La lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI llega a su punto final (sí, por fin). Tras más de cincuenta discos previos, con un top 5 bien poblado, toca elegir el número uno, el mejor de la pasada década.

La elección ha sido la más fácil de todas. La lista comenzó con el primer puesto ya otorgado y hasta hoy; sin cambios. El ganador es el justo vencedor por todo lo que ha supuesto. Pero mejor disfrutamos de él que seguir introduciéndolo.

¡Gracias a todos por la buena acogida que tuvo la lista y por haberla seguido entrega tras entrega!

1. Burial – Burial / Untrue (2006 / 2007, Hyperdub Records)

Sexo. Al final todo se reduce a sexo. Toda la música buena suele tener un componente sexual implícito o explícito que atrapa en su escucho. Desde el Blues, con ese lamento combinado con la velocidad en ciertos temas, derivando al Ryhthm & Blues, hasta hoy en día el Dubstep. La música negra es sexo. Puro acto pasional desenfrenado que en el Funk tuvo su mejor exaltación.

Burial no inventó la máquina en 2006 cuando publicó su álbum de debut bajo un sello que tampoco inventó la rueda, Hyperdub Records, cuando Kode9 se juntaba con The Spaceape para prensar 12” al estilo de Jamaica, donde el sexo seguía latiendo en los bajos gracias a la imitación y posterior desarrollo de los sonidos estadounidenses mezclados con los propios.

Burial – Raver (YouTube)

William Bevan, como al final identificaron al artista sin rostro que más ha dado de que hablar en esta pasada década, volvió a coger el sonido sexual de unos bajos negros y los puso juntos en un disco para deleitarnos con cantos de sirenas que fusionaban el Soul con el Garage británico de los 90. La velocidad de los beats disminuía para acabar en 2007 su obra maestra con un tema ensoñador: ‘Raver‘.

Así se ponía temporalmente (Moth / Wolf Club, el 12” que compartió con Four Tet es un capítulo aparte) fin a dos años donde bajos líquidos y sexuales se habían convertido en el nuevo sonido de la escena.

Burial – Distant Lights (YouTube)

El Dubstep descubría la nueva droga blanda en ‘Distant Lights‘ y todos acabábamos adictos a ella proclamando al productor británico como si fuera (casi) el nuevo Mesías. La droga era buena y de calidad. Muy pura pero gracias a que la materia de la que bebe es en verdad el origen de todo. Sin las referencias previas la gran mayoría de esta lista de electrónica no habría aparecido.

Burial no sólo firmó dos de los mejores álbumes de la década (Untrue es digno de pasar a la historia), sino que también supuso una revolución sorprendente. En silencio. Con sus beats pacíficos. Nada de velocidad desorbitada, ruidos blancos o para los tambores de guerra, cantaditas o Minimal con su escena asentada. Esa revolución silenciosa apoyada en bajos oscuros y negros, sexuales, al fin y al cabo, creó una influencia brutal, expandió el Dubstep poco a poco por distintas partes y los medios se volvieron a poner de acuerdo en imponer una nueva moda.

Burial – Archangel (YouTube)

Burial no sólo es número uno por firmar ‘Archangel‘ o ‘Ghost Hardware‘, entre otros muchos temas que humanizan los fríos beats de la electrónica al igual que el Deep House, sino por todo cuanto surgió a su alrededor de manera directa o indirecta. Un alquimista en toda regla. Sexo. Al final todo se reduce a sexo.

Una canción: ‘Pirates‘ (YouTube): saqueos sonoros de bandera con grandes orgías.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

Parte V

Parte VI

Parte VII

Parte VIII

Parte IX

Parte X

En la última entrega habíamos dejado la lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI a punto de llegar al final. Faltaba el top 5, ese por el que algunos ya preguntabais cuándo saldría. Ha tardado debido a fallos no previstos pero por fin está aquí.

La lista llega a su fin (o no…). Y como no podía ser de otra manera, el top se reinventa, las propuestas son tantas que era imposible elegir y desechar el resto. Al final los puestos son lo de menos, muchos álbumes merecerían estar más arriba o más abajo. El único objetivo es que nos quedemos con algunos nombres y compartamos nuestros gustos.

Lo dicho: ¡a mí la guardia!

5. The Field – From Here We Go Sublime (2007, Kompakt)

Largos desarrollos directos para volar. Bucles que se suceden entre sí creando una sensación escapista gracias a los beats del Techno más sideral. Eso sí, el viaje implica calma. Cero turbulencias. Asiento en primera clase, butacas reclinables, una buena cerveza (a sustituir por la bebida favorita de cada uno) y a disfrutar escuchando la música sin hacer nada.

Bajo estas condiciones el debut de Axel Willner, From Here We Go Sublime (2007, Kompakt), se disfruta como debe ser. Discazo. De nuevo Minimal Techno pero con los recursos del Trance bien aprendidos en temas como ‘The Deal‘ donde el bucle entra en una repetición larga mantenida hasta que ya al final rompe arriba. 10 minutos de mantra electrónico para divagar.

Kompakt es el sello elegido para la publicación. Con referencias como ésta, la discográfica alemana se ha posicionado como una de las mejores de la pasada década. Aquí The Field añade un nuevo grano de arena sideral a la escena que en los últimos años tanto ha explotado este sonido, tanto desde el Techno como desde el Nu-Disco rejuvenecido.

Una canción: ‘The Little Heart Beats So Fast‘ (YouTube): beats cortados en pequeñas lonchas para consumir.

4. Boards of Canada – Geogaddi (2003, Warp Records)

Todos los vaticinios catastrofistas de que los artistas que dominaron la electrónica de la década de los 90 no mantuvieron la calidad en la siguiente década vuelven a verse destruidos con Boards Of Canada. Los escoceses no sólo no tuvieron miedo de su álbum de debut, esa joya llamada Music Has the Right to Children (19998, Warp), sino que incluso se atrevieron a igualarla en Geogaddi (2002, Warp).

De nuevo un dúo (Mike Sandison y Marcus Eoin) procedente de un paraje alejado, al norte de Europa, Edimburgo, Escocia, con un estilo de vida aislado dentro de lo que cabe. No creo que sea ninguna casualidad que haya varios nombres dentro de la lista con estas características ya que es el contexto ideal para según qué música.

Segundo largo, la oscuridad impregna todo, 24 cortes, más de 1 hora de duración y un tempo detenido y pausado para recrear el ambiente que Boards Of Canada han logrado firmar como marca representativa. Psicodelia bajo capas de IDM y música experimental. Las varias posibilidades de interpretación que deja el título y los temas los dejo para cada uno.

Una canción: ‘Music Is Math‘ (YouTube): fórmulas, matemáticas e imaginación.

3. Redshape – The Dance Paradox (2009, Delsin / Present)

The Dance Paradox (2009, Delsin / Present) es digno del primer puesto al igual que la mayoría del resto de los álbumes que aquí se encuentran. La relevancia, que apenas tenga un año de vida y por tanto, la influencia reducida que aún ha supuesto, ha conllevado a que Redshape comparta puesto con Herbert en un top duplicado como los panes y los peces.

Junto con Shackleton, Redshape firmó uno de los mejores trabajos del año pasado. Aquí el Dubstep pasa definitivamente de ser el género de moda, de ser una etiqueta llamada Wonky, a unirse con el buen Minimal Techno de esta década pasada, lo que Redshape mejor sabe hacer.

Sebastian Kramer se pone la careta propia del fantasma de la ópera y nos deleita con unos bajos dignos de Plastikman y con el Dub de Jamaica llenando todas las bases sin posibilidad de salida. Si Chicago aún está presente para el mejor House de hoy en día, Detroit y su camarilla son revisitados una y otra vez, eso sí, siempre pasando por Kingston.

Una canción: ‘Seduce Me‘ (YouTube): erotismo in crescendo.

3. Matthew Herbert – Bodily Functions (2001, Studio !K7)

Clase y elegancia. Matthew Herbert es uno de los grandes de la escena electrónica de hoy en día por su gran habilidad por tocar cualquier sonido y convertirlo en algo único. Tanto es así que tiene hasta su propio método para hacer música en el que se incluye la negativa a usar un mismo sample más de una vez. Y eso en electrónica es un condicionante importante.

Herbert tiene dos caras como toda persona: una es la destructiva, la perversa, la que firma con alias para ocultarse de la sociedad. De esta manera conocemos a Doctor Rockit, a Radio Boy y a Wishmountain, entre otros. Tres ejemplos para los amantes de los sonidos difíciles. Y la otra cara es la buena, la amable, la que transpira amor.

