Quizás uno de los músicos que mejor define el calificativo “de culto” y también uno de los que demuestran que ni el público ni las ventas ni las decisiones de las discográficas ni las reseñas de los críticos tienen auténtico valor, porque el tiempo acaba poniendo casi todo en su sitio y negando lo que en su día triunfó para aupar a las alturas a quienes pasaron desapercibidos.

Nick Drake, inglés estudiante de Cambridge y con problemas emocionales. Cualquier cosa de su retrato nos va dando más pistas de que su figura es ya casi un arquetipo. Por ejemplo, sólo publicó tres discos que apenas vendieron, se negaba a tocar en directo, no quería posar ni hacer entrevistas, le podía su timidez. Son trazos de una personalidad que hoy muchos quieren imitar: el tópico del artista sensible con problemas emocionales está tan gastado que nos cuesta creérnoslo.

También del del cantautor con una psique quebradiza y problemas con las drogas. y el de el músico misterioso que desparece antes de tiempo. Todos ellos hoy ya los tenemos asumidos como parte del negocio, pero con Nick Drake la mayoría de estos rasgos aún vivían en estado puro. También otra característica típica: la de la canción que anticipa la posterior muerte de quien la compone. Fruit Tree es ese tema.

Fame is but a fruit tree
So very unsound
It can never flourish
‘till its stalk is in the ground
So men of fame
Can never find a way
‘til time has flown
Far from their dying day

Compuesta antes de su primer disco, Fuit Tree es una tremenda disección de la industria del pop, de sus mitomanías, de cómo la fama es como el frutal, que “no florece hasta que su tronco está en la tierra”. Nick habla en esta canción de sus más óscuros temores, de sus ganas de morir, de cómo parte de la música más bella sólo puede salir de los más turbios momentos (“la luz más brillante procede de la oscuridad”, canta).

Forgotten while you’re here
Remembered for a while
A much updated ruin
From a much outdated style

Musicalmente, Fruit Tree representa la primer aparte de la carrera de Nick Drake. Incluida en Five Leaves Left, su disco de debut, aún no tiene la sensación de vacío, de estar a medio terminar que sí tendrán, por ejemplo, casi todas las canciones de Pink Moon. Aquí, Drake se hace acompañar de los arreglos de cuerda de Robert Kirby para dulcificar en algo la rotundidad de los sentimientos que expone el cantante, para darle empaque a su guitarra acústica, para mecer su voz, .

Fruit tree, Fruit tree
No one knows you but the rain and the air
Don’t you worry
They’ll stand and stare when you’re gone

Voz y guitarra, simplemente eso. Pero la manera de tocar y de cantar de Nick Drake era distinta a la de otros músicos. Por un lado estaba sus melodías, limpias pero llenas de novedades: afinaciones extrañas, compases cambiantes. Por otro, su manera de cantar, que parece ir siempre por detrás de la música: no la sigue, sino que va a un ritmo distinto, pero que acaba cuadrando.

Fruit Tree, como otras muchas canciones de Nick Drake a partir de los años 80, es el espejo en el que se han mirado gente como José González o, por supuesto, Elliot Smith, que no sólo se sintió atraído por la música, sino que acabó repitiendo el modelo de cantautor trágico de Nick Drake. La letra de esta canción también le serviría a él.

Vídeo | Youtube
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Yahoo ha elegido los que, a su juicio, son los 25 mejores grupos de rock alternativo de los 90, la época en la que el término explotó comercialmente hasta acabar desdibujándose del todo. La selección es polémica, no tanto por los nombres, como por la posición del listado. Bueno, y por los nombres también.

Lo de Tom Waits como número uno se puede discutir, pero al menos es una elección valiente para una lista. Pero lo más curioso de todo es que Yahoo ha decidido que entre los seis primeros, haya tres grupos que tuvieron mejores momentos antes de los 90 que en esa década. Es el caso de The Fall, Julian Cope y American Music Club. Como la página no da muchas explicaciones acerca de por qué ha decidido ese orden, he de suponer que ha sido porque el autor escucho California (AMC) o cualquiera de los discos de Teardrop Explodes o de The Fall en esos años. Pero las mejores obras de todos ellos no se sitúan en la última década del siglo.

Por la misma regla de tres, los Pixies también podrían ser el mejor grupo de los 90 (que yo no lo creo, pero que bajo los parámetros de Yahoo, sí serían un grupo elegible).

Además, mete a Sonic Youth en el puesto 23, cuando Goo y Dirty, dos de los mejores discos del grupo, se publicaron nada más comenzar los 90. Lo de Nirvana en el puesto 11 puede entenderse porque no es una lista de “los grupos más relevantes”, aunque insisto que la selección tiene lagunas importantes. De hecho, aprece más una lista de indierock que de rock alternativo, donde cabrían mejor nombres como Foo Fighters, Pearl Jam o Smashing Pumpkins, entre otros.

De hecho, gran parte de la degradación del término viene por los grupos que, nacidos al amparo de las multinacionales, trataban de imitar a estas bandas, ¿no?

Pero bueno, si nos quedamos dentro del dudoso concepto de esta lista, ¿dónde están, por ejemplo, Neutral Milk Hotel? Yo creía que a éstos ya se les estaba empezando a hacer justicia, pero ya veo que no.

