Esta marca personal es un proyecto de audioarte conceptual basado en ruido, grabaciones de campo y elementos electro-acústicos específicamente generados para investigar nuevas tonalidades de sonido, crear un entorno libre, sin prejuicios, un testigo de audio neoexpresionista y una crítica de la cultura contemporánea americana.

Dos años le ha llevado a Norman Fairbanks desarrollar esta app denominada Kling Klang Machine nº 1, de la que su propio autor dice que no puede ser comparada con ninguna otra aplicación para generar música, pues la mayoría de ellas utilizan algoritmos preprogramados. Promete que habrá en el futuro actualizaciones y renovaciones de la app.

Vía | LeMarais
Sitio oficial | Kraftwerk
Vídeo | YouTube

Con motivo de la celebración del Oktoberfest del 18 de septiembre al 3 de octubre en Múnich nos proponemos ver la evolución de la música en Alemania, de forma modesta y resumida, con una selección de 6 artistas representativos desde la década de los 50 hasta la primera del 2000. Seis nombres que en su día marcaron un cambio por equis motivos.

El hecho de elegir uno por década hace que muchos artistas se queden fuera, así que las reclamaciones se aceptarán puesto que de eliminar el condicionante temporal el top 6 de mis artistas alemanes sería muy diferente.

Estudio de Música Electrónica, hablando con extraterrestres

Herbert Eimert: Klangstudie II (YouTube)

En los 50 Alemania tuvo una gran escena que popularmente no supuso una revolución como lo sería posteriormente el Krautrock pero sin ella en la música electrónica algunas cosas podrían no haberse dado. En 1951 nace la Westdentscher Rundfunk de Colonia y Herbert Eimert funda el Estudio de Música Electrónica, el primer estudio de música electrónica con ambiciones numéricas, como bien explica Ariel Kyrou en el indispensable libro ‘Techno Rebelde’.

Tras esa comunidad encontramos a nombres de la talla de Robert Beyer y Karlheinz Stockausen. De este grupo de pensadores y artistas sonoros saldría un concepto diferente de música electroacústica que marcó un momento clave en el desarrollo de este arte, siendo reconocido por, entre otros artistas, John Cage.

El Krautrock o la magia de Can y compañía

Can – Mary, Mary So Contrary (YouTube)

En los 60 el Krautrock estaba listo para ser desarrollado. El Rock había derivado hacia terrenos psicodélicos y progresivos y los artistas minimalistas de Estados Unidos (La Monte Young y Steve Reich, entre otros) habían ido experimentando con nuevas fórmulas que después proyectos como Silver Apples o Can llevarían a un nuevo nivel.

Finales de la década, el grupo de Simeon Coxe II y Danny Taylor publican dos álbumes: Silver Apples (1968) y Contact (1969), aunque el trabajo publicado en ese momento y que más repercusión ha tenido fue Monster Movie (1969) de Can. Las ensoñaciones del Krautrock ya se dejaban ver, los riffs en bucles en los que luego Neu! se recrearían al comienzo de los 70 se colaban entre temas larguísimos para aquella época. Un nuevo Rock estaba surgiendo.

Kraftwerk, el comienzo de un nuevo mundo

Kraftwerk – The Model (Youtube)

Antes de Kraftwerk y después de Kraftwerk. Con la publicación del álbum homónimo Kraftwerk (1970) la música electrónica y el Pop se encontraban con un trabajo que cambiaría el sonido y el popular concepto canción que hasta el momento estaba vigente. Ralf Hütter y Florian Schneider daban sus primeros pasos al poco de dejar Organisation apostando por la versión más electrónica.

El Krautrock estaba muy presente en los inicios. Después fueron avanzando en su sonido, logrando desde hits imparables que se iban a los 22 minutos con ‘Autobahn‘ hasta la propuesta definitiva en dos álbumes que bien se merecen todos los elogios imaginables: Trans-Europe Express (1977) y The Man-Machine (1978), con los que el Electro y el Pop tenían un espejo futurista en el cual mirarse.

Einstürzende Neubauten, el Punk verdadero

Einstürzende Neubauten – jet’M (YouTube)

Llegan los 80 y no todo iban a ser tocados y estilismos horteras, o la Neue Deustche Welle con Nena y su ’99 Luftballons’, también se mantendría la revolución en la música que en esta década iría a parar a Einstürzende Neubauten. Llega el Industrial y el Avant-Garde más oscuro por parte de un grupo que asumió la verdadera filosofía del Punk hasta el último detalle.

El principal cambio fue la utilización de instrumentos creados por ellos mismos en los que no había límites, desde herramientas de construcción a los inventos más extraños hechos de metal para capturar la desazón de un estilo reivindicativo, crudo y directo. El ruido como arte y como medio trabajos de la talla de Kollaps (1981) o Zeichnungen des Patienten O. T. (1983).

Sven Väth, el Trance como respuesta

Sven Vath – L’Esperanza (YouTube)

Tras el triunfo de estilos tan duros como el Hardcore o el Gabber, por no hablar del Speedcore con velocidades de 300 bpm, llega la antítesis: el Trance. Y como representante un joven alemán llamado Sven Väth que se había ido situando en la primera línea de fuego con listo para llegar al número 1 mundial en las pistas de baile.

Su centro de actuación fue The Omen, local situado en Fráncfort, donde comenzó a ganar fama antes de crear su sello Cocoon Recordings. La escena Trance también aportó otro popular representante alemán como es Paul van Dyk. Ahora la principal estrella de masas es Tiësto.