Bodily Functions (2001, Studio !K7) es el reflejo de esa cara. El reflejo de cómo una persona puede transformar a un amante de los ruiditos más extraños y extraídos hasta de bolsas de patatas, con teorías políticas incluidas (Country X), y llevarlo a bailar al ritmo del Jazz más suave.

Es la transformación que Dani Siciliano, cantante de Jazz y pareja del músico inglés supone en la carrera de Herbert, dando a luz un trabajo increíble. Herbert entiende bien el estilo de música de su pareja, para no variar, y al final lo lleva a su terreno. De nuevo, la joya está pulida y lista para ser incrustada en un anillo. Esta vez sin espinas, bien pulido para que cualquier oído quede embaucado con sus sonidos.

Una canción: ‘The Audience‘ (YouTube): el cambio de ritmo que cambia el color de un día.

2. Four Tet – Rounds (2003, Domino Records)

Una mente brillante y un don para conseguir de sonidos minimalistas auténticas obras de arte. Así es Kieran Hebden. También británico y también con pasión por el Jazz, del cual coge buena parte de los ritmos, en especial en su primera época, más ornamentada, a la par que experimental.

Si ahora mismo se encuentra bebiendo entre el Techno, Ringer (2008, Domino), y el House más soñador, There Is Love In You (2010, Domino), en un primer momento los pasos fueron otros. Había más experimento en cuanto a procedencia de sonidos, las canciones eran más ricas en matices de todo tipo y al final del álbum quedabas tan feliz por el viaje hecho, que el botón de repetir estaba marcado sin pensártelo dos veces.

Un mundo de fantasías, de fotografías borrosas, como en la portada de Pause (2001, Domino), donde cada uno puede soñar e imaginarse su realidad ficticia. IDM más allá de la propia etiqueta. Parajes de ensoñación para una vida que circula más deprisa que los temas de Hardcore. Rounds (2003, Domino) no tiene un sitio exacto donde desarrollarse.

Una canción: ‘Unspoken‘ (YouTube): un título así no merece ser estropeado.

2. The Knife – Silent Shout (2006, Rabid Records)

Si Fever Ray es la cara oscura negra de Suecia con su proyecto en solitario, The Knife es el asesino a sueldo de la noche cuya arma da título al dúo compuesto por Karin Dreijer Andersson (posiblemente una de las divas de la escena de la pasada década) y su hermano Olof Dreijer. La fácil metáfora asociada al nombre es muy recurrente ya que cuando se escucha Silent Shout (2006, Rabid Records) yo siento esas punzadas.

El álbum abre con un bajo desnudo, repetido y apostando por los graves. Desde ese instante y hasta que ‘Still Light‘ (cuanto menos irónico para su sonido) cierre el trabajo, el Electro sigue demostrando que en buenas manos no es ese género menospreciado y que tanto se ha usado como radiofórmula. The Knife podrían ser unos Kraftwerk del siglo XXI salvando muchas distancias.

Single tras single. ‘Neverland‘ es un hit directo a la pista cuya historia, como la mayoría, contradice su ritmo. El Synthpop de ‘We Share Our Mothers’ Health‘ deja paso a la ‘Na Na Na‘ y al anticipo de lo que seria Karin en solitario con ‘Marble House‘ y al final llega la definición de su estilo en el arranque de ‘From Off To On‘:

We can not wait much longer We want happiness back We want control of our bodies Everything we’ve lacked I think I even liked it If the feeling was mine A little something about my body Is it the warmth inside

Una canción: ‘Neverland‘ (YouTube): otro mundo mágico en el que vivir para siempre.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

Parte V

Parte VI

Parte VII

Parte VIII

Parte IX

Venga, que ahora llega lo definitivo. El momento de saber cuál es el top 10 de la lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI. Si la aparición de DJ Shadow o Jeff Mills levantó asperezas entre unos pocos en la pasada entrega no me quiero ni imaginar las balas de fogueo que habrá aquí.

Recordad: guardad la última bala que aún falta la entrega final y definitiva, el top 5. Ahí sí, los cocodrilos podrán salir que yo ya me he cogido un billete de avión para esquivarlos.

10. LCD Soundsystem – LCD Soundsystem (2005, DFA Records)

Puede que no sea el mejor álbum de la década. Puede incluso que ni merezca estar entre los 10 primeros en comparación con otros. Puede que con el formato EP o los 12” hubiésemos tenido bastante o que las influencias pesen más que los temas. Pero la realidad es que LCD Soundsystem tiene por méritos propios su puesto.

Mi principal razón es la influencia que ha causado este homónimo no ya sólo dentro del campo de la electrónica, donde, si bien sí tuvo su ocasión y fue muy bien recibido, sino fuera de dicha escena, donde puede ser considerado uno de los más influyentes de los últimos años.

Electrónica buena, bailable y el ingrediente secreto: accesible para todos los públicos. James Murphy, uno de los capos de DFA Records, cual jukebox humana, al más puro estilo de Tarantino, con quien he visto siempre los parecidos a la hora de rescatar piezas ajenas, revivals o recuerdos de estilos de hace años y después unidos en uno que impacta, elige su ya himno ‘Daft Punk Is Playing At My House‘ para abrir un álbum que era esperado desde tres años atrás cuando ‘Losing My Edge‘, ‘Give It Up‘ y ‘Movement‘ habían levantado tantas expectativas dentro de la escena.

LCD Soundsystem (2005, DFA) entra aquí con la versión doble donde sí aparecen esos hits perfectos. Los bajos del Funk, la vitalidad del Punk, el gancho de los riffs del Rock y una voz entre medias. Una fórmula eficaz a la par que difícil de lograr tan bien como James Murphy.

Una canción: ‘Daft Punk Is Playing At My House‘ (DailyMotion): la fábrica de los himnos.

9. Pan Sonic – Kesto (234.48:4) (2004, Blast First)

Bandas sonoras para una guerra hay muchas. Para cada momento de la batalla varía la situación. Si bien Fuck Buttons nos sirven para entrar en situación o Robert Hood saca los cañones, Pan Sonic son quienes nos valen para casi todo momento. Cuando la tensión está a punto de estallar ellos podrían entrar y después poner Kesto (234.48:4) (2004, Blast First) a todo volumen e irse.

Tras dar al play, con ‘Rähinä I / Mayhem I‘ sonando por los altavoces, ya se podría poner el ejército más demente (si es que hay alguno que no lo sea) a pegar tiros al aíre, que el muro de sonido que logran los finlandeses asusta al animal más feroz. Beats oscuros, complejidad y rechazo absoluto por la belleza y la accesibilidad en el discurso.

A sus espaldas una década de los 90 que se presentó en largo con un enorme Vakio (1995, Blast First) y que luego siguió con varias letras por títulos, EP y 12”. Escuchando un trabajo como Kesto (234.48:4), de nada menos que casi 4 horas de duración, uno siente hasta piedad del perro que sale difuminado en la portada. ¿Qué se les pasaría por la cabeza a estos dos buenos hombres para plantear unos sonidos tan duros? ¿El frío y la soledad nórdica? Hipótesis puede haber miles.

Una canción: ‘Rähinä II / Mayhem II‘ (YouTube): y la III Guerra Mundial comenzó...

8. Autechre – Confield (2001, Warp Records)

Las comparaciones son odiosas, pero es inevitable hacerlas. La IDM de la década de los 90 frente a la de la década del 2000 es un bajada descarada a los infiernos en cuanto a calidad. Generalización, sí, pero culpen a Richard D. James que en largo se quedó seco durante la década anterior y en ésta no hizo nada; y luego también culpen a Autechre que se han esforzado porque nos esforcemos nosotros.

En palabras del gran Javier Blánquez: “La mierda te la puedes ahorrar“. Esa mierda, que para mí no es tal, es la que ha establecido a Autechre como intocables durante toda su carrera, aunque después de este Confield (2001, Warp) los ingleses buscasen romper nuestros esquemas mentales y sonoros con sonidos más allá de lo que entendemos por complicado.

El término abstracto o minimalista no existe si hablamos de Sean Booth y de Rob Brown. Lo suyo es otra liga. La liga marciana. Esa que o te gana y le aguantas hasta el Drukqs a Aphex Twin, pensando en que una vez te llegó a emocionar y sorprender tras cada segundo, o en que directamente mandas a paseo a Autechre y toda su troupé (Gescom y compañía). Confield es un discazo. Hasta ahí puedo decir, el resto ya lo dijo Blánquez y es imposible añadir mejores palabras ante las suyas.

Una canción: ‘Bine‘ (YouTube): un torno con tu cerebro situado en medio.

