El verano llega un año más, y su calurosa presencia se nota no sólo en la música que escuchamos, sino también en la imaginería que le acompaña. En Hipersónica hemos decidido darle la bienvenida con una serie de artículos a esta época que tradicionalmente se relaciona con artistas casposos y ritmos pachangueros, pero que también pueda dar para productos interesantes.

El espíritu del verano se hace claramente patente en muchas portadas de discos, aunque en algunas con más acierto que en otras. Aquí va una selección de diez excelentes carátulas que nos muestran las múltiples facetas que trae consigo la estación estival.

1. Primal Scream – Screamadelica

Primal Scream – ‘Movin On Up’ (YouTube)

Aunque la apabullante sencillez de la portada que luce el disco más célebre de Primal Scream da pie a múltiples interpretaciones perfectamente válidas, para mí siempre ha sido sinónimo de calor, de sol ardiendo sobre tu cabeza y exigiendo una buena cerveza fría para equilibrar la temperatura corporal. Bochorno en forma de colores impactantes y brochazos gordos.

2. Beulah – The Coast Is Never Clear

Beulah – ‘A Good Man Is Easy To Kill’ (YouTube)

Poca explicación requiere la californiana portada del tercer disco de Beluah, la cual por cierto viene como anillo al dedo para el tono pop veraniego que adoptan sus doce temas. Da igual que sea en San Francisco o en Mazarrón; las puestas de sol veraniegas a la orilla del mar son siempre tan perezosas y radiantes como en esta ilustración.

3. Deftones – Around the Fur

Deftones – ‘My Own Summer (Shove it)’ (YouTube)

El verano es la época lasciva del año por excelencia, eso lo sabe hasta el más meapilas. La ropa justa y necesaria, pieles perladas por el sudor, noches en las que lo último que apetece es dormir… Cada uno tiene su propio verano, Deftones también; pero en su caso es tan descaradamente sexual, agresivo y sugerente como la carátula de su segundo esfuerzo.

4. Sigur Rós – Með suð í eyrum við spilum endalaust

Sigur Rós – ‘Gobbledigook’ (YouTube)

El cine americano y los anuncios de cerveza siempre nos han vendido que en verano tenemos que hacer locuras como correr desnudos con nuestros amigos como si no hubiera un mañana. También Sigur Rós se apuntaron a la celebración de los culos al aire en su último e impronunciable disco, aunque imagino que no pretenderán que lo hagamos por su Islandia natal, porque habría serio riesgo de que ciertas partes desaparecieran para nunca más volver.

5. Slint – Spiderland

Slint – ‘Good Morning, Captain’ (YouTube)

El verano no sólo tiene lugar en infinitas playas de arena blanca y chiringuitos abarrotados de turistas. El verano puede estar en un estanque perdido entre la montaña, donde bañarte junto a otros colegas que también pasan sus vacaciones lejos del agua salada. Así lo viven Slint en la portada de su mítico Spiderland, disco que hace no mucho recordábamos con motivo de su aniversario.

6. Red Hot Chili Peppers – Californication

Red Hot Chili Peppers – ‘Around the World’ (YouTube)

El ardiente cielo encerrado en una reducida piscina, y el agua fresca flotando sin límites en el cielo. Un inquietante mundo al revés presentado por Red Hot Chili Peppers, y que de alguna forma me recuerda a esas resacosas mañanas de domingo que siguen a los desenfrenos de los sábados de verano. Porque si las resacas son asquerosas durante todo el año, en verano con el calor y la desazón propias de la época llevan un plus de odio.

7. Pearl Jam – Yield

Pearl Jam – ‘Given To Fly’ (YouTube)

Llenar el depósito del coche, la nevara portátil de bebida fresca y tomar la carretara sin pensar en cuál será el destino final. Semejante lujo para los amantes de la conducción no está a nuestro acceso todo el año, pero sí es posible durante las ansiadas vacaciones de verano. Y por supuesto, siempre con una buena colección de discos en la guantera, como bien podría ser Yield de Pearl Jam.

8. The Beach Boys – The Very Best of The Beach Boys

Beach Boys – ‘Surfer Girl’ (YouTube)

De sobra es sabido que The Beach Boys representan mejor que nadie en la música el espíritu del verano, y así lo muestran también sus portadas, pero lo cierto es que la calidad artística de ellas no siempre es para tirar cohetes. De hecho para encontrar la carátula veraniega que más me gusta de ellos he de irme hasta el recopilatorio The Very Best of The Beach Boys, donde por enésima vez se demuestra que en diseño, menos es más.

9. Dinosaur Jr – Green Mind

Dinosaur Jr – ‘The Wagon’ (YouTube)

Verano también es rebeldía y liberación, aprovechar la ausencia de obligaciones y las largas horas de desocupo para empezar a descubrir aquello que tus padres aún no quieren que descubras. Verano también es la chica cuyo cuerpo es demasiado joven para el tabaco, pero cuya mirada parece estar ya de vuelta de todo. Verano también son Dinosaur Jr y su Green Mind.

10. John Lennon – Plastic Ono Band

John Lennon – ‘Working Class Hero’ (YouTube)

Cierro la colección con la famosísima fotografía de Dan Richter para la portada de Plastic Ono Band, trabajo en solitario de John Lennon, y que cuenta con una versión casi idéntica empleada para el álbum homónimo de Yoko Ono. La instantánea es puramente veraniega en ambos casos, trayendo a nuestra mente el recuerdo de estar tirados a la sombra de un árbol a la hora de la siesta, preferentemente en compañía, con las chicharras como banda sonora y la ausencia total de preocupaciones en nuestra mente.

En Hipersónica | Cincuenta canciones de verano: Cinco para darle la bievenida

Yellow Submarine se puso a la venta el 13 de enero de 1969 en Estados Unidos; cuatro días después salió en el Reino Unido. Era un disco extraño porque en una cara incluía temas de The Beatles y en la otra la banda sonora de la película compuesta, orquestada y dirigida por George Martin.

De los seis temas que los Fab Four escogieron para esta ocasión sólo cuatro eran originales y los otros dos eran reciclados. El hándicap que tuvo fue que salió en pleno éxtasis del Álbum Blanco, nº 1 por entonces. Aunque estaba claro que saliera lo que saliera al mercado del grupo el éxito estaba asegurado por los millones de admiradores que tenían en todo el mundo.

No había entre el cuarteto de Liverpool mucho interés en hacer una nueva película, así que respiraron cuando en la última que tenían por contrato no tenían que actuar. Pero tenían que aportar una banda sonora, que a la postre aunque fuera medio disco no les hacía mucha gracia.

La crítica dice que Yellow Submarine es un disco flojo, el más flojo de su carrera, pero lo que no se puede comparar con ninguno de los anteriores ni los posteriores. Disco de circunstancias, incluía ‘Yellow Submarine’ (Imeem), que ya se podía encontrar en Revolver, y ‘All You Need Is Love’, una canción que fuera single en 1967 e iba en la banda sonora de Magical Mystery Tour.

