Un debut illusionante, un EP fascinante, y unos singles maravillosos después, parece que todo el camino que nos trae hasta el segundo disco de los Lolailo había sido inmaculado y parecía que nunca harían una mala canción. Sólo se echaba de menos que alcanzasen dicho nivel en directo, pero pese a sus limitaciones, estaban mejorando. Y para esta esperada reválida, el contar con los que están a los mandos (Alan Moulder y Flood) sembraba desconfianza, pero han demostrado que se trataba de dudas injustificadas: algún día se estamparán, pero de momento ese día no parece cercano. Belong es un gran disco que, si bien no alcanza el nivel del debut, demuestra que están en el camino correcto para mantener su reputación entre los críticos y su idilio con los fans.

En este regreso (por decir algo, que entre vídeos, EPs, singles y conciertos por España, parece que han estado siempre aquí), el giro más evidente está en su sonido, que se instala en los 90, y que aprovecha influencias de grupos de principios de dicha etapa para redifinirse estilísticamente, afianzar su autoestima y consagrarse en el rock alternativo recuperando algunas bazas que convirtieron en fundamentales a grupos como Smashing Pumpkins, My Bloody Valentine o Ride.

Siguen siendo un grupo entrañable, y transmitiendo una jovialidad radiante (¿se pueden considerar como un reverso rockero – salvando las distancias de talento – de Belle & Sebastian?), pero la potencia con la que arrancan con la homónima ‘Belong’, la rabia con la que atacan el estribillo de ‘Heaven’s gong happen now’, el irresistible estribillo de ‘Heart in yogur heartbreak’ y la seguridad en sí mismos que desprende ‘The body’, aparte de enseñarnos nuevos caminos sonoros, supone un arranque más contundente y consistente que todo lo que habían hecho hasta ahora, inevitablemente más C-86 o twee, y que aquí se transforma en, a secas, rock alternativo.

Posiblemente el secreto de este salto cualitativo, además de la confianza en sí mismos y el impulso que les haya brindado una producción que limpia muchas guitarras, acerca al primer plano la voz de Kip y que incorpora algunos sintetizadores que ya se intuían en el EP Higher than the stars, sea la ambición que demuestran. Ambición en buscar un sonido más robusto y grandilocuente, en mostrar caras que no conocíamos (como en las emotivas ‘Anne with an E’ o ‘Too tough’, prácticamente 2 baladas situadas estratégicamente para separar 2 bloques de 4 canciones y estructurar el álbum) y en ofrecer un sonido más heterogéneo, que más allá de un posible barniz a una misma esencia pop, transmite autenticidad. Ambición en no estancarse ni acomodarse como “grupo indie”, y, buscando o no una mayor audiencia, crecer con convicción, y pegar el estirón sin perder desparpajo ni agarrotarse en el intento.

Cierto es que la sensación general es de que en este álbum hay menos hits, pero es la suma de la consistencia y regularidad a lo largo del álbum (que tiende a ejercer un factor corrector sobre los puertos, sean de la categoría que sean, y el trazado más llano) y de cierta idealización de un debut fascinante. El tiempo nos ayudará a decidir si estas canciones permanecen en nuestro recuerdo al mismo nivel que las de su debut, pero con las escuchas lo único que te apetece es dejar el disco en un permanente repeat y maravillarte con la capacidad del grupo de dar un paso más en el pop de sintetizadores (‘The Body’, ‘My terrible friend’), de seguir fabricando hits (‘Heart in your heartbreak’, ‘Heaven’s gong happen now’ o mi favorita del álbum, la final y shoegaze ‘Strange’) y de, afortunadamente, no caer, como se temía Probertoj, en la marmita del rock (puntualmente en ‘Belong’ y en ‘Girl of 1000 dreams’, más por convencionalidad que por resultado) cuando donde más brillan es al ponerse nuevaoleros (hasta dejando fuera la magnífica ‘Say no to love’). Es una gran satisfacción saber que siguen en permanente estado de gracia, aunque nos mantengan en tesón por ver si sucesivos discos rompen el encanto. De momento, disfrutemos mientras seamos jóvenes, tanto nosotros como el grupo.

Escúchalo en | Spotify, Deezer
Más en Hipersónica | ‘Belong’, lo nuevo de The Pains Of Being Pure at Heart, al completo en streaming >> The Pains of Being Pure At Heart – Higher Than The Stars: su título lo dice todo >>>The Pains Of Being Pure At Heart – S/T

Este lunes nos enterábamos de cómo se llamaría el nuevo disco de Glasvegas y, a estas alturas, ya sabemos qué canciones formarán parte de él y ya podemos escuchar un adelanto, que, sólo durante el día de hoy, puedes descargarte desde su Facebook o su propia web, en una manera promocional que comparten ahora muchos lanzamientos.