Tokio Hotel, la permanente y la decadencia

Si ha habido un nombre mediático en la primera década del 2000 ese ha sido el de Tokio Hotel. Pese a la gran escuela de Rock alemana la evolución no siempre asegura que los vástagos sean de buena calidad y en el caso de los de Bill ‘permanente’ Kaulitz esto se cumple. Un grupo de Pop dirigido a los adolescentes que ha conquistado todo cuanto ha querido, ha llenado estadios, ha vendido millones d discos y la MTV los ha premiado hasta por toser.

Tokio Hotel bien pueden ser uno de los peores grupos de la historia de Alemanía, pero su relevancia y el fenómeno social que han levantado es digno de estudio, de ahí su inclusión en esta lista. Lo del arte de cantar en este caso lo dejamos para otra ocasión.

Ayer por fin salía la primera parte del especial sobre los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI y el primer debate estaba servido: Daft Punk arriba, Björk abajo, puestos injustos… Lo habitual en una lista de música.

Hoy la segunda parte sigue demostrando que la década pasada no hubo un único género en la música electrónica sino que tantos como uno quisiese encontrar. Volvieron los grandes maestros, también por fin. La Indietrónica dejaba nuevas obras de referencia a la vez que perdía fuelle en según qué propuestas, la música negra se mantenía unida al House, mientras dicho estilo se reducía y por último, el Big Beat dejaba paso a nuevos sonidos para todos los públicos.

¿La electrónica muerta? No. Está más viva que nunca.

45. Kraftwerk – Tour de France (2003, Kling Klang)

Sin Kraftwerk no habría habido música electrónica, o al menos, no como la conocemos hoy en día. Esta máxima, de primeras con una apariencia demasiado categórica, se fundamenta en todos las declaraciones de los protagonistas del mundo de los beats, citando a los alemanes como su principal fuente de inspiración (en especial Derrick May).

Pese a que la época dorada del grupo de Ralf y Florian tuvo lugar en los 70, abarcando toda la década con auténticas joyas que son biblias del género, luego también publicaron algún que otro trabajo; por desgracia, sin guardar tanto nivel como los ocho primeros (se dice pronto).

En 2003, tras 17 años desaparecidos del panorama de estudio, Kraftwerk se quitaban las telarañas con Tour de France Soundtracks (Kling Klang), que luego en 2009 eliminaría el último término en el título, quedando sólo Tour de France. La vuelta era de las buenas, aunque muchos quieran aún escuchar nuevas florituras de la primera época. Entre tanto Pop electrónico de fórmula aparecían los germanos y seguían con su factoría de himnos con la canción que da título al disco y que dividen en tres etapas.

Techno que seguía evocando sensaciones de viaje, Pop marciano con sintetizadores y un concepto: el de los 100 años del propio Tour de France, bajo el cual fue pensado este trabajo. De notable alto décadas después.

Una canción: ‘Tour De France Étape 1‘ (YouTube): el viaje en círculo que nunca se repite.

44. Lali Puna – Scary World Theory (2001, Morr Music)

La música electrónica nunca ha tenido barreras. Siempre ha incorporado nuevas modas y gracias a ella, como a otros estilos musicales, podemos ver cuáles eran las tendencias de la sociedad en aquel momento y cuáles eran las desviaciones que iban surgiendo en los subgéneros. En los 90, esa desviación que más triunfó fuera del circuito electrónico fue la Indietrónica.

Grupos como Lady Puna mezclaron con gusto y clase los beats del Downtempo con las estructuras de un Pop muy calmado y suave, donde la voz no era vista como un bicho raro, sino que era parte esencial. El sello principal de esta expansión fue Morr Music, donde publicaron proyectos de la talla de Ms John Soda o Tarwater pasaron por su catálogo, al igual que múm – Finally We Are No One, (2002, Fat Cat Records) estuvo a punto de entrar en la lista -, aunque en Fat Cat y luego en Morr Music, sus similitudes eran palpables.

En Lali Puna la voz la aportaba Valerie Trebeljahr, sin levantar la intensidad, ocultándose en muchos casos bajo el sonido de las bases de una electrónica que había acogido en su mezcla con el Pop los elementos más básicos del Breakbeat. Scary World Theory (2001, Morr Music) es un trabajo para desconectar y cuya relevancia en la escena trae consigo su incorporación a la lista.

Una canción: ‘Don’t Think‘ (YouTube): el resumen de su sonido.

43. Moodymann – Black Mahogani (2004, Peacefrog)

El House nunca ha sido puro, ni en los tiempos en que despegó en Chicago, ni en el underground más cerrado. Muchos lo ven como una continuación del Disco con sus consiguientes cambios. En los últimos años el House siguió bebiendo de esa mezcla con la música negra de la que en un inicio se sirvió para crecer como sonido propio. Artistas como Moodymann son un ejemplo de ello.

Kenny Dixon Jr. es el nombre que se esconde tras este proyecto de, irónicamente, Detroit. Con dos buenos largos en la década de los 90 y con varios 12” bajo su propio sello, KDJ, así como uno para Planet E (Carl Craig) y su posterior fichaje por Peacefrog Records, Moodymann ya era referencia en la escena.

