En Palabra de Rock. Antología de letristas españoles, cada uno de los músicos aparece con una breve presentación y tres de sus mejores canciones. Seguramente son todos los que están pero no me temo que no están todos. Estos son los agraciados: Nacho Vegas, Sabino Méndez, Fernando Márquez “El Zurdo”, Poch, Kiko Veneno, Mercedes Ferrer, Fernando Alfaro, Robe Iniesta, Pablo Guerrero, Pauline en la Playa, Santiago Auserón, Enrique Bunbury, Corcobado, Julián Hernández, Luis Alberto de Cuenca, Astrud y Jaime Urrutia.

Según explica en el prólogo del libro, su autora ha pretendido:

Destacar a magníficos letristas, con obras llenas de poesía, de hallazgos fonéticos, de puntos de vista únicos, con un mundo literario propio, una capacidad narrativa extraordinaria y una originalidad más que evidente

No está del todo mal la selección, sorprende al menos la diversidad de estilos y épocas pero yo hubiera incluido a Carlos Berlanga, Antonio Arias, Albert Pla, Antonio Luque y, por supuesto, a Carmen Santonja y Gloria Van Aerssen, o lo que es lo mismo a las Vainica Doble , ¿y tú, a quién echas en falta?

Vía | Efe Eme
Sitio Oficial | Fundación José Manuel Lara

Para su decimotercera edición más de 90 artistas pasarán por los cinco escenarios (muchos de ellos ya habituales) en la principal cita anual con el rock estatal y el hip hop. Personalmente me parece que el cartel no varía cada año, pero seguro que no piensan lo mismo las miles de personas que congrega cada edición y que son la baza fundamental del éxito de un festival que nunca ha contado con el apoyo de los grandes medios de comunicación.

Un festival que nunca defrauda a sus seguidores. Absolutamente todas las bandas fetiche del metal, punk, mestizaje y hip hop del presente y pasado del panorama musical español estarán congregadas un año más en este festival.

Y todo esto por tan sólo 70 euros, incluyendo derecho a la zona de acampada. Las entradas ya están disponibles en Tick Tack Ticket, El Corte Inglés y CCM Activa.

Puedes ver el cartel completo si sigues leyendo. Queda exactamente un mes, comienza la cuenta atrás.

VIERNES, 2 de MAYO
ROSENDO, LOS SUAVES, PORRETAS, EL ULTIMO KE ZIERRE, SINKOPE, ELBICHO, MALA RODRIGUEZ, HUECCO, CANTECA DE MACAO, KUTXI ROMERO & JA TA JA, OBRINT PAS, ILL NIÑO, NARCO, KOMA, SAVIA, SORKUN & VICE PRESIDENTES, B REAL DE CYPRESS HILL, TOTEKING, FIDEL NADAL, EL CHOJIN, CHACHO BRODAS, SWAN FYAHBWOY & KIKI SOUND, DOGMA CREW, BLÄCK BEE, KANO SUNSAY, SURFACE, SWANN, LITTLE NICK, THE STOICHKOVS, SIN MIRAR ATRAS y LA ESPERA.

SABADO, 3 de MAYO
SOZIEDAD ALKOHOLIKA, LA FUGA, SINIESTRO TOTAL, DESPISTAOS, LA GRIPE, MUCHACHITO BOMBO INFIERNO, LOS DELINQÜENTES, PERET, KIKO VENENO, THE LOCOS, QUINTO PARPADEO, SOULFLY, HAMLET, SKIZOO, BERRI TXARRAK, HABEAS CORPUS, VIOLADORES DEL VERSO, LA EXCEPCION, MORODO, ARIANNA PUELLO, SOLO LOS SOLO, XHELAZZ, SHOTTA, A3BANDAS, PRIMER DAN, DR. SAPO, LOLAIMON, BARBARROJA, T.SEX, HADES y LOKOLÉ.

Sitio Oficial | Viña Rock

La onda expansiva de Veneno no fue como la de una bomba, inmediata, atronadora y capaz de barrer con todo. No, fue más bien como la de la piedra que cae en el agua: círculos concéntricos que van apareciendo silenciosamente, pero que se extienden hasta el infinito.