En fin, la lista de Yahoo es la siguiente:

25. Sebadoh
24. Dinosaur Jr.
23. Sonic Youth
22. Pavement
21. Flaming Lips
20. Cracker
19. Beck
18. Weezer
17. Giant Sand
16. Afghan Whigs
15. The Breeders
14. Belle & Sebastian
13. Elliot Smith
12. Mudhoney
11. PJ Harvey
10. Nirvana
9. Guided By Voices
8. Nick Cave & The Bad Seeds
7. Vic Chesnutt
6. The Fall
5. Mark Lanegan
4. Julian Cope
3. American Music Club
2. Red House Painters
1. Tom Waits

En cualquier caso, todos los grupos que están dentro merecen la pena. Quizás alguno no tanto como para ser representativo de nada, pero sí que son de una escucha necesaria y disfrutable.

Vía | Yahoo

Hoy es noche de Oscars y la maquinaria promocional de la gala y el cine estadounidense ya está en marcha. Nos quieren convencer de que saben que es lo mejor del año e, incluso, nos quiere hacer comulgar con ruedas de molino, como esas siempre bizarras candidaturas a mejor canción.

Es batalla perdida, eso ya lo sabemos, pero, de vez en cuando, da gusto ver cómo se cuelan melodías que poco o nada tienen que ver con las habituales de la industria del cine. Así que hoy, para ponernos en sintonía con el resto del mundo, Hipersónica recuerda cinco ocasiones en las que Hollywood aguantó candidaturas atípicas para la categoría de mejor canción que, por cierto, se instauró para que el Let It Be de los Beatles tuviera su reconocimiento en la gala cinematográfica más mediática del mundo.

Por cierto, casi todas ellas no ganaron. Porque una cosa es abrir la mano y otra cosa premiar a cualquiera (supongo que se dirán los responsable de la Academia).

El solvente Rocky estilo hip-hop que hicieron al alimón Eminem y Curtis Hanson tenía muchos puntos débiles, pero no desde luego la tremenda canción central de la banda sonora. A Eminem no le dio la gana ir a recoger un Oscar que estaba cantado (tocaba subirse al carro hip-hop, ya se sabe que los académicos llegan siempre tarde a todo), pero se lo acabó llevando a casa. O se lo llevaron, mejor dicho.

Aimee Man – Save Me (1999) (Youtube)

Paul Thomas Anderson no sólo bajo a ver a Tom Cruise para darle un papel que enderezase su carrera, sino que se agenció a una antigua nuevaolera para que, en su nuevo papel de folkie reposada, le diera el satinado perfecto de tristeza irresoluble que Magnolia necesitaba. De hecho, toda la película esta inspirada y basada en las canciones que Aimee Mann mostró a P.T. Anderson mientras trabajaba en el que iba a ser su siguiente álbum.

Tanto se enamoró el director de Boogie Nights de la música de Aimee que incluyó algunas de las letras en los diálogos de la película. No ganó el Óscar, sí el Globo de Oro, pero se puede decir que, sin Save Me, Magnolia no hubiese existido.

Blame Canada (1999) (Youtube)

La banda sonora de la película de South Park contenía esta ácida diatriba contra los canadienses. Si Def Con Dos le echaban la culpa de todo a Yoko Ono, las madres de los EEUU animados culpaban a los norteños de todos sus propios errores.

Juro que he visto en foros USA a gente que se la tomó en serio, pero que algo así se colara en la tradicionalmente encorsetada gala de los Oscars sólo puede ser fruto del terror milenario o de esa histeria colectiva que habían en 1999. Para igualar la gesta, los responsables de los Goya deberían meter con calzador en una de sus categorías el Vivo con tu madre, de La Hora Chanante. Hasta entonces, no podremos tomarnos en serio las galas del cine español.

Elliott Smith – Miss Misery (1997) (Youtube)

Las cosas de las películas de Gus Van Sant. Incluso aunque El indomable Will Hunting fuese una historia sobrevalorada que dio demasiado bombo a dos carasdepiedra (Ben Affleck y Matt Damon) y les premió conjuntamente por uno de los guiones más manidos de la historia del cine, todo eso se compensó por poder disfrutar de la canción de Elliot Smith y, sobre todo, por compartir aquel mal rato que pasó, solo con su guitarra y su traje blanco, en pleno escenario de la gala de los Oscar.

Por un momento, pareció que el mundo quería ser como Elliott Smith. Pero no: prefirieron ser como la petarda de Celine Dion y su transatlántico hundido. Mejor para nosotros: el barco de Smith aún navega, incluso después de muerto.

Tom Waits – One From The Heart (1982) (Youtube)

Corazonada fue una locura que se le ocurrió a Coppola cuando acabó demasiado harto de aquel “Horror” que Marlon Brando tan bien recitaba en lo más profundo del corazón de las tinieblas. Un musical que costó una millonada y hundió al cineasta en una de sus primeras grandes quiebras. Da igual: la película no estaba tan mal como se dice y, además, nos permitió disfrutar de un Tom Waits extremadamente romántico.

Canciones de hace 50 años revisitadas por el tipo de la voz cavernosa en un momento en que su carrera se iba a convertir en imprescindible. Y, si no, cantadas por Nastassja Kinski, como esta Little Boy Blue. Desde el corazón: ¡una gozada! Claro: no ganó. Ójala todos los fracasos fuesen como el de Corazonada.

