Un niño que es abandonado por su madre en busca de un marido más pudiente que su pobre esposo. Un niño que sufre de forma intensa el racismo del sur de Estados Unidos de los años 30. Un niño criado entre prostitutas, hogares rotos, reformatorios y soldados amantes de una buena juerga. Y pese a todo, años más tarde se transforma “en el hombre más feliz del mundo cuando sube al escenario. Soy consciente de que nadie quiere pagar un dinero que ha ganado con su esfuerzo para ver reflejada su propia desgracia”. James Brown es el quejío.

El quejío flamenco

“Ese ¡ay! melismático, desgarrado y rebelde, la quintaesencia atávica del flamenco, de donde surge toda su trágica inmensidad”. Mi compañero Víctor Rodríguez es quien define un sentimiento único asociado al Flamenco y que aparece de igual manera en parte de la música negra, en especial en el Blues más desgarrador.

He llevado dentro de mí el fuego y la rabia que acumulé con toda la pobreza, las rupturas familiares y la indiferencia familiar que experimenté de niño, porque crecía con todo eso y está grabado a juego en mi mente. Como tantos otros niños negros, pobres y sureños, nunca he sido capaz de desprenderme del todo de la carga del miedo. A nadie le importaba mi bienestar y la vida no me ofrecía nada. Con tan sólo cinco años, ya tenía miedo de no encontrar nunca una salida a la pobreza infinita en la que estábamos sumidos.

Así definía James Brown en 2005, un año antes de morir, en sus memorias tituladas ‘I Feel Good’, la peor época de su vida de la que salió por su propio pie mediante esfuerzo y con la confianza en uno mismo a base de trabajo que llevaría a descubrirle su talento para la música. El joven Junior se cambió el nombre a los 10 años por James Brown, un niño bajo y enclenque “que bailaba por un centavo y limpiaba los zapatos por cinco”, según él mismo reconoce. Es irónico que gracias a su hastío de la sociedad que le oprimía acabase abrazando el Gospel, a Bobby Byrd y el inicio de una carrera que en 1956 le llevaría a publicar su primer single bajo el sello King Records, ‘Please Please Please‘. Primera entrega, primer súplica. El quejío era lo que movía al hijo de James Joe Brown Jr. y Susie Brown.

James Brown – Please Please Please

Los robos acabaron en Bobby Byrd

Los hurtos que comenzó a practicar en aquella época Little Junior, como le apodaron en una banda de barrio, le llevaron a los 16 años a pasar una temporada en el centro de menores Alto Reform School de Toccoa, en Georgia. Al poco tiempo de empezar a cantar el Gospel que había mamado de pequeño cada semana en la iglesia (único motivo por el que acababa yendo), lo que le llevaría a ser denominado como Music Box, comenzó una amistad fructífera con el gran Bobby Byrd, quien le daría la oportunidad de tener su primer grupo: The Flames, antes conocidos como Ever Ready Gospel Singers.

James Brown – Papa’s Got A Brand New Bag

La primera época de James Brown abarca hasta 1965, momento en cual crea el Funk con ‘Papa’s Got a Brand New Bag’, la mejora del “Uno” como cambio en su música (“consistía en empezar a tocar en el compás acentuado”), ya ha logrado un éxito comercial con el riesgo de la publicación del álbum Live at the Apollo (1963, King) y la sociedad comenzaba a abrirse (la lucha por los derechos civiles). Era el momento para el Funk, la dinamita que diese fuerza a la gente y la reivindicación intensa y emotiva de los sentimientos reflejados en el Soul a la que se sumaba más “orgullo negro”, según el propio cantante.

James Brown – Try Me

El quejío de James Brown cambiará, por tanto. De las baladas y medios tempos que había ido construyendo en su particular mezcla del Rhythm and Blues y del Soul llegaría el momento de acelerar una velocidad que antes no llevaban a cabo porque podía ser percibida con demasiada violencia. Así ‘Please Please Please’ es ese sonido agradable del Doo-wop. The Flames aderezando a base de Blues, Jazz y Swing los quejíos de una voz ya rota cantando supuestamente a un amor perdido cuando lo que allí había era una declaración de intenciones de que diesen una oportunidad a alguien a quien estaban maltratando fuera. Después ‘Try Me (I Need You)’. “Era una canción típica de James Brown: en una primera lectura parecía un tema de amor; pero entre líneas se trataba de una petición, formal y respetuosa para que el público probara mi mercancía a través de la música. ¡Dame una oportunidad! ¡Pruébame! Ese era el verdadero sentido de la canción”, en sus propias palabras. Corría 1958.

