo.

Sí, pero siempre es a posteriori, es decir, cuando compones no estás pensando en la etiqueta, luego te das cuenta de lo que haces medianamente.

La orquestación que tiene este disco es diferente a los anteriores, ¿cómo ha venido dada? ¿Han sido las canciones la que la han inspirado con una letra o con una melodía inicial?

Esto sí que es consciente. Claro, yo tengo unas canciones y quiero hacer con ellas algo que no había hecho nunca porque me generaban cosas diferentes, cosas en común en el sentido en que yo soy el intérprete, yo soy el compositor y tengo una manera de hacer las cosas que a lo mejor hay un hilo conductor, pero las canciones tenían un tono y una luminosidad diferente y entonces yo escuchaba algo nuevo. En especial con los vientos, que sabía que tenían que estar en el álbum.

En cierto modo es un disco más clásico, si lo miramos desde un punto de vista musical. El álbum tiene unos arreglos de viento que más o menos son clásicos dentro del pop, un cierto tono de soul tradicional. Es totalmente consciente. Después, en las canciones voy pensando los arreglos con Paco y vamos dando y terminando lo que queremos para cada tema; por ejemplo, unas baterías que suenan a nuestra manera, un poco 70s.

Sí, lo que tú has dicho de David Bowie es verdad, porque yo me siento próximo a este tipo de autores que con cada disco afrontan todo como de nuevas. Pese a que evidentemente no es así, porque sin la experiencia, poca o mucha, que te dé lo que tú has hecho antes… En mi caso, no podría haber hecho este álbum antes porque no habría tenido la capacidad para hacer lo que quería. Aquí buscaba hacer un trabajo más complicado que con los otros. Siendo más clásico, es más ambicioso; es ambas cosas. Es necesario tener detrás algo, ya que sin el oficio adquirido de ir grabando discos, de querer grabar una o dos tomas como mucho no surge el resultado final. Porque para hacer las tomas en tan poco tiempo, tienes que haber pensado antes muy bien cómo hacer las cosas.

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MySpace | Remate

Ha sido uno de los más legendarios piratas de la historia de la música y ahora, por fin, después de más de 40 años de leyenda, EMI ha decidido editarlo oficialmente. Hablo de leyenda no por simples ganas de hinchar el globo, sino porque este directo ha sido uno de los que más dinero ha reportado a los vendedores de bootlegs: durante años hubo ediciones de todo tipo en el mercado pirata, algunas de ellas tan de lujo como para llevar envoltorios especiales (cajas de madera, dobles vinilos, discos dorados con cadena y llave para abrirla, etc…).

Es un mito de los directos y no es para menos, ya que supuso la transformación de Bowie en una estrella en el siempre complicado mercado estadounidense. En junio de 1972, David Bowie actuó en el Santa Monica Civic Auditorium y su concierto fue retransmitido para todo EEUU a través de una emisora. La honda impresión que dejó entre asistentes y espectadores así como el tremendo espectáculo que ofreció permitieron que, poco tiempo después, sus discos vendieran a la altura de otras grandes estrellas del rock.

Ahora, con el sonido revisado y una edición a la altura, es fácil entender por qué. Bowie estaba en un momento dulce y basaba su espectáculo en Ziggy Stardust, pero tenía ya suficientes canciones como para defender una hora y media de concierto sublime, lleno de talento, trucos de cabaret y canciones para corear.

El repertorio del Live Santa Monica ‘72 es de los que, hoy, nos haría ponernos de rodillas. Del tirón, sin casi pestañear, Bowie encadena, por ejemplo, ‘Life on Mars’, ‘Five Years’ y ‘Space Oddity’, en un momento sublime de la actuación que deja claro porque casi nadie en el glam pudo triunfar como él: ¿qué otro tenía esas canciones en aquella época? ¿Quizás T. Rex, grupo al que le sobró la mala suerte?

Hay más momentos tremendos: ‘Moonage Daydream’, ‘Changes’, la versión del ‘Waiting For The Man’, que demuestra el hilo visible que le unía en aquel momento con Lou Reed.

Después de escuchar Live Santa Monica 72 es muy sencillo entender que Bowie estaba en un momento dulce: lo raro es que, hasta ahora, la discográfica del artista no se haya decidido a editar el directo, porque supera con mucho a otros donde también actuaba con las arañas de Marte. Por ejemplo, vale mil veces más éste directo que el oficial (Ziggy Stardust: The Motion Picture).

Rockero cuando lo necesitaba (tremendas ‘Suffragette City’ o ‘Hang On To Yourself’, por ejemplo), mostrando caras que a veces no se le han tomado muy en cuenta (los diez minutos de ‘The Width of a Circle’ lindan con lo mejor de lo progresivo) y dramático y exhibicionista como sólo en la época de Ziggy podría ser (¿no es ‘Rock´n´roll Suicide’ una de las mejores obras de teatro del pop), David Bowie tiene en este disco toda una lección de maestría.

Es historia y, por fin, se edita como se merece: directo al panteón de los mejores discos en directo.