Al hilo de esa Pinta de tarao con la que Los Punsetes nos meten (o no) en la mente de un asesino en serie hispánico, me he puesto a pensar en otras canciones que hablan sobre el mismo tema. Como es bien sabido que al mundo de la música popular le encantan los temas escabrosos, no me ha sido muy difícil recordar 18 canciones que tienen como protagonista (directo o indirecto) a uno de esos criminales.

Os invito a pasar a las zonas más óscuras de la mente del ser humano. Éste es mi top de canciones ensangrentadas:

Aunque ahora Bob Geldof ande más preocupado de megaeventos con coartada solidaria, en 1979 los Bootwon Rats se fijaron en Brenda Ann Spencer para parir su canción más famosa. La chica fue una de las primeras en coger un rifle (que le habían regalado a su padre en Navidad) y marcharse al colegio a pegar tiros. Ocurrió el 29 de enero de 1979: Brenda curzó la calle, entró en la escuela y se lío a pegar tiros, encerrando a todos los que allí estaban durante seis horas. Murieron dos personas.
Cuando se le preguntó por qué lo había hecho, la chica dijo esa frase desde entonces famosa: “I don´t like mondays”, que casi se convirtió en un grito generacional. De hecho aparece en películas de adolescentes tan míticas como El club de los cicno.

No, a Brenda no le gustaban los lunes. Y a nosotros tampoco. La diferencia es que mantenemos la cabeza sobre los hombros.

17. Melvins – Zodiac (Youtube)

I forgot to get my pill / Got to go downtown… Dale Crover y King Buzzo, más su bajista de ocasión, le dedicaron al famoso asesino del Zodiaco, uno de los más famosos casos sin resolver de la crónica de sucesos mundial. Mensajes cifrados, una nación en vilo, cartas a los medios de comunicación: 37 víctimas dice tener y nadie ha logrado identificarlas a todas. La bahía de San Francisco fue el escenario de sus obras, plasmadas magníficamente en Zodiac, de David Fincher. Se me olvidó tomar las pastillas, creo que voy a darme una vuelta por el centro.

16. Stager Lee – Nick Cave (Youtube)

Teniendo en cuenta que Nick Cave dedicó un disco entero a hablar de asesinos y asesinatos, esta lista podría haber contenido perfectamente unas cuantas canciones del australiano. Pero nos quedamos con Stagger Lee,por la historia que cuenta y porque la historia de la música del siglo XX está plagada de versiones que cuentan la historia de este chófer negro que cometió un crimen por una discusión política y de juego y, por misterios de la música, pasó a ser casi un arquetipo. Su historia hubiera sido olvidada de no ser porque el folk y el blues la hicieron suya y la convirtieron en mito.

15. Shankill Butchers – The Decemberists (Youtube)

Una de las páginas negras del conflicto irlandés. Los Shankill Butchers, liderados por Lenny Murphy, fueron un grupo paramilitar encargado de secuestras, torturar, golpear y matara a católicos en Belfast. Lo sorpredente de sus acciones era lo indiscriminado: pese a lo que pudiera parecer, pocas víctimas de los carniceros de Shankill tenían relación alguna con el IRA.

Colin Meloy y sus Decemberists los pintan aquí con la estampa de esos hombres del saco, de ese coco con el que muchas abuelas asustaban a nuestras madres.

14. Wrong ‘Em Boyo – The Clash

Incluida en el mítico London Calling, es otra aproximación a la historia de Stagger Lee. Queda como una de las magníficas aproximaciones que el punk hizo a los sonidos negros antes de que el mundo aglosajón se abriera de manera definitiva a ellos.

Stagger Lee throwed seven
Billy said that he throwed eight
So Billy said, hey Stagger! I’m gonna make my big attack
I’m gonna have to leave my knife in your back

13. Death Valley ‘69 – Sonic Youth (Youtube) y 12. Revolution Blues – Neil Young

Lo admito: soy un apasionado de la historia de Charles Manson y de cómo ejemplifica el final de un sueño que se torció casi en el mismo instante de nacer. No en vano, no hace mucho le dediqué un post en el que citaba los muchos sitios donde el pirado más amado/odiado de la historia de la música ha estado presente en forma de canción.

Éstas dos que cito ahora son dos de las mejores muestras de cómo la historia ha tratado a Manson: Neil Young lo cuenta todo en primera persona (era uno de los íntimos de Charles antes del asesinato de Sharon Tate) y Sonic Youth le ponen el perfecto telón sonoro a una historia de lujo y miseria.

11. The Drifter – Green on Red

Ted Bundy es otro de los mitos de la crónica negra de EEUU. Asesinó a más de 30 jovencitas estrangulándolas para luego violarlas. Es el gran arquetipo de asesino en serie de la meca del cine: muchos de los psicopatas favortios que aprecen en películas hechas en Hollywood han sido inspirados por este criminal de métodos cambiantes, que no tenía miedo de actuar en lugares públicos y que se aprovechaba de su apariencia de niño bueno. En sus juicios, se desveló como un fanfarrón: “añade un dígito a esa cifra y lo tendrás”, les dijo a los investigadores cuando le preguntaron si era responsable de 36 asesinatos.