James Brown – Why Do You Do Me

Antes ya había dejado como cara B en su single de debut otro dardo emocionante: ‘Why Do You Do Me’. James Brown comenzaba de rodillas buscando ganarse un respeto que le había sido arrebatado en una infancia durísima. Más tarde dicho tema sería la coestrella del segundo álbum, Try Me! (1959, King), en el que casualmente le sigue un tema aún más emotivo: ‘Got To Cry’, donde James Brown sigue modulando la voz en base a su lamento.

Vicki Anderson & James Brown – You’ve Got The Power

El Soul que llora

La época que nos lleva hasta 1965 se resume en un Soul doloroso y reivindicativo, en el que el amor solo es una constante metáfora para reflejar esa furia interior. Un Soul de un niño que había crecido escuchando Louis Jordan, Nat ‘King’ Cole, Frankie Lymon, Frank Sinatra o Count Basie, entre otros. La desgarradora voz de James Brown lanzaba caras B como ‘I Walked Alone’. El album Think (1960, King) abría una nueva década en la que incrementaba el mensaje. Desde el tema homónimo (versión de The “5” Royales) hasta ese zarandeo en una barca en calma chicha que es ‘You’ve Got the Power’, regrabada de un single de 1968 que compartió con Vicki Anderson, una de mis baladas favoritas del Padrino del Soul. Mientras, el tempo se iba alternando con arremetidas como ‘I’ll Go Crazy’ a base de riffs y más versos (“You’ve got to live for yourself / Yourself and nobody else”) y con reiterados cierres emotivos como ‘So Long’. Fundamental el timón de la batería en cada tema.

James Brown – The Bells

En 1961 ya había cosechado unos cuantos éxitos en las listas y seguiría haciéndolo con otra declaración como es ‘I Don’t Mind’, asentado en una estructura entre el Doo-wop y el Rhythm & Blues más emotivo, con una línea de guitarra y piano suficiente como para emocionar, además de la propia letra, la voz de Brown y el acompañamiento en los coros. Dicho single estaría incluido en un trabajo, The Amazing James Brown (1961, King), en el que mantiene su mejoría la cual contrasta con lo anodino de un álbum instrumental para olvidar como es Night Train (1961, King). En The Amazing también destaca otra sensacional interpretación en ‘Lost Someone’ o en ‘The Bells’, en la cual aparece un James Brown más suelto, más particular y con detalles de actuación propios de lo que más tarde le caracterizaría (el juego con la historia, el fraseo libre o una libertad en la actuación añadiendo un mayor sentimiento al tema). Y de nuevo crucial la batería jazzy en estos tempos lentos con una sensualidad a flor de piel.

No es casual que el álbum que le catapulta a un mayor público, Live at the Apollo (1963), esté compuesto de la mayoría de los temas mencionados hasta el momento. Es el álbum en directo publicado hasta la fecha con mayor éxito en ventas, pese a que Syd Nathan, el jefe de King Records, no depositase ninguna esperanza en él (como en la mayoría de los cambios que implantó James Brown) y le hiciese sufragar los costes al propio cantante, un nuevo paso en adelante por parte del de Barnwell, en un momento atípico e invirtiendo todo su patrimonio disponible hasta entonces (“5.700 dólares, unos 57 millones de dólares actuales”). Es un álbum conceptual en torno al dolor, la súplica o la reivindicación. Para mayor ironía, este dolor lo consiguió vender de forma viva, alegre y con puro espectáculo, muy alejado de cualquier estado triste más propios de los mensajes cantados.

