Las recomendaciones de hoy giran en torno al funk instrumental, una parte muy cuidada por parte de este estilo de música y con grandes nombres detrás de ella. Se podría hablar de que el funk como tal surge así, por parte del lado melódico diferenciándose de sus referentes primarios (el blues, el gospel, el jazz y la música folklórica negra), aunando todos estos y dando un paso más. En estas melodías conseguían situar la fuerza y la vitalidad que les faltaba por su estrato social.

Muchas de las crónicas fechadas al principio de los años 60s, hablan sobre esta dualidad en la sociedad negra trabajadora. Mientras eran explotados en trabajos mal pagados, horarios sin descanso y poco reconocimiento, ellos disfrutaban por las noches hasta altas horas con la música más vitalista que hasta ese momento había. Empezó en el subsuelo y acabó contagiando a todos.

Curtis Mayfield – Pusherman (YouTube)

Era de recibo comenzar con Curtis Mayfield, que como ya dije en una anterior revisión volvería a salir varias veces en siguientes entregas, y era de recibo traer el nombre de la mítica película de culto Superfly (1970), de las más representativas del blaxploitation, a la sección de funk. No es contradictorio abrir con un gran tema soul como es ‘Pusherman’, porque es en la melodía y en los instrumentales donde nos fijamos. Curtis Mayfield tuvo una gran actividad como músico, de ahí grandes temas instrumentales en su obra, y eso lo transmitió después a las melodías de soul/funk que él creaba. Aquí el saxo vacila cuanto quiere, mientras la batería está tranquila y hay un bajo dando el ritmo.

Kool And The Gang – Kool’s Back Again (YouTube)

El segundo nombre vuelve a ser uno de los imprescindibles de la sección, Kool and the Gang, que justo se presentaron en ella con un tema instrumental que vendría perfecto ahora mismo pero que lo cambiamos por otro porque material tienen para rato. Volvemos a repetir la preferencia por el primer álbum, para mí uno de sus mejores. Publicado en 1970, cuando ya se estaba dando el boom del género, ellos apostaron por una vía doble. Bien ofrecían unos temas tranquilos, más baladas y melosos. O bien de repente cogían y aceleraban el ritmo dando su mejor cara. ‘Kool’s Back Again’ es otro ejemplo de esto último. El riff de la guitarra es el típico, mientras que las trompetas van haciendo de las suyas.

Terceros en repetir, Funkadelic, uno de los supergrupos más importantes y destacables en la historia de la música (el plantel de músicos con que contaban era único). Su gran acierto fue la mezcla de influencias, ya que no sólo se limitaron a beber de la música negra (su principal fuente), sino que la psicodelia era fundamental. Así consiguieron instrumentales como el que abría su presentación homónima en 1970. Westbound hizo su mejor descubrimiento cuando publicó este álbum y no les soltó hasta que Warner Bros. vino a sacar tajada de ellos ya a mediados de 1970. Son nueve minutos de atmósfera propia, de un bajo estelar que va repitiendo un riff sobre el que varía y luego diferentes voces se van entrelazando por encima. Con una pregunta abrían su carrera, ‘Mommy, What’s a Funkadelic?’, a la que había que responder que era magia.

Fred Wesley & The JB’s – Blow Your Head (YouTube)

Otra muestra de cómo hacer un instrumental 100% funk viene de la mano de The JB’s el mítico grupo que fue el soporte del éxito de James Brown, de ahí las iniciales. En esta ocasión están sueltos pese a aparecer Fred Wesley como nombre principal, ya que era de los más talentosos de la banda (todavía Maceo Parker estaba a la sombra). Al trombón, como se escucha la predominancia en este tema, Wesley era un as, y aquí se ve cómo innovan en las bases. Este tema pertenece a uno de sus mejores álbumes: Damn Right I Am Somebody (1974, People Records).

Maceo Parker – Shake everything you’ve got (YouTube)

Aunque para mí, uno de los nombres que más fuerza imprime al funk por la vía instrumental, es Maceo Parker, pero como cabeza de lista, nada de tapado. Vuelta a la elección de un directo, como en la primera ocasión, esta vez con ‘Shake everything you’ve got’ donde el título ya se establece como una demostración de lo que espera a la escucha. Él va añadiendo fragmentos cantados para vacilar aún más. Y como curiosidad, quien antes fuera el nombre que iba como principal por delante de The JB’s, ahora es el hombre que acompaña a Parker. Se le puede ver a la derecha de este con el trombón.

La próxima semana, más ritmo en vena.

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Foto | Plastic Jesus

Septiembre de 1968. Otra fecha a anotar en la agenda del rock para quienes somos seguidores del género. Cream publicaban el single ‘Sunshine of Your Love’ bajo Reaction. Un año antes, concretamente en mayo de 1967, había sigo grabado en los estudios Atlantic, de Nueva York. Así comenzaba uno de sus himnos.