Todo grupo aspira a dejar su huella en la historia de la música, muchos hacen lo que sea por conseguirlo y otros en cambio se limitaron a vestir de cuero negro rodeados de modernos e intelectuales que les veían como bichos raros y a tener un gran mecenas. The Velvet Underground eran los raritos de la clase, los que (en un principio) no estaban interesados en todas las nuevas drogas de diseño que por aquel entonces aparecían en Nueva York recién llegadas desde California. The Factory para ellos no era un templo como para todos los que iban a figurar al llamado club de moda.

The Factory era la casa y templo de su mecenas, del genio del arte y del espectáculo. Andy Warhol era su precursor y quien estaba detrás de todo. No sólo desde el plano artístico le debemos la popularización y elevación del pop-art como arte a tener en cuenta, sino que sin él, The Velvet Underground no hubiesen sido lo mismo que son ahora, e incluso podrían no haber ni surgido.

Es una visión muy simplista, pero Andy Warhol podría ser uno de los personajes más influyentes en la historia de la música, sin ni siquiera tocar un instrumento en su vida. Él dio voz al conjunto de Lou Reed, él les dio soporte económico en una época donde nadie daba un duro por unos chicos que iban de negro día y noche y ni tenían estilo ni carisma para relacionarse con la gente del negocio. Warhol les impuso a Nico en su ya famoso homónimo, Warhol creó las tensiones entre Reed y Cale, y en definitiva, Warhol curtió a Lou Reed enfrentándose a su ego.

(The Velvet Undergound, Sunday Morning; youtube)

Sin ahondar más en ese aspecto, ya que daría para textos y textos (como así ha pasado), qué mejor que recordar el legado de The Velvet Underground sin hablar precisamente de su música, sino de cómo otros músicos entiendieron sus composiciones, cada canción y cada letra, todas ellas únicas.

Todo surgió relacionado con el último disco del grupo español Polar, quien publicará en unos días un disco de versiones titulado Feedback, y en el que se incluye What Goes On como representación de la banda estadounidense.

(The Velvet Underground, What Goes On; youtube)

Lo que iba a ser un sólo artículo ha crecido tanto al escuchar la calidad de las diferentes versiones. Merece la pena irse deteniendo en las canciones más emblemáticas de The Velvet Underground y ver cómo las han versionado otros grupos. La primera de ellas es I’m Waiting For The Man, historia que escribió Lou Reed (como la mayoría de los temas hasta que abandonó la banda) basándose en su experiencia a la hora de esperar al camello y su dosis diaria de droga.

Una primera versión fue grabada en julio de 1965, en el loft que tenía la banda en Ludlow Street, de la mano de Lou Reed, John Cale y Sterling Morrison. En la box set Peel Slowly and See puede escucharse como quedó, desnuda de percusión y con el folk y el blues más presentes.

(The Velvet Underground, I’m Waiting For The Man; youtube)

La versión final se grabó en abril de 1966, en los estudios Scepter, de Nueva York, pese a haberse regrabado otra toma en California. Aquí Reed cambió el “I’m waiting for the man” por “I’m waiting for my man”, para dar más enfasis a su efecto inicial.

De todas las versiones que hay sobre esta canción he elegido las más representativas. Para comenzar, una ya mítica. Una de las últimas actuaciones juntos de Lou Reed y John Cale en una larga época. Demasiado apagada, sin casi fuerza y presciendo de la percusión como en la original, sustituida por el piano de Cale.

(Lou Reed & John Cale, Waiting for the Man, Bataclan ‘72; youtube)

Aunque para ver cómo quedaría esta canción con un piano más marcado, mejor ver la versión en solitario de John Cale que hizo en directo en 1983. Él solo sentado al piano, repitiendo todo el rato la misma estructura hasta tal punto que se vuelve hipnotizante. De mis favoritas, en especial cuando llega al final y varía.

(John Cale, I’m Waiting For The Man; youtube)

David Bowie también se sumó en una época a cantarla en sus directos, uno de ellos a dúo con el propio Lou Reed, pero es mejor la actuación que podemos ver en solitario, donde demuestra su anticipación a cualquier moda. El año es 1976, la new wave casi ni se sabe qué es, quedaría algún tiempo para su expansión y popularización, y aquí vemos al dandy inglés cambiar la melodía a este sonido.

(David Bowie; I’m Waiting For The Man; youtube)

Ya por último, por no expandir aún más el artículo, el dueto que hizo hace poco Lou Reed con otro genio, Pete Townshend. El líder de The Who demuestra su particular estilo a la guitarra, porque sin saber que es él, ese riff y esa manera de tocar, es suya en exclusiva.

(Pete Townshend & Lou Reed; I’m Waiting For The Man; youtube)

En el tintero se han quedado muchas versiones, una de mis preferidas, grabada por Bauhaus con Nico, y otras más flojas como la de Vanessa Paradis, la de 2 Many DJs, o la que Juliette & The Licks han hecho recientemente en directo.

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