Sinceramente, la película merecía y merece la pena, y aunque The Beatles apenas si opinaron sobre ella, captura el ambiente psicodélico de esta época del grupo. Yellow Submarine supusieron los minutos de gloria de Ringo Starr, una canción en la que todos colaboraron, incluso el propio George Martin, que cantó en uno de los estribillos más famosos de la historia de la música pop.

‘Only A Nothern Song’ (Imeem) fue un tema que se desechó del listado final de la grabacion de Sgt. Pepper. Este tema lo escribió George Harrison y es uno de los temas freakies del grupo, cosas del LSD. El título hace referencia a Nothern Songs Ltd., la compañía poseedora de los derechos de los temas de The Beatles por entonces, y de la que el tandem Lennon & McCartney poseía el 30%.

‘All Together Now’ (Imeem) es de clara autoria de Paul McCartney. Es la canción hecha fiesta, una especia de tema pachanguero que sale al final de la película, justo cuando el grupo aparece en carne y hueso.

‘Hey Bulldog’ (Imeem) la escribió John Lennon y se grabó durante las sesiones de Lady Madonna. No parece en absoluto un tema de relleno tal y como el propio autor la definió, sino uno de esos “tapados” en la discografía de la banda. Me encanta este comienzo como de score de película de detectives.

‘It’s All Too Much’ (Imeem) es otro tema de George Harrison y fue ideado como el anterior ex profeso para el álbum. Es un tema bastante alocado, con mucha improvisación. Al final George dice “We are all dead”. ¿No era Paul quien estaba muerto?

Finalmente, sobre ‘All You Need Is Love’ (Imeem) nada podemos añadir a lo que ya dijimos cuando hablamos de Magical Mystery Tour. Como en el resto de ediciones remasterizadas, la de Yellow Submarine se ha hecho a través de las cintas originales.

El equipo de Abbey Road no ha comentado mucho sobre su trabajo. Lo cierto es que EMI nos había estado ofreciendo desde la salida del compact disc bistec con muchos nervios en vez de solomillo, y eso cómo fastidia.

Especial The Beatles

• The Beatles – Please Please Me: el esfuerzo vs el mito
• The Beatles – With The Beatles: empezaba la gloria
• The Beatles – A Hard Day’s Night: el culmen de la locura
• The Beatles – Beatles For Sale: agotados por el éxito
• The Beatles – Help!: de vuelta al folk
• The Beatles – Rubber Soul: la vida es corta, seguimos huyendo
• The Beatles –Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: uno de los mejores discos de la historia (I)
• The Beatles –Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: uno de los mejores discos de la historia (II)


• The Beatles –Magical Mystery Tour: seguian siendo los más grandes

Igual es demasiado especulativo decir que Magical Mystery Tour es un disco extraño. Aunque la verdad que en el Reino Unido hubiera salido como doble EP acompañado de un libro de 32 páginas con fotos inéditas y un cómic sobre la historia y las letras, y en USA como un LP nos dice un poco que su discográfica no tenía muy claro como encajarlo. Pero desde la reedición en CD, esa que con la que EMI nos ha estado tomando el pelo desde hace más de veinte años, siempre se ha considerado como un álbum.

Ahora lo volvemos a tener con nuevo empaquetado, sacado lustre al pésimo sonido de aquella reedición, retocando niveles y otros detalles que muchos mortales ni siquiera aprecian o apreciaron, más que nada por no disponer de un buen equipo de alta fidelidad. Y encima nos sorprenden con un mini documental sobre la grabación.

Magical Mystery Tour era el título de la alocadísimo especial de una hora que a The Beatles se les antojo producir para la BBC y que a la postre fue un absoluto fracaso. La crítica se cebó en ella porque el citado viaje al que aludía el título no tenía ni pizca de gracia, por eso la BBC no la proyectó más que en dos ocasiones en las Navidades de 1967.

Mejor suerte corrió la banda sonora, aunque en verdad no es al cien por cien un score compuesto ex profeso para este largometraje. Es un híbrido pues incluye el que el grupo había publicado tras Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, es decir, la impresionante doble cara A Strawberry Fields Forever y Penny Lane, sin duda dos de las mejores canciones del grupo.

El orden de los temas era distinto en el EP británico y en LP norteamericano, pero ateniéndonos al concepto álbum seguiremos el formato publicado el 27 de noviembre de 1967. Vayamos pues a analizar tema a tema este disco cuya fotografía de portada es divertidísima:

‘Magical Mystery Tour’ (Imeem) era el tema que daba título a esta producción. Es una invitación a uno de esos misteriosos viajes, tan habituales en el Reino Unido, donde sólo el conductor conocía el recorrido y el destino. La autoría es de Paul McCartney pero todos contribuyeron a la consecución de este vertiginoso corte que lleva tres trompetas.

‘The Fool On The Hill’ (Imeem) es uno de mis temas preferidos de los Beatles de esta época. También atribuida a Paul, se dice que la ideó cuando escribía ‘With a Little Help From My Friends’. Las flautas que aparecen en él le da un aire campestre y fue McCartney quien hizo la flauta dulce de los solos. Como curiosidad: John lennon tocó harmónica y maracas, George Harrison la armónica y Ringo Starr los crótalos.

‘Flying’ (Imeem) fue un instrumental firmado por los cuatro de Liverpool y la primera publicada por EMI. Habían compuesto otro corte instrumental para la película, ‘Jessie’s Dream’, pero quedó fuera del disco. Lennon tocó el mellotrón y todos hicieron voces. Además, volvieron a manipular cintas y pasarlas al revés para crear efectos.

‘Blue Jay Way’ (Imeem) es obra de George Harrison y en él se ve claramente la psicodelia Beatles. La escribió en Los Ángeles en una casa situada en la calle del mismo nombre que el tema y para ello utilizó un órgano Hammond que había en la casa. Paul firma también ‘Your Mother Should Know’ y aquí Harrison metió una tabla hindú. El piano del primero es lo más característico de la canción y los tres hacen voces. El solo de órgano es de Lennon.

Se cerraba la cara A con un tema de Lennon, ‘I Am The Walrus’ (Imeem), una fantasía que en la versión definitiva incluía violines, cellos, clarinetes, trompas y el coro Mika Sammes Singers, que parecen instrumentos y hacen las risas. El melotrón de John es fantástico y la partitura de George Martin es sublime. Es una de mis favoritas de todos los tiempos del grupo.

‘Hello, Goodbye’ (Imeem) es un tema de Paul y fue un single previo a la salida del doble EP y del LP, cuya letra es un tanto incomprensible: “you say yes, I say no…you say goodbye and say hello”. McCartney tocó bongos, piano y congas, y Ringo maracas. También hay dos violas. La verdad, no me hace mucho tilín.

Strawberry Fields Forever’ (Imeem) es cien por cien Lennon y esta en el top cinco en todas las listas de favoritas de los Beatles. La compuso en España cuando estaba rodando en Almería How I Won The War. Las tomas conocidas a través del Anthology nos muestran el proceso de grabación, y la toma final es una mezcla de varias de ellas. Nuevamente, George Martin tuvo que ver en el enriquecimiento orquestal de la misma para la que escribió una partitura en la que entraban trompetas y cellos.

