Llegamos hoy al último de los tres capítulos con los que hemos tratado de echar un vistazo a la trayectoria de Manta Ray, una banda tan interesante como controvertida entre los aficionados (tenía completamente maravillados a quienes gustaban, mientras que el resto de mortales solía situarse en el extremo opuesto).

Su disolución, anunciada ahora hace un mes, es una pena que aún lloran muchos. De hecho, en myspace se ha iniciado una campaña para pedirles una gira de despedida que permita verles por última vez sobre los escenarios de toda España. No estaría nada mal, la verdad, ya que en directo siempre han sido irreprochables.

En este último post, contemplamos cómo Manta Ray dieron un nuevo golpe de timón, con tres discos que les cambiaron casi por completo. ¿Fue algo malo? Veamos:

Heptágono (con Schwarz)

En 2001, surgió la enésima colaboración entre Manta Ray y otra banda. Era un encuentro que parecía casi predecible. Mientras Manta Ray se habían ido librando de lo que ellos consideraban rémoras en su música y volviéndose progresivamente más cerebrales, Schwarz eran, desde el inicio de su carrera, la banda más alemana del indie español. Así que cuando se anunció un disco compartido, sólo quedaba saber si iba a ser consecuencia de una ruta de colisión, de un camino convergente o (quizás la peor opción) de un sendero paralelo que nunca se cruzaría (algo así como un nuevo Diminuto Cielo).

De elegir bien a los amigos, de eso se trata, como recuerda Enrique Martínez en la entrevista que el Feedback-zine (¿dónde estáis?) les hizo a los dos grupos con motivo del lanzamiento de Heptágono.

El disco no es sólo un aquí te pilló-aquí te mato, sino que recuerda al modo de trabajo con el que se han grabado todos los discos de la serie In The Fishtank: se trata de reunir en el estudio a dos bandas con visiones parecidas y que trabajen juntas para grabar en directo, sin trucos ni retoques, una nueva obra.

Como condiciones previas, en Heptágono tenía que aparecer una versión de cada banda, que la otra grabaría por separado, y dos versiones de otros músicos, grabadas conjuntamente. Las otras tres canciones debían ser fruto del esfuerzo común.

Aunque el concepto del disco y la propia manera de ser de los grupos participantes pudieran propiciarlo, Heptágono no se va por las ramas. La improvisación, que existe, está bien acotada. Las jams instrumentales, que aparecen, no se estiran hasta el infinito. El caos vive, pero no ahoga. Con tanto músico junto, en vez de emborronarse la paleta de colores de Schwarz y de Manta Ray, lo que se consigue es que haya muchísimos más matices.

Curiosamente, lo más flojo del lote son las versiones que Manta Ray y Schwarz se dedican, grabadas por separado. El resto de canciones puntúa tan alto que, indirectamente, se nota que esos dos temas (If You Walk tocado por los murcianos y I´m Bored With Rock´n´Roll ejecutado por los de Gijón) son los lados borrosos del heptágono.

Por contra, puntúan alto las interpretaciones de Antenna (Kraftwerk), muy poco respetuosa con los alemanes y por ello interesante (youtube), y el precioso On Some Faraway Beach, de Brian Eno, que ralentiza la emocionante original, le pone ruiditos más marcianos y no suena por ello más fría. Ahí vuelve a aparecer el José Luis García que tantos seguidores de Manta Ray deseábamos volver a escuchar. Será, casi, la última vez que cante a la manera de sus primer disco.

Estratexa (2003)

Con Estratexa Manta Ray no sólo cambiaron de sello (adiós a Astro, hola a Acuarela), sino que decidieron, por primera vez en su carrera, que sus posicionamientos personales tenían que ser visibles en un disco. Posicionamientos en lo político y en lo musical que convirtieron Estratexa en un disco rabioso, violento, furioso… y, también, en unos pocos resbalones, en un gesto donde su excesivo expresionismo acaba por rebajar la presunta intensidad, hasta convertirla en histrionismo de galería de arte.

