Beenie Man es un artista de culto entre los aficionados al dancehall contemporáneo. Nacido en 1973 en el problemático distrito Waterhouse de Kingston, comenzó su carrera cuando aún no había cumplido ni los diez años. Para entonces había ganado el primer premio de un concurso musical infantil que le permitió realizar sus primeras grabaciones con el productor Junjo Lawes.

El caso de los niños prodigio no es algo extraño, casi todos los países cuentan con alguno en la música o en el cine; pero pocos consiguen, como Beenie Man, conservar su éxito y su respeto cuando se hacen mayores. Así pues, en 1984 ya tenía un disco en su haber (The Invincible Beenie Man, the 10 Year Old DJ Wonder) y había colaborado en un par de cortes con el célebre Barrington Levy.

Curiosidades aparte, cuando este artista comenzó a interpretar canciones verdaderamente interesantes fue a principios de los 90. Aquella década empezó muy bien, con la participación en el conocido festival Reggae Sunsplash de 1992. Beenie empezó entonces a orientar sus letras hacia la filosofía rastafari, envueltas siempre por las corrientes más modernas del dancehall, que incluían escarceos con otros géneros como el rap.

En esta nueva etapa, desputan canciones como ‘No, Mama, No Cry’, versión del celebérrimo hit de Bob Marley que prosigue la campaña de denuncia del altísimo índice de violencia en Jamaica; y ‘Slam’ (Imeem), extraído de uno de sus álbumes clave, Blessed (1994). Su sonido conservaba cierto toque tribal, a pesar de partir de una base enteramente digital.

Durante los 90 siguió publicando singles que petaron especialmente en el Reino Unido, como el remix de ‘Under Mi Sensi’, una de sus colaboraciones juveniles con Levy. Comenzó también una batalla pública con otro destacado artista dancehall, Bounty Killer. Estos beefs han sido más habituales en el rap (por ejemplo, el enfrentamiento entre 2Pac y Notorious Big), pero parece que el positivismo del reggae ha quedado un poco de lado durante los últimos años.

En el 98 culminó su escalada al éxito tras firmar con Virgin, que dio como resultado el álbum The Doctor. En él cabe destacar la canción ‘Bookshelf’ (Imeem), construida sobre un riddim minimalista que anima a mover el esqueleto. Beenie muestra sus habilidades para juguetear con las métricas y con el idioma. No creo que hubiera sido un gran vocalista de roots, pero no hay duda de que en el dancehall encontró su filón.

Tras esta fructífera década, Beenie Man ha seguido cosechando éxitos con sus discos posteriores, que siempre han buscado ponerse un paso por delante en lo que a innovación se refiere. Sus pasos lo han llevado a colaborar estrechamente con diversos artistas del movimiento hip-hop, como The Neptunes y Scott Storch, especialmente en su reciente trabajo Undisputed (2006).

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Como desde el próximo día 13 hasta el 16 de este mes, Capleton va a estar de gira por nuestro país (visitará Madrid, Málaga, Bilbao y Barcelona), es un buen momento para repasar su trayectoria. Junto con Sizzla, este artista es el máximo referente del reggae contemporáneo. En unos tiempos en los que los nuevos artistas se lanzan de lleno en el dancehall y la fusión del reggae con otros estilos, Capleton ha decidido regresar a las raíces del género, tanto en su faceta musical como espiritual.

Capleton nació en 1967 en Islington, una aldea rural de la provincia jamaicana de St. Mary. Con apenas 12 años, ya se dejaba ver por los soundsystems que se celebraban en la región, precisamente en plena efervescencia de la corriente dancehall. Cuando cumplió los 18, y al igual que la mayor parte de artistas jamaicanos, se fue a vivir a Kingston para iniciar su carrera musical.

Allí empezó a colaborar con el músico africano Stewart Brown, con quien dio varios conciertos por la isla. Su gran oportunidad llegó durante una gira por Toronto. Allí teloneó a Ninjaman, muy célebre por aquel entonces, lo cual le sirivió para conseguir sus primeras grabaciones con el productor Fatis Burrell. Fruto de esta unión nacieron singles como ‘Bumbo Red’ y ‘Lotion Man’ (Imeem), que posteriormente serían recopilados en el álbum Capleton Gold.

La dilatada carrera de este artista comenzó a mediados de los 60, aunque no se convirtió en una figura indispensable del género hasta que llegaron los 80. En un principio, formó parte del grupo The Wildcats como vocalista principal, con quienes grabó unos cuantos temas que nunca llegaron a editarse. El salto al mercado profesional lo dió con su primer álbum en solitario, Come Back Darling, publicado en 1969.

