Empieza el descenso en canoa. A riesgo de acabar en los cocodrilos que algunos prometieron si algunos álbumes no aparecían en los primeros puestos, la lista de los mejores discos de electrónica del siglo XXI sigue su curso.

Vamos con los veinte últimos puestos.

20. Kid Koala – Carpal Tunnel Syndrome (2000, Ninja Tune)

“Good morning, houseplants. Yes, it’s wake-up time“. Dicho fragmento pertenece a ‘Music For Morning People‘ uno de los vibrantes temas que componen el álbum Carpal Tunnel Syndrome, trabajo de debut en largo del canadiense Kid Koala y una de las cimas del estilo Turntablism de la década.

De curioso título (Síndrome del túnel carpiano), lo que en su día fueron unas mquetas, unas mixtapes caseras en formato demo (en 1996 se publicó una parte bajo el nombre Scratchcratchratchatch), o un anticipo en formato 10” (Scratchappyland) gracias a Ninja Tune, años más tarde se publicó en un álbum de nuevo con Ninja Tune y con cualquier tipo de alabanza bajo el brazo.

Carpal Tunnel Syndrome es una muestra perfecta del domino de los platos, de la técnica del sample y sobre todo, de lo más difícil: el ritmo, que no decae en ninguno de los 14 cortes. Entre medias nos encontramos con guiños en broma que nos dejan frases como éstas: “If you’re driving tonight, do be careful“ o “you sure you want to play bridge, or you got another one of those crazy sound effects records you want to show off?“ ambas pertenecientes a ‘Fender Bender‘, una de las canciones con más gancho del trabajo.

Una canción: ‘Music For Morning People‘ (YouTube): el disco de vinilo al rojo vivo.

19. Luomo – Vocalcity (2000, Force Tracks)

La década de los 80 en Chicago fue de los mejores momentos que la música electrónica ha tenido. El House surgía como derivación de la música Disco y se abría ante todo el mundo (poco a poco) un nuevo sonido electrizante. Hoy, 20 ó 30 años después, ese sonido sigue revisándose con tanto acierto como en aquellos días por gente como Luomo, el proyecto del genio Sasu Ripatti.

Ripatti ha sido uno de los personajes más activos e influyentes de la pasada década gracias a sus varios proyectos, colaboraciones (ya entró en la lista con Moritz von Oswald Trio) pseudónimos, de los cuales me quedo con Luomo gracias a esa recuperación del Deep House que Fingers Inc. encumbraron hace décadas.

En Vocalcity (2000, Force Tracks) aporta la visión más bailable al margen de sus gustos por el Ambient y los terrenos experimentales. Gracias al apoyo en voces femeninas suaves y ritmos que no ocultan la formación en la escuela de Chain Reaction (al final todo es Dub), este álbum logra hits directos a la pista de baile, hits que juegan con los bajos como si fuesen hilos invisibles, bajos que vuelven a hablar de sexo y de ritmo.

Una canción: ‘Market‘: Chicago, Berlín, sonido profundo y reducido a la vez. House, con mayúsculas.

18. Fever Ray – Fever Ray (2009, Rabid Recors)

Tierras nórdicas, un frío horrible, mínimas horas de luz del día, dominio de la noche, sociedad casera y mucho tiempo para uno. Si a todos estos condicionantes les sumamos la experimentación de The Knife podríamos desgranar una pequeña parte de Fever Ray.

Karin Dreijer Andersson aprovechó el momento de descanso tomado en su principal proyecto junto a su hermano para deslumbrar a todos desde la más completa oscuridad, intimista y devastadora a partes iguales. En diez canciones explora los temas de la vida diaria, desde amor a amistad, desde sueños a pesadillas.

Ya el inicio con esos versos sonando de manera solemene diciendo: “give me more, give me more“ llegan a cortar la respiración. Bases desnudas, Ambient y Experimental de nuevo viéndose desde el Pop pero con un ojo en el Industrial más accesible. Y así, con una propuesta nada cercana logró publicar seis singles de las 10 canciones que contiene el álbum. Una experiencia que emociona.

Una canción: ‘Keep The Streets Empty For Me‘ (YouTube): “we were hungry before we were born“.