Ésa es la pega menor que se le puede poner a Estratexa, algo así como el viaje de Alemania a Washington DC. Manta Ray no son Shellac ni, posiblemente, nunca lo han pretendido, pero con su nuevo disco buscaban los rastros del grupo de Steve Albini . Sólo así podían nacer cosas como la canción titular (youtube): un bajo saturadísimo, una batería brillante y un crescendo de puro rock que desemboca en un final demoledor. Cuando Estratexa funciona (o sea, la mayoría de las veces) su sonido es el del nerviosismo de la revuelta. White Riot, a riot on my own, que dirían los Clash.

Quizás ésa sea la mayor virtud de Estratexa: por encima de sus canciones está su sonido, demoledor. Algo que tiene aún más valor porque era lo que la propia banda buscaba:

Queríamos desprendernos de toda la luminosidad que habíamos adquirido en Esperanza, de las bases electrónicas, los arreglos de cuerda. Necesitábamos hacer un disco más crudo, más rabiado. Un disco como Estratexa pretende ser un grito crítico contra un mundo cada vez menos habitable. Y esa es nuestra estratexa actual.

Se abandona cualquier rastro de melodía. Los ritmos se vuelven hipnóticos. La fuerza del nuevo concepto es palpable en Asalto (youtube). Vale, nada especialmente novedoso, si se piensa: Estratexa lo único que haces es coger a los grupos de Dischord y mezclarlos con algo de krautrock. Pero, de nuevo, no es la innovación lo que importa y no es por ello por lo que se debería juzgar a Manta Ray, sino los resultados sonoros, donde hay pocas pegas.

Estratexa sólo se toma respiros en Añada y Another Man, y son falsos remansos de paz, donde la tranquilidad se orienta hacia sonoridades más freejazz, como en Rosa Parks, o directamente más tenebristas, como Ausfahrt.

Aunque en un primer momento, Estratexa apabulla y se corre el peligro de encumbrarlo muy alto, con el paso del tiempo se ven las taras de la propuesta, ya comentadas. Que Manta Ray buscasen el sudor, lo físico, y les saliese algo más orientado hacia el art rock es sólo ejemplo de sus propias limitaciones en el estudio. Mientras en directo este disco sí transmitía sensaciones parecidas a las de Shellac, en la grabación sólo llegaba a querer sonar a como los de Chicago. Además, como nueva vía musical para el grupo, no dejaba mucha posibilidad a una continuación.

Me releo y veo que parece que Estratexa no me guste. No lo toméis por ese camino: es un disco notable, pero tampoco supera a la mejor encarnación de la banda.

Torres de electricidad (2006)

Si Extratexa ejerciera de antítesis de toda la carrera de Manta Ray, Torres de electricidad debería haber sido la síntesis. Al menos, eso parece cuando lo escuchas. En el mismo disco conviven el grupo violento, el cerebral y el pasional: tres caras de la misma moneda que alcanzan su mejor unión en Por qué evadirse a otros mundos aún más pequeños, quizas el ejemplo de que el grupo parecía por fin dispuesto a aceptar todas sus vertientes. Esa gran gema de épica matemática es, desde el mismo momento en que la escuchas por primera vez, una de las mejores canciones de Manta Ray y su presencia sirve para elevar el nivel medio de Torres de electricidad, otro disco notable.

Sí, así es, otro disco notable, pero tampoco un disco perfecto. Me parece, no obstante, más valiente que Estratexa. Prosigue el camino de aquél en canciones como Mi Dios Mentira (youtube), con la que dan ganas de liarse a hostias con la gente o de hacer saltar el mundo por los aires, una sensación siempre gratificante en un disco de rock (siempre que no la llevéis a cabo, claro). Tensan más sus nervios en cosas como Don´t Push Me, sin necesidad de estar siempre pareciendo que son los más duros del lugar. Y cierran el disco (y su carrera) con la buenísima Torres de electricidad, otra canción larga que subir al podio de sus mejores temas.