James Brown & The Famous Flames – Concierto en 1964

Hasta que en 1965 llegase uno de su puntos de inflexión más importantes, con la publicación de ‘Papa’s Got a Brand New Bag’, su discografía fue una montaña rusa de nuevos directos sin tanto gancho (había que rentabilizar el momento), como Pure Dynamite! (1964, King) o Showtime (1964, Smash), y el contraste entre otra obra dispuesta para los más pastelosos con Prisoner of Love (1963, King), sin el acierto de las anteriores, y la que avanzaría el Funk posterior anticipado en Out of Sight (1964, Smash), álbum repleto de ese vacile en los riffs, en el ritmo y en el propio Brown que seguiría ampliando la producción de baladas tristes. Pero entre tantas de estas estaría un tema cualquiera: ‘I Got You’, en una de sus primeras versiones que grabaría. El germen estaba puesto. El quejío cambiaría hacia el Funk pocos meses más tarde de forma clara, la intensidad de los mensajes ampliaría según el contexto y aquel niño que bailaba por cinco céntimos luchando por una oportunidad para cambiar su vida estaba transmitiendo su emoción en temas cortos que rondaban los dos o tres minutos. Emoción de un grande que ponía banda sonora a unos recién amados al mismo tiempo que a una raza negra oprimida y que buscaba liberarse.

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Ayer jueves fue una fecha destacada para la música negra aparentemente desaparecida del combate de los nuevos estilos musicales, donde a priori no existe más público que el volcado con Arctic Monkeys y compañía. La prueba es el Groovadelia Festival, que llenó la sala El Sol de Madrid.

Charlie Faber, locutor del programa Sateli-3 de Radio 3, fue el maestro de ceremonias hablando precisamente de esto mismo: que estaban haciendo historia gracias a que sólo llevan cinco años y con sellos como Vampisoul o la revista Enlace Funk, se va creando poco a poco una escena para dar cabida a esta propuesta.

SpeakLOW

El primer grupo que abrió fuego fue SpeakLOW con Julián Maeso a la cabeza. El multiinstrumentista conocido por muchos por su etapa en The Sunday Drivers y una salida un tanto triste de la banda, es quien lleva la batuta de la banda gracias a un dominio del Hammond espectacular.

SpeakLOW – I want my money back (YouTube)

Haciendo una música en la cual uno de los instrumentos básicos es el bajo, donde se deposita buena parte del ritmo para controlar el desarrollo de las canciones, SpeakLOW prefieren centrarse en el órgano de Maeso, quien también añade la voz en un recuerdo a la Motown y al Soul de los 60 procedente del mundo anglosajón.

Cuando deciden bajar el tempo se adentran en un buen Jazz suave, donde el saxo tenor de Martín García casa muy bien con la guitarra de José “Funko” y la batería de Antonio “Pax”.

El directo que ofrecieron ayer fue de nota, con un ritmo muy bueno, en especial en los temas más rápidos.

Mamafunko

La noche tenía un dulce especial en el cartel: un homenaje a James Brown. Palabras mayores. Para todos los amantes de este estilo, el Padrino del Soul suele ser (alguna excepción sin criterio habrá…) uno de los tótems, o EL tótem, insuperable. Así que partiendo de este punto, la labor realizada por Mamafunko es digna de elogio aunque las expectativas son altísimas.

Desde hace tres años llevan presentando un tributo a The Hardest Working Man In Show Bussiness. Con SpeakLOW comparten miembros, por lo que ayer decidieron juntarse todos en amor y compañía a versionar un setlist bastante completo donde buena parte de los himnos de Brown aparecieron.

Un comienzo con ‘Papa’s Got A Brand New Bag’ ya asegura el éxito. La banda estuvo muy bien en su sitio, versionando a la original, con Maceo Parker o Jimmy Nolen,e ntre otros, en la formación. De nuevo: palabras mayores. A este hit incontestable le siguieron otros como ‘I Got That Feelin’’ donde la parte en bucle del verso “baby, baby, baby” es el claro ejemplo de un orgasmo musical; o ‘Cold Sweat’.

La segunda parte nos dejó su tema más famoso, ‘I Feel Good’ y en el final, uno de mis favoritos, ‘It’s a Man’s Man’s Man’s World’ donde la sala bajó la intensidad de las luces para crear el ambiente. Ya para el cierre de la fiesta el dardo ideal: ‘Funky Good Time’. Toda una declaración de principios.

Gran primer día del Groovadelia Festival. Hoy viernes segunda ración con The Cherry Boppers y Fix This.