El disco, grabado en Santa Mónica y producido por Flood, saldrá a la venta el próximo 4 de abril, y ya nos deja intuir un cambio en su sonido, con un inusitado protagonismo de los sintetizadores, y un mayor dinamismo en el tempo de la canción, ¿orientada a la pista de baile? Continúan siendo épicos, pero esta vez lo dotan de una atmósfera más trepidante, una batería más consistente y conservando el cripticismo en las letras, en una canción que no resulta tan luminosa como su portada. Resulta un paso adelante respecto a su debut, pero todavía falta por ver si es algo puntual o si su nuevo disco orbitará alrededor de estas nuevas texturas, que recuerda a otros trabajos del productor como el In this light and on this evening de Editors, o el Meds de Placebo.

Además, ya conocemos el tracklist que conformará EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\:

• 01. ‘Pain Pain, Never Again’
• 02. ‘The World Is Yours’
• 03. ‘You’
• 04. ‘Shine Like Stars’
• 05. ‘Whatever Hurts You Through The Night’
• 06. ‘Stronger Than Dirt (Homosexuality pt.2)’
• 07. ‘Dream Dream Dreaming’
• 08. ‘I Feel Wrong (Homosexuality pt.1)’
• 09. ‘Euphoria, Take My Hand’
• 10. ‘Lots Sometimes’

• 11. ‘Change’

Vía | Gigwise
Sitio oficial | Glasvegas
Más en Hipersónica | Lo nuevo de Glasvegas se llamará EUPHORIC /// HEARTBREAK \\\

“¿Adónde íbamos a ir ahora? Era como si hubiésemos llegado a nuestro destino. Después todo cambió. Tenía que hacerlo. De algún modo había que dar el siguiente paso.” Así acababa 101 (1988, Mute Records) en declaraciones de Dave Gahan. Su primer directo publicado presagiaba un cambio en una banda que ya no era ni por asomo la que se presentó con Speak and Spell (1981, Mute Records). Depeche Mode habían publicado Music For The Masses (1987, Mute) y con dicho álbum habían puesto fin a una primera época. Se buscaba ese segundo paso e iba a llegar con Violator.

La segunda etapa iba a comenzar, casualmente, con la nueva década de la mano de Violator (1990), el que para muchos es considerado el mejor trabajo de Depeche Mode. Si el anterior les había abierto las puertas del difícil mercado estadounidense, el séptimo álbum de estudio les seguiría abriendo las puertas de cualquier lado, mercado o estadio sólo que de forma aún más mediática.

Llegados a este punto los de Basildon junto a su productor inicial y jefe del sello Mute Records, Daniel Miller, algo más que un padre para la banda según los propios miembros, deciden que estaban derivando a un sonido más rock, algo que no les interesaba a ellos, ya que ellos querían abordar su sonido desde la electrónica y mirar ahí al rock, no al revés.

Violator parte bajo esa intención de control sonoro. El propio Daniel Miller lo cuenta en el libreto de la edición coleccionista de este trabajo:

Violator es un álbum electrónico más clásico que Music For the Masses, el cual tenía un mayor sonido épico. Depeche Mode siempre han creído que estaban yendo hacia un sonido más rock, frente a lo cual se resistieron fuerte. Ellos son una banda de electrónica que usa guitarras, no una banda de rock que usa la electrónica. Esto ha podido condicionar en parte el sonido de Violator.

A esto se le unían las declaraciones que él mismo hacía en 1997 a la revista Rockdelux y que recoge el libro Loops. Una Historia de la Música Electrónica (2002, Reservoir Books):

Sus influencias eran el punk Kraftwerk, claro, los primeros singles de The Human League y el glam de Roxy Music. No tenían las influencias de los sesenta, sino las de los setenta. (…) A los fans de Spandau Ballet o Steve Strange no les gustaba Depeche Mode. Depeche era una banda cien por cien electrónica a la que no le interesaba el rock camuflado de Duran Duran. Estaban más cerca de Orchestral Manoeuvres in the Dark.

De esta manera, cuando en 1989, de mayo a diciembre, entran al estudio a grabar (en Milán y luego al norte de Dinamarca, en los Puk Studios) el objetivo estaba claro, reducir el peso de las guitarras electrónicas y todo lo que recuerde al rock en sus canciones, decisión que se contrapone a lo que en esos momentos iba a estallar: el Big Beat desde Gran Bretaña con The Prodigy y The Chemical Brothers como ejemplos mediáticos.

Depeche Mode – Personal Jesus (YouTube)

La producción corrió a cargo de Mark Ellis “Flood”, acompañado por el propio grupo. Y de la mezcla se encargó François Kevorkian (salvo de ‘Enjoy the Silence’, a cargo de Miller y Flood), ya que Flood no estaba en ese momento disponible y confió en Kevorkian, reconocido DJ, y productor francés, muy meticuloso y especial, que había mezclado cuatro años antes el Electric Café (1986, EMI/Warner Bros.) de Kraftwerk.