‘Penny Lane’ (Imeem) era la otra cara A de este single sobresaliente. Tributo a la calle de Liverpool, Paul McCartney tocó en ella tres pianos y un armonio y el propio productor tocó otro piano, además Martin escribió la orquestación en la que aparecían flautas, piccolos, trompetas, flügelhorn, oboe, trompa inglesa, contrabajo y trompeta. Increíble como la anterior.

‘Baby You’re A Rich Man’ (Imeem) la firman a pachas Lennon y McCartney. No se grabó en Abbey Road sino en los Olympic Studios. Fue la cara B del single All You Need Is Love, y estaba destinada a aparecer en Yellow Submarine pero eso nunco ocurrió.

‘All You Need Is Love’ (Imeem) es otro exceso de grabación Beatle. Fue elegida para la retransmisión del primer enlace televisivo para todo el planeta, bueno, para 26 países. No fue un tema cien por cien tocado en directo. El grupo grabó la pista principal y en directo tocarían el tema ante las cámaras como si estuvieran haciéndolo en el estudio por primera vez.

Este mensaje de paz y amor se retransmitió el 25 de junio desde el estudio 1 de Abbey Road y además del cuarteto aparecieron tocando una orquesta de trece músicos. La canción se pulió después en el estudio, añadiendo detalles para mejorarla. Los Beatles por si alguno lo dudaba seguían siendo los más grandes.

Especial The Beatles

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• The Beatles –Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: uno de los mejores discos de la historia (I)
• The Beatles –Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: uno de los mejores discos de la historia (II)

El especial sobre Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967, Parlophone) trató en su primera parte sobre el contexto del momento, recordando a los grupos que en ese tiempo buscaban compartir protagonismo con The Beatles y las sesiones de grabación, donde George Martín llevó la batuta como sexto Beatle que es considerado.

La segunda parte de este especial se centra en las canciones, una a una, con sus respectivas historias, el concepto original del disco en mono y sus diferencias con la versión en estéreo, además de la recepción de la crítica y del público, sin olvidar su mítica portada. El espectáculo acababa de comenzar.

Canciones:

La banda quería cambiar los cauces del Rock y por tanto del Pop del momento, algo que se vio reflejado en un primer momento en las letras, más libres y menos efectistas que en anteriores entregas. Nada de cantar al amor de forma banal y tararear estribillos facilones, tanto McCartney como Lennon se centran en reflejar vivencias personales y los temas mejoran frente a los anteriores.

A esto hay que sumar el efecto del álbum conceptual y la supresión de los silencios entre cada tema, algo innovador en aquel momento y crea la sensación de un único show donde el oyente se evade. Para que haya esta unión entre tanto sonido dispar, la batería de Ringo Starr alcanza su máximo nivel y crea el nexo de unión entre una canción y otra, llevando el ritmo y dando juego tanto a las guitarras como a las voces.

Los efectos de las drogas se empezaban a notar, el LSD inundaba la escena londinense y Revolver había sido escrito bajo bastante influencia de este tipo de sustancias, algo que el grupo quitaba peso y negaba, puesto que hay que pensar qué imagen proyectaban a la sociedad: la de unos niños buenos frente a la rebeldía de los Rolling Stones.

Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band – Rare Video! (YouTube)

‘Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band’, grabada 1 de febrero de 1967, es la introducción de la banda y la presentación de este nuevo mundo que han creado, sobre todo desde la mente de McCartney. Para ello los arreglos juegan un papel fundamental, tanto por la parte de la orquesta en cuestión de viento metal, como con fragmentos grabados del público como si de una actuación de circo se tratase (el anticipo del sample). La banda del sargento Pimienta nos daba la bienvenida entre risas y aplausos, riffs de guitarras a lo Yardbirds, musculosos y crudos, pero con un optimismo que ningún Verano del Amor posterior podría igualar. Empezaba el show.

The Beatles – With A Little Help From My Friends (YouTube)

‘With A Little Help From My Friends’ era el segundo dardo firmado por John y Paul en una apertura fantástica que da paso a un medio tempo calmado, una batería con toques jazzy y las armonías vocales de los de Liverpool, esta vez con el timbre más grave de Ringo Starr a la cabeza y el resto de acompañamiento. Fue de los últimos temas que terminaron, el 29 de marzo de 2967, escrito para que el batería tuviese su justo protagonismo y con un diálogo entre los miembros de la banda a partir de preguntas lanzadas que respondían las segundas voces, Paul también al bajo y John, a la guitarra y al piano, de donde había extraído la melodía para dicha canción.

The Beatles – Lucy in the Sky with Diamonds (YouTube)

‘Lucy In The Sky With Diamonds’, grabada el 1 de marzo de 1967, es una de las baladas más bellas que John Lennon ha escrito nunca. Tres minutos y medio de Rock psicodélico que anticipaba su posterior camino hacia el Pop y la explosión de color sin la necesidad de tanta ornamentación, sólo una melodía simple, el tamboura de George Harrison creando la atmósfera de forma lenta y el órgano Lowrey de McCartney modificado en su sonido para jugar con nuevas fronteras.

El origen del tema suele partir de un dibujo del hijo de Lennon, Julian, quien dibujó en 1966 a su compañera de clase, Lucy O’Donnell, recientemente fallecida, el 22 de septiembre de 2009, con diamantes en forma de ojos, algo que el propio Julian no supo explicar en su momento pero que le llevó a denominar al dibujo como “Lucy – in the sky with diamonds”.

Después están las suposiciones de que el tema salió con motivo de la influencia del LSD, siglas que el título podría representar, pero que fueron denegadas una y otra vez, hasta que ya por fin, en 2004 y con los bolsillos forrados de verde, McCartney por fin confirmaba lo obvio: ‘Lucy In The Sky With Diamonds’ había surgido fruto del LSD.

The Beatles – Getting Better (YouTube)

‘Getting Better’, grabada el 9 de marzo de 1967, es de las más directas, no llega a los tres minutos. La guitarra de Harrison (al final incluye una parte de tambura) y Lennon se sincronizan creando un riff adictivo, que se une a un estribillo muy repetido y que llega a cargar un poco el tema. Ringo incorpora congas al sonido como percusión pero destaca más por la voz duplicada de Paul, así como de su parecido a hits de la talla de ‘Penny Lane’. Para mí es de las más flojas del álbum pero resume “la fórmula Beatles” de los años anteriores.

The Beatles – Fixing a hole (YouTube)

‘Fixing a Hole’, grabada el 21 de febrero de 1967, es la única que fue grabada fuera de los estudios Abbey Road, trasladándose a los estudios Regent Sound, también en Londres, porque los primeros no estaban disponibles esa noche. Como curiosidad: era la primera vez que The Beatles usaban otro estudio diferente para grabar. Con esta canción vuelven a sonar psicodélicos, Paul sigue doblado en su voz, técnica que también utilizan con la guitarra de Harrison, con un solo donde la guitarra de McCartney se queda más libre.