La conclusión extraída tras la primera parte del especial los 10 acontecimientos musicales que me hubiese gustado vivir es que es imposible realizar una lista con sólo una decena de momentos que me hubiese gustado presenciar. Harían falta 50 ó 100 más, pero eso es misión imposible.

Para todos aquellos que ayer echaban de menos cierto concierto, o proponían sus ideas, verán que muchas concuerdan y otras no, pero aparte de ser una lista personal, 10 acontecimientos son muy pocos y había que elegir.

5. Sex Pistols en concierto en el Manchester Lesser Free Trade Hall en 1976

El 20 de julio de 1976 ha pasado como fecha a la posteridad en el mundo de la música por ser el día en el cual los Sex Pistols dieron un concierto en Manchester para escasas personas (máximo de 15 ó 20 según historias), entre las cuales se encontraban Bernard Sumner y Peter Hook, es decir, el germen de lo que sería Joy Division. Sólo por eso ya merece pasar a la historia este concierto.

Sex Pistols – Live in Manchester 1976 (YouTube)

4. The Rolling Stones en el Crawdaddy Club en 1963

Tras su primer concierto en el Marquee Club, The Rolling Stones, gracias a su primer manager, Giorgio Gomelsky, consiguen el Crawdaddy como residencia. Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Charlie Watts, Bill Wyman y compañía (por aquel entonces Ian Stewart, hasta que Oldham le echó del escenario por ser multitud) empezaron a forjarse su leyenda como la gran banda de Rock que son.

El Rhythm and Blues era su sonido y su repertorio, versionando a los clásicos (Chuck Berry o Muddy Waters, entre otros). Es también cuando Jagger empezó a enloquecer a las masas con sus atrevidos movimientos muy inspirados en James Brown y que toda la gente cuenta como algo hipnótico con apenas dos centímetros en el escenario para moverse. Al poco, The Rolling Stones tenían a rebosar el Crawdaddy y buscaron el éxito fuera de allí.

The Rolling Stones – Satisfaction (YouTube)

3. James Brown en concierto en el Teatro Apollo en 1962

“The Godfather of Soul” o “The hardest working man in show business” son sólo dos de los alias que al gran James Brown le pusieron en vida. Los dos citados son los que definen mejor la figura del cantante de funk, puesto que nadie aportó tanto al Soul como lo hizo Brown, creando el género, convirtiéndolo en un producto comercial o convirtiéndolo en un manifiesto sexual, además de en un discurso de protesta. Y el de el hombre más trabajador es el resumen de toda su carrera, en especial de lo que ocurrió en el Teatro Apollo el 24 de octubre de 1962.

Su discográfica, por aquel entonces King Records, se oponía a la idea de James Brown de editar un disco en directo por creer que no iba a ser rentable y no se iba a vender, pero Brown quería plasmar la adrenalina de sus conciertos en disco y él mismo fue quien subvencionó el álbum. Ni que decir tiene que fue un éxito. Hoy, 47 años después, escuchar los contoneos de ‘Try Me‘ o cómo logró unir en seis minutos desde ‘Please, Please, Please‘ hasta ‘Bewildered‘, acabando en la inicial, no tiene comparación. Tuvo que ser explosivo.

James Brown Olympia 1966 (YouTube)

2. Joy Division en concierto en la Universidad de Birmingham en 1980

Si alguien hubiese podido saber que aquel sería el último concierto de Ian Curtis todo habría sido diferente. Me hubiese gustado estar no ya por ver uno de sus tristes ataques epilépticos sobre escena que le mataban por dentro, ni tampoco por meterme en medio de un público gamberro empujándose entre sí al ritmo de la música, sino por ver el rostro helado de Ian Curtis cantando sus duras letras mientras pensaba en Deborah Curtis, su hija (Natalie) y Annik Honoré. En aquel momento Joy Division decían adiós.

2 de mayo de 1980, Universidad de Birmingham e Ian Curtis abriendo con ‘Ceremony‘ y finalizando con ‘Digital‘. Entre medias ‘A Means To An End‘ que cierra así:

A house somewhere on foreign soil, Where aging lovers call, Is this your goal, your final needs, Where dogs and vultures eat, Committed still I turn to go. I put my trust in you. I put my trust in you. I put my trust in you. I put my trust in you. In you. In you. In you. Put my trust in you, in you.