17. Matmos – A Chance to Cut is a Chance to Cure (2001, Matador)

Siempre he admirado los proyectos que lo mismo que te muestran la cara más dura del sonido en el siguiente tema parecen las hermanitas de la caridad ayudando a los necesitados. Matmos tiene esas dos caras, la amable, la que se marca gracias a samples externos un tema maravilloso como ‘Spondee‘ y al instante deja caer ‘For Felix (And All the Rats)‘.

Experimentación sin tener un corsé cerrado donde las ideas tengan que estar comprimidas dentro del armazón, sin apenas respirar y provocando, sugiriendo que ahí hay más de lo que se escucha, pero al final sin desanudar los cordones.

A Chance to Cut Is a Chance to Cure (2001, Matador) es una de las muchas muestras de la carrera de los estadounidenses. En ascenso, sin fallos y menos aún, sin miedos a la hora de abordar el sonido y estar pensando si lo suyo es una evolución del Industrial o por el contrario están haciendo Glitch o Techno. Da igual, en cada corte es un grupo nuevo y eso hoy en día vale su peso en oro.

Una canción: ‘Spondee‘ (YouTube): la naturaleza muerta de Matmos.

16. Zomby – Where Were U in ’92? (2008, Werk Discs)

El tópico del aprendiz superando al maestro en la electrónica no sólo se ha dado, como es lógico, sino que ha sido uno de los motores que han propiciado la evolución de la escena. Mientras los maestros pinchaban en sitios restringidos para menores, los adolescentes soñaban con suplir un día a su gurú. Pasó con el House, con el Techno y así hasta hoy en día, con Zomby y demás productores de la nueva hornada.

El Hardcore surgió precisamente de esta manera a finales de los 80, acelerando los ritmos que el Techno traía. Más de 20 años después un joven productor llamado Zomby mira hacia atrás y se marca una obra maestra, Where Were U In ’92? (2008, Werk Discs), que de haberse publicado en el estallido de la escena estaríamos hoy hablando de un clásico.

Al margen de revivals flojos y de pose, Zomby homenajea a los pioneros incluso dedicándoles el disco (desde A Guy Called Gerald a The Prodigy, pasando por nombres actuales) y manteniendo las técnicas de producción de 1992 mediante un Akais2000 y un Atari ST con Cubase. ¿El resultado? Una auténtica bomba que estalla al inicio y no abandona hasta el final.

Pianos, bocinas, voces, bpms acelerados… todos los recursos del primer buen Hardcore unidos en una ristra de singles única.

Una canción: ‘Fuck Mixing, Let’s Dance‘ (YouTube): are youuuuuuuu zomby?

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

Parte V

Parte VI

En el campo de los álbum de mezclas la variedad de estilos es tan amplia que te puedes encontrar desde los sonidos más duros a los más internacionales. Una de mis debilidades son los que beben del Acid, por lo que éste Boogybytes Vol. 05 (2010, BPitch Control) viene perfecto para animarse el día.

Ha sido mezclado por Seth Troxler, productor de 24 años procedente de Detroit, con referencias publicadas por Spectral Sound, Wagon Repair y Crosstown, entre otros sellos, así como una maleta que ha viajado por Fabric, MUTEK o Tenax, grandes referentes dentro de la escena electrónica de hoy en día.

The Royal We – Party Guilt (Dinkys Arp A Pella) (YouTube)

Este mix album pertenece a la serie del sello alemán de Ellen Allien Boogybytes y supone la presentación en largo del nuevo fichaje que llega pisando fuerte demostrando que el House y el Techno siguen tan vivos como lo estaban en los 80 con el estallido de nuevos sonidos. De una manera parecida Troxler se propone mostrarnos un recorrido sonoro que se inicia en una intro que afronta este sonido como propio de nuestras vidas.

El Techno llega con The Royal We y ‘Party Guilt (Dinky’s Arp-A-Pella)’ que se desnuda dejando a los samples vocales crear el clima para que ya ‘Fran Left Home’ de Luciano se encarga de sumar con un crescendo bien unido con el siguiente corte, ‘The Soul Part II’, de Craig Smith y The Revenge.