De nuevo vuelven a aparecer las drogas como posible inspiración, tanto heroína como marihuana, sustancia que Paul consumía con asiduidad en ese momento. Sigue sin quedar claro del todo, pero lo cierto es que el grupo suena más psicodélico que nunca.

The Beatles – She’s Leaving Home (YouTube)

‘She’s Leaving Home’, grabada el 17 de marzo de 1967, vuelven a ser The Beatles en formato balada con las perfectas armonías vocales que mezclan las voces de Paul y John, ambas dobladas, así como los coros de éste último. Un tema barroco con unos falsetes impecables y una caída al estribillo delicada entre arreglos de cuerda de la mano de cuatro violines, dos violas, dos chelos, un contrabajo y un arpa, tocado por Sheila Bromberg, la primera mujer en tocar en un disco de los Beatles. Mike Leander fue quien se encargó de estos arreglos y George Martin precedía en el sonido a las inquietudes clásicas de un joven McCartney.

Basada en una historia real que leyeron en un periódico (Daily Mirror), sobre una chica (Melanie Coe) que había abandonado su casa y no era encontrada. Aunque, como es lógico, la pareja de artistas trastocaron parte de la historia para hacerla más teatral.

The Beatles – Being For The Benefit of Mr Kite! (YouTube)

‘Being for the Benefit of Mr. Kite!’, grabada en numerosas tomas los días 17 y 20 de febrero, y el 28, 29 y 31 de marzo, era el cierre de la cara A y como tal se iba a cumplir el primer silencio de la actuación de la banda del sargento Pimienta, por lo que el tono cambia, volviéndose más oscuro y escrita por John Lennon inspirado en un póster del circo de Pablo Fanque del siglo XIX, temática que refleja la historia. La atmósfera se vuelve más surrealista que cualquiera de las anteriores y las armónicas se solapan con el Hammond y el piano de Lennon, así como los diversos instrumentos de George Martin. A destacar la utilización de loops procedentes de cintas, como ya hiciese John Cage en su momento.

The Beatles – Within You Without You (YouTube)

‘Within You Without You’, grabada entre los días 15 y 22 de marzo, además del 3 de abril de 1967, abre la cara B. Otro espectáculo comienza de las manos de George Harrison quien dirige a la banda en un viaje de iniciación por la cultura hindú gracias a largos solos con la tambura y el sitar, así como un buen número de músicos de sesión que le acompañan con otros instrumentos típicos de este sonido. Es el único tema, junto a ‘A Day In The Life’ que supera los cinco minutos de duración y a buen seguro, si EMI no hubiese estado detrás, se podría haber alargado más porque originalmente fue propuesta para que durase 30 minutos, algo anti-comercial en ese momento.

The Beatles – When I’m 64 (YouTube)

‘When I’m Sixty-Four’, grabada entre el 6 y el 21 de diciembre, vuelve a mostrar el gusto por el sonido de la música clásica y el Jazz por parte de McCartney, quien la firma y la canta. El sonido de vaudeville impregna el tema en el que Paul lleva a cabo un diálogo con dos clarinetes y un clarinete bajo, lo más destacado por su hermosura en la combinación y el tempo de un fraseo muy calmado, casi narrado y las dosis de humor de la letra unidas con cierto tono triste (“Will you still need me, will you still feed me, / When I’m sixty-four”).

The Beatles – Lovely Rita (YouTube)

‘Lovely Rita’, grabada el 23 febrero y el 21 de marzo de 1967, de nuevo a manos de Paul, tanto en la voz como en la letra, abre más el grupo hacia el Pop vitalista, dando un papel muy importante al sonido de las guitarras de George Harrison y el apoyo de Ringo Starr a la batería, así como los fraseos de George Martin al piano, hilo conductor con el siguiente tema para evitar las pausas, junto con el canto de un gallo.

The Beatles – Good Morning Good Morning (YouTube)

‘Good Morning Good Morning’, grabada el 8 y 16 de febrero, además del 13, 28 y 29 de marzo de 1967, recae en manos de John al completo y se nota desde cómo surgió el tema, gracias a un anuncio en la televisión de la marca de cereales, Corn Flakes de Kellogg’s cuyo jingle decía así: “Good morning, good morning, The best to you each morning, Sunshine Breakfast, Kellogg’s Corn Flakes, Crisp and full of fun”. Riffs de guitarra y un final reservado para, de nuevo, sonidos de animales, entre gallos, caballos y perros, entre otros.

The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise) (YouTube)

‘Sgt. Pepper’s Lonley Hearts Club Band (Reprise)’, regrabada el 1 de abril, sirve como despedida del show que ya se acaba, del show loco que anticipa obras como The Who Sell Out (1967, Track) y Tommy (1969, Track/Poyldor) de The Who que vendrían a retomar la idea conceptual en torno a un tema o sonido. La banda del sargento Pimienta nos dice que: “We hope you have enjoyed the show” y que su tiempo llegó a su fin, que se despiden del escenario.

The Beatles – A Day in the Life (YouTube)

‘A Day In The Life’, grabada el 19 y 20 de enero y el 3 y 10 de febrero, es el bis que siempre guarda todo gran actuación. Escrita por la pareja John y Paul y con el intercambio de papeles en la voz protagonista. Para mí, es uno de los mejores temas de Pop de todos los tiempos y el mejor de este álbum. Tiene todo tipo de sonidos en su interior, cual caja de Pandora que se abre para mostrarse al exterior, sólo que en vez de salir los males del mundo, sale esta joya. Es John quien se lanza el primero a entonar mediante un hilo frágil los primeros versos de la historia sobre un punto que no ha sido aclarado. Unos dicen que trata sobre la muerte en un accidente de coche de Tara Browne, heredera de 21 de la familia Guinness, la cual afectó también de sobremanera a Brian Jones; y George Martin habla de una referencia a las drogas. Quizá ambas ideas se juntasen como solía pasar en aquel momento. Mientras McCartney habla de su juventud y Lennon de referencias a periódicos…

El caso es que John Lennon llega casi desapareciéndose hacia la explosión de la orquesta al final del primer minuto y mitad del segundo, testigo que recoge Paul McCartney, momento al que también le sucede otra explosión de júbilo en un crescendo de los 40 músicos que formaban la orquesta (¡aunque McCartney llegó a querer 90!). Ya al final, la subida llega a su culmen máximo y explota en la cima dejando caer el telón con ella y tras un rato, 20 segundos de locura que han generado más de alguna tesis marciana. El coro final de ‘A Day In The Life’ es patrimonio de los mejores momentos de la música del siglo XX.

De esta manera se ponía fin en la parte sonora a una obra magna, de las mejores de la historia de la música y que cambió buena parte de lo que vendría después. La banda del sargento Pimienta había demostrado su categoría de genios del Pop y de la Música con mayúsculas.

Mono y estéreo

‘You haven’t really heard Sgt. Pepper until you’ve heard it in mono’. John Lennon hizo famosa dicha frase siempre que hablaba de este álbum, y es que fue concebido en mono, pero después, su discográfica EMI se decidió por pasar al sonido estéreo sin previo aviso con el objetivo de rentabilizar una tecnología en aquel momento implantándose y en auge (llevaba implantada sólo 10 años en el negocio de la música).