Buscad el bootleg porque tiene una calidad sorprendente y merece ser guardado como una joya.

Joy Division – Shadowplay (YouTube)

1. Andy Warhol, Up-Tight en 1966 en Nueva York

Con un hojita de propaganda diminuta, muy escueta, que ponía “Andy Warhol, Up-Tight“ en letras gruesas y negras, se presentaba a The Velvet Underground, Edie Segwick, Gerard Marlanga, Paul Morrisey y Nico, entre muchos otros. El acontecimiento tendría lugar el 8 de febrero en el local Film-Makers Cinematheque, situado en la calle 41 de Nueva York.

Ese día fue uno de los más importantes para la historia de la música moderna, puesto que The Velvet Underground dejaban su Cafe Bizarre por un ámbito con más público, tenían ya a Warhol como mecenas de nombre y cartera, y entre otras cosas, se empezó a experimentar con nuevas posibilidades en el directo, donde se incluían pantallas, luces, películas, bailarines, etc. Mientras, de fondo, de negro absoluto, un joven Lou Reed cantaba ‘Heroin‘.

The Velvet Underground – Heroin (YouTube)

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Lo mismo que comentaba en la sección de Versiones para una tarde de viernes el otro día, sucedió con este apartado. El tiempo ha imposibilitado retomar el funk durante unas semanas, y como esto no puede ser, había que retomarlo cuanto antes. No pueden faltar las cinco canciones que animan la mañana de un domingo, ya de por sí difícil.

Anteriormente hablamos del funk respecto a diferentes parámetros. Nos quedamos revisando a los grupos españoles más emblemáticos de funk, dejamos atrás a los artistas actuales que modifican el género, y empezamos como había que hacerlo, rindiendo culto a los clásicos.

Hoy toca hablar de los duetos en el funk, las parejas más emblemáticas y más recordadas de la historia. Ya sea como colaboración, o como grupo establecido en formato dúo. Nombres como los de Tina Turner y su ex marido, Ike, Aretha Franklin y alguno más. Sólo hay que saltar para descubrirlos.

Tina & Ike Turner – Proud Mary (YouTube)

El primer dueto está formado por la pareja Turner. Para mí es uno de los mejores duetos que se han hecho nunca, además de ser una de las parejas que mejor supieron compaginarse (hasta que el desquiciado de Ike Turner hiciese lo que todos sabemos). Hasta el momento de su separación acapararon portadas, números uno y firmaron discos de la talla como el que recoge el tema elegido: Workin’ Together (1970, Liberty). El álbum mencionado es su techo junto con el mítico River Deep – Mountain High (1966, A&M). ‘Proud Mary’ no es un tema suyo, sino una versión de Creedence Clearwater Revival, pero que popularizaron el matrimonio Turner. La fuerza que alcanza en el estribillo apoyado en trompetas y en voces corales es innigualable, como lo es ver a Tina Turner desenvolverse de esa manera en 1970. ‘Proud Mary’ ganó un Grammy y consiguió el puesto cuatro en la lista de éxitos pop de Estados Unidos.

James Brown & Pavarotti – It’s a man’s world (YouTube)

El indiscutible en la lista cuando se habla de funk, quien podría llenar las cinco propuestas fácilmente y que aparece hoy de la forma más atípica: versionando su ‘It’s a man’s world’ de la mano de otro tótem en cuestión de voces: Luciano Pavarotti. El hecho de elegir uno de sus temas más lentos, con el soul y la balada de la mano, se debe justo a eso, a admirar la capacidad ecléctica que tenía Brown. Aquí hay funk en el sentido estricto del término, hay la magia de un género que emociona, y la versión en concierto con una gran orquesta detrás y las dos voces delante, es para el recuerdo. Ambos están pletóricos y el tema gana enteros según llega al final. Emociona.

The Staple Singers ft. Curtis Mayfield – Big Mac (YouTube)

Tenía ganas de poder rescatar a Curtis Mayfield, quien no había tenido cabida hasta ahora pero que en próximas entregas será de los mencionados por su mezcla hacia el soul tan orquestada y psicodélica. A The Staple Singers les dio cobijo el próximo Mayfield, en su sello Curtom Records tras su paso por Stax Records, quienes estaban en bancarrota en 1975. En ‘Big Mac’ (perteneciente a Let’s Do It Again (1975, Curtom Records)), la banda estadounidense apuesta por un instrumental para la banda sonora de la película que da título al álbum. Hechizantes riffs, bajos del género y toques de psicodelia.