En Black Mahogani (2004, Peacefrog) el Jazz gana bastante peso, pero bien hilado, sirviendo de ejemplo a proyectos que dicen hacer Acid Jazz pasteloso y soporífero. El Funk aparece entre medias, para no variar, y las colaboraciones con los diferentes voces, como Roberta Sweed o Amp Dog Knight. Otra manera de afrontar el Deep House a principios de la década.

Una canción: ‘Holiday‘: sonidos negros bajo la base electrónica.

42. Akufen – My Way (2002, Foce Inc.)

El Microhouse fue una de las derivaciones del House que llegaron con más fuerza durante la pasada década. De Canadá coincidieron varios nombres como Deadbeat, Tomas Jirku y Marc Leclair, el verdadero nombre de quien se esconde tras Akufen, uno de los proyectos que más han influido durante estos años. Cada uno afrontó el sonido desde su manera, cada uno ofreció un proyecto único y personal. Algo difícil de pensar.

En el caso de Akufen con su debut en largo, My Way (2002, Force Inc.), la perfección fue tal que después de eso ya no repitió en este formato, sólo con un mix para Fabric (2004) y después bajo su propio nombre convertido en alias (2006).

Un planteamiento tan adictivo como su álbum de debut era difícil de superar. Ahí estaba ‘Deck the House‘ para jugar con una base adictiva sobre la que un loop era repetido hasta el final, ‘Skidoos‘ aportando la cara más oscura y de un single que bebe del Deep House pero controlando los beats hasta el último tramo, ‘Jeep Sex‘ seguía uniendo líneas de Acid años más tarde, y ‘Heaven Can Wait‘ cortaba cualquier ritmo para crear uno nuevo.

Una canción: ‘Deck the House‘ (YouTube): el nuevo discurso del House.

41. 2 Many DJ’s – As Heard on Radio Soulwax, Pt. 2 (2002, PIAS)

El Big Beat enseñó algo muy importante a la música electrónica más accesible: los elementos del Rock bien utilizados son sinónimo de éxito. Ahí están The Chemical Brothers, The Prodigy o Fatboy Slim para corroborarlo. Hay muchas maneras de mezclar ambos sonidos, como hemos visto esta última década, aunque si me tuviese que quedar con una de todas ellas la propuesta de 2 Many DJ’s sería mi favorita.

As Heard on Radio Soulwax, Pt. 2 (2002, PIAS) no sólo introduce el Rock con la electrónica, sino que se atreve a elegir 30 temas muy conocidos de la música popular o no entre los melómanos, sin fecha límite y sin un género común. De esta manera se mezclan The Velvet Underground con Felix Da Housecat, The Stooges con Sly and the Family Stone y todos tan contentos.

Una recopilación bizarra de remixes que van más allá del fenómeno mashup, mezclando todo lo habido y por haber. Es pura adrenalina y diversión ver lo que la pareja de belgas también conocidos como Soulwax (David y Stephen Dewaele) pasan por su batidora personal himnos de la talla ‘I’m Waiting For The Man’ y los hacen adictivos, no por el tema en sí, sino por el conjunto que logran crear. Pura dinamita donde la velocidad y la intensidad son sus principales valores. Un álbum para alegrarse el día.

Una canción: ‘No Fun‘ (YouTube): los riffs del Garage salpicados de Electro.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Continuamos nuestra Guía de regalos navideños y tras las recomendaciones sobre el hard rock y el metal, pasamos a la electrónica, desde la más bailable a la más experimental en los planteamientos.

Todos tenemos el amigo más moderno, snob o rarito al que un regalo como estos le alegrará las Navidades. Aunque luego también existe gente normal a la que nos gusta este género, pero el ejemplo anterior está creciendo con fuerza y seguro que más de uno le ponéis nombre de alguien conocido.

Así que, pidamos a los Reyes regalos basados en la magia de los beats. Hay para todos los bolsillos.

Regalos por menos de 10 euros

Aphex Twin – Richard D. James

Uno de los mejores álbumes de electrónica de la década de los 90, Richard D. James, publicado por Warp Records en 1996, puede encontrarse hoy en día cerca de los 8 euros si sabemos buscar bien. Lo firma el artista irlandés que da título al trabajo, aunque bajo su alias más conocido, Aphex Twin. En total, diez cortes de IDM marciana donde no hay un sólo segundo con el que no se disfrute. Una joya.

• Precio: 7,99 euros (más gastos de envío)
• A la venta en: Bleep

LCD Soundsystem – Sound of Silver

Una recomendación más actual, y que en 2010 tendrá nuevo trabajo de estudio, es LCD Soundsystem, proyecto de James Murphy, uno de los capos del sello DFA Records y que se ha ganado su fama gracias a hits para hacer bailar a todas las pistas del mundo. Aquí nos encontramos con varios, entre ellos, ‘Get Innocuous‘, el que abre el álbum.

• Precio: 6,49 euros
• A la venta en: Play.com

Regalos por menos de 30 euros

DJ Shadow – Live! In Tune and on Time

Siempre que tengo que recomendar un álbum para alguien que empieza en la electrónica, lo tengo claro: el Endtroducing… (1996. Mo’ Wax) es la mejor opción. Está tirado de precio en la edición deluxe, así que es un buen momento. Pero si tenemos un poco más de dinero y ese ya lo hemos comprado, regalemos este directo de DJ Shadow que incluye un DVD muy interesante y que no se suele ver tanto.