10. Son of Sam – Elliot Smith (Youtube)

El asesino del calibre 44. David Berkowitz tuvo en vilo a Nueva York entre 1976 y 1977 y él mismo se puso el apelativo que dio nombre a esta canción de Elliot Smith (y a otra de los Dead Boys y…). En una carta manuscrita que dejó en la calle, el “hijo de Sam” hacía referencia a unos supuestos maltratos infantiles cometidos por Sam, el padre imaginario a quien Berkowitz rendía cuentas con sus crímenes. Cuando se le dio caza, Berkowitz acusó a Hall & Oates y a su canción Rich Girl de provocarle las ansias por matar, algo imposible, puesto que la canción se editó después de que empezaran sus crímenes.

Elliot Smith le retrató así:

Son of Sam, son of a doctor’s touch, a nurse’s love
Acting under orders from above
King for a day
Son of Sam, son of the shining path, the clouded mind

09. Dirty Frank – Pearl Jam (Youtube)

Jeffrey Dahmer no sólo es responsable de las muertes de 17 hombres, sino que, además, fue el eje central del Relationship of Command, de At The Drive-In, y de esta canción de Pearl Jam, una de sus clásicas. En realidad, parece ser que Eddie Vedder y los suyos fantaseaban con que el chófer de su autobús de una de sus primeras giras era un asesino en serie. De ahí que el protagonista de la canción sea ese “Dirty Frank Dahmer”.

Llama la atención el hecho de que sea una de las pocas letras abiertamente humorísticas de Pearl Jam. Eran los primeros tiempos de la banda, así que se entiende mejor. La letra contiene frases como A lose weight. A be safe. Where’s Mike McCready? My god he’s been ate!, que demuestran el buen humor con que se tomaron Pearl Jam la detención de Jeffrey Dahmer.

08. Gary Gilmore´s Eyes- The Adverts (Youtube)

Los Adverts adoptaron un punto de vista peculiar para referenciar a Gary Gilmore, asesino de dos personas en Utah que se hizo famoso por pedir, por activa y por pasiva, su ejecución, la primera desde que la . Sus últimas palabras ante el pelotón de fusilamiento (así se las gastaban en los EEUU en 1997) fueron “¡hacedlo ya!”.

En la canción del grupo de TV Smith, un hombre que necesita un trasplante de ojos recibe los de Gary Gilmore. Con una una mezcla entre humor negrísimo (Veo a través de los ojos de Gary Gilmore / Gary no los necesita más / él y sus ojos se han separado) y mal rollo (I smash the light in anger / I push my bed against the door / I close my lids across the eyes /I wish to see no more), los Adverts consiguieron uno de los hitos punk.

07. Midnight Rambler – The Rolling Stones (Youtube)

I’m called the hit-and-run raper in anger
The knife-sharpened tippie-toe…
Or just the shoot ‘em dead, brainbell jangler
You know, the one you never seen before

El estrangulador de Bostón, otro de los grandes en esto de los crímenes, a pesar de que su culpabilidad no esté del todo probada. Los Rolling Stones le dedicaron a Albert de Salvo esta canción. Supuestamente, De Salvo era responsable (o admitió serlo) de los asesinatos de 13 mujeres en la zona de Boston. Muchas de ellas murieron estranguladas con medias de seda y todas le permitieron entrar en sus casas. Hay aquien cree que De Salvo sólo estaba cubriendo al auténtico asesino.

06. Leeds United – Luke Haines (Imeem)

“Cuando llegue a casa, mi mujer me va a matar”. Eso susurra Luke Haines al inicio de esta canción, adoptando el papel de un marido que está en un partido de fútbol para olvidarse de que no puede llegar a su hogar con tierra en los zapatos. Era lo que le pasaba a Peter Sutcliffe, el hombre que mató a 13 chicas y atacó a otras siete más entre 1975 y 1980. Hincha del Leeds Uniteds, una de sus víctimas se llamaba Marilyn Moore (como la canción de Sonic Youth).

Luke Haines, que no da puntada sin hilo, muestra la falta de pruebas de la policía cuando ocurrieron los asesinatos y recuerda que ocurrieron en pleno jubileo de Isabel II para acabar diciendo: “Podría ser Kendo Nagasaki, Jimmy Savile o la Reina”. Todo ello, envuelto entre cánticos futboleros. Sin duda, una golosina envenenada.

05. Young God – Swans

Ed Gein es el horror en estado puro. Si Ted Bundy ha servido como arquetipo cinematográfico del asesino en serie en thrillers, Gein ha valido para lo mismo, pero para películas de terror. Su casa, llena de restos humanos (entre los que se incluyen aberraciones como calaveras usadas como platos soperos, labios humanos en tiradores o calcetines hechos con piel de sus víctimas) dio forma al Norman Bates de Psicosis y al Caracuero de La matanza de Texas.

Michael Gira, otro músico seducido por el lado oscuro del ser humano, no tiene reparos en pintarlo en esta canción “bailando con cadáveres, visitiendo tu carne”:

I Wrap Your Flesh Around My Flesh
Then I Love My Flesh
I Love Your Face
All I Can Do Is Kill
All I Can Do Is Kill
I Love Your Flesh Around Me…

04. Nebraska – Bruce Springsteen (Youtube)

Una de las canciones más sentidas del Boss, que en este vídeo tiene la letra traducida. Así todos podéis disfrutar de la manera en que Sprinsgteen relata la historia de Charles Starkweather, que mató a once personas durante un viaje junto a su novia menor de edad Caril Fugate y que dio origen a la película Asesinos Natos, de Oliver Stone. De hecho, la canción que tituló el disco Nebraska se llamaba originalmente Starkweather.