James Brown & PRince & Michael Jackson – Live (Imeem)

Si antes hablaba de la supremacía de James Brown en esta sección, con esta elección se confirma aún más, pero es inevitable no hablar de este vídeo cuando se habla de duetos, colaboraciones y demás. Son tres artistas con mayúsculas juntos, unidos por el Padrino del Soul pero demostrando cada uno lo que saben hacer. Ambos invitados eran jovencísimos, Michael Jackson aún conservaba su color original de piel y el timbre agudo que maravilló, además de la cualidad de bailarín terremoto. Mientras, Prince era el de la guitarra mágica, con solos de música negra que le salen por arte de magia. Una actuación y un vídeo a recordar.

Aretha Franklin & Keith Richards & Ronnie Woods – Jumpin’ Jack Flash (YouTube)

Da igual que sea funk y hablemos en muchas ocasiones de soul, porque ambos géneros están tan pegados que los mejores artistas negros los juntaban sin importarles las barreras o para qué público iban a ir dirigidos. Aretha Franklin es la voz del soul por excelencia pero en muchos de sus temas la melodía tiene cuerpo de funk, y viceversa. En la canción elegida, Franklin se junta con otros dos artistas de su misma talla en sus respectivos instrumentos. Son Keith Richards y Ronnie Wood, dos Rolling Stones de la vieja guardia. Los tres deciden versionar uno de los himnos stonianos, ‘Jumpin’ Jack Flash’, privándolo de cualquier rock & roll de base, haciéndolo llamativo, alegre, pegadizo (más aún) y volviendo a ser una canción de BSO, esta vez para la película de Whoopi Goldberg.

Espero que con canciones así la mañana del fin de semana se haga más amena. Por lo menos, se piensa en el lunes disfrutando de buena música.

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Los domingos son el peor día de la semana si se ve que al día siguiente hay que volver al trabajo, a la rutina diaria y a los agobios de los horarios. Es un día de descanso y en el que quizás muchos ya estén de vacaciones, para ellos: enhorabuena; para los demás aprovechemos a alegrarnos los oídos con cinco buenos temas de funk para moverse un poco de la silla mientras estamos ante el ordenador.

El funk implica ritmo, pura fiesta imparable, de principio a fin. Cuando empieza el bajo (instrumento clave en este género) a sonar, muchos callamos y empezamos a apreciar uno de los sonidos más rítmicos existentes. Se suelen añadir instrumentos de viento metal como trompetas o saxos. No es de extrañar, que tanto los mejores bajistas, como los mejores trompetistas o saxofonistas, hayan surgido de aquí.

Nombres como Miles Davis, renovador imparable, Maceo Parker como el gran nombre a la sombra, y así un nombre tras otro. Surge de la comunidad negra, evolucionando el gospel y llevándolo a las fiestas y las discotecas de la época (casas particulares donde hacían sus fiestas). Es uno de mis géneros favoritos, por la fuerza, por la movilidad que tiene, y por el gancho directo que da nada más sonar. No tiene rival en cuanto a sonoridad, el funk es la vitamina perfecta para cualquier persona.

Kool & The Gang – Kool & The Gang (YouTube)

Los primeros de la lista son Kool & the Gang, el grupo estadounidense dio un primer disco soberbio, funk con mayúsculas, de principio a fin. Casualmente, este tema de casi tres minutos (poco para ser este sonido), es el corte que abre su disco homónimo de 1969. Un instrumental construido a través de trompetas, saxos y un bajo hipnotizante. Después, el grupo sería conocido por su cambio antes de los 80 a la música disco, haciendo bailar a todos con ‘Celebration’ o ‘Ladies’ Night’; aunque yo me quedo con su primera época, donde el funk era puro y sabían cómo moverlo bien. Ese disco es una obra maestra del género.