Cómo se puede comprobar en el directo grabado en Granada, la gira fue apabullante. Tanto que varias noches parecía que el grupo iba descarrilado, al límite. Que incluso sufría. Ahora aquello parece una premonición. Pero, después de todo, puede que sea mejor que el grupo ya no siga adelante: dijeron mucho y lo dijeron bien. Si su vida ha cambiado, si sienten la necesidad de estar en otros proyectos, su carrera se cierra sin apenas pasos en falso. Se van justo cuando podrían haber empezado a desvanecerse, en vez de a arder. Y recambios hay de sobra, hasta mejores: que sus fans se fijen en Lisabö, si es que aún no los conocen. (Bueno, la verdad es que debería ser obligatorio escuchar a Lisabö).

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Hubiera sido un puntazo contar con Kraftwerk pero en su lugar bueno fue poder ver en directo a Karl Bartos, percusionista electrónico de la formación alemana entre 1975 y 1991, la mejor época del grupo, la que va de Radioactivity a The Mix. El profesor alemán vino acompañado de Mathias Black, productor de su último álbum, Communication (Positive Songs, 2003), quien aparte de hacer las voces vocoderizadas se encargó de una parte de la maquinaría electrónica.

La sesión de Dance Cinema de Karl Bartos consistió en un repaso a este trabajo y algunas piezas de su gloriosa etapa con Kraftwerk pero, y ahí es donde se puede hacer una cruda crítica, a mitad de su show nos regaló además casi media hora de insufrible hard electro enlatado, quizás una concesión al festival que nos dejó un regusto agridulce.

Durante ochenta minutos, este pionero del tecno pop del que estoy seguro que la mayoría del jovencísimo público, que no llenó el pabellón de la Feria de Muestras, no sabía que estaba ante uno de los músicos sin el cual la electrónica no sería lo que es hoy, se las arregló para ofrecernos unas proyecciones de quitar el hipo que encajaron a la perfección con cada uno de los temas que estaba presentando.

Esa lección de electro pop comenzó con una revisión de Numbers, primera incursión en el legado de su antigua banda en el que los números, en vez de en alemán como en la versión original, fueron recitados en inglés. Acompañando a la música pudimos disfrutar de unas visuales fantásticas tanto en esta primera pieza como en una versión extraña de Computer love, y en sus apropiaciones de The robots, Telephone call y Trans europe express, éxitos de Kraftwerk servidos con una rítmica apabullante.

Junto a ellas, se pudo disfrutar de los mejores momentos de Communication, un álbum que entre tanta mediocridad publicada dentro de la electrónica y encumbrada por la crítica quedó en su momento en un segundo plano. De él sonaron The camera, Reality, Ultraviolet, I’m the message y 15 minutes of fame, ésta última convertida en un megamix que nos confirmó que la herencia de Kraftwerk sigue vigente.

Sitio oficial | Karl Bartos

Los culpables de que estemos hablando de tecno pop ahora mismo son Kraftwerk, quienes fueron los pioneros en acercar el uso total de la electrónica al pop, es decir, hacer pop con instrumentos electrónicos. La banda alemana han sido los padres además del tecno pop, de la música industrial, del techno y de tantas variantes que han surgido desde la década de los setenta del siglo pasado en el pop y en la música de baile.

Si hasta entonces se habían usado instrumentos electrónicos, sintetizadores y percusiones sintéticas como sustitutos o clones de bajos, baterías y otros instrumentos tradicionales, Kraftwerk fueron los que demostraron que con aquéllos se podía hacer música perfectamente orgánica.

Kraftwerk lo formaron Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970 tras su paso por Organisation. Sus tres primeros discos, que ellos mismos se han ocupado de evitar su reedición, fueron un álbum de título homónimo, Kraftwerk 2 (Philips, 1972) y Ralf & Florian (Philips, 1973).