Metido de lleno en la psicodelia de la época (Jefferson Airplane y compañía se quedaban a años luz de Cream), ‘Sunshine of Your Love’ contaba con la mezcla de géneros nada casual que le valió el éxito en esas guitarras que ahora todos podríamos tararear. El causante de este ritmo y eclecticismo no podía ser otro que Eric Clapton, uno de los mejores guitarristas de la historia de la música.

El inglés no era un novel, y pese a llevar pocos años en la música, había estado en dos formaciones también históricas. La primera fue con The Yardbirds, donde el rhythm and blues empezaría a calar en su música; y la segunda fue con John Mayall & the Bluesbreakers, donde vendría la experimentación y la psicodelia. Si a todos estos elementos se les une que contaba con Jack Bruce y Pete Brown como compañeros (quienes fueron los principales autores), el cóctel tenía que ser perfecto a la fuerza.

Cream – Sunshine of Your Love (YouTube)

‘Sunshine of Your Love’ es uno de los temas que más habré escuchado en mi infancia. Recuerdo estar hipnotizado por los solos y por esas guitarras únicas entre los riffs de unos y de otros. Me gustaba la canción en estudio pero cuando comprobé cómo era en directo mediante grabaciones, vi todavía más potencial a la canción en cuestión. En esa época los grupos se defendían en directo mejor que en estudio, algo que sería irrisorio plantearlo en la actualidad. El concierto de 1968 en el Royal Albert Hall, es de los que se recuerdan con cariño, al lado de otros como el de Brown en el Apollo o cualquiera de los Rolling.

Jimi Hendrix – Sunshine of Your Love (YouTube)

La primera versión tenía que ser la de Hendrix, no cabía ninguna duda. El guitarrista, que ya pasó por esta sección con ‘Hey Joe’, versionó el tema durante sus conciertos de 1968 y 1969 (en 1970 se había ido), y lo reformuló a su gusto: con aún más psicodelia y experimentación, dejando un menor sabor de blues. En el vídeo se puede observar cómo mata el tempo de la canción y la lleva a los 8 minutos con 18 segundos. Él solo a la guitarra, en una de sus demostraciones de cómo adorar al instrumento, cuando parecía quedarse a solas hablando con él. Volvía a repetir el riff famoso y cierra ‘Sunshine of Your Love’ tranquilo, con calma.

Ella Fitzgerald – Sunshine of your love (YouTube)

La segunda versión se apoya más en la voz que en la melodía, principal arma de este tema vitalista. La responsable es la gran Ella Fitzgerald, “First Lady of Song”. Una versión que demuestra cómo puede prescindirse en un tema de blues y psicodelia de las guitarras, para añadir una voz única. Cinco minutos en los que el único apoyo se lo está dando un piano clásico mantenido y una batería suave estilo jazzy, lo demás lo hace todo ella. Si veíamos a Hendrix marcarse un solo intimista con su guitarra, ahora Fitzgerald le devuelve la jugada pero con su voz en una demostración emocionante. La dama del jazz podía con cualquier cosa.

Tote King – Lo Hacemos Así (YouTube)

Y para finalizar, la antítesis de la original. Que me perdonen los puristas del género (sobre todo por no elegir otras como la de Funkadelic, Frank Zappa u Ozzy Osbourne), pero había que varíar y ver cómo uno de los mejores MCs nacionales (si no el mejor), hace unos años dio la vuelta por completo a ‘Sunshine of Your Love’. Él es Tote King y va con los tópicos del hip-hop reformando la letra de Bruce y Brown. Pegadizo y duro, repitiendo de base el mítico riff, además de samplear la versión de Fitzgerald. Una versión de las que merecen recordarse porque es un tema nuevo, nada de repetirlo igual. Está incluida en Un tipo Cualquiera (2006, BOA).

‘Sunshine of Your Love’ fue el primer éxito de Cream en Estados Unidos, llegó al número 36 como single y después, con la publicación del álbum, ya alcanzó el puesto que merecía: un 5 en la lista de Estados Unidos que en aquella época era casi imposible.

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Los domingos son el peor día de la semana si se ve que al día siguiente hay que volver al trabajo, a la rutina diaria y a los agobios de los horarios. Es un día de descanso y en el que quizás muchos ya estén de vacaciones, para ellos: enhorabuena; para los demás aprovechemos a alegrarnos los oídos con cinco buenos temas de funk para moverse un poco de la silla mientras estamos ante el ordenador.

El funk implica ritmo, pura fiesta imparable, de principio a fin. Cuando empieza el bajo (instrumento clave en este género) a sonar, muchos callamos y empezamos a apreciar uno de los sonidos más rítmicos existentes. Se suelen añadir instrumentos de viento metal como trompetas o saxos. No es de extrañar, que tanto los mejores bajistas, como los mejores trompetistas o saxofonistas, hayan surgido de aquí.

Nombres como Miles Davis, renovador imparable, Maceo Parker como el gran nombre a la sombra, y así un nombre tras otro. Surge de la comunidad negra, evolucionando el gospel y llevándolo a las fiestas y las discotecas de la época (casas particulares donde hacían sus fiestas). Es uno de mis géneros favoritos, por la fuerza, por la movilidad que tiene, y por el gancho directo que da nada más sonar. No tiene rival en cuanto a sonoridad, el funk es la vitamina perfecta para cualquier persona.