Baeka – Right At It (YouTube)

La aportación del Jazz y el House la escuchamos en ‘Right At It’ de Baeka que luego mezcla con Deep House en el remix que firma Deniz Kurtel para el tema de N/A y Rosina, ‘Fables and Fairytales’, bajos potenciados para mantener ese toque funk de la sesión y que ni siquiera el hecho de introducir el edit de Richie Hawtin para el ‘Freakbox’ de Spektrum rompe, es más, aporta aún más variedad con el sonido minimal que luego va a ir desapareciendo hasta la vuelta del Techno negro de Birds And Souls con su tema homónimo y que el remix de ‘Seven’ (Fever Ray) por el propio Troxler acaba de despojar.

Nicolas Jaar – Time For Us (YouTube)

El final es de lo mejor con las líneas de teclados de Kiki en ‘Cinema Obscura’ volviendo al Acid y los más de siete minutos de ‘Time Four Us’ de Nicolas Jaar, de los mejores cortes incluidos en el álbum. Perfecto para el cierre, templado, calmado y bajando a la tierra con un ritmo lento que se vale de las palmas. Efectivo en su bajada matando el tempo y dejando a la voz sola.

De esta manera Seth Troxler, en Boogybytes Vol. 05, toma el testigo de Ellen Allien, quien firmó la cuarta entrega y se une a Modeselektor, Sascha Funke y a Kiki como artistas que han participado en esta saga. Deja más de una hora y veinte para adorarle.

MySpace | Seth Troxler

Llegamos ya a la parte central de nuestra lista de los mejores discos de debut del siglo XXI (que son también los de la década), seleccionados en dura pelea por todos y cada uno de los editores de Hipersónica. Si en la anterior zona se nos había llenado la casa de electrónica, aquí se nos pone la cosa algo más rock, pero también tenemos hueco para los ritmos quebradizos, las planeadoras post-rock y hasta el folk rompecorazones.

Ahí es donde pretendía meterse Steven Seagal, pero le dijimos que no. Como tampoco le dejé llorar en mi hombro (Steven, tú no eres Scarlett y me parece que eso es tan obvio que deberías haberte dado cuenta), amenazó con hacer con los editores de Hipersónica lo que hizo con los 424 cadáveres de Alerta Máxima.

35. Black Rebel Motorcycle Club – B.R.M.C (2001)

A pesar de sus vaivenes estilísticos, los cuales les han llevado de la brillantez al sopor en numerosas ocasiones, el trío californiano se marcó con su primer esfuerzo un verdadero hito para el rock garajero.

Serio y grisaceo como su portada, B.R.M.C. viene cargado de canciones que suenan a clásico desde la primera escucha, con un sonido capaz de tributar al mismo tiempo a la Velvet, Led Zeppelin y The Jesus & Mary Chain.
(Gallego)

Una canción: ‘Whatever Happened to My Rock’n‘Roll? ‘ (youtube), hit oscuro y jesusmarychainico para darse a conocer al mundo. Sin duda, su mejor canción

34. Maxïmo Park – A Certain Trigger (2005)

Llegaron, vieron el panorama y se apuntaron a la revitalización del rock británico con canciones que se contorsionaban sobre sí mismas, que tenían a un letrista/vocalista inteligente (de los mejores de su generación) y que en directo se defendía con mayor solvencia que la de sus compañeros.

Fueron casi los últimos en llegar. O más bien, fueron los penúltimos antes de que la cosa degenerara (los últimos enormes fueron los luego desacertados Art Brut). Pero con A Certain Trigger no hay demasiadas pegas que poner: corto, intenso, inteligente, con personalidad a pesar de las influencias y con canciones que querían ser recordadas. Y que, aún hoy, se lo merecen.

Una canción: ‘Apply Some Pressure‘ (youtube), ¿el mejor hit de toda su generación?