Lo que sigue aquí es un análisis de por dónde se dejaron ver algunas de esas ondas calladas, de quien quiso continuar la tarea de Veneno. Por supuesto, esta enumeración de ocho discos está afrontada muy subjetivamente. En algunos casos, es obvio que Veneno tuvo la culpa de su existencia, en otros podría discutirse y en unos pocos me he puesto a hilar tan fino que es posible que me haya pasado de frenada. En fin, para rebatir lo que queráis tener los comentarios. O para aportar vuestras sugerencias. En cualquier caso, cualquiera de estos ocho discos harán más feliz vuestra discoteca particular.

Camarón: La leyenda del tiempo (1978)

La referencia más clara, casi un disco nacido en el mismo momento. Camarón abandona el “De la Isla”, se deja barba y se pone al contraluz en la portada. Y, aconsejado por Ricardo Pachón, productor de Veneno, se rodea por la locura: junto a él están Tomatito, Raimundo Amador y Kiko Veneno.

El rock y el flamenco tienen ya, gracias a la máxima estrella de este último estilo, carta blanca para aparearse todo cuanto quieran. Kiko le prepara a Camarón un hito histórico del pop (Volando Voy, single del disco) y le da también “Mi niña se fue a la mar” (firmada a medias con Pachón), así como le prepara le trae preparada la la versión de Omar Kayan, poeta persa.

No obstante, Ricardo Pachón, Kiko Veneno y Raimundo Amador difieren en qué parte de culpa tuvo cada uno en el origen de La leyenda del tiempo. En cualquier caso, lo más importante, más allá de los egos, ya estaba hecho: éste es un disco de los que borran prejuicios con el flamenco y parada obligatoria para cualquiera que se diga aficionado a la música.

¿Y la reacción?: Pachón cuenta que los gitanos viejos devolvían el disco en las tiendas porque decían que ése no era Camarón.

Imprescindible para comprenderlo en toda su extensión este artículo de Luis Clemente, quizás el mejor crítico que ha tenido el flamenco.

Pata Negra: Blues de la Frontera (1987)

Diez años después de Veneno, los hermanos Amador firman su último disco juntos como Pata Negra. Lo que vendría después es una fea historia, pero este Blues de la Frontera consagra su fusión, denominada por ellos mismos la bluesería (blues + bulerías). Desde la emotiva Bodas de Sangre hasta la final Lunático (que si la oyen Primus se mueren), lo que hay en este disco es algo más que un nuevo sonido o una fusión que lleva al terreno gitano el blues, el reggae, el rock, el pop, el jazz (preciosa How High The Moon) o el funk: lo que se esconde tras la portada son nueve canciones como la copa de un pino.

Quizás en Guitarras Callejeras, su segundo disco, la experimentación sea mayor, pero nada es tan consistente como la despedida de Pata Negra. Dicen que lo acaban de reeditar con el sonido mejorado. Seguro que Rafael sigue cantando tan alejado de la ortodoxia flamenca como en aquel entonces e igualmente capaz de romperte. Pasa la vida se ha convertido en un tópico por culpa del mal uso que la televisión ha hecho de ella, pero metida aquí, en medio de sus acompañantes sigue siendo una de las mejores piezas que haya dado el pop español. Por si fuera poco, Blues de la frontera consiguió reconocimietno internacional y abrió otra nueva puerta de entrada al flamenco.

Ketama, Toumani Diabate y Danny Thompson: Songhai (1988)

El mejor disco de Ketama, el que justifica toda su existencia como banda y el que puede hacer más llevaderas las veleidades que vinieron después, aunque también sirve para sacar los colores a la posterior evolución del grupo que formaron los retoños de los Habichuelas y los Sordera.

África se da la mano con el flamenco. Dicho así, puede quedar un eslogan demasiado publicitario, pero es sorprendente cómo casan los ritmos y las cuerdas de Mali (espléndido Toumani Diabate) con los distintos palos y el contrabajo juguetón de Danny Thompson. El NME lo nombró el año de su salida mejor disco no aglosajón y aún hoy sigue siendo uno de los discos que más hace por darle a la etiqueta World music un sentido más allá del puro marketing discográfico.

Si en Veneno era el rock y lo anglosajón lo que venía a visitar al flamenco, aquí es África, el Islam, los gitanos y lo inglés lo que se une en la mezcla perfecta. Groovie es la palabra, como demuestra Jarabi...