7. Plastikman – Closer (2003, NovaMute)

Detroit, Jeff Mills y Underground Resistance. Tres referentes que Richie Hawtin siempre ha tenido muy presentes en su discurso sonoro, el cual llegó un momento en que se volvió tan oscuro y abstracto que los ritmos siderales de la ciudad del motor se cambiaban por la banda sonora de una cueva lúgubre.

Closer (2003, NovaMute) es el ejemplo idóneo de la escasa necesidad de añadir capas insustanciales a unos bajos ya de por sí hipnóticos. Bucles reiterados sin miedo durante una media de 8 ó 9 minutos, en los que el artista inglés, asentado casi toda su vida en Canadá, donde descubrió el poder del Techno, lo mismo introduce mínimas líneas calmadas que se vale de un aparente silencio sepulcral conseguido gracias a la escasez de medios.

Aspecto minimalista para un estilo tétrico, un Techno tan alejado de la pista de baile como del impulso del ritmo. Closer y su sonido suponen para la electrónica lo mismo que a finales de los 70 el Post-Punk supuso al Rock (casualmente también con otra obra llamada Closer, 1980): una evasión a los ritmos más básicos y oscuros pero evocadores de sensaciones intensas.

Una canción: ‘Ping Pong‘ (YouTube): la pelota es nuestro oído.

6. Ricardo Villalobos – Alcachofa (2003, Playhouse)

El bajo manda. El bajo y las bases desnudas. Nada de buscar la quintaesencia con producciones recargadas. Cuanto menos capas pero eficaces, mejor. Ricardo Villalobos podría ser si no el nombre más destacado de la escena del Microhouse, uno de los principales y es que con tan solo un álbum; para más inri, el de debut, ya se llevó todas las medallas consigo.

Tras el atractivo título de Alcachofa (2003, Playhouse) el productor chileno pero asentado en Alemania desde los tres años, donde su familia se exilió cuando Pinochet dio el golpe de estado en Chile en 1973, Villalobos firma una de las joyas de la electrónica moderna y que a buen seguro entrará en las mejores listas de la historia dentro de unos años.

La esencia es el bajo, los graves sintiéndolos mientras una mínima voz se cuela entre ellos, desarrollos largos, bucles mantenidos sin miedo a la repetición ya que gracias a ella se va creando el ambiente minimal. Cuando menos te lo esperas aparece la segunda línea más clara y empieza otro tema pero se siguen sintiendo esos bajos hipnóticos (’Dexter‘).

La magia está en conseguir de manera magistral mantener atractivos tiempos que superan los siete o los nueve minutos. La escena alemana tenía en Villalobos un proyecto de gran estrella (que es en lo que se ha convertido, bajando de paso el nivel de sus producciones) y un interesado en recuperar el sonido de su Sudamérica como se ha visto después.

Una canción: ‘Easy Lee‘ (YouTube): el comienzo de algo grande en formato Hit.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

Parte V

Parte VI

Parte VII

Parte VIII

Ya no hay vuelta atrás. La lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI presenta sus antepenúltima entrega eligiendo los álbumes que ocuparán los puestos del 15 al 11 tras la pasada entrega que abría las 20 últimas posiciones.

Algunos querían a los de siempre, a los más asentados en la escena, otros al contrario, mientras una gran parte ni opina en la sombra. Al final estos son los cinco siguiente elegidos.

¿Alguna apuesta para el top final?

15. Jeff Mills – Medium (2003, Axis)

Algunos de los grandes genios de la electrónica han continuado en activo desde hace décadas, manteniendo un nivel que ya quisiera cualquier joven productor. Jeff Mills lleva presente en la escena desde los 80, cuando por aquel entonces se creó su reputación bajo el alias The Wizard en el mítico programa The Electrifying Mojo.

Treinta años de carrera dan para mucho, de ahí que sin él, el Techno no sería lo mismo. Padre, abuelo y maestro de muchos artistas, Mills fue dejando de lado la parte más veloz y dura de su sonido para adentrarse en las atmósferas del Ambient y aportar al campo del Minimal más material de calidad.

Medium (2003, Axis) supone esa continuación espacial que también plasmó en sus proyectos para bandas sonorsas como Metrópolis de Frizt Lang o The Three Ages de Buster Keaton. Cuatro capítulos en los que el de Detroit vuela y no hay quien le baje a la Tierra. Esperemos que siga en órbita muchos años más, al menos con The Sleeper Wakes (2009, Axis) las sensaciones se mantienen.

Una canción: ‘Chapter 2. Resonate: the seduction of decaying expectations‘: beats espaciales.

14. DJ Shadow – The Private Press (2002, MCA)

Dentro de los ritmos quebrados y en la revisión completa del Hip-Hop, hay un nombre que destaca frente al resto: DJ Shadow. En los 90 nos dejó boquiabiertos con su obra maestra, Endtroducing… (1996, Mo’ Wax) y años más tarde en vez de venirse abajo como pasó a todos aquellos a los que se les atribuyó la etiqueta Trip-Hop, seguía a un gran nivel.

2002, salto a una major (MCA), segundo álbum de estudio, The Private Press (2002, MCA) y la historia se repetía: discazo. La sombra de su debut es la misma que la de un rascacielos, pero menospreciar este trabajo comparándolo con la joya de la corona no tiene sentido.

Las bases siguen presentes, de nota. Jugando con los ritmos del Breakbeat más calmados y accesibles, logrando una propuesta que tiene en el Downtempo su parada general (’....Meets His Maker‘) y en el Nu Jazz ciertas aproximaciones al estilo de Guru (’Six Days‘ y ‘Unknown Track Name‘). Antes siguen estando ahí los sonidos de los bajos desnudos (’Fixed Income‘) y los recursos del Hip-Hop unidos en un solo tema (’Walkie Talkie‘).

Una canción: ‘Walkie Talkie‘ (YouTube): scratches y graves para levantar un tema.

13. Kode9 & The Spaceape – Memories Of The Future (2006, Hyperdub Records)

La pasada época hubo muchos estilos musicales. De todos los tipos y colores. Pero hubo uno nuevo que destacó por encima de todos: el Dubstep. Antes de que dicho género proclamase su dominio de una manera apabullante, la escena vivió una plácida época underground en proyectos como el de Steve Goodman.

El escocés es uno de los primeros que empezaron sumarse al tren de este sonido cuando aún la etiqueta creada por sellos como Soulja o Road, entre otros, estaba tan reciente que quedaba mucho por hacer. Kode9 es el nombre de guerra de este locutor de radio a través del programa Forward>>, en la emisora pirata Rinse FM.

Tras varias rodajas en 2004 inaugurando su sello, Hyperdub Records, el cual se convertiría en uno de los templos de la escena, junto al MC Stephen Samuel Gordon bajo el alias de Daddi Gee, llegó el largo titulado Memories Of The Future (2006, Hyperdub), esta vez con Gordon convertido en The Spaceape, y con ello la demostración de que al final el Dub es la base de gran parte de la electrónica.

Temas muy oscuros, lecciones aprendidas de los 90 con el Jungle, el Drum and Bass o el 2-Step Garage británico. La historia volvía a repetirse casi dos décadas más tarde. Gran Bretaña escarbaba en su superficie y seguía mirando a Jamaica como tantas veces ha hecho ya. Comenzaba el Dubstep en su versión más tétrica.

Una canción: ‘Kingstown‘ (YouTube): llamada a cobro revertido para King Tubby.

12. Moritz von Oswald & Carl Craig – ReComposed (2008, Deutsche Grammophon)

Dos personajes de peso en sus respectivos momentos y escenas unidos bajo un proyecto amparado por la prestigiosa Deutsche Grammophon, discográfica especializada en música clásica y propiedad del macrogrupo Universal. Como poco, la aventura promete y más si ambos protagonistas son: Moritz von Oswald y Carl Craig.

El alemán con una carrera impoluta y el estadounidense de Detroit pensando que su mejor momento (los 90) ya pasó. Aún así, dos estilos muy diferentes de abordar el Techno que han creado escuela para generaciones futuras; Craig con dos grandes trabajos sobre todo: More Songs About Food And Revolutionary Art (1997, SSR Records) y The Sound Of Music (1995, R&S Records) bajo su alias 69. Y Von Oswald con proyectos como Basic Channel, 2MB, 3MB, Maurizio...

En ReComposed (2008, Deutsche Grammophon) ambos artistas aportan su visión en seis movimientos, un interludio y una intro. Techno que sigue viajando, Minimal y Ambient sin barreras. Coartada clásica, producción grandilocuente y un compendio de buena música para disfrutar durante casi dos horas.