03. Bonnie & Clyde – Serge Gainsbourg (Youtube)

Todo lo que hacía Gainsbourg llevaba malicia. Así que ponerse a cantar la historia de la pareja de ladrones y asesinos más famosa de los EEUU junto a esa Brigitte Bardot que arrebataba corazones y ocupaba los sueños húmedos de toda Europa no puede considerarse simplemente una casualidad del destino. Puede que hayáis visto la película protagonizada por Warren Beatty y Faye Dunaway, pero después de ver el vídeo de los franceses, ellos serán los únicos que pùedan representar en vuestra mente a Bonnie Parker y Clyde Barrow. El colchón mágico de violines y de uhús que acompañaba a todo el tema es un hito; la canción en sí es un arquetipo de cómo deberían ser los duetos chico/chica. Pura pasión sexual.

02. Suffer Little Children – The Smiths (Youtube)

Morrissey le dedicó esta canción a las víctimas asesinadas en Manchester por una pareja terrible: la formada por Myra Hindley y Ian Brady. 3 niños y dos adolescentes fueron asesinados por el macabro dúo, que enterraron a sus víctimas al norte de la ciudad natal de los Smiths, en una zona llamada Saddleworth Moor. De ahí esa lastimoso súplica al inicio de la canción de los Smiths:

I decree today that life
Over the moor, take me to the moor
Dig a shallow grave
And I’ll lay me down

En realidad, el single de los Smiths se centra en la personalidad de ella, de Myra Hindlye, a la que pinta de manera escalofriante con un amor excesivo hacia las víctimas y con una incapaidad total para impedir las acciones de su pareja. Suffer Little Children es, posiblemente, una de las canciones sobre asesinos más escalofriantes.

01. John Wayne Gacy Jr – Sufjan Stevens (Youtube)

Ya conté toda la historia de esta canción aquí, pero no por ello puedo dejar de señalar que el retrato que hace Sufjan Stevens de las zonas oscuras del ser humano, de los misterios que escondemos bajo la alfombra, es una de las mejores canción de este nuevo siglo.

Fuera de categoría y mención especial:

Nick Cave – The Mercy Seat (Youtube)

Porque al trono del señor sólo llega quien camina por el corredor de la muerte. Ojo por ojo, diente por diente, aunque no haya pruebas. Nick cave, en pleno alegato desatado contra la pena de muerte o, simplemente, en la narración de las sensaciones del que va a ser ejecutado. Sigue siendo una de sus mejores canciones y eso que han pasado años…

Como veis, ninguna es en español: ¿Os sabéis alguna que vaya de eso?

Los Moldy Peaches están poniéndose de moda casi masivamente en EEUU y es sorprendente. De hecho, es tan raro que los discos de la banda han tenido hasta ahora menos éxito que sus dos componente (Adam Green y Kimya Dawson) cuando sacaban obras en solitario. No me preguntéis por qué: yo soy de los que siempre han defendido el mundo tarado y destartalado de la pareja cuando ambos están juntos antes que esa pose de crooner lujoso de Adam Green o las penurias excéntricas de Kimya Dawson.

Bueno, hay una razón muy clara para que la banda creza. Los Moldy Peaches están en la banda sonora de Juno, esa comedia romántica que tanto éxito ha cosechado en EEUU y que se acaba de estrenar en España. Una comedia de diálogos chispeantes que a mí me encantó, lo digo sin reparos pese a que se ha convertido en la presa fácil para muchos que no sé qué esperaban. Juno ha triunfado y la banda se ha aprovechado de ello, como es lógico. Anyone Else But You, canción de 2001, sirve ahora como columna vertebral del film.

Vale, eso es positivo. Aunque Kimya Dawson no tenga muy claro si la banda está en activo o no (primero dice que se han tomado un descanso y al momento dice que tienen previsto dar conciertos), lo realmente absurdo de todo es la que están montando varios de sus fans de siempre por el repentino éxito que tienen y las reacciones de sus nuevos seguidores al comprobar quiénes son, en realidad, los Moldy Peaches.

Respectoa los viejos fans, no hay más que ver los foros de la banda o, directamente, los comentarios al vídeo youtube de la actuación. Hay muchos que no han aceptado que aparezcan nuevos seguidores. Hay quien dice que lleva años poniendo su música y recibiendo el desdén y que ahora, de repente, todo el mundo los ama. Otros dicen que es absurdo que los que siempre siguieron a la banda planteen que los nuevos seguidores son sólo unos advenedizos.

Esta discusión bizantina es tan vieja como a música pop, pero especialmente de la música indie. Y, lo peor de todo, tiene algo de tragicomedia: algunos de esos fans iniciales preferirían, en lo más profundo de su corazón, que sus bandas favoritas, a las que aman y a las que siempre meten en las recopilaciones que graban para sus amigos, se quedaran en el casi semianonimato.