Ellos consideran Autobahn (Philips, 1974), con el tema que le da título ocupando con sus veintidós minutos la cara A, su primer disco, pero no sería hasta Radio-Activity (Emi, 1975) cuando la electrónica se apoderaría totalmente de su música. Luego rendirían culto al tren en Trans-Europe Express (Emi, 1977), al hombre-máquina en The Man-Machine (Emi, 1978) y a la informática en Computer World (Emi, 1981).

Es a principios de los ochenta cuando Kraftwerk se estrenan en los escenarios y con ello aparecen un montón de bandas que han cogido su bandera electrónica, utilizando sintetizadores analógicos y percusiones electrónicas. A partir de ahí a esa música se le comenzó a llamar synth pop.

Nombres imprescindibles en los comienzos del tecno pop o synth pop fueron Gary Numan, cuyo primer gran éxito fue Cars, The Human League, Visage, John Foxx, Ultravox, Soft Cell, Heaven 17, Orchestral Manoeuvres in The Dark, New Order, Yazoo y, sobre todo, Depeche Mode. Los cuatro de Basildon hicieron que el tecno pop fuera una música de consumo global por la masas y es la banda que más ha influido en la dance music norteamericana.

En España siempre fuimos a rebufo que lo que se hacía fuera. Los pioneros del tecno pop fueron Aviador Dro y sus Obreros Especializados, formación madrileña que comenzó a finales de los setenta con Kraftwerk y Devo como bandas a seguir y de cuya escisión saldría Esplendor Geométrico. Luego vendrían Oviformia Sci, que mudarían su nombre al de Heroica, Metal & Ca, Azul y Negro, los primeros Mecano, Los Iniciados, Todo, Todo, Todo, que cambiarían su nombre más tarde por el de Muzak, Vocoder, OBK y Fangoria.

Y en los noventa Family, Telefilme, Madelman, el proyecto del bilbaíno José Luis Rebollo…., perviviendo el estilo en el siglo XXI gracias a nombres como los barceloneses Anorak, cuyo debut, A Limited Time Only, es una maravilla.

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Como en otros géneros musicales en la música electrónica hay muchos árboles que no dejan ver el horizonte, mucha paja mezclada con el grano y muchísimos subestilos cuya glosa resultaría muy penosa. Obviando los principios del género, vamos a intentar trazar, sin querer que sea un postulado, una ruta sobre la electrónica en la que no todo es techno.

Los pioneros de todo son Kraftwerk, Ralf Hutter y Florian Schneider, que comenzaron a finales de la década de los sesenta a investigar con los sonidos y parieron obras imprescindibles como Autobahn (1974), Trans-Europe Express (1977) o The Man Machine (1978).

Después vendrían Brian Eno, que comenzó siendo teclista de Roxy Music, fue el inventor del ambient: No Pussyfooting (1973), firmado a medias con Robert Fripp, y Music For Airports (1978), y uno de los precedentes de lo que se llamaría ethno techno con My Life In The Bush Of Ghost (1981), compuesto con David Byrne.

Los alemanes D.A.F. y los belgas Front 242 son los impulsores de la EBM (Electronic Body Music). De los primeros hay que escuchar Die Kleinen Und Die Bösen (1980) y Alles Ist Gut (1982), que incluye su hit Der Mussolini; de los segundos No Comment (1984).

Depeche Mode son los fundadores del electro-pop o tecno-pop en sus primeros tiempos con Vince Clarke (Yazoo, Erasure) y, posteriormente, como cuarteto sentaron más tarde las bases del electro-rock. Se recomiendan Speak & Spell (1981) y Violator (1990).

Menos conocido es el Phil Spector del dub, Adrian Sherwood, que cogió un bajo, los ritmos jamaicanos, funk y electrónica y creó con ellos el mejor dub desde On-U Sound, nombre de su discográfica. Ha remezclado temas para Ministry y Depeche Mode.