Geoff Emerick y su equipo fueros quienes se encargaron de esta mezcla en los estudios Abbey Road, llevada a cabo sin que el grupo se presentase a las sesiones, cuya duración fue de dos días y medios. Toda la grabación y distribución del sonido fue pensada en mono y se iban a encontrar con que la comercialización sería hecha en estéreo, puesto que hasta 2009 no se ha podido disfrutar del sonido original de Sgt. Pepper salvo bootlegs piratas. La versión en vinilo sí que tenía su opción en mono pero en los 70 se eliminó del mercado, mientras que en CD salió directamente en estéreo.

The Beatles – Sgt. Pepper Part II (2009 Mono Remasters) (YouTube)

Los cambios son muy evidentes entre una versión y otra. Los más evidentes están en: ‘Lucy In The Sky With Diamonds’, pierde peso en el sonido mientras que los arreglos ganan presencia, ‘She’s Leaving Home’, modificada en el tempo de reproducción, y en ‘Sgt. Pepper’s Lonley Hearts Club Band (Reprise)’ la voz de McCartney al final directamente desaparece.

También varía la duración de algunos temas, el sonido de estos en general, las baterías…

La explicación de la elección del mono frente al estéreo la dio George Martin en el libro Recording The Beatles (2006): “En 1967 muy pocas personas tenían un equipo estéreo. Casi todo el mundo escuchaba la música en mono. Era el sistema estándar.”

Recepción por crítica y público:

Sgt. Pepper cambió el transcurso de la historia de la música y la crítica supo ver su importancia desde el principio, desde calificarlo como “un momento decisivo en la historia de la civilización occidental”, en palabras del crítico teatral británico Kenneth Tynan, a ser encumbrado como el mejor disco de la historia por la NME en 1974, título que después revalidaría por parte de la revista Rolling Stone. Y polos opuestos como la revista Time y Pitchfork llegan a coincidir; los primeros eligiendo al álbum como uno de los 100 mejores de la historia, y los segundos brindándole un diez de diez, nota que pocas veces usan. En España la Rockdelux, lo eligió en el puesto 46 de los mejores del siglo XX.

El público lo digirió de forma paulatina, adaptándose a este nuevo sonido que los Beatles proponían, pero al final acabó triunfando a nivel de ventas, como ya pasase con todos sus anteriores. En Estados Unidos se mantuvo número uno durante 15 semanas, en Gran Bretaña durante 27 y en Australia durante 30. También fue un éxito mundial.

En la gala de los Grammy de 1968 se llevó nada menos que cuatro de siete a los que optaba: al álbum del año, a la mejor portada, al álbum contemporáneo, y al mejor ingeniero de sonido, no-clásico.

Por desgracia, no todo lo que derivó de Sgt. Pepper fueron buenas noticias. Brian Wilson al escuchar mientras conducía por Los Ángeles el anticipo en forma de single con ‘Strawberry Fields Forever’ como cara B (al que se sumaba ‘Penny Lane’ como cara A; publicado el 13 de febrero en Estados Unidos y cuatro días más tarde en Gran Bretaña) debió decir (no sé dónde empieza y acaba la leyenda) que: The Beatles “habían llegado a la meta primero”, tras lo cual las sesiones de Smile, el nuevo álbum de The Beach Boys, quedaron abandonadas de por vida hasta que en 2004 volvió a retomarse el proyecto.

Portada:

Como buen álbum planteado para cambiar la música, la portada también tenía que ser revolucionaria. En Sgt. Pepper es la primera vez que The Beatles introducen las letras dentro de un álbum, para el cual contaron en el diseño con Peter Blake, artista pop ya reconocido en aquel momento, y como director artístico con Robert Fraser, todo un personaje del mundo del arte en la década de los 60.
La banda tomó en serio su personaje en la banda del sargento Pimienta y se vistió con vistosos uniformes militares, diseñados por Manuel Cuevas, y poblados bigotes que destacaban sobre los intensos fondos en amarillo, rojo y verde.

Pero lo más importante es la portada, donde reunieron a 70 famosos incorporados mediante la técnica del collage, a excepción de las estatuas de los propios Beatles a la izquierda, junto al boxeador Sonny Liston y a la derecha, la actriz Diana Dors. Montaje que tardaron dos semanas en rematar. Al final, John Lennon no pudo salirse con la suya e incorporar a Mahatma Gandhi, (quitada por deseo de EMI) Jesucristo o Adolf Hitler, quien sí sale en la foto de preparación en el libreto del disco, con este pie de foto: “Almost Reddy for action – note Hitler on the sidelines”.

The Beatles – Sgt Pepper Photo Shoot (YouTube)

Lo mejor de todo es descubrir los detalles ocultos, habituales en la ironía del grupo. Por ejemplo: la muñeca de Shirley Temple con una camiseta que pone “Welcome The Rolling Stones”, las figuras de porcelana de ambos lados, así como la típica figura japonesa, el diminuto gnomo de jardín, la presencia de Aleister Crowley casi oculto en la esquina superior izquierda, el gurú indio, Sri Lahiri Mahasaya, entre otros.

La lista la completan nombres tan importantes como: Aldoux Huxley, William Burroughs, Bob Dylan, Karl Marx, Marlon Brando, Oscar Wilde, Lewis Carroll, Marlene Dietrich, Dylan Thomas, entre muchos más.

Una obra de arte que junto a la de Andy Warhol para la Velvet Underground, como ejemplo, se exhibirá en museos de aquí a unos años, mientras se sigue especulando si las plantas eran de marihuana o no y se habla sobre su precio de entonces, 2.868 libras (equivalentes a 37.521 libras de hoy en día, es decir, 40.205 euros aproximadamente).

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Especial The Beatles

• The Beatles – Please Please Me: el esfuerzo vs el mito
• The Beatles – With The Beatles: empezaba la gloria
• The Beatles – A Hard Day’s Night: el culmen de la locura
• The Beatles – Beatles For Sale: agotados por el éxito
• The Beatles – Help!: de vuelta al folk
• The Beatles – Rubber Soul: la vida es corta, seguimos huyendo
• The Beatles – Revolver: perder el miedo a perder, y ganar
• The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band: uno de los mejores discos de la historia (I)

“We’re Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band / We hope you will enjoy the show”. De esta manera The Beatles presentaban su octavo álbum de estudio en menos de cuatro años, con una media de dos o tres cada doce meses. Una frecuencia abrumadora que provocó, al producirse un año de diferencia entre Revolver (1966, Parlophone) y Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967, Parlophone), la generación de rumores de todo tipo, sobre todo los agoreros que decían que los británicos estaban a punto de separarse.

Frente a todo tipo de presiones, a todo tipo de especulaciones y afirmaciones de que lo mejor de los de Liverpool ya se había publicado, que ahora vendría la bajada, los cuatro fantásticos publicaban un nuevo álbum con el que cambiarían en sólo 13 canciones el significado del término Pop por aquel entonces, un álbum que cambiaría el transcurso de la música a partir de ese momento y hasta la manera en que la sociedad se abría hacia nuevos sonidos.