Además, tiene gracia que esas discusiones se producan gracias a una canción que dice esto:

We both have shiny happy fits of rage
You want more fans, I want more stage
I don’t see what anyone can see in anyone else
But you

Pero claro, eso a la banda le importa menos que las surrealistas situaciones que están propiciando los que han caído a la miel de Juno como moscas y no sabían que los Moldy Peaches eran unos excéntricos. Incluso Kimya habla de que su publico natural ha cambiado con la película y que ahora las reacciones que despierta cuando sale al escenario (con su tendencia a disfrazarse y su pinta de loca de películas de Disney) son de órdago: ella hablando de su vagina y adolescentes estilosas poniendo caras de asco en las primeras filas.

A todo esto, el Village Voice ha escrito recientemente un afilado artículo sobre cómo Kimya Dawson tiene que recibir los nuevos tiempos. Y avisa de que verles en la ceremonia de los Oscar podría haber sido tan embarazoso como cuando Elliot Smith cantó Miss Misery. ¿Os acordáis alguno de lo raro que fue verlo allí plantado, sólo ante el mundo real con su guitarra? Una pena que la banda sonora de Juno este nominada, pero la canción no.

Vídeo | Youtube

Esperanza pese a los días del pasado, pese a los besos que se echan de menos, pese al sonido de las lágrimas al caer, pese a darse cuenta en pleno verano de que las historias que nos cuentan, las de amores estivales y noches haciendo el amor en la playa, no suelen ser más que un mito fundacional del pop. Sólo eso, historias, ficciones.

La voz de Robert Smith, los momentos más folk de Elliot Smith (también dejes de su entonación) y la intensidad con la que Bright Eyes suelen vestir sus canciones se dan cita en Hope On The Horizon para dar vida a un disco conmovedor, dramático y varias veces al límite de lo excesivo, que curiosamente empieza negando, en su primera canción (la muy Arcade Fire A Quest For Fire) su propia razón de ser: “No hope on the horizon”, canta Gustafsson nada más comenzar el disco. Las doce canciones del álbum son el paseo por la tristeza que obliga al cantautor sueco a darse cuenta de que no importa cuántas veces te rompan el corazón, porque siempre habrá un nuevo amanecer.

Boy Omega, con una banda tremendamente efectiva y unos arreglos de cuerda y metal lujosos, consiguen moverse con soltura en canciones que van desde la exhuberancia de The Blues and The Bee Sting al folk arrastrado de Hard Work, pasando por el magnífico single de puro pop acústico Suffocation Street.

Boy Omega se merece una oportunidad, porque Hope On The Horizon quizás no sea un disco que cambie nada, pero sí es uno de esos que escasean: bonito, conmovedor y, finalmente, muy importante en el día a día. De ésos en los que te apoyas durante una época detu vida y luego los recuerdas con una sonrisa triste.

Discográfica | Acuarela Discos
Sitio oficial | Boy Omega

Es la referencia más obvia de un grupo que es, en realidad, el proyecto del músico israelí Assaf Tager. Compuestas y grabadas hace ya dos años, pero escondidas hasta ahora, Katamine practican un folk oscuro, tenso, al que no hay problemas en imaginarlo vestido de ropajes eléctricos y contundencia ruidosa. Para que os hagáis una idea, a las canciones de Lag les ocurre lo mismo que a las más acústicas del In Utero de Nirvana: que transmiten una sensación malsana y podrían ser interpretadas a voz en grito y con una muralla noise por detrás.

Pulse Song, uno de los temas destacados, tiene imaginario de cementerio (hombres muertos que cantan, promesas de dolor, mujeres que se quedan en casa mientars sus maridos van vete a saber dónde) y música de dolor severo, casi físico.

Cualidades que comparte con otras compañeras como la lúgubre Creep In The Cellar o Where The Ambulance Rolls, esta último con unos arreglos de cuerda realmente valiosos, que la acercan en atmósfera al morbo por la muerte de muchos discos de Nick Cave. A lo mejor la portada no era al final tan equivocada.

La pega es que todo el sonido es demasiado lineal y sólo apetece ponerlo en momentos determinados. No es éste un disco para oír y oír hasta que las canciones se queden en el subconsciente. Sin embargo, también los primeros discos de Smog pecaban de aquello y hoy en día es referencia fundamental.

Veremos en qué acaba este proyecto de cantautor y si se decanta por la dulzura triste de canciones como Junior Buddha o por el drama y la tragedia de gran parte de este Lag.

Escucha | Junior Buddha – Katamine
Escucha | Where The Ambulance Rolls – Katamine
Sitio oficial | Katamine

Esta vez me toca a mí. Recordad que en Hipersónica cada editor cubre una parte del inmenso espectro musical que hay hoy en día, por lo que los gustos están muy definidos. Lo siento por los amantes del metal, pero conmigo no van a coincidir en casi nada (otros como Gallego o Víctor podrán hablarles mejor de todo lo bueno que acontece en ese estilo). Tampoco está por aquí el nuevo disco de los White Stripes por la sencilla razón de que aún no lo he escuchado (lo sé, lo sé, ya debería haberlo hecho).

Por lo demás, lo que tratamos por aquí es de encontrar nuevos grupos, discos de los que no hayamos tratado, recomendaciones fabulosas que andan escondidas y joyitas que pueden cambiar la vida de algún melómano y de las que ya os hablamos, aunque no nos hicierais caso. También, claro, un poco de sana discusión.