La experiencia de Mark Ellis hasta ese momento le hacían valedor para sustituir a David Bascombe como productor. Si buscaban un sonido oscuro, el fichaje de Flood era más que propicio ya que el inglés se había curtido en la generación del post-punk, estuvo como ingeniero asistente en el álbum Movement (1981, Factory) de New Order, además de unirse a Soft Cell, Psyhic TV y sobre todo a Cabaret Voltaire, un nombre que a Depeche Mode no se le tendría que olvidar. La manera de enfocar el industrial por los de Sheffield ha marcado a muchas bandas, y entre ellas a la de Gahan.

La aportación de Flood es elogiada por todos los protagonistas. Incluso Andy Fletcher comenta en relación a lo de las guitarras algo que les dijo Ellis:

Flood decía que nuestras ideas preconcebidas eran un montón de chorradas, que si quieres usar guitarras, las usas. Hay que hacer lo que suene bien. No se deberían tener reglas. La única regla que teníamos era no usar el mismo sonido dos veces. Nos estábamos quedando sin sonidos.

Las canciones se cubrían de atmósferas oscuras, programación ante todo (Alan Wilder) y muchos teclados distorsionados para mezclar sonidos. Las guitarras estaban presentes pero cuando suena el vinilo publicado en 1990 por Mute Records ni se distinguen casi entre los bajos y la voz de David Gahan.

Esto cambia con la publicación en 2006 de la edición coleccionista, donde las canciones gozan de más arreglos y la adaptación a las capacidades del Dolby Digital 5.1 hace que la influencia de Kraftwerk sea aún más importante, ya que las bases miran al grupo alemán, aunque también el techno y house procedente de los Estados Unidos (tanto de Detroit como de Chicago, especialmente de la primera ciudad) son otras de las referencias de Violator.

Depeche Mode – Enjoy The Silence (YouTube)

Para probar el sonido conseguido, el 29 de agosto de 1989 Mute Records publicó ‘Personal Jesus’ en todos los formatos disponibles (7”, 12”, CD). El tema, escrito por Martin. L. Gore se convirtió en un himno nada más darse a conocer. La canción está inspirada por el libro Elvis and Me de Priscilla Presley y nadie esperaba el éxito que iba a alcanzar.

Daniel Miller y compañía no pensaban “que era un gran éxito, sólo una manera de introducir a la gente a Violator”. Con un título tan especial, al que luego se unieron las imágenes de Anton Corbijn en el videoclip (grabado en el desierto de Tabernas, en Almeria), el grupo y el sello tenían miedo a la posible censura, pero el resultado fue el opuesto: ‘Personal Jesus’ se convirtió en el “12 pulgadas más vendido de la historia en Estados Unidos por Sire/Warners” según comenta Miller. Un millón de copias vendidas en palabras de Dave Gahan.

Y es que el tema no es para menos. El riff de guitarra inicial, las miras a Kraftwerk y la manera de entender el pop por New Order hacen que el tema tenga una melodía pegadiza perfecta. Después la letra ya hace el resto y golpea en cada escucha. Actualmente es una de las canciones más versionadas, entre las que destaca la de Marilyn Manson.

El segundo single publicado fue ‘Enjoy the Silence’, el 5 de febrero de 1990. Partió de la maqueta de Martin, como solían hacer, sólo que en este trabajo el grupo cambia de metodología, gracias a los consejos de Flood. Este tema partió de un armonio y una voz según Alan Wilder. Pero querían más. A partir del propio Wilder, a quien se le ocurrió transformarlo en un tema casi de baile, y Flood, llegó uno de sus himnos perfectos. Hasta el momento, el single de más éxito en la carrera de Depeche Mode.

El 19 de marzo de 1990 por fin fue publicado Violator bajo Mute Records. Y el éxito fue inminente, en el número dos de la lista británica, en el séptimo puesto de la US Billboard 200, otro número dos en la lista alemana, en la suiza… Según los datos del documental, hasta la fecha (2006), Violator ha vendido siete millones y medio de copias en todo el mundo.

Depeche Mode – Policy Of Truth (YouTube)

Aún quedaban dos singles por ser publicados. ‘Policy of Truth’ fue lanzado el 7 de mayo de 1990. La vinculación con la escena electrónica se ve en el doce pulgadas publicado por Mute en las Islas Británicas donde The KLF firma uno de los remixes.

‘World In My Eyes’ es el cuarto single aunque fue el segundo tema creado y a partir del cual la banda consiguió una metodología para grabar los siguientes, según comenta Flood en el documental.

Depeche Mode – Blue Dress (YouTube)

Sólo fueron lanzados estos cuatro pese a que Violator tiene la posibilidad de escoger cada tema que dan forma al álbum como single. ‘Sweetest Perfection’ con un verso que definiría la trayectoria del grupo (“Nothing can stop me”), la balada nocturna de ‘Waiting For The Night’, o los buenos loops de ‘Blue Dress’, sin olvidar el riff y la solemnidad de Gahan en ‘Clean’.

Sitio oficial | Depeche Mode
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