El house toma su nombre del club The Wharehouse de Chicago donde Frankie Knuckles pincharía de 1979 a 1983. Los primeros discos se publican en 1985: Fuck You Up, de Jessie Saunders, y Waiting On My Angel, de Jamie Principle. El DJ es fundamental en el house, él desde su cabina crea en directo la música que le gusta, a base de reciclar viejos discos de electro, spaguetti disco, sonido Filadelfia, electro-pop. Fundamentales álbumes de house son The House Sound Of Chicago (1986) y Another Side, de Fingers Inc. (1988).

El Detroit techno, dance music cuyas señas de identidad son la percusión electrónica y las líneas de bajo, tiene como gurús a Juan Atkins, Derrick May y Kevin Saunderson. Para comenzar habría que hincarle el diente a Retro Techno/Detroit Definitive (1991) y Classics (1993), de Model 500, alter ego de Juan Atkins.

El acid house aparece como progresión del house de Chicago al utilizar el procesador de bajos TB-303 de Roland. Acid Trax, de Phuture es el tema fundacional del estilo. Discos claves son el recopilatorio Acieed Inferno (1988) y Newbuild, de 808 State.

El intelligent techno o techno inteligente surge en el Reino Unido a partir de la fundación en 1989 del sello Warp. Parten del Detroit techno pero los artistas inscritos aquí son superexperimentales. Aparte de lo primero de Aphex Twin, recomendamos Orbital (1991), de Orbital, Haunted Dancehall (1994), de The Sabres Of Paradise, y Leftism (1995), de Leftfield.

El padrino del ambient es Brian Eno y su Music For Airports (1978) pero en los ochenta el ambient desaparece, siendo retomado en 1989 por Virgo, Mr. Fingers y Sueño Latino desde Chicago e Italia como música adaptada a la pista de baile. El disco estrella es Chill Out (1990), de KLF, y es recomendable escuchar The Orb’s Adventures Beyond The Ultraworld (1991), de The Orb.

El jungle, música de baile británica, nace a partir de una mezcla de bajos atronantes, breakbeats descontrolados, samples de ragga y cambios de ritmo vertiginosos. La gloria del jungle es Timeless (1995), de Goldie, pero también son imprescindibles The Prodigy Experience (1992), de The Prodigy, y Paralell Universe (1994), de 4 Hero.

El trip-hop es un género que nace a principios de los noventa y en su ecuación entran el hip hop, el dub, el jazz, el ambient, el voicebeat, el funk, el dub y el sampling. Blue Lines (1991), de Massive Attack, es el germen de todo este popular movimiento. Dummy (1994) , de Portishead, Maxinquaye (1995), de Tricky, y Music For Babies (1995), de Howie B, son algunos de sus imprescindibles trabajos.

Kraftwerk publicará el 17 de septiembre un nuevo single en tres formatos (vinilo de 12”, CD y descargas digitales). Este sencillo incluirá los temas Aerodynamik (Intelligent Design Mix) y La Forme (King Of The Mountains Mix), en versión remezclada por los británicos Hot Chip, ya conocidos por formar parte del álbum Tour de France Soundtracks.

Este álbum, que se editó en 2003 para celebrar el centenario de la prueba ciclista gala, fue el primer primer disco de Kraftwerk con nuevo material desde 1986. Ralf Hütter y Florian Schneider, fundadores de Kraftwerk, registraron los temas en los estudios Kling Klang de Düsseldorf junto a Fritz Hilpert y Henning Schmitz, para después presentarlos en directo en una gira realizada con cuatro ordenadores portátiles desde los que lanzaban programaciones, secuencias, samplers, sintetizadores y vídeos y que fue inmortalizada en el doble DVD Minimum-Maximum.

Vía | Emi
Sitio oficial | Kraftwerk