Kool & The Gang – Kool & The Gang (YouTube)

Los primeros de la lista son Kool & the Gang, el grupo estadounidense dio un primer disco soberbio, funk con mayúsculas, de principio a fin. Casualmente, este tema de casi tres minutos (poco para ser este sonido), es el corte que abre su disco homónimo de 1969. Un instrumental construido a través de trompetas, saxos y un bajo hipnotizante. Después, el grupo sería conocido por su cambio antes de los 80 a la música disco, haciendo bailar a todos con ‘Celebration’ o ‘Ladies’ Night’; aunque yo me quedo con su primera época, donde el funk era puro y sabían cómo moverlo bien. Ese disco es una obra maestra del género.

James Brown – Funky Drummer (YouTube)

Aunque si se quiere un hombre clave, un hombre que tiró del funk hasta arriba gracias a su mentalidad y su forma de trabajar (no obstante, le llaman the hardest working man in Show Business por su actitud), ese no es otro que James Brown. Él tenía clase, y lo más importante, tenía cabeza. Supo ir poco a poco hasta llegar a lo más alto, arriesgando hasta el punto de producirse él mismo el primer disco en directo tras el rechazo de su discográfica (después, el tiempo le dio la razón: Live at the Apollo (1963, King) se convirtió en el disco más vendido). Se supo reunir de los mejores, y eso se plasmó en su música. En ‘Funky Dreamer’, tema que siempre recomiendo a la gente que empieza en el funk, ya tenía a su inseparable Maceo Parker en el saxo tenor. Siete minutos de pura magia, con la voz del padrino del soul y con una melodía inigualable.

Sly & The Family Stone – I Want To Take You Higher (YouTube)

Los grupos que más destacaron en su época, fueron los más reformistas. El funk no tenía barreras y ahí se podía ver a Sly & the Family Stone cómo las destruían. Lo llevaban a la psicodelia, como Jimi Hendrix, lo llevaban al rock, lo llevaban al soul, y entre medias, salían sus canciones. Hoy en día su legado es fundamental para entender la evolución de la música negra (y la música en general). Sylvester Stewart, más conocido como Sly Stone, era la cabeza del grupo, un chico intrépido y con una voz magnífica. Fue la personalidad que todo grupo quería tener en ese momento, además de carismático, tenía talento; no obstante él era el cantante, letrista, productor y multiinstrumentista en la banda. Facturaron discos redondos como Stand! (1969, Epic), al que pertenece este tema. Aquí parecen prescindir de su mensaje crítico, para hacer una oda a la música y a la sensación que ésta produce en quienes la sienten. Si se escucha la discografía de Sly, la música parece otro mundo.

Funkadelic – Who says a Funk band can’t play Rock! (YouTube)

Si Sly y su familia revolucionarion al funk, Funkadelic revolucionó todo lo que se propusieron. Todas estas bandas tenían a una cabeza pensante única, que les guiaba por dónde tirar y adelantándose a su tiempo siempre. Además, luego contaban con una gran calidad en los componentes de la banda, que sabían interpretar las lecciones de su “líder”. Este líder, en Funkadelic, era George Clinton, quien también lo era de Parliament. Un hombre visionario, sin miedo a fusionar géneros ni temáticas, para él sólo existía las ganas de transmitir el llamado groove. En ambos grupos, la cantidad de miembros que pasaron por sus filas fuera monumental, y todos ellos maestros en el dominio de sus instrumentos. Vemos a nombres como Maceo Parker (lo dicho, el hombre en la sombra), Walter “Junie” Morrison, Bernie Worrell o Bootsy Collins, por sólo nombrar a cuatro. Con tales figuras, muy mal tendría que ser para que no salieran hits uno tras otro. La prueba: ‘Who says a Funk band can’t play Rock!’, toda una declaración de intenciones de reforma. El rock se ve en los grandes solos de las guitarras eléctricas, mientras la letra se ríe de los géneros y sus limitaciones.

Maceo Parker – There Was A Time (YouTube)

Y no podía faltar el artista tapado por excelencia. Tapado para el gran público, porque entre los grupos, era el fichaje estrella si se conseguía poder contar con él. Así se han peleado por sus servicios gente de la talla de James Brown, Prince... Es uno de los saxofonistas con más clase a la hora de interpretar el funk. Cuando se escucha la obra de James Brown, si hay un saxo destacando, suele ser el suyo. Cuando en el mítico grupo The JB’s hay un sonido explosivo, hay que pensar en él. Y eso que entró a formar parte del colectivo de Brown porque su hermano, Melvin, fue llamado por James Brown y éste tuvo que aceptar en el “lote” a Maceo. Aquí está versionando un tema genial de su maestro, donde asombra a cualquiera cuando decide hacer sus solos. Un auténtico torbellino.

Con estas cinco canciones, seguro que el domingo se hace más llevadero. Groove para el cuerpo, sonidos explosivos para los oídos. La semana que viene más.

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