Sin embargo, a partir de la salida de este álbum, su carrera pasó por un paréntesis de unos cuantos años. Fue el tiempo que pasó viviendo en Canadá, a donde había emigrado su familia. Allí formó parte de la banda Ishan People, que sacó a la luz dos discos, aunque en Jamaica pasaron totalmente desapercibidos.

Su leyenda y su estilo se establecieron definitivamente con su regreso a Jamaica en la segunda mitad de los 70. Entonces empezó a trabajar con el productor Coxsonne Dodd, que trataba de inyectar sangre nueva a la escena reggae de la isla. Tras editar unos cuantos singles, publicó Truths and Rights en 1980, un disco de referencia para todos los amantes del género.

Osbourne no era un artista que destacara por su técnica vocal, sino por las emociones con que impregnaba cada uno de sus versos y por sus letras concienciadas e inteligentes. Truths and Rights, además de la estupenda canción que le da nombre (Youtube), contiene grandes temas como la desgarradora ‘Children are Crying’, la emotiva ‘We Need Love’ y uno de su primeros coqueteos con el dancehall, ‘Sing Jah Stylee’.

A partir de aquí, comenzó para Osbourne una temporada enormemente prolífica. Por ejemplo, en 1981 publicó tres discos: Fally Lover, In Nah Disco Style y Warrior. Discos cortos, eso sí, de alrededor de 10 cortes. Es inevitable que tengan ciertos temas de relleno, pero para haber sido compuestos en un periodo tan corto de tiempo, el resultado es más que decente.

Con estos discos empezó a combinar su sonido roots con influencias más modernas del dancehall y el dub. El resultado fueron canciones como ‘Night Fall’, ‘Mr. Politician’ y ‘Ice Cream Love’ (Youtube). Como se puede ver, sus temáticas habituales (denuncia social, intimismo, amor) siguen presentes en estas nuevas entregas.

A mediados de los 80, su incursión en el dancehall se hizo más patente desde que empezó a colaborar con el productor Bobby Digital (no confundir con uno de los seudónimos de RZA, artífice de las instrumentales de los neoyorquinos Wu-Tang Clan). Con él nos dejó singles interesantes como ‘Good Time Rock’ y ‘Rude Boy Skank’.

Aún hoy, con más de 30 años de experiencia en el reggae, Osbourne sigue en activo. Su disco más reciente es Live Good (2003), que rescataba algo de material antiguo junto a nuevas composiciones. Le precedió First Choice (2000), prueba de que el paso de los años no ha minado su creatividad.

De todas formas, lo mejor para acercarse a la figura de Johnny Osbourne es escucharse de corrido su álbum Truths and Rights y después bucear en las canciones ‘Buddy Bye’ (Imeem), ‘Lend me ya Chopper’ y ‘Water Pumping’. El gustazo está asegurado.

Sus padres querían que se convirtiera en un profesor de inglés, y para ello lo enviaron a estudiar a Nueva York. Sin embargo, Blondy siempre tuvo claro que quería ser músico, así que empezó a ofrecer conciertos por el Central Park y diversos locales de Harlem. Sus primeras influencias habían sido bandas como Pink Floyd o los Beatles, aunque cuando escuchó a Bob Marley redirigió sus pasos por la senda de la filosofía y la cultura rastafari.

Durante estas actuaciones, llamó la atención de diversos promotores musicales, hasta que a principios de los ochenta consiguió grabar su debut, Jah Love, compuesto por ocho temas registrados del tirón en un solo día. Su primer single de éxito fue ‘Brigadier Sabari’ (Imeem), un canto contra la brutalidad policial.

El año pasado tuve la oportunidad de verlo en directo en Madrid y fue una experiencia increíble. Este año también pasó por aquí, así que si aún no lo habéis visto, estaos al loro, porque es algo que no os podéis perder.

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Esta banda se formó en los primeros 70, antes de que los artistas más dancehall que he comentado últimamente saltaran a la palestra. Sin embargo, he decidido esperar un poco antes de hablar de Third World porque durante su larga carrera han tocado todos esos palos, desde el roots reggae hasta el dancehall, recogiendo por el camino las influencias del hip-hop y el r&b.