Ray Heredia: Quien no corre, vuela (1991)

Otro de los reeditados recientemente (en concreto, el año pasado) y quizás el disco con la leyenda trágica que parece ser inevitable en cualquier estilo. El nuevo flamenco tuvo en Ray Heredia a su joven mártir talentoso, pero lo duro de su final (murió a los pocos días de concluir el que iba a ser su debut en solitario) no ha de ser el morbo que impulse la calidad de este disco. De hecho, Quien no corre, vuela no necesita de nada extra a su propia música para ser el disco canónico del Nuevo Flamenco, ambigua etiqueta en la que se ha dado cabida desde lo mejor (este disco) hasta algunas excursiones de flamenquillo pop barato de dudosa valía.

Lo más impresionante es cómo Heredia pone voz a la melancolía. No hay quejío, sino otra manera de afrontar el dolor. Si me lo permitís, mucho mejor que Jeff Buckley. Que su tema más conocido se llame Alegría de vivir sólo demuestra la absurdo de un mundo que no le dio el reconocimiento popular que este disco se merecía. La crítica lo entendió y lo alabó nada más salir, pero muy pocos más. Aún así, un monumental tratado de tristeza, que casa con el humanismo de las letras de Kiko Veneno y que, en lo musical, ahonda en la fusión del flamenco con el pop más universal.

El último de la fila: Enemigos de lo ajeno

El camino contrario al de Veneno (o al de Kiko Veneno en solitario). Culpables de que el pop español pudiese aflamencarse y, en este disco, de algunas de las mejores canciones de la historia de la música española, El último de la fila consiguieron que lo mediterráneo, la Barcelona urbana pre-1992, el flamenco light (aquí no en sentido peyorativo) y el pop inglés (yo sigo viendo mucho de los Smiths en este disco y si me apuran, hasta de los Go-Between) se uniesen sin que aquello pareciese un pastiche. Si Veneno fue un disco para colgados y mentes alucinadas, Enemigos de lo ajeno trat de adaptar parte de su lenguaje para la gente de los extrarradios. Claro, triunfaron. Además, “el nuestro no es un amor perfecto pero tampoco los ángeles tienen hélices” es una frase muy de Kiko.

Albert Pla: No sólo de rumba vive el hombre

Lo dice Kiko, no yo: Albert Pla puede ser de alguna forma continuador de mi trabajo. Empezamos a hilar fino, sí, pero no es difícil unir a Pla y a Kiko con una línea imaginaria que atraviese a todos los librepensadores, a los heterodoxos, a esos músicos libres de modas y sólo plegados a su propio universo interior. De hecho, si alguien decide hacer un día una buena recopilación de cantautores españoles dejando de un lado a todos los que copiaron el modelo anglosajón, Kiko y Albert deberían estar en primer líena de fuego. Si la obra de Kiko iba de flamenco, la de Pla, al menos en sus primeros tiempos, se escribía con r de rumba. Pero ambos recuperaban la tradición con una visión descarnada y extremadamente íntima de las viejas canciones y de los ritmos antiguos. No sólo de rumba vive el hombre es un disco de los que te vuelan la mente y te ayudan a matar prejuicios. Justamente como Veneno.

Sr. Chinarro: El fuego amigo

Podéis ponerle todas las pegas que queráis a esta elección pero Antonio Luque, como Veneno, ha sabido sacar geniales canciones de cantarle a las cafeteras (Sabina dixit). Y en El fuego amigo, además, acentúa su giro costumbrista, hace su música menos críptica y sus letras se acercan a la concepción del mundo que tiene Kiko Veneno. No es que esto sea flamenco, desde luego: aquí el influjo sólo está en la mente del oyente. Pero ¿en serio cuesta tanto imaginar canciones como Morado, Humor Amarillo, El cabo de Trafalgar o El Rito en el cancionero de Kiko? A mí no. Y, además, éste es un disco que hay que citar siempre que se pueda.

Morente y Lagartija Nick: Omega

La destrucción de todo lo establecido, el paso más allá de a donde Veneno llegaron; el adiós al Nuevo Flamenco, frase acertadísima con la que recibieron este disco algunos críticos. Enrique Morente, el flamenco al que muchos puristas no consideran tal, el inquieto hombre que siempre está buscando nuevas experiencias, recluta a Lagartija Nick, una de las mejores bandas rock de nuestro país, para cantar a Lorca. Y si en La Leyenda del Tiempo, Camarón puso al poeta granadino en clave rock, aquí Morente y Lagartija Nick lo llenan de ruido y trash. El poeta en Nueva York recibe los tremendos cánticos de Morente que, pese a que brilla en las piezas más tradicionales, donde se desata es en aquellas en las que le acompaña el grupo granadino encabezado por Antonio Arias.