Una canción: ‘Recomposed‘ (YouTube): aterriza como puedas… o no.

11. Shackleton – Three EPs (2009, Perlon)

Lo dicho más arriba: el Dubstep es uno de los sonidos estrella de esta década y entre las infinitas propuestas que han salido de debajo de las piedras, donde cada ciudad decía tener varios productores de Dubstep dispuestos a ser la nueva estrella, en Alemania, a priori, lejos de la escena británica, el sello Perlon publica a Shackleton su mejor obra, Three EPs (2009, Perlon).

Para mí fue el mejor disco de electrónica del año y lo fue gracias a la manera tan sexual con que abordó el Dub, lejos del punto de vista oscuro de Kode9, lejos de las fantasías de 8-Bits de Zomby y de algunos ritmos marcianos de Ikonika. Shackleton no sólo es Dubstep, lo suyo es una mezcolanza de sonidos en uno solo que alegra el sonido.

Hay Minimal Techno, hay Ambient, Abstract, cualquier derivación que tenga como objetivo desnudar las canciones para sólo plantear la base como el todo final. Ideales parecidos a los de Jeff Mills y compañía. Three EPs comparte sonidos con Burial y lo hace con elegancia, sin ser una copia calcada, pero el propietario de Skull Disco no nace de la nada, lleva ya años jugando con este sonido, de ahí que salgan joyas del estilo de ‘Let Go‘, tribales a más no poder, compartiendo sitio con ‘Asha In The Tabernacle‘, puro Dub jamaicano.

Una canción: ‘Mountains Of Ashes‘ (YouTube):

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

Parte V

Parte VI

Parte VII

Empieza el descenso en canoa. A riesgo de acabar en los cocodrilos que algunos prometieron si algunos álbumes no aparecían en los primeros puestos, la lista de los mejores discos de electrónica del siglo XXI sigue su curso.

Vamos con los veinte últimos puestos.

20. Kid Koala – Carpal Tunnel Syndrome (2000, Ninja Tune)

“Good morning, houseplants. Yes, it’s wake-up time“. Dicho fragmento pertenece a ‘Music For Morning People‘ uno de los vibrantes temas que componen el álbum Carpal Tunnel Syndrome, trabajo de debut en largo del canadiense Kid Koala y una de las cimas del estilo Turntablism de la década.

De curioso título (Síndrome del túnel carpiano), lo que en su día fueron unas mquetas, unas mixtapes caseras en formato demo (en 1996 se publicó una parte bajo el nombre Scratchcratchratchatch), o un anticipo en formato 10” (Scratchappyland) gracias a Ninja Tune, años más tarde se publicó en un álbum de nuevo con Ninja Tune y con cualquier tipo de alabanza bajo el brazo.

Carpal Tunnel Syndrome es una muestra perfecta del domino de los platos, de la técnica del sample y sobre todo, de lo más difícil: el ritmo, que no decae en ninguno de los 14 cortes. Entre medias nos encontramos con guiños en broma que nos dejan frases como éstas: “If you’re driving tonight, do be careful“ o “you sure you want to play bridge, or you got another one of those crazy sound effects records you want to show off?“ ambas pertenecientes a ‘Fender Bender‘, una de las canciones con más gancho del trabajo.

Una canción: ‘Music For Morning People‘ (YouTube): el disco de vinilo al rojo vivo.

19. Luomo – Vocalcity (2000, Force Tracks)

La década de los 80 en Chicago fue de los mejores momentos que la música electrónica ha tenido. El House surgía como derivación de la música Disco y se abría ante todo el mundo (poco a poco) un nuevo sonido electrizante. Hoy, 20 ó 30 años después, ese sonido sigue revisándose con tanto acierto como en aquellos días por gente como Luomo, el proyecto del genio Sasu Ripatti.

Ripatti ha sido uno de los personajes más activos e influyentes de la pasada década gracias a sus varios proyectos, colaboraciones (ya entró en la lista con Moritz von Oswald Trio) pseudónimos, de los cuales me quedo con Luomo gracias a esa recuperación del Deep House que Fingers Inc. encumbraron hace décadas.

En Vocalcity (2000, Force Tracks) aporta la visión más bailable al margen de sus gustos por el Ambient y los terrenos experimentales. Gracias al apoyo en voces femeninas suaves y ritmos que no ocultan la formación en la escuela de Chain Reaction (al final todo es Dub), este álbum logra hits directos a la pista de baile, hits que juegan con los bajos como si fuesen hilos invisibles, bajos que vuelven a hablar de sexo y de ritmo.

Una canción: ‘Market‘: Chicago, Berlín, sonido profundo y reducido a la vez. House, con mayúsculas.

18. Fever Ray – Fever Ray (2009, Rabid Recors)

Tierras nórdicas, un frío horrible, mínimas horas de luz del día, dominio de la noche, sociedad casera y mucho tiempo para uno. Si a todos estos condicionantes les sumamos la experimentación de The Knife podríamos desgranar una pequeña parte de Fever Ray.

Karin Dreijer Andersson aprovechó el momento de descanso tomado en su principal proyecto junto a su hermano para deslumbrar a todos desde la más completa oscuridad, intimista y devastadora a partes iguales. En diez canciones explora los temas de la vida diaria, desde amor a amistad, desde sueños a pesadillas.

Ya el inicio con esos versos sonando de manera solemene diciendo: “give me more, give me more“ llegan a cortar la respiración. Bases desnudas, Ambient y Experimental de nuevo viéndose desde el Pop pero con un ojo en el Industrial más accesible. Y así, con una propuesta nada cercana logró publicar seis singles de las 10 canciones que contiene el álbum. Una experiencia que emociona.

Una canción: ‘Keep The Streets Empty For Me‘ (YouTube): “we were hungry before we were born“.

17. Matmos – A Chance to Cut is a Chance to Cure (2001, Matador)

Siempre he admirado los proyectos que lo mismo que te muestran la cara más dura del sonido en el siguiente tema parecen las hermanitas de la caridad ayudando a los necesitados. Matmos tiene esas dos caras, la amable, la que se marca gracias a samples externos un tema maravilloso como ‘Spondee‘ y al instante deja caer ‘For Felix (And All the Rats)‘.

Experimentación sin tener un corsé cerrado donde las ideas tengan que estar comprimidas dentro del armazón, sin apenas respirar y provocando, sugiriendo que ahí hay más de lo que se escucha, pero al final sin desanudar los cordones.

A Chance to Cut Is a Chance to Cure (2001, Matador) es una de las muchas muestras de la carrera de los estadounidenses. En ascenso, sin fallos y menos aún, sin miedos a la hora de abordar el sonido y estar pensando si lo suyo es una evolución del Industrial o por el contrario están haciendo Glitch o Techno. Da igual, en cada corte es un grupo nuevo y eso hoy en día vale su peso en oro.

Una canción: ‘Spondee‘ (YouTube): la naturaleza muerta de Matmos.

16. Zomby – Where Were U in ’92? (2008, Werk Discs)

El tópico del aprendiz superando al maestro en la electrónica no sólo se ha dado, como es lógico, sino que ha sido uno de los motores que han propiciado la evolución de la escena. Mientras los maestros pinchaban en sitios restringidos para menores, los adolescentes soñaban con suplir un día a su gurú. Pasó con el House, con el Techno y así hasta hoy en día, con Zomby y demás productores de la nueva hornada.

El Hardcore surgió precisamente de esta manera a finales de los 80, acelerando los ritmos que el Techno traía. Más de 20 años después un joven productor llamado Zomby mira hacia atrás y se marca una obra maestra, Where Were U In ’92? (2008, Werk Discs), que de haberse publicado en el estallido de la escena estaríamos hoy hablando de un clásico.

Al margen de revivals flojos y de pose, Zomby homenajea a los pioneros incluso dedicándoles el disco (desde A Guy Called Gerald a The Prodigy, pasando por nombres actuales) y manteniendo las técnicas de producción de 1992 mediante un Akais2000 y un Atari ST con Cubase. ¿El resultado? Una auténtica bomba que estalla al inicio y no abandona hasta el final.

Pianos, bocinas, voces, bpms acelerados… todos los recursos del primer buen Hardcore unidos en una ristra de singles única.

Una canción: ‘Fuck Mixing, Let’s Dance‘ (YouTube): are youuuuuuuu zomby?

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

Parte V

Parte VI

Nos acercamos al final de la lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI. Hoy toca el turno de poner fin a la recta del número 20 e ir destapando nuevos candidatos tras la quinta, y hasta hoy, última parte publicada.