• Precio: 23,49 euros
• A la venta en: Play.com

Loops. Una historia de la música electrónica (Javier Blánquez, Omar Morena)
La música no sólo se escucha, sino que también se lee. Para quienes quieran aprender e indagar más sobre el mundo de la música electrónica éste libro será un regalo fantástico, revisa desde el origen hasta los últimos movimientos y en sus casi 500 páginas van pasando todas las escenas que han construido la electrónica de hoy en día, desde el Industrial al Acid-House. Muy recomendado.

• Precio: 19 euros (más gastos de envío)
• A la venta en: Cualquier establecimiento especializado

Regalos por menos de 50 euros

Camisetas de Fuckpony
Las camisetas que desde el sello alemán, BPitch Control, la central de Ellen Allien, diseñan no tienen pérdida y todas suelen ser geniales, caras pero también en tiradas muy pequeñas, por lo que sabes que tu vecino seguro que ni la lleva. A mí esta de Fuckpony en blanco con el teclado me encanta.

• Precio: 30 euros (más gastos de envío)
• A la venta en: Tienda oficial BPitch Control

Burial + Four Tet – Moth / Wolf Cub
Una de las referencias más buscadas este año ha sido la que Burial y Four Tet compartieron en mayo bajo el título Moth / Wolf Cub (2009, Text Records) y que también se agotó antes de salir porque corrió el rumor entre todos los aficionados de la electrónica que los dos productores estaban tras ese acetato negro que ahora ya empieza a cotizarse como es lógico, puesto que su calidad es altísima. Una buena inversión a futuro.

• Precio: 25 euros (más gastos de envío)
• A la venta en: http://www.mastodonrocks.com/merch“>Discogs

Regalos por menos de 100 euros

Dj Hero Bundle XBOX360
Los videojuegos son un regalo de lo más socorrido y que seguro a más de uno le alegran las Navidades. Este en especial cumplirá los deseos de los más fiesteros de imitar a sus deejays favoritos jugando con los platos con el que podrás hacer scratch y pinchar diferentes temas. A mí me parece una tontería como un piano, para eso tienes un ordenador o si quieres algo más serio, te pillas unos platos, pero si está en el mercado es porque tiene público.

• Precio: 99 euros (más gastos de envío)
• A la venta en: FNAC

Kraftwerk – The Catalogue (Box Set)
Este es el box set que me voy a pedir por Navidad. La banda alemana de electrónica, Kraftwerk sacó reeditada de forma digital toda su discografía, salvo los tres primeros álbumes, y el resultado es este The Catalogue que recoge ocho volúmenes de discos en los que aparecen las canciones de siempre pero mejoradas por dichas técnicas digitales. ¿El resultado? Redescubrir a los marcianos alemanes con la calidad del siglo XXI. Indispensable. Eso sí, pagad un poco más y haceos con la versión alemana, que sólo por el nombre (Der Katalog) pone más.

• Precio: 89,95 euros
• A la venta en: FNAC

Regalos para ricos y gente espléndida

Adoro todo tipo de máquinas que hay en el ámbito de la música electrónica y que sirven para hacer tus propias creaciones. Entre los últimos inventos, aunque es de 2007, el Korg Kaossilator se lleva el premio. Diminuto, manejable, con la posibilidad de modificar el sonido con muchas variables y efectos y todo en la palma de tu mano. ¿Qué más se le puede pedir? Que te lo regalen, y si no, pagar los 137 euros que suele costar. Nuestros compañeros de Noctamina hablaron de él con más detalle.

• Precio: 137 euros
• A la venta en: Algunos establecimientos especializados

Varios Artistas – Warp20
Para mí, es el box set del año, junto al anterior de Kraftwerk. Publicado el 5 de octubre por Warp Records pero con el pedido agotado varios meses antes en cuanto se puso a la venta en forma de reserva. Incluye cinco vinilos de 10” en total, que recogen los mejores temas del sello en sus 20 años de vida, además de temas inéditos. También hay cinco CDs con más temas aún, es una edición limitadísima y como colofón, tiene un libro de 191 páginas donde aparecen todas las ilustraciones de las referencias publicadas. Sin palabras. Os recomendaría hacer el esfuerzo y pillarla porque merece la pena. En su momento costó 120 euros, creo, y ahora ya ha triplicado su valor.

• Precio: 300 euros
• A la venta en: Discogs

Más en Hipersónica | Guía de regalos navideños para amantes del hard rock y el metal

Kraftwerk eran Ralf Hutter y Florian Schneider hasta 2008. El grupo pionero del techno pop se disgregó con la marcha anunciada oficialmente en enero de este año del segundo, que ya había desaparecido hacía meses de la alineación en directo del grupo alemán.

No sé si resulta muy lícito que Ralf Hutter siga ofreciendo conciertos ni siga editando referencias discográficas bajo el nombre de Kraftwerk, una marca registrada de la electrónica que genera pingües beneficios.

El caso es que nos acabamos de enterar que Kraftwerk (Ralf Hutter) ya ha empezado a preparar lo que será el nuevo trabajo de Kraftwerk, quienes habían publicado en 2003 Tour de France Soundtracks.

Según unas declaraciones de Hutter a Billboard todavía no puede adelantar nada por dónde irán los tiros de este álbum: “Es demasiado pronto. Está aún en estado embrionario”.