La furia y la tristeza, la rabia y lo jondo, conviven en un disco sin parangón desde entonces. Omega, la canción, es posiblemente, una de las mejores piezas que hayan dejado tanto el rock y el flamenco, con esos sampleados de antiguos discos y ese crescendo hacia lo irreal. Otro de los que te barren por completo, de los que te dejan tumbado, de los que te hacen sentir muy vivo y muy orgulloso de haber podido participar de una experiencia sonora de tal calibre. Un disco para el futuro, justamente como lo fue Veneno.

Como ejemplo de lo que se hizo allí, Ciudad sin Sueño:

“Imprime la leyenda”, decía John Ford a través de un periodista en El hombre que mató a Liberty Valance. Veneno es, desde un poco después de su publicación, una leyenda, que cada vez difiere más de los hechos reales. Lo que se ha hablado de ese disco lleva el sello del recuerdo magnificado, de la consciencia, por parte de sus creadores, de que el disco es uno de los mejores de la historia del pop/rock español.

“Esto es como la muerte de Manolete. De aquel disco sólo se vendieron 500 copias y el grupo sólo dio unos diez conciertos y apareció dos veces en televisión. Es verdad que provocó una explosión, pero no tuvo continuidad. Veneno es un mito que ha sido redescubierto después”.

Así de claro habla Pedro Barbadillo, director de ‘Dame Veneno’, el reciente documental sobre el grupo, en el que trata de reconstruir lo que pasó para que se creara aquel hito. Y aquí seguimos, imprimiendo al leyenda, ante la imposibilidad de acceder a los hechos reales. Todo queda más bonito así.

Hoy, nosotros vamos a hacer algo parecido alo que Barbadillo consiguió en su magnífico documental. Así se hizo Veneno, a través de las declaraciones que sus principales protagonistas (o los testigos del momento) han ido realizando, a lo largo del tiempo, a diferentes fuentes:

O es una mierda como una casa o esto es algo genial

(Cita apócrifa atribuida a un ejecutivo de la CBS, compañía en la que se iba a editar el disco, tras escuchar por primera vez una maqueta de Veneno).

“Eramos jóvenes y un poco alocados”.

(Rafael Amador, La Factoría del Ritmo)

“Yo estaba con la Familia Montoya, un grupo muy bien considerado, que actuaba en la Trocha, y ganaba dinero. Después conocí al Kiko, empezamos a tocar los temas de Veneno, y ya no gané más dinero y me quedé a dos velas. Hicimos el disco de Veneno y fuimos muy criticados por todo el mundo, los flamencólicos , los jipis…. decían que si estábamos locos”.

(Raimundo Amador, Lisergia)

“Estuvieron seis meses metidos en un piso que tenía Kiko en Nervión, encima de una farmacia, fumando porros todo el día. Ellos decían que aquélla era su farmacia de guardia. El encuentro lo propició Ricardo Pachón, que había sido productor de Lole y Manuel. Él oyó hablar de Kiko y provocó el encuentro de éste con Raimundo. Y Kiko invitó a los dos hermanos a su piso. El propio Rafael cuenta en la película que el primer día que entró allí se puso unos cascos y se quedó flipado con una música que él nunca había escuchado: Pink Floyd”.

(Pedro Barbadillo, ABC)

Tuvimos plena libertad (...) Respirábamos unión y libertad. Sólo tuve un problemilla con los percusionistas, cuando me di cuenta de que eran un bluff, los eché del estudio

(Kiko Veneno, Efe Eme)

Ellos han cabalgado siempre en una línea muy estrecha entre la inspiración y la locura, algo lógico cuando se reúnen tres monstruos de la creación que no tienen nada que ver entre sí: un universitario de clase media que se compró una guitarrita en América y dos gitanos callejeros.