James Brown – Funky Drummer (YouTube)

Aunque si se quiere un hombre clave, un hombre que tiró del funk hasta arriba gracias a su mentalidad y su forma de trabajar (no obstante, le llaman the hardest working man in Show Business por su actitud), ese no es otro que James Brown. Él tenía clase, y lo más importante, tenía cabeza. Supo ir poco a poco hasta llegar a lo más alto, arriesgando hasta el punto de producirse él mismo el primer disco en directo tras el rechazo de su discográfica (después, el tiempo le dio la razón: Live at the Apollo (1963, King) se convirtió en el disco más vendido). Se supo reunir de los mejores, y eso se plasmó en su música. En ‘Funky Dreamer’, tema que siempre recomiendo a la gente que empieza en el funk, ya tenía a su inseparable Maceo Parker en el saxo tenor. Siete minutos de pura magia, con la voz del padrino del soul y con una melodía inigualable.

Sly & The Family Stone – I Want To Take You Higher (YouTube)

Los grupos que más destacaron en su época, fueron los más reformistas. El funk no tenía barreras y ahí se podía ver a Sly & the Family Stone cómo las destruían. Lo llevaban a la psicodelia, como Jimi Hendrix, lo llevaban al rock, lo llevaban al soul, y entre medias, salían sus canciones. Hoy en día su legado es fundamental para entender la evolución de la música negra (y la música en general). Sylvester Stewart, más conocido como Sly Stone, era la cabeza del grupo, un chico intrépido y con una voz magnífica. Fue la personalidad que todo grupo quería tener en ese momento, además de carismático, tenía talento; no obstante él era el cantante, letrista, productor y multiinstrumentista en la banda. Facturaron discos redondos como Stand! (1969, Epic), al que pertenece este tema. Aquí parecen prescindir de su mensaje crítico, para hacer una oda a la música y a la sensación que ésta produce en quienes la sienten. Si se escucha la discografía de Sly, la música parece otro mundo.

Funkadelic – Who says a Funk band can’t play Rock! (YouTube)

Si Sly y su familia revolucionarion al funk, Funkadelic revolucionó todo lo que se propusieron. Todas estas bandas tenían a una cabeza pensante única, que les guiaba por dónde tirar y adelantándose a su tiempo siempre. Además, luego contaban con una gran calidad en los componentes de la banda, que sabían interpretar las lecciones de su “líder”. Este líder, en Funkadelic, era George Clinton, quien también lo era de Parliament. Un hombre visionario, sin miedo a fusionar géneros ni temáticas, para él sólo existía las ganas de transmitir el llamado groove. En ambos grupos, la cantidad de miembros que pasaron por sus filas fuera monumental, y todos ellos maestros en el dominio de sus instrumentos. Vemos a nombres como Maceo Parker (lo dicho, el hombre en la sombra), Walter “Junie” Morrison, Bernie Worrell o Bootsy Collins, por sólo nombrar a cuatro. Con tales figuras, muy mal tendría que ser para que no salieran hits uno tras otro. La prueba: ‘Who says a Funk band can’t play Rock!’, toda una declaración de intenciones de reforma. El rock se ve en los grandes solos de las guitarras eléctricas, mientras la letra se ríe de los géneros y sus limitaciones.

Maceo Parker – There Was A Time (YouTube)

Y no podía faltar el artista tapado por excelencia. Tapado para el gran público, porque entre los grupos, era el fichaje estrella si se conseguía poder contar con él. Así se han peleado por sus servicios gente de la talla de James Brown, Prince... Es uno de los saxofonistas con más clase a la hora de interpretar el funk. Cuando se escucha la obra de James Brown, si hay un saxo destacando, suele ser el suyo. Cuando en el mítico grupo The JB’s hay un sonido explosivo, hay que pensar en él. Y eso que entró a formar parte del colectivo de Brown porque su hermano, Melvin, fue llamado por James Brown y éste tuvo que aceptar en el “lote” a Maceo. Aquí está versionando un tema genial de su maestro, donde asombra a cualquiera cuando decide hacer sus solos. Un auténtico torbellino.

Con estas cinco canciones, seguro que el domingo se hace más llevadero. Groove para el cuerpo, sonidos explosivos para los oídos. La semana que viene más.

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Se ve que no triunfó mucho entre los visitantes la lista de las 100 mejores canciones de guitarra que la revista Rolling Stone publicó hace unos días. Tampoco ha debido tener buenas críticas entre sus seguidores, ya que la propia revista ha vuelto a sacar 25 canciones más que añadir como mención especial.