Ya sólo quedan 20 nombres de los mejores discos. Muy pocos para todos los que faltan. ¿Habrá que ir preparando las tiritas y el alcohol para curarse la heridas?

25. Jamie Lidell – Muddlin Gear (2000, Spymania / Warp Records)

Con el genio de Richard D. James en horas bajas a la hora de afrontar el formato largo (Drukqs tiene más relleno que las joyas a las que no tiene habituados), otros nuevos artistas muy jóvenes han sabido ganarse un sitio bebiendo de ese sonido. Jamie Lidell firmó con Warp Records y después llegó el éxito.

Con Multiply (2005, Warp) dio un salto en grande, en ese momento ya se anticipaba el Soul por el cual derivaría su carrera. Un Soul muy sexual y apoyado en bases de electrónica muy funky. Pero antes de que llegase ese momento, al inglés le gustaba experimentar con ruiditos, con sonidos con los que construir melodías sin un ritmo claro, más bien desvaríos mentales mientras la cabeza gira 360º.

De ahí surgió Muddlin Gear (2000, Sypmania / Warp), su debut en largo y con el que demostró que antes de la música negra sabía como interpretar también el papel de joven tocado por la buena IDM, donde, como es lógico, parte de la música negra posterior estaba presente (’Daddy’s Car‘) pero oculta entre capas oscuras y densas de beats espesos; entre medias también podía hacer singles destinados a un baile epiléptico con coartada jazzística (’Said Dram Scam‘).

Una canción: ‘Ill Shambata‘: el zumbido de una mosca.

24. Moderat – Moderat (2009, BPitch Control)

La colaboración entre Modeselektor y Apparat se inició en 2003, el mismo año que puso fin con sólo un 12” publicado, Auf Kosten der Gesundheit (BPitch Control). Una de las parejas más interesantes en la escena electrónica ponían fin de manera peculiar a una colaboración más que corta.

Para suerte de todos sus fans seis años después la pareja formada por Gernot Bronsert y Sebastian Szary decidieron volver a unirse con Sascha Ring para dar vida a un álbum homónimo a la altura de los grandes clásicos de la década. El Minimal Techno de Berlín estaba muy presente y cómo no, las dosis de Glitch e IDM acaban de configurar la fórmula final, ofreciendo un sonido adictivo.

Largos desarrollos instrumentales gracias a loops repetidos hasta la extenuación generando una sensación hipnótica al alcance de pocos. El inicio entre crescendos es brutal y después Modeselektor aportan su sonido en temas como ‘Slow Match‘ o ‘Sick With It‘, donde colaboran Paul St. Hilare y Dellé Aka Eased From Seeed respectivamente. Oscuro, sexual y con unos bajos dignos de enmarcarse.

Una canción: ‘Seamonkey‘ (YouTube): flotando en el cosmos

23. The Avalanches – Since I Left You (2000, Modular Recordings)

A comienzos de la década la moda por mezclar todo tipo de sonidos no era tan evidente. Si bien es cierto que DJ Shadow ya había roto una barrera de público con su joya Endtroducing… (1996, Mo’ Wax), los artistas que triunfaban no solían ser gracias a tener una batidora de ritmos. The Avalanches fueron una de esas primeras excepciones.

A Australia y más precisamente, a Modular Recordings, hay que agradecerle dos cosas por encima de todo: primero que diese a conocer este grupo a todo el mundo, que apostase por ellos y lo sacase fuera de su isla y segundo, que hiciese lo mismo años más tarde con Cut Copy, quienes en 2009 publicaron un segundo largo, In Ghost Colours, divertidísimo.

Since I Left You (2000, Modular) es la propuesta perfecta en una hora de juego donde los samples vuelan al mismo ritmo que la mezcla de estilos corte tras corte. Desde el Hip-Hop del cual se coge el Breakbeat como base al Jazz y los sonidos más calmados (el verdadero y decente Lounge). Una producción de lujo, unos ritmos que enganchan a cualquier persona, sea amante o no de la electrónica, y una propuesta que por desgracia The Avalanches no continuaron, por ahora, en un segundo álbum.

Esa segunda referencia aún sigue esperándose. Hasta ese momento, Since I Left You seguirá siendo uno de los disco más rayados de la pasada década.

Una canción: ‘Stay Another Season‘ (YouTube): hedonismo de principio a fin.

22. James Holden – The Idiots Are Winning (2006, Border Community)

Los avances de la tecnología han potenciado cada vez más las generaciones caseras y los más jóvenes de la casa, gracias al ordenador portátil, han establecido el estudio personal en su habitación. Entre las generaciones que destacaron con mejores referencias y supusieron un buen cambio hay un sitio especial para Border Community.

Los llamados enfants terribles aportaron entre principios y mediados de la década grandes joyas al género. Los principales protagonistas fueron dos: Nathan Fake y James Holden (propietario de Border). El primero con, entre otros hits, ‘The Sky Was Pink‘, y el segundo con este álbum en largo que es una auténtica bomba.

The Idiots Are Winning (2006, Border Community) es perfecto mezclando géneros asentados como el Trance o el Progressive House y aportando una vuelta de tuerca a un sonido que según quién lo aborde puede resultar insufrible. Holden logra el resultado contrario: una orgía para los sentidos. Hay sexo en cada tema.

Una canción: ‘Lump‘ (YouTube): llamando desde una galaxia desconocida.

21. Isolée – We Are Monster (2005, Playhouse Records)

House hay muchos. De todos los palos, estilos, colores y nacionalidades. Pero al final la lista y las diferencias se reducen a dos tipos: el House bueno y el malo. Ahí se acaba de contar. Isolée pertenece al primer tipo de House, el bueno, el que te hace mover la uña del dedo gordo del pie, el que no lo olvidas a la primera escucha y a la milésima sigues pensando: ¡qué grande es este disco!

Rajko Müller es el responsable de todo este tipo de elogios. Alemán, de Frankfurt. ¿Alguien se sorprende que luego se hable de la importancia que tiene y ha tenido Alemania para la música electrónica? Con Isolée no sólo hablamos de un gran trabajo, sino que lo hacemos de un nuevo estilo que tantas horas de música dio en la pasada década: el Microhouse.

We Are Monster (2005, Playhouse Records) fue su segundo trabajo y junto a algún otro del género, de los más importantes a la hora de afrontar el cuidado de los beats de manera calmada, con parte sensual, sin acelerar la máquina, pero guardando el gusto por las melodías propias de los hitazos (’My Hi-Matic‘). Su propio nombre lo dice: un monstruo.

Una canción: ‘Enrico‘: bajos para no parar de pasar la fregona.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

Parte V

No nos hemos olvidado de la lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI. Por culpa de un mal formateo por mi parte perdí la información y ahora toca volver a elaborarla desde el principio. De ahí que la lista esté más pausada. Llegará a su fin pero con calma.

Lo dejamos en la cuarta entrega entre sonidos raros. Hoy toca la quinta parte y la variedad sigue imperando. ¿Hip-Hop? ¿Electro? ¿World Music? Hay tantas etiquetas que es imposible citar todas.

Mejor nos quedamos con la buena música para disfrutarla.

30. DJ Hell – Teufelswerk (2009, International Deejay Gigolo)

Han sido tantos los nombres que han llegado desde Alemania que es imposible quedarse con todos. La elección de uno antes que otro dependerá de gustos pero es innegable la influencia que tuvo, y sigue teniendo, el buen Electroclash por culpa en especial de un sello: International Deejay Gigolo.

El máximo responsable es DJ Hell, artista que apostó por Miss Kittin y su pareja Hacker cuando no eran nadie y al final se convirtieron en uno de los fichajes con más éxito y representativos en su sello. Pero DJ Hell no sólo actúa de mecenas, también sabe publicar grandes referencias que le han situado en una primera liga internacional gracias al sonido Electro.

Teufelswerk (2009, International Deejay Gigolo) es su último largo, donde sigue apostando por sonidos oscuros a la par que pegadizos. La búsqueda del hit para la pista de baile. Las voces femeninas que nos inciten a movernos. Y el uso del vocoder a la par que sigue pensando en lo que en su día Kraftwerk defendían.

Una canción: ‘U Can Dance‘ (YouTube): ¿quién dijo que el Electro era malo?

29. DJ /rupture – Minesweeper Suite (2002, Tigerbeat6)

La electrónica ha sido el campo donde los géneros más se han bifurcado buscando nuevas fronteras. En el camino no ha habido estilo que no haya bebido de otro. La moda de la World Music de la multinacionales de los 80 no es nada comparada con el discurso de artistas como DJ /rupture que no tienen un único género.