El germen de esta banda lo encontramos en el teclista Michael Cooper y el guitarrista Steven Coore. Ambos formaron parte de Inner Circle (capitaneada por el excelente cantante Jacob Miller) a finales de los 60, y en 1973 abandonaron el combo para formar el suyo propio. Fue entonces cuando debutaron ante el público como Third World durante la celebración de la independencia de Jamaica.

Contaban con un buen elenco de músicos para tocar en directo pero, paradojicamente, fue esto lo que dificultó la firma de su primer contrato discográfico. Por entonces, los sellos los llevaban los soundsystems, donde los cantantes se desgañitaban sobre los discos que pinchaba un toaster, sin necesidad de banda. Al no tener contacto con ellos, tuvieron que buscarse las castañas fuera de Jamaica, concretamente en el Reino Unido.

Allí grabaron con Island su primer disco, titulado sencillamente Third World. El álbum tuvo buena acogida, pero cuando realmente pegaron el petardazo fue con 96º on the Shade, publicado en 1976. El single que da nombre al disco (Youtube) fue todo un descubrimiento para el público internacional.

Para entonces, habían sustituido al vocalista original por Bunny Rugs, un cambio que benefició al sonido de la banda. Con este álbum podemos comprobar que su inspiración era el roots más clásico, pero su variada insrumentación le aportaba un toque personal al sonido de toda la vida.

Este éxito les permitió empezar a experimentar con la fusión de estilos. El cambio más notable se notó ya entrados en los 80 con la canción ‘Try Jah Love’ (Goear). Era un tema muy funky, interpretado con un ritmo mucho más rápido que el habitual en el reggae. A la hora de componerlo, contaron con la colaboración de Stevie Wonder, con quien compartieron escenario previamente durante un homenaje a Bob Marley.

No es extraño que estos giros musicales no gustaran demasiado al público más purista. Para bien o para mal, Third World habían abierto su puerta a multitud de influencias, aunque nunca perdieron el espíritu de sus letras ni dejaron que sus pasos fueran dirigidos por las exigencias del mercado.

En el 89, sus pasos se juntaron con los del rap a través del grupo Stetsasonic. El resultado fue ‘Forbidden Love’ (Youtube), una canción estupenda que mantiene la esencia del roots y que acepta sin problemas los rapeados de Daddy O. un single que cosechó un gran éxito y que demostró a los más incrédulos que la experimentación no siempre va unida a la profanación.

Desde entonces han seguido editando trabajos, el último en 2005 (Black, Gold and Green). Particularmente, yo prefiero la primera etapa de Third World, pero la verdad es que siempre te encuentras con alguna canción guapa en sus discos posteriores.

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Kamoze nació en Saint Mary, Jamaica, en 1957. Sus andanzas por la industria musical comenzaron a principios de los 80. Desde el principio, quiso usar el activismo y la protesta como banderas en su música, pero alejado de cualquier acción violenta. Como él mismo decía, quería “una militancia inteligente y constructiva”.

Por aquella época grabó sus primeros singles y se embarcó en un tour internacional en compañía de Yellowman y Half Pint. Además de su música, su aspecto llamó mucho la atención, por su altura, sus largas rastas y su marcada delgadez. Estos singles primerizos fueron recopilados en el disco Pirate, que no consiguió tanto éxito como se esperaba.

De estos primeros singles, el que más éxito ha cosechado con el paso del tiempo ha sido ‘Shocking Down’ (Imeem), fuertemente influenciado por la corriente dancehall que empezaba a despertar en Jamaica a principios de los 80.

Los lazos entre el hip-hop y el reggae comenzaban a estrecharse. En cualquier caso, lo cierto es que desde aquella canción, Kamoze tampoco ha hecho nada especialmente destacable. El disco que la contenía, Lyrical Gangsta, era bastante bueno, pero hasta 2006 no volvió a editar nada. Curiosamente, ese último álbum se llamaba Debut.

Ahora se encuentra inmerso en la grabación de un nuevo disco, 51 50, del que poco más se sabe aún.

Sitio oficial | Ini Kamoze
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Hace poco hablamos de Tenor Saw, un artista muy importante para la configuración de una nueva corriente que empezó a surgir en el reggae a finales de los 70 y principios de los 80: el dancehall. Sin embargo, su prematura muerte le impidió desarrollar su estilo por completo y su influencia quedó, por tanto, más limitada. Pero hubo otro artista que sí lo consiguió, Barrington Levy.

Levy nació en Clarendon (Jamaica) en 1964, y cuando apenas era un adolescente formó parte del grupo The Mighty Multitude, con quienes grabó algunos singles que lo metieron en la escena aunque tampoco terminaron de cuajar. Pero a partir de ese momento, se hizo un habitual de los clubs y los soundsystems, donde empezó a hacerse una reputación como vocalista en las pistas de baile.