Pues eso, que aquí van algunas de los discos (cortos o largos) que más me han enganchado en esta primera mitad de 2007. Sin orden ni concierto.

The Bird Of Music – Au Revoir Simone: Para entrar a ellas, tuve que quitarme de mis prejuicios en contra de un nombre horrible. Si os pasa algo parecido, haced como yo, porque aquí hay algo más que la versión femenina de Postal Service, como se puede leer por ahí. El dúo de Brooklyn ha construido la miniatura de pop sintético más fría y sin embargo apasionante del año. A ratos casi como si a Phil Spector le hubiese dado por coger un teclado, The Bird of Music suena abigarrado y espectral.

Drums & Guns – Low: Un experimento para perder el sentido. Low crearon todas sus nuevas canciones, las probaron en directo y, cuando entraron a grabarlas, decidieron deconstruirlas con la buena mano de Dave Fridmann en los controles. Así nació el disco más opresivo y desasosegante que he escuchado en 2007, una fábula sobre asesinatos, muerte y destrucción con la que los de Duluth recordaron por qué son uno de los nombres imprescindibles del indie norteamericano.

La leyenda del espacio – Los Planetas: Mirándolo desde fuera, éste puede ser un disco muy importante o no serlo, pero mirándolo desde el ojo del huracán (es decir, desde la perspectiva de fan irredento de los granadinos) se convierte en una gozada que ya pocos esperaban. Jota y los suyos quieren ponerse flamencos y lo que hacen es recuperar la psicodelia eléctrica y drogota tan bien entendida de sus primeros discos. Guitarras espesas y emociones a flor de piel para volver a emocionarme. ¡Y pensé que nunca volverían a hacerlo!

Canciones en la Hoguera – Espanto: El dúo logroñés firma cuatro versiones que podrían tocarse en los fuegos de campamento. Magnetic Fields, Galaxie 500, Tom Waits y Francisco Gabilondo Soler firman unas originales que Espanto adaptan a su mundo de infancia perdida y de madurez no querida pero inevitable. El grupo ideal para entrar en la treintena.

Person Pitch – Panda Bear: Los Beach Boys como si se los hubiera tragado la ola y, fuera, en la playa, aún se escuchase su música. ¿Pop experimental? ¿Folk con coros celestiales? ¿Una ida de olla? Sí. Todo eso y mucho más.

God Save The Clientele – The Clientele: Parece mentira que un grupo tan normal haya sido capaz de sacar un disco tan hermoso. Los Clientele se deshacen de todos sus complejos y se miran en el espejo de los Byrds a ver qué pasa. Y los arpegios y las Rickenbackers les devuelven la mirada y les dan la mejor colección de canciones de la costa oeste en ¿años?. Es simple.

Demonios del otro lado del océano – Dotore: Dotore (“elegante” en euskera) es el proyecto de Pablo Martínez Sanromá, un hombre que en un disco casero al cien por cien consigue llegar a los mismos corazones que quedaron conquistados por Felt, Red House Painters o el catálogo al completo de la añorada Cherry Red. Otra gozada en clave minúscula, vía Discos Primo.

Friend Oportunity – Deerhoof: La batidora de estilos más increíble del año. Todo les cuadra al grupo experimental que mejor se lleva con los niños. Espíritu lúdico y canciones increíbles para casar el hard-rcok de los 70 con el chiclepop, Stereolab con los White Stripes. Han pasado seis meses y sigue sonando casi a diario.

Grown Ups – The Lodger: Somos jóvenes. Y The Lodger aún más. Por eso le dan al raca-raca y a las guitarras aceleradas. Por eso cogen lo que los Wedding Present significaron en 1986 y lo traen de regreso al futuro. Música para saltar y bailar y acabar sudando con una sonrisa en la frente.

Excellent Italian Greyhound – Shellac: Ya sabíamos que Steve Albini y sus dos secuaces iban a volver a dar lo que les pedimos. A saber, guitarras afiladas, tensión, cuchillos en los dientes y escupitajos sonoros en toda la jeta. Intelectual pero con las visceras. Brutal.

No Land Recordings – Remate: Polvo en la cara. La música de Remate suena a desierto, a carreteras pérdidas, a Giant Sand, a los Jayhawks, a lo mejor del rock norteamericano de raíces. Y su disco exagerado, doble, de esas tierras que no son tal le consolida como uno de los nombres de referencia de la música en España.

New Moon – Elliot Smith: La exhumación del año. Los herederos de Elliot Smith deciden recoger el guante lanzado por los fans y recopilan las rarezas y miniaturas acústicas del fallecido cantautor pop. Y, como si el tiempo no hubiese pasado (y la tragedia tampoco) la música maravillosa de Smith vuelve a ser capaz de arrancar corazones de manera delicada y desarmante.

Animalitos – Hidrogenesse: Ahora que Brian Eno ya está tan lejos de sus mejores ideas que casi parecen de otro, van Genís y Carlos y se traen a Alfredo (batería de Hello Cuca) para llenar su disco-concepto con toda la música avanzada que en los 70 pasó por la cabeza de Eno. Dejan hits (Disfraz de tigre lo es), algo de ironía y mucha frialdad berlinesa para que la crítica se crea que ahora son glams. Únicos e irrepetibles, lo mejor de todos los austrohúngaros.