Contexto:

Sgt. Pepper’s… nació fruto de un contexto muy concreto, sin él el álbum no habría sido el mismo. En 1966 The Beatles ya eran las grandes estrellas de la música que vendían millones de copias, con tan solo seis años de su formación, seis de su paso por Hamburgo, cinco desde su fama creciente en el Cavern Club, con Brian Epstein fichándolos en 1962 y así sucesivamente hasta que en 1964 se les abrían las puertas de Estados Unidos y un año más tarde publicarían Rubber Soul (1965), al que seguiría Revolver (1966), sin olvidar su famosa frase: “we’re more popular than Jesus now” y la locura . Dos joyas de la corona y en donde ya se empezaba a percibir un cambio en el sonido, especialmente en el segundo álbum mencionado con temas como ‘Eleanor Rigby’, ‘Tomorrow Never Knows’ y sobre todo ‘Love You To’.

El agotamiento de la banda era lógico, giras extenuantes, promoción sin descanso y la explotación por parte de sus discográficas, Parlophone en Reino Unido y Capitol en Estados Unidos, o lo que es lo mismo, el imperio EMI, con el objetivo de rentabilizar al máximo esta gallina de los huevos de oro llamada The Beatles, los cuales eran más listos que sus jefes y habían llegado a un punto en el que pararse a pensar y tomar otro camino.

Mientras, en el exterior, seguía habiendo vida aparte de este cuarteto británico. A principio de 1966 empezarían las pruebas con el LSD, sustancia que marcaría la grabación de este álbum y que en octubre de ese mismo año inundaría la escena londinense. Estados Unidos seguía enviando soldados a Vietnam del Sur para mantener su lucha contra el comunismo y al otro lado del Atlántico, los únicos posibles competidores de The Beatles a nivel de público y creadores de un nuevo orden, The Rolling Stones iban aún muchos pasos atrás de los de Liverpool, con Andrew Oldham, su mánager, motivando a que Mick Jagger y Keith Richards compusiesen sus propios temas (‘Satisfaction’ se publicó en 1965), algo que John Lennon y Paul McCartney asumían como lógico desde hace tiempo.

The Beach Boys in Amsterdam 1969 – God Only Knows (YouTube)

En el panorama musical The Beach Boys habían publicado su Pet Sounds (1966, Capitol Records), el álbum Pop con mayúsculas de la historia y del cual Paul McCartney se vio influenciado en cuanto lo escuchó, llegando a declarar: “Es el mejor disco vocal que se haya grabado nunca… es en realidad una obra maestra”. Pero no fue el único álbum que por aquel entonces ya había anticipado que otro Pop era posible, Joe Meek llevaba convirtiéndose en el marciano mayor del reino desde principios de los 50 y la casualidad sería fatídica, puesto que murió antes de ver el cambio dado de forma masiva por Sgt. Pepper al poco de publicarse el 1 de junio de 1976, puesto que había muerto cuatro meses antes.

En las Islas Británicas, los nombres que podían ir más a la par de este cambio eran The Kinks, los cuales publicarían en 1968 The Kinks Are The Village Green Preservation Society (1968, Pye) y Small Faces, que con Small Faces (1967, Immediate) y Ogden’s Nut Gone Flake (1968, Immediate) aportarían su visión psicodélica del momento.

The Holy Modal Rounders – Boobs A Lot (YouTube)

Desde Estados Unidos el término psicodelia se había ido acuñando gracias al Folk de The Holy Modal Rounders. La Generación Beat y la Invasión británica ahondarían en este sonido, sobre todo de la mano de los propios Beatles y de The Yardbirds. El Rock empezaría a cambiar vía Grateful Dead, The Byrds ya habían publicado sus tres primeros álbumes, Love tenían su álbum de debut en la calle, Jimi Hendrix llevaba algunos años dando guerra y en breve publicaría Are You Experienced (1967, Track) y Axid: Bold as Love (1967, Track) y The Doors se preparaban para publicar el suyo en 1967.

En el mismo año que The Beatles publicaban este álbum, The Monkees buscaban adelantarles en éxito con Headquartes (1967, Colgems Records), el cual estuvo en el número uno sólo una semana y después se vio desplazado al puesto número dos de la lista estadounidense durante 11 semanas seguidas.

The sound of music (YouTube)

Mientras en las Islas Británicas la banda sonora de The Sound Of Music (Sonrisas y Lágrimas) dominaba la recta final de 1966, volviendo a superar a Revolver y a Aftermath (1966, Decca) de The Rolling Stones, y en 1967 comenzaba el año de la misma manera, sólo superada por The Monkees.

En este contexto, el golpe de efecto logrado por un álbum fuera de los márgenes del Rock más clásico, el que seguía bebiendo del Blues y del Rhythm & Blues y apostaba por la chulería del Rock and Roll, era toda una revolución. La música negra se encuentra con su pesadilla a nivel de ventas de forma ornamentada y de mano de una generosa orquesta. Todo estaba dispuesto para el cambio.

Grabación:

El 6 de diciembre de 1966 los cuatro fantásticos entraban en los estudios Abbey Road de Londres y hasta el 21 de abril de 1967 no saldrían con todas las tareas hechas en cuestión de sonido. Entre ambas fechas nada de giras, nada de volver a escribir canciones en los hoteles antes o después de los conciertos y sobre todo, nada de ir al estudio en una escapada de los escenarios. Ahora lo principal era grabar y tocaba cambiar la rutina de siempre.

Cinco meses de grabación para aquel entonces era una locura, cuando su primer disco, Please Please Me (1963, Parlophone), se grabó en sólo cuatro días sueltos y de esas sesiones se obtuvieron 9 horas y 45 minutos de música. Algo que contrasta con las más de 700 horas que Sgt. Pepper acumuló entre todas sus grabaciones, hecho que desde su discografía hacía temblar de miedo a los directivos de la época, fieles a su esquema de poco tiempo en estudio y rápida publicación.

The Pet Sounds/Sgt. Pepper Connection – Part 1 (YouTube)

Los cinco meses de estudio contrastaban también con la rutina de publicar una nueva referencia del grupo en formato single o álbum cada tres meses, porque sino desde arriba se pensaba que la gente se cansaría de ellos y que los olvidaría por otro hype del momento.

Tras la pecera y a las órdenes de The Beatles su cerebro en la oscuridad: el productor Sir George Martin, nombrado caballero del Imperio Británico en 1996 por su labor a la industria de la música y la cultura popular. El propio productor habla así de este trabajo en el libreto del mismo:

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band no comenzó como un álbum conceptual, pero muy pronto tomó vida propia. Lo recuerdo con intensidad, como un reto tremendo y una experiencia altamente gratificante. Para mí, fue el álbum más innovador, imaginativo y creador de tendencias de su momento.