Jace Clayton es quien se esconde tras este alquimista sonoro sin límites. Minesweeper Suite (2002, Tigerbeat6) es uno de esos álbumes en forma de mixes que no tienen pegas, la mezcla de canciones y de estilos contagia el ritmo desde el primer segundo al último, más de una hora y 20 minutos después.

En total hablamos de 23 cortes que unen la tradición jamaicana en todo su significado (Reggae, Dub o Ragga, entre otros estilos) con el Breakbeat y el Turntabilism que vendría después. Cada mezcla es digna de ser diseminada para aprender los trucos de este estadounidense con un sentido del ritmo espectacular.

Una canción: ‘Untitled A1 {From Nubus}/Ruff Enuff Will Turn [Mega Mix]‘: ésta es la selva, chaval.

28. Broadcast and the Focus Group – Broadcast and the Focus Group Investigate Witch Cults of the Radio Age (2009, Warp Records)

Un mundo ideal es lo que cantaba Aladdín a Jazmín mientras le enseñaba lo que había fuera de palacio y le prometía “un horizonte a descubrir”. Si tuviese que elegir a un grupo que pusiese banda sonora a ese mundo ideal el personaje de Disney no sería más que una pequeño animal frente a Broadcast y su imaginería sonora.

Los de Birmingham, compañeros de ciudad y por lo tanto vecinos de Pram, con quienes comparten dosis de estilo y hasta compañeros (Steve Perkins), han ido recreando un mundo ideal durante toda una década en la que no han tenido prisa para publicar sus álbumes, todos ellos con un gran éxito entre la crítica y el público (Haha Sound hasta alcanzó puestos altos en las listas estadounidenses especializadas).

En 2009 los tranquilos Trish Keenan y James Cargill decidieron unirse a otro artista marciano como ellos llamado The Focus Group (proyecto particular de Julian House). El resultado fue Broadcast and The Focus Group Investigate Witch Cults of the Radio Age (2009, Warp). El Ambient gana terreno, el concepto de banda sonora también, las melodías te hacen flotar y recrear en tu mente ese mundo soñado. Una obra impecable.

Una canción: ‘Libra, The Mirror’s Minor Self‘ (YouTube): “llévame a donde sueñes tú”.

27. Fuck Buttons – Street Horrrsing (2008, ATP Recordings)

Si Broadcast ponen banda sonora a un mundo perfecto. Fuck Buttons ponen música a la guerra. Se aíslan en la cueva, oscuridad plena, volumen al máximo, distorsión sin miedo, asimilación de los ritmos tribales como propios y después ya, las canciones.

Unos sabios aprendices de gente como Aphex Twin, de quien dicen ser fans, en 2008 publicaban un álbum digno de todo tipo de elogios. Street Horrrsing (ATP Recordings) es a la misma medida Drone que Trance, sensación que mantienen durante todo el rato. Andrew Hung y Benjamin John Power mantienen en directo la misma dosis guerrera, la que consigue romper tímpanos si el volumen fuese mayor.

Un debut que luego continuaron con Tarot Sport (2009, ATP), donde la parte electrónica más ensoñadora evita el sonido brutal y crudo de su primer largo.

Una canción: ‘Sweet Love For Planet Earth‘ (YouTube): preparen armas.

26. Prefuse 73 – One Word Extinguisher (2003, Warp Records)

Los ritmos quebrados han tenido en muchos nombres visiones muy interesantes dentro de la electrónica. Prefuse 73 ha sido uno de los más notables con un nivel medio muy alto en todos los álbumes que ha publicado esta década, que han sido en total cinco en ocho años.

Su debut, Vocal Studies + Uprock Narratives (2001, Warp Records) ya anunciaba que aquí iba a haber oro bruto de los que seguir el paso. El segundo paso fue para dejar sentados a quienes pensasen que era flor de un día. Con One Word Extinguisher (2003, Warp Records) las canciones cogen más cuerpo, todo se concreta más en un sonido unido que difumina el Glitch hacia el Jazz y aporta lo mejor del Hip-Hop: las bases.

Por lo tanto, Scott Herren nos evita tener que aguantar al MC de turno con los tópicos de siempre mientras que al mismo tiempo aporta una hora (se dice pronto) sin repetición, que no satura ni a la milésima escucha, en la cual se siguen apreciando matices situados al fondo de los bajos y cambios de ritmo bien logrados.

Una canción: ‘Female Demands‘: el chisporroteo de unos ricos huevos fritos.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

La lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI sigue en marcha. Tras las tres primeras partes empezamos la semana con la cuarta entrega y cinco discos más que ofrecieron un gran resultado dentro de su terreno.

Desde House a Ambient. La buena electrónica no conoce barreras, por lo que esta lista tampoco se las quiere poner.

35. Moritz Von Oswald Trio – Vertical Ascent (2009, Honest Jon’s Records)

Mezcla en el mismo proyecto a Moritz von Oswald, Max Loderbauer y a Sasu Ripatti y tendrás un trío que a la fuerza tiene que hacer algo grande, algo propio de tres genios que han ido aportando nuevas visiones a la electrónica de nuestros días.

En Vertical Ascent (2009, Honest Jon’s Records) nos encontramos con la estela de Basic Channel aportada por quien en su día firmase de incógnito bajo Maurizio, nos encontramos con la experimentación de Sun Electric y los proyectos posteriores de Loderbauer y sobre todo con la presencia de Vladislav Delay poniendo la guinda a este trío sideral donde el Ambient es otra cosa sobre la cual recrearse.

Atmósferas en cortes con el sonido desnudo, largos pasajes donde en un principio parece que poco se mueve pero en el fondo al final va ocurriendo todo, se suman bajos con sonidos naturales y el Dub aparece siempre aunque sea de manera muy abstracta.

Una canción: ‘Pattern 1‘: comienza el viaje ascendente.

34. Squarepusher – Go Plastic (2001, Warp Records)

Con un Richard D. James en horas bajas a la hora de afrontar el formato largo, con un único disco en toda la década, Drukqs (2001, Warp Records), al que le sobra buena parte de los temas, y aún así sigue siendo bueno, pero al irlandés hay que pedirle más aún, su lugar lo ocuparon otros, entre los que destacaron Squarepusher.

Thomas Kenkinson es un inglés nacido en 1975 que da vida a este proyecto donde hasta un momento dado su base musical era la IDM y parte del Jazz fusión y sonidos funkies, y al comienzo de la nueva década se radicaliza más, abordando el Drum and Bass y parte de la IDM, aunque los límites entre ambas escenas a veces sean tan etéreos, el magnífico Ultravisitor (2004, Warp) es su otra joya. Ambos trabajos podrían entrar en esta lista, pero a mí me llama más la tralla que afronta en Go Plastic (2001, Warp).

La apertura puede desconcertar para quienes no hayan nunca accedido a Squarepusher. ‘My Red Hot Car‘ un tema tranquilo, algo de Downtempo con más Breakbeat de lo normal de base. Llegado el minuto dos empieza el cambio y cuando le sucede ‘Boneville Occident‘ empieza la fiesta de beats oscuros y cortados.

BPMs acelerados, música demencial y estructuras marcianas para alcanzar la locura.

Una canción: ‘My Fucking Sound‘ (YouTube): el título lo dice todo.

33. Ada – Blondie (2004, Areal Records)

Michaela Dippel es una mujer alemana de Colonia que bajo el alias Ada firmó un álbum de debut directo a convertirse en un “alegra mañanas” perfecto. Blondie (2004, Areal Records) es el trabajo que hace creer que el House procedente de Alemania se abstrae de todo y a su vez bebe de cualquier sitio.

Canciones que beben de la moda del Tech House sobre las que añadió muy bien líneas vocales para lograr singles más accesibles. Eso sí, las voces están al servicio de unas buenas bases 4×4 y no al revés. Cierto sonido electro entre medias y algún que otro mínimo ruidito para variar entre medias. En Blondie imperan los singles.

De entrada nos encontramos con Eve y las ráfagas que dejan a ‘Cool my Fire (I’m Burning)‘ la eficacia del buen House templado. ‘The Red Shoes‘ acelera el resultado, ‘Who Pays The Bills‘ satisface a todos por igual, con la voz como referente, y ‘Maps‘ muestra el gusto por el Nu Disco.

Una canción: ‘Our Love Never Dies‘: amarga y alegre al mismo tiempo.

32. DJ Krush – 寂 Jaku (2004, Columbia)

Desde Tokio, Japón y al poco de comenzar su carrera, la cual se inició a lo grande, con un segundo trabajo, Strictly Turntabilized (1994), en nada menos que en el sello de moda en aquel momento, Mo’ Wax, llegó DJ Krush, alias bajo el que se esconde Hideaki Ishi, productor que se situó en la primera línea de los proyectos más destacado en lo que vino a llamarse Abstract Hip Hop.