Es gracioso leer como ahora sí dicen que está completa la lista. Entre los nombres que se incorporan está My Chemical Romance como sorpresa más llamativa. No porque no tengan canciones de guitarras buenas, sino que, a mí parecer, han escogido The Black Parade para representarles y es de sus más flojas.

Se incorporan a la lista The Beatles con más madera (Taxman) y por fin más representantes de la música negra: James Brown, Prince, y Booker T. and the MGs. Además de David Bowie, quien, sorprendentemente, no había conseguido introducir ninguna de sus composiciones.

Aún así, sigue cogeando desde el punto de vista “indie” (véase, menos conocido). Dinosaur Jr logran entrar con Little Fury Things, The Velvet Underground entran con I Heard Her Call My Name, e incluso el Take Me Out de Franz Ferdinand se cuela entre las seleccionadas.

(Dinosaurs Jr, Little Fury Things; youtube)

Faltan tantas que empezar a contar es imposible (Sonic Youth, The Jam,...), y sobre todo, que un género como el post-rock, donde las guitarras son la parte fundamental, no tenga ninguna representación en esta lista, dice mucho. Shellac, Mogwai, incluso Tortoise en su campo experimental. Cada grupo con sus guitarras y ni se mencionan.

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Vía | Rolling Stone

Ni después de muerto, uno está libre de líos monetarios, presiones sociales y demás incómodas situaciones. El mismísimo Mr. Dynamite lanzaría uno de sus famosos gritos al aíre para parar la vorágine de estos acontecimientos respecto a su herencia. El último capítulo que se va a escribir sobre esta historia, trata sobre la subasta de los objetos que rodearon a James Brown durante su vida; todo bajo líos y más líos.

Cuando murió el día 25 de diciembre de 2006, muchos tiramos de material antiguo y corrimos para volver a escuchar las canciones inmortales que nos dejó el padrino del soul. Otros, en vez de explayarse en merecidos elogios al cantante, se apremiaron en ir lo antes posible ante las escrituras para ver qué trozo del pastel les había dejado su familiar. Un gesto enternecedor por su parte.

Así empezó una historia triste que se contrapone a la ilustre obra de quien decía ser el hombre más trabajador del negocio musical (“The Hardest Working Man in Show Business”). Y que irónicamente, ha acabado siendo subastado todo lo relacionado con su vida en la famosa casa de subastas Christie’s.

Tales subastas se celebrarán a finales de julio, y tendrán como protagonistas desde objetos personales, hasta premios, instrumentos y muebles del artista, más las típicas fotos de estos eventos.

Mientras, los familiares seguirán peleándose entre sí y de fondo algunos seguiremos poniendo It’s a Man’s World a la vez que se subastan los últimos recuerdos del más grande del funk. Él puso los cimientos del espectáculo y ahora se los rifan.

Vía | 20Minutos.es

R.E.M. – Shiny Happy People [letras]
Una dosis en vena de optimismo puro es lo que es este tema, una canción con la que se dio mucho a conocer la banda de Michael Stipe. Quizá sea un día demasiado idílico con gente por las calles de la mano camino de las rebajas. ¿Es que alguien se imagina la típica estampa de las rebajas de un modo pacífico? Qué más da, la cuestión es imaginárselo…

Coldplay – Don’t Panic [letras]
Los chicos de la banda de Chris Martin saben hacer canciones para días lluviosos como buenos ingleses que son, quizá sea la atmósfera de niebla y llovizna que casi siempre les acompaña.
Llega Fin de Año, llega Año Nuevo y sí, amigos, llega el 2 de Enero, ese día en el que algunos vuelven al trabajo y otros volvemos a estudiar un poco para los exámenes de la Universidad. Por ello, Coldplay nos anima un poco el día con unos ritmos de guitarra geniales; si es que en el fondo vivimos en un bonito mundo…

James Brown – I Feel Good [letras]
El padrino del soul, esa voz que cautiva y que a mí al menos tanto me anima con este temazo. Puede llover, puede hacer frío y puede que no hayamos podido dormir apenas mucho tiempo, pero quedan pocos días para Reyes y eso al menos nos consuela durante unos días, qué narices.