33. M.I.A. – Arular (2005)

Junto con Kanye West y Dizzee Rascal, M.I.A. ha sido de los nombres más interesantes que han surgido de la escena Hip-Hop, sólo que da la casualidad de que lo suyo no es Hip-Hop puro sino lo que ha venido a denominarse Grime y que ha tenido en la escena inglesa su hervidero más interesante (el Dubstep ha aportado mucho a esa revolución hablada). Arular la presentó a todo el mundo como la hija de un guerrillero revolucionario de Sri Lanka de origen tamil y el conflicto social pobló todas sus letras (’10 Dollar‘), bien mezclado con la lucha de egos de este género (’Bucky Done Gone‘) y el hit directo (’Hombre‘). Rebeldía e inconformismo con grandes bases. (Natxo Sobrado)

Una canción: ‘Galang‘ (youtube): aunque ‘Paper Planes‘ sea, con diferencia, la canción más adictiva de M.I.A. es de su segundo disco… y ‘Galang’ o ‘Pull Up The People‘ ejemplifican bien las virtudes de la artista femenina más impactante de esta década que se nos va.

32. Day One – Ordinary Man (2000)

31. Interpol – Turn on the Bright Lights (2002)

Eternamente atados a su comparación con Joy Division, el debut de Interpol cuenta con calidad suficiente para librarse de tales cadenas. Canciones inspiradísimas, mucho menos oscuras de lo que se le presume a la etiqueta post-punk, y que catapultaron al cuarteto neoyorquino directos a la fama.

Con sus siguientes trabajos entrarían en una espiral de pérdida de frescura, la cual no ha conseguido en ningún caso empañar el buen hacer demostrado en este Turn on the Bright Lights.
(Gallego)

De toda la generación que el Post-Punk revival trajo de la mano, Interpol fueron la avanzadilla mejor situada con un debut impecable (The Organ pasaron, por desgracia, desapercibidos, y The Rakes se quedaron en su debut). La intensidad de Joy Division bajo los riffs efectistas y frenéticos del Indie Rock eran los ingredientes para que al escuchar ‘Obstacle 1‘, ‘Say Hello To The Angels‘, ‘Stella Was A Diver And She Was Always Down‘ o ‘Roland‘ mereciesen su reconocimiento internacional. (Natxo Sobrado)

Una canción: ‘Obstacle 1‘ (youtube), reviviendo a Ian Curtis en formato épico-panorámico.

30. Doves – Lost Souls (2000)

La épica es algo muy británico. Suya es gran parte de culpa de que los mecheros se encendiesen en los conciertos. Pero Doves, que nacieron para la generación de las cámaras digitales, saben perfectamente que, pese a lo mal visto que está eso de ser expansivos, monumentales, grandiosos y (un pelín) exagerados siempre se pueden hacer muy buenas canciones con semejantes ingredientes.

Así que sin miedo, su debut consistió en seguir la tradición de Echo & The Bunnymen y The Verve, desde una perspectiva más nocturna y también más concreta. Junto al debut de Coldplay fueron los imprescindibles si e esa época querías regodearte en tus propias (y pequeñas) heridas desde el lado de la melancolía (no desde el de la depresión).

Una canción: ‘Sea Song‘ (youtube), ni falta ni sobra nada en este perfecto ejemplo de dramatismo contenido y espacial.

29. Fever Ray – Fever Ray (2009)

Oscuro, solemne y perfecto. Así es el debut en solitario de Karin Elisabeth Dreijer, mitad creativa de The Knife y que ahora afronta una nueva etapa paralela bajo el alias de Fever Ray dejando de lado el Ambient House de atmósferas siderales para buscar la angustia, la soledad y la riqueza bajo una economía de medios que hace que las canciones aparezcan desnudas, la voz de la cantante sueca cobre aún más fuerza y las letras se carguen de toda la intensidad imaginable.

Los diez temas que componen el álbum son auténticas joyas. Pulidas como ‘Seven’ y ‘When I Grow Up’ o crudas como ‘If I Had A Heart’, ‘Triangle Walks’ y ‘I’m Not Done’. Todo sin olvidar la influencia del House anterior en: ‘Now’s The Only Time I Know’ y ‘Coconut’. Es un álbum que hiela la sangre. (Natxo Sobrado)

Una canción: ‘When I Grow Up‘ (youtube), el ‘All is Full of Love’ (Björk) del nuevo siglo.