Esa primera idea recae en Paul McCartney, quien movido por su gusto por el Pet Sounds de The Beach Boys va a llevar casi todo el peso de este álbum, dejando a John Lennon en un segundo plano, quien sólo firma en solitario tres de los 13 temas del disco (‘Being for the Benefit of Mr Kite!’, ‘Lucy In the Sky With Diamonds’ y ‘Good Morning Good Morning’), y tres con Paul (‘A Day in the Life’, ‘With a Little Help From My Friends’ y ‘She’s Leaving Home’), mientras que George Harrison aporta uno (‘Within You Without You’), dejando a McCartney el protagonismo en los otros seis restantes.

The Pet Sounds/Sgt. Pepper Connection-Part 2 (YouTube)

Con este esquema la banda empieza a pensar en su disco “secreto”, con el que se ocultarían bajo el pseudónimo de Dr. Pepper pero al final los motivos legales (en Estados Unidos existe una bebida con este mismo nombre) y por la lógica del mercado, ya que en seguida se descubriría que eran ellos quienes se ocultaban tras cualquier identidad ficticia, McCartney y compañía apostaron por Sgt. Pepper y toda la temática militar que rodeaba al nombre, el cual McCartney eligió por su longitud y su gusto por los nombres largos del Rock californiano del momento.

The Beatles y George Martin buscan cambiar todo, incluido la dinámica de producción, lo cual pasaba desde incorporar una orquesta de nada menos que 41 instrumentos hasta llevar las sesiones de grabación en secreto, nada podía salir de ahí antes de que se publicase el álbum, había que guardar el secreto puesto que todos sabían que tenían una bomba entre manos y no querían que nadie se les adelantase.

Los instrumentos y sonidos que se usaron para grabar Sgt. Pepper fueron numerosos y muy diversos. Según enumera Jim Irvin en la entrevista que hizo en marzo de 2007 a Sir George Martin para la revista Mojo:

Una orquesta de teatro, cuatro trompas, un clavicordio, un órgano Lowrey, una tambura, un arpa, un string octet, un calíope, un acordeón, una selección de clásicos instrumentos indios, un trío de clarinetes, unas campanas tubulares, un extraño combo y una orquesta formada por 41 instrumentos.

La influencia india aún no se había ligado tan fuerte con la figura del gurú hindú, Maharishi Mahesh Yogui, de quien Keith Richards declararía:

Mick se fue a ver al Maharishi, y yo pensaba: “Uuuh, no veo muy clara toda esa mierda”. Estoy bastante orgulloso de no haber ido nunca a besarle los malditos pies al Maharishi. Si no lo hubieran promocionado tanto (sobre todo los Beatles), tal vez la cosa no hubiera alcanzado unas proporciones tan demenciales. Supongo que tenía que gustarte la motivación básica que había detrás. Pero la cantidad de gente a la que tomaron el pelo….

Pero aún así, seguía en auge gracias, sobre todo, a George Harrison, amante de este tipo de sonidos, como después demostraría en el concierto benéfico Concert for Bangla Desh (1971), y en los que se había introducido por David Crosby, guitarrista de The Byrds, en la gira estadounidense de The Beatles en 1965, donde descubrió la música de Ravi Shankar y aprendió a tocar el difícil sitar indio gracias a un viaje a India donde conoció a dicho artista, quien le enseñó su arte.

George Martin the 5th Beatle (YouTube)

Pero había un problema con todo este tipo de instrumentos y sonidos: ¿cómo iban a ser grabados? Los estudios de EMI no estaban tan avanzados como ahora puede imaginarse uno, más bien eran pobres en medios, pero el equipo de George Martin y compañía se las ingeniaron para a través de dos cuatro pistas conseguir capturar el sonido de las grabaciones (los ocho pistas no llegarían a estos estudios hasta finales de 1967). Uno de estos cuatro pistas sería reservado para la banda y el otro para la orquesta; técnica que hasta el momento no se había utilizado.

De esta manera surgía el problema de grabar al mismo tiempo ambos sonidos, tarea que llevó a cabo un jovencísimo segundo ingeniero de sonido de 19 años llamado Richard Lush, el cual cuenta en el mismo número de Mojo citado antes:

Había un punto determinado en cada una de las cintas que habíamos señalado con un lápiz amarillo. Mi dedo tenía que golpear cada máquina al mismo tiempo y ellos tenían que ir a la misma velocidad, algo que no solían hacer. Cuando lo habías capturado bien, era, ‘Rápido, Geoff [Emerick],hay que mezclarlo ya.

Así fueron surgiendo las grabaciones en secreto, con habitaciones separadas para recibir a las visitas y órdenes estrictas de cuando viniese alguien no invitado por la banda, la reproducción de las cintas se pararía en seco para que ningún sonido se escapase de ellas.

La manera de plantear la grabación de estos temas había incrementado su gusto por la reverberación, los ambientes y atmósferas de cada tema, así como los sonidos exóticos que pueblan este trabajo; en gran parte deuda de la búsqueda de Geoff Emerick, el ingeniero de sonido jefe en el estudio.

Me di cuenta que estaba siendo diferente desde el principio, con ‘Strawberry Fields Forever’. Para mí ese tema abrió un nuevo campo de sueños. Paul tenía las ideas muy definidas sobre sus canciones – él solía venir y grabar en bruto versiones donde él tocaba todo; pero John tenía ideas complejas que nunca podía organizar – él no podía cambiar una bombilla. Lo vi como un reto. Mi trabajo era meterme en el cerebro de John, encontrar lo que él quería y entregarlo.

Continúa en la segunda parte del especial sobre el álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

Especial The Beatles

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Siempre me ha hecho mucha gracia cómo con el paso de los años, tras la muerte de las grandes figuras de la música, van sacando material con cuentagotas. Recopilatorios con temas inéditos, imágenes de ensayos nunca vistas, canciones “recién” descubiertas… En muchos casos y por desgracia, sólo se busca alargar la vida de los ingresos generados a base de estirar como chicle el material que no sacó en vida.

En el caso de The Beatles es algo similar. Después del negociazo de Yoko Ono con John Lennon, tendréis que disculparme si muestro cierto escepticismo hacia este tipo de noticias. Todo apunta a que Paul McCartney lanzará una nueva canción, ‘Now And Then’, a pesar de que todavía no tenemos fecha de publicación ni si se incluirá en algún tipo de recopilatorio de The Beatles.

‘Now And Then’ fue compuesto en 1978 por John Lennon y que grabó como una demo, siendo retocado años después, en 1995, por Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr con motivo de su reunión al lanzar su antología en CD. Paul recibió la grabación de manos de la viuda de Lennon, a cambio de que él presionara para la inclusión del fallecido en el Rock Hall of Fame. Totalmente desinteresada, vamos.

En esa casette, cuyo valor no puedo llegar ni a imaginarme, había tres canciones. ‘Free as a Bird‘ y ‘Real Love‘ vieron la luz con la antología de 1995, pero ‘Now And Then’ quedó en el limbo de los justos hasta ahora. Con motivo del 40 aniversario del lanzamiento de Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Paul está preparando un disco con canciones propias, lo que hace pensar que seguramente este nuevo tema vea la luz incluído en él.