Mientras tanto, Kraftwerk tendrá novedades discográficas el próximo mes de la mano de The Catalogue, una caja recopilatoria que saldrá al mercado el 17 de noviembre. Incluirá los ocho discos remasterizados publicados entre 1974 y 2003, es decir, de Autobahn a Tour de France Soundtracks.

Ralf Hutter también tiene el proyecto futuro de remasterizar los discos anteriores a Autobahn: Kraftwerk (Philips, 1971), Kraftwerk 2 (Philips, 1972), y Ralf und Florian (Philips, 1973).

Vía | Efe Eme
Vídeo | YouTube

Por fin volvemos los de Noctamina. Con las pilas cargadas y con un montón de contenidos que ofreceros. Ante todo, feliz año. Esperamos que las navidades hayan sido una época de alegría. Que os lo hayáis pasado muy bien en casa o de vacaciones, si habéis tenido, claro. Por nuestra parte, y en lo que a la noche respecta, hemos hecho balance del año 2008, peticiones al 2009 y una encuesta con nuestros lectores.

En estas dos semanas hemos reunido bastante música interesante. Por fin salió a la luz la cuarta entrega de nuestros especiales de electrónica mas allá del beat. Una excelente selección la que nos presentaba Ricard. Además, como en Noctamina la diversidad manda, acogemos tanto al comercial housero Wally Lopez, como a los veteranos de Detroit, Octave One, y a los mas poperos Frank Ferdinanz o a Thin White Duke remezclando a Coldplay. Además, la semana pasada nos visito Simian Mobile Disco y hemos hecho una pequeña crónica.

Venimos de las navidades, y los excesos no perdonan. Los hay con el alcohol (los mas habituales), que dejan una huella en forma de resaca. En estas fechas de tantos vinos y cubatas, hemos juntado unos cuantos consejos para combatirla.

Y también hay excesos con las fiestas. Las uvas, el cotillón, las serpentinas y el chocolate con churros, para muchos no son suficientes. Estos días los medios nos han mostrado una rave (teknival) de 4 días de duración. Nosotros opinamos diferente.

El 2009 también nos ha traído un nuevo reglamento para los porteros, que viene a dar respuesta a todas las exigencias que se hacían desde el colectivo de los clientes de la noche. Lo más importante, al menos para mí, es la obligación de que la seguridad se encargue a personas diferentes de la portería, y sobre todo su cualificación.

Nos hemos hecho eco de algunas tendencias. Hablamos de las cazadoras y de diversos complementos, algunos más elegantes, otros más… ¿atrevidos? En fin, no tengo palabras. Además, existe una nueva bebida de moda, y como curiosidad también hemos encontrado lo ultimísimo en fiestas tematizadas: las fiestas en pijama, o slumber raves.

Este fin de semana ha pasado la resaca post-navideña y todo el mundo querrá salir. Como siempre, os proponemos las diferentes opciones que hay en nuestras ciudades para pasar una buena noche electrónica. Por si hay mucha cola en los locales, tenemos un manual para sobrevivir a las siempre tediosas esperas. Y por ultimo, hace dos días hicimos un llamamiento. Se ha “perdido” una maleta de discos muy valiosa. ¿Alguien sabe algo?

Para cerrar esta sección, y aprovechando que esta semana hemos tenido nuevas noticias sobre el divorcio de Kraftwerk, os dejamos con mi tema favorito: Das Model.

Kraftwerk – Das Model

Más información | Noctamina

Llegamos hoy al último de los tres capítulos con los que hemos tratado de echar un vistazo a la trayectoria de Manta Ray, una banda tan interesante como controvertida entre los aficionados (tenía completamente maravillados a quienes gustaban, mientras que el resto de mortales solía situarse en el extremo opuesto).

Su disolución, anunciada ahora hace un mes, es una pena que aún lloran muchos. De hecho, en myspace se ha iniciado una campaña para pedirles una gira de despedida que permita verles por última vez sobre los escenarios de toda España. No estaría nada mal, la verdad, ya que en directo siempre han sido irreprochables.

En este último post, contemplamos cómo Manta Ray dieron un nuevo golpe de timón, con tres discos que les cambiaron casi por completo. ¿Fue algo malo? Veamos:

Heptágono (con Schwarz)

En 2001, surgió la enésima colaboración entre Manta Ray y otra banda. Era un encuentro que parecía casi predecible. Mientras Manta Ray se habían ido librando de lo que ellos consideraban rémoras en su música y volviéndose progresivamente más cerebrales, Schwarz eran, desde el inicio de su carrera, la banda más alemana del indie español. Así que cuando se anunció un disco compartido, sólo quedaba saber si iba a ser consecuencia de una ruta de colisión, de un camino convergente o (quizás la peor opción) de un sendero paralelo que nunca se cruzaría (algo así como un nuevo Diminuto Cielo).

De elegir bien a los amigos, de eso se trata, como recuerda Enrique Martínez en la entrevista que el Feedback-zine (¿dónde estáis?) les hizo a los dos grupos con motivo del lanzamiento de Heptágono.

El disco no es sólo un aquí te pilló-aquí te mato, sino que recuerda al modo de trabajo con el que se han grabado todos los discos de la serie In The Fishtank: se trata de reunir en el estudio a dos bandas con visiones parecidas y que trabajen juntas para grabar en directo, sin trucos ni retoques, una nueva obra.

Como condiciones previas, en Heptágono tenía que aparecer una versión de cada banda, que la otra grabaría por separado, y dos versiones de otros músicos, grabadas conjuntamente. Las otras tres canciones debían ser fruto del esfuerzo común.