(Pedro Barbadillo, ABC)

Íbamos a tope, nos expresábamos a tope y lo pasamos alucinantemente bien. Las canciones se grabaron en una sola toma, excepto “Los delincuentes”, que tiene un pinchazo a la mitad que se nota un montón

(Kiko Veneno, Efe Eme)

Aparecieron actuaciones en Televisión Española y fotos inéditas de la grabación tanto de La leyenda del tiempo como de Veneno. Las de este último son buenísimas. Viéndolas te das cuenta de que todo lo que se dice sobre el descontrol en aquella grabación es cierto.

(Gervasio Iglesias, productor del documental Dame Veneno; e-sevilla)

La ciudad acepta mal a los creadores más individualistas. Deben entrar en sus mecanismos de automitificación y celebrar sus rituales oficiales, desde la Semana Santa hasta la Feria de Abril. Y yo pretendía sacarle poesía incluso a lo más sórdido

(Kiko, sobre la influencia de Sevilla en el disco; El País)

Si soy políticamente incorrecto ahora, imaginaos cuando tenía 25 años. Me decían que me adelantaba a mi época. Claro, el negocio lo hicieron más tarde. CBS vendió más de 300.000 copias de “Veneno” a precio reducido: según el contrato, no sólo no tenían que pagarme royalties, es que no tenían ni que comunicarme la cifra de ventas.

(Kiko, en su manifiesto de liberación)

“El disco de Veneno cambió nuestras vidas, fue un punto de partida feliz que marcó nuestra trayectoria”

El trabajo del que estoy más orgulloso, por su frescura, por su fuerza, ¡lo mejor de cuanto he hecho nunca!

(Kiko Veneno, en su web oficial)

Fue un momento germinal. Allí está el origen de la fusión del flamenco con las músicas contemporáneas.

(Pedro Barbadillo)

En 1977, Londres ardía en el invierno del descontento de toda una generación que no quería ver el mañana. No lo necesitaban; no, al menos, para seguir así. La sociedad se había quedado anquilosada en un status quo que debaja fuera muchas cosas. La música también. Y llegó el punk para convertirse en la mecha incendiada de esa pólvora acumulada a lo largo de tantas derrotas, de tanto tragar.

En 1977, España no ardía, pero casi. Aquí el status quo estaba cambiando tan rápido que amenazaba con descarrilar antes de llegar a su destino. La triple A ya había entrado a Atocha para tratar de acabar con el creciente poder sindical y dar un aviso a navegantes. La mecha también había prendido, aunque, como siempre por aquí, el fuego era interno.

El punk llegaba a España como las olas a las costas: dejando sólo una ligera huella de lo que había sido. Aún tardaría algo en calar en forma de disco, aunque La Banda Trapera del Río (el referente fundamental, más allá de pollos fritos) ya estaba formada. Mientras, en Sevilla, la marea británica se juntó con el aprendizaje de un joven en la Costa Oeste de los EEUU (Kiko Veneno) y las raíces profundamente flamencas de dos hermanos talentosos, los Amador. Juntos, y con el productor flamenco que más ganas tenía de darle la vuelta al mundo (Ricardo Pachón), decidieron que había llegado el momento de grabar un disco.

Esos son los mimbres con los que se construyó Veneno, uno de los pilares fundamentales de la música española (elegido mejor disco nacional del siglo en las listas de Rockdelux y Efe Eme). Se cumplen, pues, 30 años de aquel hito y a mí, que me da lástima ver que sea tan difícil de encontrar en las tiendas y comprobar que casi ningún medio le ha dedicado un espacio preferente o un reportaje especial con motivo del aniversario, me han obligado a esto: un especial en tres partes sobre aquel disco y sus consecuencias.

Veneno se grabó, casi del tirón, en junio de 1977, con Ricardo Pachón a los mandos. La CBS acogió con reservas el entusiasmo del productor ante un grupo formado por dos gitanos y un universitario de origen catalán y sentimiento andaluz. Pocos les miraban con gusto (demasiado ‘jipis’, decían), pero Pachón había dado el campanazo antes con Lole y Manuel y, claro, su ascendencia sobre la compañía no era nada despreciable.

En una semana, Veneno, el disco, quedó concluido, visto para sentencia. Con un sonido algo arrastrado, aún hoy sorprende lo vívido que resulta. La sensación es que el grupo está tocando en el salón de tu casa, con todas sus imperfecciones pero también con todo el embrujo de las actuaciones en directo.