El japonés ha mezclado cualquier género en su música, desde toques del Jazz hasta los recursos aprendidos de las bandas sonoras. De esta manera se marcó varios grandes álbumes en los 90, entre los que Krush (1994, Nippon Columbia) y Meiso (1996, Mo’ Wax), y con la llega del 2000 su producción siguió alta aunque el sonido parecía reiterarse a veces demasiado. Jaku (2004, Sony/Columbia) es mi favorito de sus últimos trabajos.

Un álbum donde se dan cita todos esos elementos previos, con una producción de nota y que aún seguía aportando grandes dosis de melodías ensoñadoras al género Downtempo frente a tanto producto recreado para satisfacer la demanda de los clubs chic neoyorquinos. Apoyado en varios músicos japoneses (Ken Shima, Tetsuro Naito, entre otros) y MCs estadounidenses (Mr. Lif o Aesop Rock), DJ Krush volvía a recuperar la mejor parte del Trip Hop que nunca se debió olvidar.

Una canción: ‘Univearth‘: vientos sobre bases oscuras.

31. Alva Noto – Xerrox Vol.1 (2007, Raster-Noton)

En cuestión de Ambient, Alva Noto es el verdadero triunfador de la década. Cerca del terreno de la Electroacústica, este artista alemán de curioso aspecto (siempre me ha recordado a un híbrido entre Frankestein y un científico militar alemán cualquiera) ha jugado con los microsonidos de una manera sorprendente.

Estos diez años previos han sido muy prolíficos para él, tanto en su carrera en solitario, donde Xerrox Vol.1 (2007, Raster-Notion) puede ser un buen ejemplo de todo cuanto ha hecho, como en su faceta como colaborador, donde su proyecto más destacado ha sido con Ryuichi Sakamoto, artista japonés con el que firmó Insen (2005, Raster-Noton), otro álbum digno de entrar en la lista.

Ruido blanco en el que uno entra pero es incapaz de salir.

Una canción: ‘Haliod Xerrox Copy 111 (Iner)‘ (YouTube): en apariencia ruido.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

La lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI avanza con calma, pero avanza. Cinco discos al día para saborearlos bien, sin que se nos atragante ninguno y sin que dejemos a alguno en el tintero. Tras la primera parte y la segunda de ayer llego el turno de la nueva entrega.

Esta vez el dominio es de los sonidos más experimentales, con el campo del Ambient, del Minimal y de la IDM ganando casi los cinco puestos siguientes. A excepción de un nombre esperado por todos, el resto prefieren jugar dentro de los sonidos más difíciles.

¿Y Justice?

40. Robert Hood – Point Blank (2002, Peacefrog Records)

En la década de los 90 Robert Hood pasaría a la historia por un largo difícil de superar en su campo: Minimal Nation (1994, Axis). Nada más comenzar su carrera en las industria musical va y se saca de la manga su obra cumbre y tótem del Minimal. Jeff Mills no se equivoca en quién ficha para su sello Axis.

Después de eso llegó el reconocimiento, numerosos 12” y algún que otro álbum entre medias. A comienzos de la nueva década el de Detroit, claramente influenciado por sus paisanos de años atrás, siguió con el Minimal coincidiendo de manera curiosa con su puesta de moda en buena parte de Europa, en especial Berlín. Point Blank (2002, Peacefrog Records) fue su propuesta en la que siguen vigentes sus elementos principales: rapidez, pegada y los recursos justos.

Al igual que Mills y su escuela, la melodía era lo que más importaba y no había que desviar la anteción con añadidos incómodos. De ahí que aún hoy Hood siga defendiendo un sonido duro y sin vueltas. Su paso por Underground Resistance, anterior a su salida en solitario, es su periodo de formación y el de buena parte del Techno y del Minimal que vino después.

Una canción: ‘Method B‘: carreras a ninguna parte.

39. Portishead – Third (2008, Island)

Los de Bristol se retiraron en 1999 en el momento álgido de su carrera. En 1994 habían publicado un debut que quitó el hipo, Dummy (1994, Go! Beat) y después una continuación también meritoria tras semejante puesta en largo, Portishead (1997, Go! Beat). Un directo en Nueva York y diez años de silencio.

La vuelta de Portishead podía haber sido o muy mala y haber destruido la imagen de su legado o bien lo que fue: otra obra maestra en Third (2008, Island). Uno de los tríos precursores del Trip-Hop seguían bebiendo, como es lógico, de este sonido inicial pero había crecido y se presentaba más rotundo.

Sólo la intro hablada de Claudio Campos en portugués ya muestra un nuevo grupo. ‘Silence‘ es apoteósica. Sigue habiendo la misma oscuridad. Beth Gibbons sigue helando la sangre al cantar “did you know what I lost? do you know what I wanted?“. La influencia portuguesa se cuela en melodías como ‘Hunter’ aunque sea de manera desapercibida. Pero si algo tiene este álbum son dos himnos que merecen su consideración de obra maestra: ‘The Rip‘ y ‘Machine Gun‘. Una vuelta para reclamar el trono que dejaron vacío.

Una canción: ‘The Rip‘ (YouTube): un crescendo en busca de la muerte.

38. Susumu Yokota – Grinning Cat (2001, Leaf)

Dentro de la escena Ambient ha habido muchos nombres interesantes en la pasada década. Uno de mis favoritos es el de Susumu Yokota. Artista japonés asentado en Inglaterra, donde se ha ganado su fama, en especial en la escena londinese. Su discografía desde 1992 hasta hoy en día asusta, como podéis ver en su web oficial. Tiene más de 20 álbumes publicados, un buen número de EPs y otra buena retahíla de 12” donde aborda de manera hipnótica su sonido.

Grinning Cat (2001) fue publicado por el prestigioso sello Leaf, casa de, entre otros, Caribou, Efterklang o The Sound of Silence. En dicho trabajo juega con líneas envolventes, atmósferas que atrapan a quien las escucha y una potenciación muy agradable de los sonidos agudos y de la percusión más delicada.

De esta manera aparecen líneas de piano al fondo entre simulaciones de palmas (’Cherry Blossom‘), zonas densas que luego se abren mediante los mismos riffs comentados (‘Card Nation’) o sonidos emergentes de mentes de dementes (’Balloon In The Cage‘). En negro y blanco o blanco y negro, según se mire la portada y la contraportada, Susumu Yokota nos presenta su mundo.

Una canción: ‘Love Bird‘: el placer de los sentidos.

37. Arbol – You Travelled My Heart Inside Out (2007, Lejos Discos)

Tras su paso por Piano Magic, Miguel Marín decide cambiar de tercio y adentrarse en un proyecto en solitario bajo el nombre de Arbol, en el que experimentar con la electrónica. Los límites sonoros no existen. Primero publica un álbum homónimo en 2002 bajo Indus Sonica-Rocket Girl y cinco años más tarde llegaba la continuación al segundo trabajo, que ya publicó con Lejos Discos, Dreams Made of Paper (2005).

You Travelled My Heart Inside Out (2007, Lejos Discos) es el elogio a las cosas pequeñas. Al cuidado de los ambientes hasta el último extremo. Calmado, delicado, con una fragilidad que cautiva. La barrera en la que se encuentra Miguel Marín es ambigua, Electroacústica o Ambient, el término es lo de menos.

Cerca de la hora que dura el viaje, porque Arbol consigue transportarnos fuera de la realidad, comienza con una maravilla de canción homónima apoyada en un mínimo sonido de piano y llega al final contándonos que María es un pájaro mediante un uso de la voz ensoñador. Entre medias cada uno puede elegir su parada, la atención por unos sonidos u otros, que cualquiera es único.

Una canción: ‘You Travelled My Heart Inside Out‘: un inicio cautivador.

36. Modeselektor – Hello Mom! (2005, BPitch Control)

Desde Alemania nos hemos encontrado en la última década con algunos de los artistas más apasionantes. La pareja formada por Gernot Bronsert y Sebastian Szary, conocidos popularmente como Modeselektor, es uno de esos proyectos de los que te enamoras en cuanto empiezas a escuchar un segundo su música.

Imposibles de catalogar en un sólo género, los berlineses han utilizado esta característica para diferenciarse del resto y crear un mix de influencias que tienen en el Breakbeat una base principal, pero sin olvidar el Hip-Hop posterior, el Techno ni tampoco el Grime. Así que la etiqueta Glitch, en muchos casos genérica, ha sido la más repetida al hablar de una música apasionante y divertida, donde no hay un segundo de descanso.