Aunque el concepto del disco y la propia manera de ser de los grupos participantes pudieran propiciarlo, Heptágono no se va por las ramas. La improvisación, que existe, está bien acotada. Las jams instrumentales, que aparecen, no se estiran hasta el infinito. El caos vive, pero no ahoga. Con tanto músico junto, en vez de emborronarse la paleta de colores de Schwarz y de Manta Ray, lo que se consigue es que haya muchísimos más matices.

Curiosamente, lo más flojo del lote son las versiones que Manta Ray y Schwarz se dedican, grabadas por separado. El resto de canciones puntúa tan alto que, indirectamente, se nota que esos dos temas (If You Walk tocado por los murcianos y I´m Bored With Rock´n´Roll ejecutado por los de Gijón) son los lados borrosos del heptágono.

Por contra, puntúan alto las interpretaciones de Antenna (Kraftwerk), muy poco respetuosa con los alemanes y por ello interesante (youtube), y el precioso On Some Faraway Beach, de Brian Eno, que ralentiza la emocionante original, le pone ruiditos más marcianos y no suena por ello más fría. Ahí vuelve a aparecer el José Luis García que tantos seguidores de Manta Ray deseábamos volver a escuchar. Será, casi, la última vez que cante a la manera de sus primer disco.

Estratexa (2003)

Con Estratexa Manta Ray no sólo cambiaron de sello (adiós a Astro, hola a Acuarela), sino que decidieron, por primera vez en su carrera, que sus posicionamientos personales tenían que ser visibles en un disco. Posicionamientos en lo político y en lo musical que convirtieron Estratexa en un disco rabioso, violento, furioso… y, también, en unos pocos resbalones, en un gesto donde su excesivo expresionismo acaba por rebajar la presunta intensidad, hasta convertirla en histrionismo de galería de arte.

Ésa es la pega menor que se le puede poner a Estratexa, algo así como el viaje de Alemania a Washington DC. Manta Ray no son Shellac ni, posiblemente, nunca lo han pretendido, pero con su nuevo disco buscaban los rastros del grupo de Steve Albini . Sólo así podían nacer cosas como la canción titular (youtube): un bajo saturadísimo, una batería brillante y un crescendo de puro rock que desemboca en un final demoledor. Cuando Estratexa funciona (o sea, la mayoría de las veces) su sonido es el del nerviosismo de la revuelta. White Riot, a riot on my own, que dirían los Clash.

Quizás ésa sea la mayor virtud de Estratexa: por encima de sus canciones está su sonido, demoledor. Algo que tiene aún más valor porque era lo que la propia banda buscaba:

Queríamos desprendernos de toda la luminosidad que habíamos adquirido en Esperanza, de las bases electrónicas, los arreglos de cuerda. Necesitábamos hacer un disco más crudo, más rabiado. Un disco como Estratexa pretende ser un grito crítico contra un mundo cada vez menos habitable. Y esa es nuestra estratexa actual.

Se abandona cualquier rastro de melodía. Los ritmos se vuelven hipnóticos. La fuerza del nuevo concepto es palpable en Asalto (youtube). Vale, nada especialmente novedoso, si se piensa: Estratexa lo único que haces es coger a los grupos de Dischord y mezclarlos con algo de krautrock. Pero, de nuevo, no es la innovación lo que importa y no es por ello por lo que se debería juzgar a Manta Ray, sino los resultados sonoros, donde hay pocas pegas.

Estratexa sólo se toma respiros en Añada y Another Man, y son falsos remansos de paz, donde la tranquilidad se orienta hacia sonoridades más freejazz, como en Rosa Parks, o directamente más tenebristas, como Ausfahrt.

Aunque en un primer momento, Estratexa apabulla y se corre el peligro de encumbrarlo muy alto, con el paso del tiempo se ven las taras de la propuesta, ya comentadas. Que Manta Ray buscasen el sudor, lo físico, y les saliese algo más orientado hacia el art rock es sólo ejemplo de sus propias limitaciones en el estudio. Mientras en directo este disco sí transmitía sensaciones parecidas a las de Shellac, en la grabación sólo llegaba a querer sonar a como los de Chicago. Además, como nueva vía musical para el grupo, no dejaba mucha posibilidad a una continuación.

Me releo y veo que parece que Estratexa no me guste. No lo toméis por ese camino: es un disco notable, pero tampoco supera a la mejor encarnación de la banda.

Torres de electricidad (2006)

Si Extratexa ejerciera de antítesis de toda la carrera de Manta Ray, Torres de electricidad debería haber sido la síntesis. Al menos, eso parece cuando lo escuchas. En el mismo disco conviven el grupo violento, el cerebral y el pasional: tres caras de la misma moneda que alcanzan su mejor unión en Por qué evadirse a otros mundos aún más pequeños, quizas el ejemplo de que el grupo parecía por fin dispuesto a aceptar todas sus vertientes. Esa gran gema de épica matemática es, desde el mismo momento en que la escuchas por primera vez, una de las mejores canciones de Manta Ray y su presencia sirve para elevar el nivel medio de Torres de electricidad, otro disco notable.