28. God is An Astronaut – The End of The Beginning (2002)

Los hermanos Kinsella consiguieron que su nombre quedara grabado en la historia del rock experimental con un primer trabajo que, a pesar de su evidente condición independiente y artesanal (lo editaron, como el resto, en su propio sello discográfico), logró una notable aceptación entre públicos mayoritarios.

Una gran propuesta de post-rock instrumental, de ese que se centra en las texturas y en la complejidad de la música, pero sin llegar al nivel de onanismo musical que alcanzan otros grupos similares. (Gallego)

Una canción: ‘The End Is The Beginning‘ (youtube)

27. Ryan Adams- Heartbreaker (2000)

Antes de perder la cabeza y convertirse en una fallida estrella del rock (fallida en lo de masiva, porque características chungas las tenía todas), a Ryan Adams le rompieron el corazón. Y lejos de su primer grupo, Whiskeytown, pero sin abandonar del todo ese roots-rock que les hizo especiales, Adams se vistió de niño prodigio para su debut en solitario.

Heartbreaker es un disco difícil de olvidar, donde la voz rota, las letras que ponen un nudo en la garganta y el sonido Americana se unen para dar otro refugio a quienes estén (o hayan estado alguna vez) con el corazón destrozado. Romántico hasta la médula. (probertoj)

Una canción: ‘Come Pick Me Up‘ (youtube), la canción de ruptura perfecta del nuevo milenio, con todo el pasado y todo el futuro contenidos en sus cinco minutos y un cantante del que decir que emociona es quedarse corto.

26. Audioslave – Audioslave (2002)

La ruptura de Rage Against the Machine fue una de las peores noticias musicales con las que pudimos empezar la década (años después se reunirían, pero eso es harina de otro costal). En realidad, el cisma se produjo con la salida del vocalista Zack de la Rocha, así que los tres miembros restantes decidieron fichar al por entonces respetado Chris Cornell para una nueva etapa musical, bajo un nuevo nombre.

Una ruptura estilística con su pasado que decepcionó a muchos, pero cuya calidad está fuera de toda duda si conseguimos no pensar en el grupo que les dio la fama.(Gallego)

Una canción: ‘Like a Stone‘ (youtube), la canción que Cornell debería ponerse (junto al ‘Mailman‘ de Soundgarden) para reencontrarse de nuevo consigo mismo (y no con su gemelo maligno).

25. Death from Above 1979 – You’re a Woman, I’m a Machine (2004)

Como miembros de ese club formado por grupos que sólo publicaron un LP en su carrera, la pareja de bajo y batería Death from Above 1979 merece un lugar de excepción.

Una mezcla de punk sucio y electrónica bailonga que funciona a las mil maravillas, con temas que van directos al grano y que enamoran dese la primera escucha. Lástima que su historia juntos durara tan poco.
(Gallego)

Una canción: ‘Romantic Rights‘ (youtube), cuerdas rasgadas, riffs brutales y ritmos que te esclavizan, la dosis necesaria de buen rollo y mala leche para ponerte antes de salir un sábado por la noche.

Los mejores discos de debut del siglo XXI

• Parte I: Del 50 al 44

• Parte II: Del 43 al 36

Röyksopp se han sacado de la manga otro álbum, Junior (2009, Wall of Sound), bien majo en cuanto a hits de Electropop, terreno en el que siempre se han destacado como buenos orfebres de melodías pegadizas para todos los públicos. Ahora publican su nuevo single, ‘This Must Be It‘ y su particular visión en los videoclips marca el trabajo visual.

Para ello han contado con la pareja de directores suecos, Filip y Andreas Nilsson quienes han decidido situar a un hombre montado en su espectacular moto-batería la cual dirige en plan hombre orquesta a una tribu de indígenas en medio del bosque que se vuelven locos al escuchar el ritmo de dicho instrumento, pese a negarse de primeras a él.

Lo más destacable del tema en sí es la colaboración de Fever Ray, o lo que es lo mismo, Karin Dreijer Andersson, mitad del dúo sueco The Knife, a las voces con su magnífico timbre solemne que también ha plasmado en su álbum. Otro hit electro para bailar a altas horas de la madrugada.

Vídeo | YouTube
En Noctamina | Fever Ray – Fever Ray: oscuridad y realidad de matrícula