En Hello Mom! (2005, BPitch Control) presentaron su propuesta en largo tras varias referencias previas también publicadas con el sello de Ellen Allien, su única casa durante toda la década, a excepción de un flirteo con Get Physical Music. La idea recuerda a The Who Sell Out (1967, Track) puesto que recrean un programa de radio de manera original, con un llocutor que va introduciendo los temas y va entrevistándolos. Jingles y comentarios divertidísimos, temas que llevan el ritmo en vena, bases crujientes y con una pegada asombrosa y colaboraciones con otros MCs como TTC, Paul St. Hilaire o Sasha Perera.

Hasta el momento sólo han publicado dos LPs, el segundo fue Happy Birthday! (2007, BPitch Control), otra joya. El resto del tiempo lo han dedicado a pequeñas referencias, sesiones, mixes y recopilatorios. El tercero inédito es muy esperado por algunos.

Una canción: ‘The Rapanthem‘: el bajo parece reflejar una noche de sexo.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Ayer por fin salía la primera parte del especial sobre los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI y el primer debate estaba servido: Daft Punk arriba, Björk abajo, puestos injustos… Lo habitual en una lista de música.

Hoy la segunda parte sigue demostrando que la década pasada no hubo un único género en la música electrónica sino que tantos como uno quisiese encontrar. Volvieron los grandes maestros, también por fin. La Indietrónica dejaba nuevas obras de referencia a la vez que perdía fuelle en según qué propuestas, la música negra se mantenía unida al House, mientras dicho estilo se reducía y por último, el Big Beat dejaba paso a nuevos sonidos para todos los públicos.

¿La electrónica muerta? No. Está más viva que nunca.

45. Kraftwerk – Tour de France (2003, Kling Klang)

Sin Kraftwerk no habría habido música electrónica, o al menos, no como la conocemos hoy en día. Esta máxima, de primeras con una apariencia demasiado categórica, se fundamenta en todos las declaraciones de los protagonistas del mundo de los beats, citando a los alemanes como su principal fuente de inspiración (en especial Derrick May).

Pese a que la época dorada del grupo de Ralf y Florian tuvo lugar en los 70, abarcando toda la década con auténticas joyas que son biblias del género, luego también publicaron algún que otro trabajo; por desgracia, sin guardar tanto nivel como los ocho primeros (se dice pronto).

En 2003, tras 17 años desaparecidos del panorama de estudio, Kraftwerk se quitaban las telarañas con Tour de France Soundtracks (Kling Klang), que luego en 2009 eliminaría el último término en el título, quedando sólo Tour de France. La vuelta era de las buenas, aunque muchos quieran aún escuchar nuevas florituras de la primera época. Entre tanto Pop electrónico de fórmula aparecían los germanos y seguían con su factoría de himnos con la canción que da título al disco y que dividen en tres etapas.

Techno que seguía evocando sensaciones de viaje, Pop marciano con sintetizadores y un concepto: el de los 100 años del propio Tour de France, bajo el cual fue pensado este trabajo. De notable alto décadas después.

Una canción: ‘Tour De France Étape 1‘ (YouTube): el viaje en círculo que nunca se repite.

44. Lali Puna – Scary World Theory (2001, Morr Music)

La música electrónica nunca ha tenido barreras. Siempre ha incorporado nuevas modas y gracias a ella, como a otros estilos musicales, podemos ver cuáles eran las tendencias de la sociedad en aquel momento y cuáles eran las desviaciones que iban surgiendo en los subgéneros. En los 90, esa desviación que más triunfó fuera del circuito electrónico fue la Indietrónica.

Grupos como Lady Puna mezclaron con gusto y clase los beats del Downtempo con las estructuras de un Pop muy calmado y suave, donde la voz no era vista como un bicho raro, sino que era parte esencial. El sello principal de esta expansión fue Morr Music, donde publicaron proyectos de la talla de Ms John Soda o Tarwater pasaron por su catálogo, al igual que múm – Finally We Are No One, (2002, Fat Cat Records) estuvo a punto de entrar en la lista -, aunque en Fat Cat y luego en Morr Music, sus similitudes eran palpables.

En Lali Puna la voz la aportaba Valerie Trebeljahr, sin levantar la intensidad, ocultándose en muchos casos bajo el sonido de las bases de una electrónica que había acogido en su mezcla con el Pop los elementos más básicos del Breakbeat. Scary World Theory (2001, Morr Music) es un trabajo para desconectar y cuya relevancia en la escena trae consigo su incorporación a la lista.

Una canción: ‘Don’t Think‘ (YouTube): el resumen de su sonido.

43. Moodymann – Black Mahogani (2004, Peacefrog)

El House nunca ha sido puro, ni en los tiempos en que despegó en Chicago, ni en el underground más cerrado. Muchos lo ven como una continuación del Disco con sus consiguientes cambios. En los últimos años el House siguió bebiendo de esa mezcla con la música negra de la que en un inicio se sirvió para crecer como sonido propio. Artistas como Moodymann son un ejemplo de ello.

Kenny Dixon Jr. es el nombre que se esconde tras este proyecto de, irónicamente, Detroit. Con dos buenos largos en la década de los 90 y con varios 12” bajo su propio sello, KDJ, así como uno para Planet E (Carl Craig) y su posterior fichaje por Peacefrog Records, Moodymann ya era referencia en la escena.

En Black Mahogani (2004, Peacefrog) el Jazz gana bastante peso, pero bien hilado, sirviendo de ejemplo a proyectos que dicen hacer Acid Jazz pasteloso y soporífero. El Funk aparece entre medias, para no variar, y las colaboraciones con los diferentes voces, como Roberta Sweed o Amp Dog Knight. Otra manera de afrontar el Deep House a principios de la década.

Una canción: ‘Holiday‘: sonidos negros bajo la base electrónica.

42. Akufen – My Way (2002, Foce Inc.)

El Microhouse fue una de las derivaciones del House que llegaron con más fuerza durante la pasada década. De Canadá coincidieron varios nombres como Deadbeat, Tomas Jirku y Marc Leclair, el verdadero nombre de quien se esconde tras Akufen, uno de los proyectos que más han influido durante estos años. Cada uno afrontó el sonido desde su manera, cada uno ofreció un proyecto único y personal. Algo difícil de pensar.

En el caso de Akufen con su debut en largo, My Way (2002, Force Inc.), la perfección fue tal que después de eso ya no repitió en este formato, sólo con un mix para Fabric (2004) y después bajo su propio nombre convertido en alias (2006).

Un planteamiento tan adictivo como su álbum de debut era difícil de superar. Ahí estaba ‘Deck the House‘ para jugar con una base adictiva sobre la que un loop era repetido hasta el final, ‘Skidoos‘ aportando la cara más oscura y de un single que bebe del Deep House pero controlando los beats hasta el último tramo, ‘Jeep Sex‘ seguía uniendo líneas de Acid años más tarde, y ‘Heaven Can Wait‘ cortaba cualquier ritmo para crear uno nuevo.

Una canción: ‘Deck the House‘ (YouTube): el nuevo discurso del House.

41. 2 Many DJ’s – As Heard on Radio Soulwax, Pt. 2 (2002, PIAS)

El Big Beat enseñó algo muy importante a la música electrónica más accesible: los elementos del Rock bien utilizados son sinónimo de éxito. Ahí están The Chemical Brothers, The Prodigy o Fatboy Slim para corroborarlo. Hay muchas maneras de mezclar ambos sonidos, como hemos visto esta última década, aunque si me tuviese que quedar con una de todas ellas la propuesta de 2 Many DJ’s sería mi favorita.

As Heard on Radio Soulwax, Pt. 2 (2002, PIAS) no sólo introduce el Rock con la electrónica, sino que se atreve a elegir 30 temas muy conocidos de la música popular o no entre los melómanos, sin fecha límite y sin un género común. De esta manera se mezclan The Velvet Underground con Felix Da Housecat, The Stooges con Sly and the Family Stone y todos tan contentos.

Una recopilación bizarra de remixes que van más allá del fenómeno mashup, mezclando todo lo habido y por haber. Es pura adrenalina y diversión ver lo que la pareja de belgas también conocidos como Soulwax (David y Stephen Dewaele) pasan por su batidora personal himnos de la talla ‘I’m Waiting For The Man’ y los hacen adictivos, no por el tema en sí, sino por el conjunto que logran crear. Pura dinamita donde la velocidad y la intensidad son sus principales valores. Un álbum para alegrarse el día.

Una canción: ‘No Fun‘ (YouTube): los riffs del Garage salpicados de Electro.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I