Sí, así es, otro disco notable, pero tampoco un disco perfecto. Me parece, no obstante, más valiente que Estratexa. Prosigue el camino de aquél en canciones como Mi Dios Mentira (youtube), con la que dan ganas de liarse a hostias con la gente o de hacer saltar el mundo por los aires, una sensación siempre gratificante en un disco de rock (siempre que no la llevéis a cabo, claro). Tensan más sus nervios en cosas como Don´t Push Me, sin necesidad de estar siempre pareciendo que son los más duros del lugar. Y cierran el disco (y su carrera) con la buenísima Torres de electricidad, otra canción larga que subir al podio de sus mejores temas.

Cómo se puede comprobar en el directo grabado en Granada, la gira fue apabullante. Tanto que varias noches parecía que el grupo iba descarrilado, al límite. Que incluso sufría. Ahora aquello parece una premonición. Pero, después de todo, puede que sea mejor que el grupo ya no siga adelante: dijeron mucho y lo dijeron bien. Si su vida ha cambiado, si sienten la necesidad de estar en otros proyectos, su carrera se cierra sin apenas pasos en falso. Se van justo cuando podrían haber empezado a desvanecerse, en vez de a arder. Y recambios hay de sobra, hasta mejores: que sus fans se fijen en Lisabö, si es que aún no los conocen. (Bueno, la verdad es que debería ser obligatorio escuchar a Lisabö).

Más en Hipersónica | Manta Ray: Discografía (Parte I), Parte II

Hubiera sido un puntazo contar con Kraftwerk pero en su lugar bueno fue poder ver en directo a Karl Bartos, percusionista electrónico de la formación alemana entre 1975 y 1991, la mejor época del grupo, la que va de Radioactivity a The Mix. El profesor alemán vino acompañado de Mathias Black, productor de su último álbum, Communication (Positive Songs, 2003), quien aparte de hacer las voces vocoderizadas se encargó de una parte de la maquinaría electrónica.

La sesión de Dance Cinema de Karl Bartos consistió en un repaso a este trabajo y algunas piezas de su gloriosa etapa con Kraftwerk pero, y ahí es donde se puede hacer una cruda crítica, a mitad de su show nos regaló además casi media hora de insufrible hard electro enlatado, quizás una concesión al festival que nos dejó un regusto agridulce.

Durante ochenta minutos, este pionero del tecno pop del que estoy seguro que la mayoría del jovencísimo público, que no llenó el pabellón de la Feria de Muestras, no sabía que estaba ante uno de los músicos sin el cual la electrónica no sería lo que es hoy, se las arregló para ofrecernos unas proyecciones de quitar el hipo que encajaron a la perfección con cada uno de los temas que estaba presentando.

Esa lección de electro pop comenzó con una revisión de Numbers, primera incursión en el legado de su antigua banda en el que los números, en vez de en alemán como en la versión original, fueron recitados en inglés. Acompañando a la música pudimos disfrutar de unas visuales fantásticas tanto en esta primera pieza como en una versión extraña de Computer love, y en sus apropiaciones de The robots, Telephone call y Trans europe express, éxitos de Kraftwerk servidos con una rítmica apabullante.

Junto a ellas, se pudo disfrutar de los mejores momentos de Communication, un álbum que entre tanta mediocridad publicada dentro de la electrónica y encumbrada por la crítica quedó en su momento en un segundo plano. De él sonaron The camera, Reality, Ultraviolet, I’m the message y 15 minutes of fame, ésta última convertida en un megamix que nos confirmó que la herencia de Kraftwerk sigue vigente.

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Los culpables de que estemos hablando de tecno pop ahora mismo son Kraftwerk, quienes fueron los pioneros en acercar el uso total de la electrónica al pop, es decir, hacer pop con instrumentos electrónicos. La banda alemana han sido los padres además del tecno pop, de la música industrial, del techno y de tantas variantes que han surgido desde la década de los setenta del siglo pasado en el pop y en la música de baile.

Si hasta entonces se habían usado instrumentos electrónicos, sintetizadores y percusiones sintéticas como sustitutos o clones de bajos, baterías y otros instrumentos tradicionales, Kraftwerk fueron los que demostraron que con aquéllos se podía hacer música perfectamente orgánica.

Kraftwerk lo formaron Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970 tras su paso por Organisation. Sus tres primeros discos, que ellos mismos se han ocupado de evitar su reedición, fueron un álbum de título homónimo, Kraftwerk 2 (Philips, 1972) y Ralf & Florian (Philips, 1973).

Ellos consideran Autobahn (Philips, 1974), con el tema que le da título ocupando con sus veintidós minutos la cara A, su primer disco, pero no sería hasta Radio-Activity (Emi, 1975) cuando la electrónica se apoderaría totalmente de su música. Luego rendirían culto al tren en Trans-Europe Express (Emi, 1977), al hombre-máquina en The Man-Machine (Emi, 1978) y a la informática en Computer World (Emi, 1981).

Es a principios de los ochenta cuando Kraftwerk se estrenan en los escenarios y con ello aparecen un montón de bandas que han cogido su bandera electrónica, utilizando sintetizadores analógicos y percusiones electrónicas. A partir de ahí a esa música se le comenzó a llamar synth pop.

Nombres imprescindibles en los comienzos del tecno pop o synth pop fueron Gary Numan, cuyo primer gran éxito fue Cars, The Human League, Visage, John Foxx, Ultravox, Soft Cell, Heaven 17, Orchestral Manoeuvres in The Dark, New Order, Yazoo y, sobre todo, Depeche Mode. Los cuatro de Basildon hicieron que el tecno pop fuera una música de consumo global por la masas y es la banda que más ha influido en la dance music norteamericana.