Corrían tiempos de cambio en Jamaica, tanto en lo político como en lo musical, que es lo que nos interesa ahora. El fiero compromiso social de la cultura rastafari seguía vivo, pero el público ya daba muestras de querer canciones más ligeras, aptas para el baile, que además mantuvieran la energía y la inmediatez de los soundsystems. Cuando a principios de los 80, Levy empezó a trabajar con el productor Junjo Lawes, encontró ese sonido que los jóvenes jamaicanos andaban buscando.

Sus primeros singles destacados fueron ‘Shine Eye Girl’, ‘Reggae Music’ y ‘Looking my Love’ (Imeem), que posteriormente se recogieron en su álbum Bounty Hunter (1982). Con este álbum comenzó un periodo muy prolífico que lo llevo a grabar dos discos en 1983 y cuatro en 1984.

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Una de las cosas que hemos podido ver durante esta serie de posts es que Inglaterra siempre se ha mostrado muy receptiva a los sonidos que llegaban desde Jamaica. Por tanto, no es de extrañar que pronto empezara a dar pie a sus propias bandas, algunas de gran calidad, como la que hoy nos ocupa. Steel Pulse se formó en un suburbio de Birmingham en 1975. Fue la iniciativa de un grupo de jóvenes procedentes de familias inmigrantes que quisieron aportar su propia visión al reggae roots al mezclarlo con toques de jazz y música latina.

Su formación coincidió con la explosión punk que vivieron las principales ciudades británicas. Su afinidad contestataria y su actitud contraria a lo establecido los hermanó con esta corriente que les abrió muchas puertas, ya que los dueños de las salas y locales no estaban muy abiertos a las líricas y las ideas rastafarianas del grupo. Steel Pulse compartieron escenario con bandas que ya son auténticos clásicos, como The Clash, The Stranglers y The Police.

Durante ese último tercio de los 70 realizaron sus primeras grabaciones. Tras algunos singles que empezaron a hacer ruido en la escena, fue ‘Ku Klux Klan’ (Youtube) el que les proporcionó mayor repercusión. Posteriormente, esta canción se incluiría en su primer álbum, Handsworth Revolution, cuyo título hace referencia al gueto donde vivían los componentes del grupo.

Con el tiempo, este debut se ha convertido en un disco de referencia para bucear en el reggae del UK. A pesar de llevar poco tiempo tocando juntos, las canciones son sólidas y ya dan muestra del toque innovador que poco a poco irían desarrollando. Un año después, en 1979, publicaron su segundo disco. Tribute to the Martyrs radicalizó el mensaje político y la rabia de sus letras, aunque el apartado instrumental siguió siendo cálido y agradable.

El disco arrancaba con ‘Unseen Guest’ (Youtube), una muestra de que seguían mejorando como compositores y de que el roots estricto empezaba a quedárseles pequeño.

Pero a partir de su siguiente disco, Caught You, esta evolución empezó a llevarles por caminos que desilusionaron a muchos de sus seguidores. Los años 80 estuvieron presididos para Steel Pulse por un sonido más orientado hacia el pop y las pistas de baile. A pesar de ello, siempre mantuvieron en mayor o menor medida su conciencia social y política, pero el envoltorio no fue siempre el más apropiado. Eso sí, esta nueva orientación los ayudó a conseguir un Grammy en 1986 por su álbum Babylon the Bandit, que a pesar de todo sólo consiguió unas cifras de ventas más que discretas.

Con el álbum grabado en directo Rastafari Centennial (1992), la banda comenzó un progresivo retorno a sus raíces, que culminó con los discos Vex y Rage and Fury, que contenían canciones como ‘Settle the Score’ (Imeem), que hermanaban las nuevas corrientes musicales con el sonido de sus inicios.

Tenor Saw fue un artista muy importante para el asentamiento del dancehall y la transición del roots tradicional al abrazo de las nuevas corrientes electrónicas. Su influencia habría sido mayor si no hubiera muerto atropellado en 1988 cuando apenas tenía 22 años. Ya que su carrera musical fue breve y sólo pudo legarnos un par de discos, voy a aprovechar este post para comentar brevemente lo que supuso la irrupción del dancehall en Jamaica.