Discos de 2006 a los que llegué tarde, pero que han estado conmigo bastante durante 2007:

Be Still Please – Portastatic: Emoción a flor de piel y unos cuantos himnos es lo que Mac McCaughan, fundador de Superchunk y del sello independiente Merge (el de Arcade Fire), ofreció en su retorno con su “segunda” banda. Indie-rock con el corazón en un puño y con unos violines nada pomposos. Una gozada.

Worry a Lot – The Zebras: La sencillez y el sota-caballo-rey del pop. Doce canciones para iluminarte el día. Otros australianos a los que hincar el diente.

Decepciones:

The Magic Position – Patrick Wolf: Aunque la canción titular y alguna otra engañen, lo cierto es que el nuevo de Patrick Wolf hace aguas en gran parte de sus canciones. Cada día que pasa querda más claro que, fuese lo que fuese lo que estuviera intentado, el experimento ha sido fallido. Lo dicho, todo se arregla con un

Voxtrot – Voxtrot: En su huida hacia delante, los norteamericanos se deshicieron de todas sus canciones (muy) buenas previas y compusieron un disco monótono y sin encanto. De ser la gran esperanza pop a tan sólo otro grupo más. Desastre del año.

A Weekend In The City – Bloc Party: Tan decepcionado me dejó que llevo cuatro meses intentando escribir algo sobre ellos en Hipersónica sin cabrearme. Hasta el momento ha sido imposible. De tan maduros, se pasaron de frenada. Ni pizca de la tensión de antaño. Dicen que en directo la cosa mejora. Ójala.

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Supuestamente, New Moon es un álbum de rarezas y descartes. A la hora de la verdad, se convierte en una de las experiencias más emocionantes de 2007, el reencuentro con una voz quebrada pero hermosa, con una simplicidad frágil y, sin embargo, sin fisuras. Alguien tan dotado para componer canciones con una guitarra acústica como para rodearlas de los mejores arreglos pop posibles y nunca fallar.

¿Exagero? ¿Me puede el recuerdo de alguien que cantó tantas veces al dolor pero no encontró otra salida que el suicidio? No, no, esto no es un ejercicio de necrofilia musical. New Moon es el mejor legado posible que nos podía haber regalado Elliot Smith y también uno de los pocos discos póstumos que no sirven únicamente para el lucro de los que quedaron con vida.

Primero avivaron el culto sus seguidores más fieles. Y lo que nos fuimos encontrando por el camino de las canciones pérdidas parecía irrepetible. Pero New Moon supera todo lo que habíamos conocido por internet. Parece mentira que Elliot Smith se dejase tantas joyas en el tintero. Cosas como la preciosa Either/Or, canción nunca editada de un disco que, paradójicamente, llevaba ese título.

New Moon recoge los restos musicales que Elliot Smith fue desperdigando entre 1994 y 1997, años en los que el compositor pasó de tener una banda propia (Heatmiser; buscad su magnífico Mic City Sons) a afianzarse como cantautor en solitario y editar algunos de los discos más hermosos y callados de los 90.

Sin apenas retoques, sin manos que hayan estropeado las canciones después de grabadas, New Moon recoge casi siempre la acústica de Smith y su distintiva voz, ese susurro en primera instancia monocromo que subía de tono cuando era necesario y era capaz de emocionar tanto.

Incluye también una versión primeriza de Miss Misery, la canción con la que pisó el escenario de los Oscar (con una frase final diferente, mucho más optimista, aunque igual de demoledora), así como una versión espectacular del Thirteen de Big Star.

Hay algo que hechiza en todo New Moon, la fuerza de un talento que vivía entonces la época en la que el aprendizaje había acabado y la música ya era el juguete con el que emocionar a tantos. Para los que aún duden de que Smith sea para tanto, mi recomendación es que escuchen esa Half Right (versión de su propia canción para Heatmiser) que cierra el disco. Sin palabras.

Escucha |Half Right – Elliot Smith (Vía It´s Hard To Find A Friend)
Sitio oficial | Sweet Adeline

Smith fue uno de los cantautores más imprescindibles de la década de los 90. No sólo dejó grandísimas canciones, sino que su sensibilidad llegó hasta la gala de los Oscar, donde Smith participó con la preciosa canción Miss Misery (de la banda sonora de El Indomable Will Hunting).

Aquel año ganó la petarda de Celine Dion y su Titanic, pero ver a Smith armado tan sólo con su guitarra y enfrentado a tanto falso brillo fue un momento impagable.

Smith acabó por suicidarse mientras grababa el que a la postre sería su disco póstumo: From a Basement On The Hill. Así que la llegada de este nuevo disco es, para todos los aficionados a su música, una grandísima noticia. Contendrá canciones grabadas entre 1995-1997.

El tracklist es el siguiente:

Disco uno:

01 Angel in the Snow
02 Talking to Mary
03 High Times
04 New Monkey
05 Looking Over My Shoulder
06 Going Nowhere
07 Riot Coming
08 All Cleaned Out
09 First Timer
10 Go By
11 Miss Misery (Early Version)
12 Thirteen

Disco dos:

01 Georgia Georgia
02 Whatever (Folk Song in C)
03 Big Decision
04 Placeholder
05 New Disaster
06 Seen How Things Are Hard
07 Fear City
08 Either/Or
09 Pretty Mary K (Other Version)
10 Almost Over
11 See You Later
12 Half Right