La leyenda cuenta que, en la segunda noche de grabación, un ácido cayó en la tetera y apareció la inspiración absoluta. Si el primer día sólo se había grabado No Pido Mucho, en ese momento de locura lisérgica se grabó casi todo el disco: una obra repleta de magia a la que el tiempo ha tratado como corresponde, otorgándole el título de disco fundamental de la música española.

Veneno es el momento en el que el flamenco se abre a la música pop, al rock de raíces extranjeras. La aparente colisión de culturas no es tal: todo en el disco fluye como si fuera lo más natural del mundo. Podría parecerlo, pero la cantidad de obras que han intentado lo que Veneno consiguieron sin lograrlo demuestran que aquella unión contra natura fue fruto de la genialidad y la locura. Incluso sus propios autores han tenido problemas para darle una sucesión digna.

En Veneno conviven por igual Bob Dylan y los carnavales de Cádiz; solos de rock ácido con la imaginación de la guitarra flamenca; los crujidos y la pureza con el hachís y la iconoclastia. La experimentación llevada al límite.

El disco se abre con Los animales, más de cinco minutos con un inicio racial que desemboca en pura improvisación. El flamenco se construye como una Jam rock, en una canción de ida y vuelta. Kiko recita un texto de RD Laing y se mueve a bandazos, como el propio tema: cálido al inicio, tormentoso en la mitad y, de nuevo, con calma y tranquilidad en el final, cantos de pajaritos incluidos. Sí, esto es rock progresivo, pero sin necesidad de dar la lata. A mí me recuerda a la parte más folk de ese Un Gran Día de Ia & Batiste.

La muchachita es blues flamenco, del que luego darían taza y media Pata Negra, y se une en el disco por medio de las guitarras de los Amador a la Canción Antinacionalista Zamorana, una diatriba en clave íntima a favor y en contra de la Sevilla de aquellos días (“los dulces me atan, el ruido me alimenta, no me sirve el paraguas cuando viene la tormenta, las mosca me pueden, los gatos me hieren, los niños me pintan en las paredes”). Luce mucho el pulso rítmico desbordante y terriblemente contagioso. Una actuación en directo del año pasado la recoge con Kiko y Raimundo haciéndola brillar:

Canción Antinacionalista Zamorana

Indiopole, el tema que sigue a esa tormenta de inspiración, llega como el único instrumental del disco y la vez en que la bulería ha estado más cerca de los Nuggets de la Norteamérica de los 60 en toda la historia de la música.

El disco no baja de intensidad en ningún momento. Culminado el maridaje entre el rock y el flamenco en la anterior canción, llega hora de hacerlo con forma de hit. Los delincuentes es, desde luego, la canción más directa. Con un estribillo contagioso a más no poder y un ritmo vacilón que hoy tratan de imitar varios grupos (entre ellos, los que sacan su nombre del propio título), la canción podría haber sido un single perfecto si alguien hubiese entendido a Veneno. Genial la caña gaditana.

Quedan aún tres canciones para el final del disco y la capacidad de seducción de este debut ya está totalmente desplegada, pero entonces entra con fuerza la influencia de Bob Dylan. Aparta el corazón de las mangueras la exhibe ya desde el título, en la canción más pasada de rosca de todo Veneno. ¿Demasiado ácido en aquella segunda noche?

San José de Arimatea, el santo porrero, es, como han dicho muchos críticos, el Memphis Blues Again del disco y la enésima demostración de que los Amador tocaban las guitarras españolas con técnica rock. Finalmente llega el cierre de Veneno, la excelsa No Pido Mucho, toda una declaración de intenciones: Kiko no pedía mucho, sólo la libertad absoluta.

A mí también me gustaría escribir sin tener que cambiar la voz, sin muletas, sin que haya que pedir permisos. Y hacer el amor de igual manera. Y, si tuviera talento, crear algo como Veneno. Pero pocas cosas de ésas son posibles. Por lo menos, puedo recrearme en este disco de hace 30 años que (y aunque parezca una frase tópica) suena más moderno que la inmensa mayoría de los discos del pasado año. No pido mucho: sólo que se le dé el reconocimiento masivo que se merece. O que se le haga una reedición como se merece.

(Recomiendo la lectura de ‘El día en que los astros colisionaron en el espacio’, muy buen artículo de Juanfran Molina)