Vídeo | Youtube

Soy una fan incondicional de John Lennon, he de admitirlo, y yo hubiera dejado la canción intacta en lugar de añadir los posibles coros de Paul y George y los correspondientes instrumentos, es perfecta tal y como está, pero qué le vamos a hacer, soy una talibana en lo que se refiere a Lennon.

Vía | Contact Music, Daily Express

La artista visual Sam Taylor-Wood va a dirigir un biopic de John Lennon que se llamará ‘Nowhere Boy’ y que tendrá guión de Matt Greenhalgh, el responsable de la escritura de ‘Control’, la película biográfica sobre Ian Curtis.

‘Nowhere Boy’ sólo se centrará en la infancia de Lennon y en el proceso de cómo se convirtió en estrella. La película hablará del divorcio de sus padres, de cómo vivió con sus tíos y de su adolescencia y de cómo el arte, la música y Paul McCartney ayudaron a John Lennon a salir de su vida de adolescente solitario:

Las mujeres que formaron parte de la vida de John durante sus primeros años dieron forma al hombre en el que se convirtió y las flaquezas y fuerzas de estas relaciones serán la parte central de la película.

De momento no se conoce aún quien hará el papel de John Lennon, pero sí se sabe que, como es normal, el rodaje tendrá lugar en Liverpool. Taylor-Wood, la directora, es una de las más aclamadas artistas británicas del momento, ya que sus fotografías se exhiben en el museo Guggenheim, en la National Portrait Gallery de Londres o en las mejores galerías del mundo.

Entre los trabajos de la directora se incluyen filmaciones de David Beckham durmiendo, Elton John o Pet Shop Boys y la serie la serie de fotografías ‘Crying Men’, veintisiete retratos de conocidos actores masculinos (Laurence Fishburne, Sean Penn, Dustin Hoffman, Paul Newman, Willen Dafoe o Robert Downey Jr.) a los que sometió a la prueba de llorar de un modo sincero ante su cámara. En 1998 fue nominada para el Premio Turner.

Vía | Blogdecine

La subasta tendrá lugar en Londres y el precio de salida será de 300.000 libras (unos 380.000 de nuestros euros, casi ná), pero todo parece poco para poder disfrutar en nuestras casas de un pedacito de la historia reciente de la música.

John Lennon escribió esta canción en 1969 durante el encierro por la paz que mantuvo en un hotel de Montreal (Canadá). No estaría mal que el dinero recaudado con la venta de ese texto se destinara a fines similares a los que promulgaba en sus versos. Sí, soñar es gratis y aún no se subasta.

Junto al manuscrito, se pondrán también a la venta unas fotografías inéditas tomadas por Gail Renard, guionista de televisión, que en aquel año 69 contaba con 16 años. La chica consiguió llegar hasta Lennon a pesar de la seguridad desplegada por todo el hotel y arrancarle una entrevista y unas cuantas imágenes.

Ya desde bien joven yo tuve claro que era de The Beatles. En los descansos de las clases del instituto y en las horas libres muchas veces algunos compañeros nos dedicábamos a polemizar sobre quienes eran mejores, si los Beatles o los Rolling.

Recuerdo en concreto lo debates con una compañera que defendía a muerte a la banda de Mick Jagger y Keith Richards, bueno y a Frank Zappa también, mientras que yo, pobre de mí, hacía lo posible por dejar en buen papel a los Fab Four.

Nunca tuve un disco favorito de los Beatles aunque si me apuran diría que Rubber Soul, que por cierto contiene tres de mis canciones favoritas del cuarteto. Ese disco de 1965 con su portada, grafismo y fotografía, es uno de los clásicos de su discografía.

Ahí va pues mi top diez de The Beatles que explico antes; como me gustan todas sus épocas hay una representación de todas ellas en esta lista.

1. If I Fell

Un tema perteneciente a la banda sonora de A Hard Day’s Night. En él la banda hace un espléndido trabajo vocal. El vídeo va con una versión en directo en la BBC.

2. And I love her

Otro balada romántica de la película A Hard Day’s Night que firma y canta Paul McCartney. Tiene un solo de guitarra fascinante. El clip fue rodado en los estudios de TV de la BBC.

3. Norwegian wood (This bird has flown)

Un tema de Rubber Soul, el primer disco hippie de los de Liverpool. El sitar de George Harrison le da un aire misterioso a la canción.

4. Nowhere man

Un tema de John Lennon, de los mejores de Rubber Soul, que os ofrezco en una versión, con las voces una tanto desafinadas, extraída de un directo en Japón en 1966.

5. In my life

Otro tema de Lennon de Rubber Soul, ¿se nota cuál es mi preferido del tándem? Una gran canción que en su mitad lleva un teclado en una onda barroca a lo Bach.

6. Here, there and everywhere

Muchos seguidores la tienen como su canción favorita de The Beatles. Escrita por Paul McCartney e incluída en Revolver, tiene la estructura clásica de los temas del bajista, que ofrece en ella una de sus mejores interpretaciones vocales.

7. She’s leaving home

Un de los mejores temas del Sgt. Pepper’s escrito por Paul McCartney y John Lennon y cantado por el bajista. Una balada con coros celestiales de Lennon que no fue arreglada por George Martin sino por Mike Leander.

8. While my guitar gently weeps

Una increíble balada rock escrita por George Harrison para el llamado Álbum Blanco. Eric Clapton tocó la guitarra solista en este tema, una Gibson Les Paul.

9. Across the universe

Un tema de John Lennon que se incluyó en Let It Be. Es una de las canciones más conocidas de la última época de The Beatles y lleva un mantra añadido en su letra: Jai guru deva om.

10. Because

Una balada escrita por John Lennon y cantada a tres voces junto a Paul y George que está incluida en el álbum Abbey Road. En el disco Anthology 3 se encuentra una versión a capella que pone los pelos de punta.

Vídeos | If I fell, And I love her, Norwegian wood (This bird has flown), Nowhere man, In my life, Here, there and everywhere, She’s leaving home, While my guitar gently wheeps, Across the universe, Because

Cuando leí que Travis había decidido cruzar esa delgada línea que separa devoción de indignación sentí como de costumbre el habitual resquemor. Me pasé por MySpace para comprobar si tenía razón o si me equivocaba al poner directamente el sambenito a los escoceses. En un primer momento ya me ablandé, al comprobar que la versión está incluida en un disco humanitario con motivo de las matanzas de Darfur. Cuando abrí la página descubrí que la canción, una versión en exclusiva de Gimme Some Truth, original de Lennon, se ofrecía para su descarga gratuita, he de confesar que me sentí todavía más aplacada.

Después de poder escuchar he de decir que la canción es correcta, pero que como en la mayoría de los casos, no se supera al maestro. Si bien es cierto que no tiene nada de vergonzoso, está bien traída hasta nuestra actualidad musical y desde luego a la política del día de hoy. Si Lennon era capaz de tirar con honda hace treinta años, ahora no sé qué habría hecho. Desde luego, no podría encajar mejor una letra con una realidad, aunque sea una versión del grandísimo tema del Beatle.

Vía | SputnikMusic
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