En España siempre fuimos a rebufo que lo que se hacía fuera. Los pioneros del tecno pop fueron Aviador Dro y sus Obreros Especializados, formación madrileña que comenzó a finales de los setenta con Kraftwerk y Devo como bandas a seguir y de cuya escisión saldría Esplendor Geométrico. Luego vendrían Oviformia Sci, que mudarían su nombre al de Heroica, Metal & Ca, Azul y Negro, los primeros Mecano, Los Iniciados, Todo, Todo, Todo, que cambiarían su nombre más tarde por el de Muzak, Vocoder, OBK y Fangoria.

Y en los noventa Family, Telefilme, Madelman, el proyecto del bilbaíno José Luis Rebollo…., perviviendo el estilo en el siglo XXI gracias a nombres como los barceloneses Anorak, cuyo debut, A Limited Time Only, es una maravilla.

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Como en otros géneros musicales en la música electrónica hay muchos árboles que no dejan ver el horizonte, mucha paja mezclada con el grano y muchísimos subestilos cuya glosa resultaría muy penosa. Obviando los principios del género, vamos a intentar trazar, sin querer que sea un postulado, una ruta sobre la electrónica en la que no todo es techno.

Los pioneros de todo son Kraftwerk, Ralf Hutter y Florian Schneider, que comenzaron a finales de la década de los sesenta a investigar con los sonidos y parieron obras imprescindibles como Autobahn (1974), Trans-Europe Express (1977) o The Man Machine (1978).

Después vendrían Brian Eno, que comenzó siendo teclista de Roxy Music, fue el inventor del ambient: No Pussyfooting (1973), firmado a medias con Robert Fripp, y Music For Airports (1978), y uno de los precedentes de lo que se llamaría ethno techno con My Life In The Bush Of Ghost (1981), compuesto con David Byrne.

Los alemanes D.A.F. y los belgas Front 242 son los impulsores de la EBM (Electronic Body Music). De los primeros hay que escuchar Die Kleinen Und Die Bösen (1980) y Alles Ist Gut (1982), que incluye su hit Der Mussolini; de los segundos No Comment (1984).

Depeche Mode son los fundadores del electro-pop o tecno-pop en sus primeros tiempos con Vince Clarke (Yazoo, Erasure) y, posteriormente, como cuarteto sentaron más tarde las bases del electro-rock. Se recomiendan Speak & Spell (1981) y Violator (1990).

Menos conocido es el Phil Spector del dub, Adrian Sherwood, que cogió un bajo, los ritmos jamaicanos, funk y electrónica y creó con ellos el mejor dub desde On-U Sound, nombre de su discográfica. Ha remezclado temas para Ministry y Depeche Mode.

El house toma su nombre del club The Wharehouse de Chicago donde Frankie Knuckles pincharía de 1979 a 1983. Los primeros discos se publican en 1985: Fuck You Up, de Jessie Saunders, y Waiting On My Angel, de Jamie Principle. El DJ es fundamental en el house, él desde su cabina crea en directo la música que le gusta, a base de reciclar viejos discos de electro, spaguetti disco, sonido Filadelfia, electro-pop. Fundamentales álbumes de house son The House Sound Of Chicago (1986) y Another Side, de Fingers Inc. (1988).

El Detroit techno, dance music cuyas señas de identidad son la percusión electrónica y las líneas de bajo, tiene como gurús a Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson. Para comenzar habría que hincarle el diente a Retro Techno/Detroit Definitive (1991) y Classics (1993), de Model 500, alter ego de Juan Atkins.

El acid house aparece como progresión del house de Chicago al utilizar el procesador de bajos TB-303 de Roland. Acid Trax, de Phuture es el tema fundacional del estilo. Discos claves son el recopilatorio Acieed Inferno (1988) y Newbuild, de 808 State.

El intelligent techno o techno inteligente surge en el Reino Unido a partir de la fundación en 1989 del sello Warp. Parten del Detroit techno pero los artistas inscritos aquí son superexperimentales. Aparte de lo primero de Aphex Twin, recomendamos Orbital (1991), de Orbital, Haunted Dancehall (1994), de The Sabres Of Paradise, y Leftism (1995), de Leftfield.

El padrino del ambient es Brian Eno y su Music For Airports (1978) pero en los ochenta el ambient desaparece, siendo retomado en 1989 por Virgo, Mr. Fingers y Sueño Latino desde Chicago e Italia como música adaptada a la pista de baile. El disco estrella es Chill Out (1990), de KLF, y es recomendable escuchar The Orb’s Adventures Beyond The Ultraworld (1991), de The Orb.

El jungle, música de baile británica, nace a partir de una mezcla de bajos atronantes, breakbeats descontrolados, samples de ragga y cambios de ritmo vertiginosos. La gloria del jungle es Timeless (1995), de Goldie, pero también son imprescindibles The Prodigy Experience (1992), de The Prodigy, y Paralell Universe (1994), de 4 Hero.

El trip-hop es un género que nace a principios de los noventa y en su ecuación entran el hip hop, el dub, el jazz, el ambient, el voicebeat, el funk, el dub y el sampling. Blue Lines (1991), de Massive Attack, es el germen de todo este popular movimiento. Dummy (1994) , de Portishead, Maxinquaye (1995), de Tricky, y Music For Babies (1995), de Howie B, son algunos de sus imprescindibles trabajos.