Después de las innovaciones introducidas por las dos generaciones anteriores de artistas reggae, a finales de los 70 el género empezó a dar signos de una nueva evolución. Lo que después se conoció como dancehall, empezó a distinguirse del roots tradicional por su férrea base rítmica, una combinación sonora de puro hormigón armado. Los bajos adquirieron, si cabe, mayor protagonismo, y el ritmo de las canciones se asentó sobre los compases de 4X4.

El reggae siempre ha sido apto para bailar (ya desde el ska y el rocksteady), pero con esta nueva vuelta de tuerca se convertía en su principal objetivo. La filosofía y espiritualidad de la cultura rastafari siguieron presentes en sus letras, aunque en menor medida. En un principio, el dancehall siguió intepretándose con la formación habitual de guitarras, bajo y batería, y ya sería años más tarde cuando se volcaría por completo en los ritmos electrónicos, con el trabajo de diversos artistas de los que ya hablaremos próximamente.

Volviendo a Tenor Saw, fue Kingston la ciudad que lo vio nacer en 1966, el mismo año en que el emperador Selassie I visitó la isla, despertando el fervor rastafari que acabaría definiendo la música jamaicana. Su canción más célebre es ‘Ring the Alarm’ (Youtube), grabada en 1985. Su sonido aún era más próximo al roots que al dancehall que escuchamos hoy en día, pero ya se notaban algunas de las características que he apuntado antes.

Es una canción bailable y pegadiza que ayudaron a popularizar los neoyorquinos Fu-Schnickens, al samplearla en una canción homónima de su primer disco, Don’t Take it Personal, de 1992. Podéis escucharla en este interesante vídeo que ofrece diversas imágenes de las calles de una localidad jamaicana.

Fue también en 1985 cuando publicó su primer álbum, el único que sacó en vida. Fever daba el salto al sonido digital con medios aún bastante prehistóricos, pero suplidos con grandes dosis de ingenio y talento. El disco es una de las piedras angulares de la revolución que traían los músicos más jóvenes de la isla, que renovó el reggae sin perder nunca el respeto por sus antecesores.

Sólo por el hecho de llevar en activo 40 años y de haber grabado buenos discos durante ese tiempo ya es razón suficiente para tener a Max Romeo como un artista de referencia. Pero aunque no hubiera sido así, con saber simplemente que fue el autor de dos joyas de la corona jamaicana como ‘Wet Dream’ y ‘I Chase the Devil’, nos bastaría para subirlo al podio de los grandes mitos del reggae.

Max Romeo nació en St. D’Acre en 1947. A los 14 años escapó de casa para trabajar en una plantación de azúcar, en la que quizá todavía estuviera si no hubiera ganado un concurso musical de la región. Esto lo animó para trasladarse a Kingston en cuanto cumplió los 18. Allí se juntó con otros dos jóvenes para formar The Emotions, con los que grabó algunos singles como ’(Buy you) a Rainbow’.

Su estilo aún distaba mucho del que le haría famoso. En aquellas grabaciones como trío, y en sus primeras en solitario, predominaban las baladas y las canciones de amor. La cosa empezaría a cambiar con ‘Wet Dream’ (Youtube), canción que lo catapultó en su trayectoria como solista y cuya sugerente letra (no hay más que ver el título) lo hizo escalar muchos peldaños en las listas de éxitos, no sólo jamaicanas, sino también en las británicas.

Pero Romeo no se hizo famoso solamente por sus letras faltas de complejos. Su forma de cantar, ruda pero a la vez emotiva; su mensaje concienciado; y el excelente acompañamiento de su banda, The Upsetters, creaban la combinación perfecta para los temazos que estaban por llegar.

Su primer disco, Let the Power Fall, llegó en 1972 envuelto por una fiera carga política. Aquel fue un año de elecciones presidenciales. Desde la independencia de Jamaica durante la década anterior, los comicios siempre acarreaban una fuerte ola de violencia por toda la isla, que enfrentaba a los seguidores de ambos partidos. Romeo apostaba por el PNP (socialista) frente a los conservadores JLP que ostentaban el poder desde la instauración de la democracia.

Este álbum vino acompañado de canciones como ‘Let the Power Fall on I’ y ‘Press Along Joshua’ (con este apodo se conocía al líder del JLP). Aquí empezóa gestarse su sonido crudo y profundo. En 1975 llegó Revelation Time, un bocado exquisito por la diversidad de los riddims y por las estupendas interpretaciones de Romeo.

Fue el primer álbum que empezó a forjar su leyenda. Entre otras perlas, podemos encontrar ‘Tacko’ y ‘No Peace’ (Imeem).