Hacía ya tiempo que no retomaba el repaso a la obra de The Velvet Underground a través de la visión de terceros grupos. Empezamos con ‘I’m Waiting for the Man’, después seguimos con ‘Candy Says’ y lo dejamos en ‘What Goes On’. Así que había que volver a rescatar la sección añadiendo una cuarta a la lista, que es ‘All Tomorrow’s Parties’.

El motivo de elegir este himno no es otro que la mezcla perfecta entre letra y música. En ese momento (la canción fue grabada en julio de 1966), lo que acababan de hacer The Velvet Underground en el estudio era puro avant-agarde, con una melodía y una concepción que esquivaba los tópicos de aquella época (el sonido beat o la explosión del r&b).

Con la solemne voz de su compañera de viaje impuesta, Nico, firmaban un alegato triste contra la moda, las apariencias y casi contra cualquier intento de ser felices. Nada de aparentar tras vestidos de marca, ellos lo dejaban claro en la letra.

Una mortaja ennegrecida
Un vestido usado
De harapos y sedas, un atuendo
Adecuado para sentarse y llorar
Por todas las fiestas por venir

The Velvet Underground – All Tomorrow’s Parties (YouTube)

Ante tal declaración de intenciones, la melodía no podía ser otra que la más introspectiva posible, encerrada y oscura. El sonido que se escucha de la guitarra es la mítica Ostrich guitar tuneada de Lou Reed y de fondo, el piano de John Cale. La grabación también tuvo sus diferentes versiones, ya que la primera (julio de 1965) se grabó en formato acústico en el piso de los miembros de The Velvet Underground, mientras que la segunda y definitiva, ya tuvo a Nico como voz principal.

Japan – All Tomorrow’s Parties (YouTube)

Este tema lo han versionado infinidad de artistas, sobre todo en directo, donde la sencillez de su estructura, da pie a ello. Así que mejor elegir tres versiones dispares, cada una en un momento dado y con planteamientos diferentes. De las primeras versiones que se tiene constancia es la de la banda Japan. Cualquiera que conozca al grupo de David Sylvian podrá imaginarse sin oír el tema hacia que palo llevan los británicos el clásico. Avanzados a su época, con un movimiento como el de la new wave aún como posibilidad, ellos ya habían dejado algunas perlas por el camino. Encasillados en una etiqueta un tanto despectiva, como fue la de nuevos románticos, Japan ablandan el tema de Lou Reed y empastan toda la melodía. Quiet Life (1979, Hansa Records) es donde se puede encontrar esta versión.

Nick Cave & The Bad Seeds – All Tomorrow’s Parties (YouTube)

El segundo grupo elegido es Nick Cave & The Bad Seeds, quienes aprovecharon su tercer álbum, Kicking Against the Pricks (1986, Mute Records) para revisionar el legado de la Velvet. En un álbum tan oscuro como el mencionado, el original de 1966 no hubiese desentonado en absoluto. Cave y compañía se hacen con él y le añaden aún más profundidad con unas guitarras distorsionadas y repetidas, la voz de Cave sustituye a la de la joven modelo-cantante-actriz, y le dan un eco y unas back vocals acordes con el desarrollo, mientras que en el fondo, una percusión intermitente. Es de mis favoritas, ya que guarda la esencia del grupo original, a la vez que le da una nueva.

Rasputina – All Tomorrow’s Parties (YouTube)

La versión más actual (y a la vez, decente) que he encontrado, la firma el grupo Rasputina. En 2003 el grupo de Brooklyn, Nueva York, famoso por contar con unos desarrollos de cuerda en cada tema, decidió añadir su granito de arena a la historia de las versiones de The Velvet Underground. El intento no salió del todo mal, aunque se queda más en anécdota que en aplauso, como las dos anteriores. Melora Creager añade una voz demasiado triste, que no tiene la intensidad de Nico, aunque la melodía y el planteamiento resultan interesantes, sobre todo por el hecho de escuchar los arreglos de cuerdas para un tema como el que nos concierne. Si quieres completar tu colección de versiones, la podrás encontrar en The Lost & Found (2003, Instinct).

Se quedan en el tintero la de Siouxsie & the Banshees, la desastrosa versión que hizo Simple Minds hace unos años (YouTube), u otras como la de Los Tres, Bryan Ferry o la propia Nico en solitario.

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Sé que cualquier tema de The Velvet Underground, para mí, tendrá los elogios garantizados, pero ‘What Goes On’ es otro de los indispensables en la lista de sus diez mejores hits. Tiene la suciedad propia de su sonido, tiene la distorsión que les caracterizó al principio, y tiene a Lou Reed cantando entre guitarras sin despeinarse.

‘What Goes On’ es una de las canciones que cuando uno coge la guitarra puede tocarla sin necesitar ser un virtuoso al estilo de Hendrix, sólo un riff que se va repitiendo y un cambio de acordes mínimos, así que la vitalidad de su letra y de su música, se transmite rápidamente a quien pruebe este hecho.

Este tema no hay que confundirlo con el del mismo título que publicarían The Beatles en 1966, dentro del pop y la psicodelia. Aquí la oscuridad se hace principal, englobado y publicado en el álbum homónimo que publicaron en 1969, del cual ya he elegido dos temas, el anterior: ‘Candy Says’ y éste. Ese disco negro, es de lo mejor que publicaron, irónicamente, el primero que no contó con la participación de John Cale.

The Velvet Underground – What Goes On (YouTube)

Tiene uno de sus solos más destacados, con predominio de la guitarra en casi todo el tema. Consigue muy bien la subida, que complementa muy bien a los versos, donde Lou Reed parece reflejar un sentimiento y experiencia relacionada con el mundo de la droga.

I’m goin’ up, and I’m goin’ down.
I’m gonna fly from side to side.
(...)
Lady, be good, do what you should,
you know it’ll be alright.

La primera versión tenía que ser para el grupo que me inspiró a hacer esta revisión de las distintas covers hechas de la banda. Polar presentaron su propuesta en el último recopilatorio que han publicado bajo el título Feedback (2008, Jabalina Música). Ellos distorsionaron aún más el tema, haciéndolo más sucio, añadiendo metraje y extendiendo los solos de las guitarras; la voz, por el contrario, tiene menor presencia que en la original. El resultado es una gran versión, hipnotizante e idónea para recordar al grupo.

Bryan Ferry – What Goes On (YouTube)

Por desgracia, la única versión que he encontrado de artistas importantes es la de Brian Ferry, quízá haya alguien que conozca alguna más. Casi diez años después de la original, a Brian Ferry se le ocurrió la feliz idea de destrozar este himno. Destruido en cuanto se escucha, se prefiere un ritmo que suena a lata, a caja de ritmos barata y con un leve solo después para disimular el ataque. Lo peor, es que encima fue el primer single de su quinto álbum, The Bride That Stripped Bare (1978, EG Records). Ni en la feria más mala pegaría.

Dead Rock West – What Goes On (YouTube)

Dentro del panorama de grupos noveles, la más destacada que he visto ha sido la que podéis ver en el vídeo, pese a que sea un directo y no tenga suficiente calidad. Es de un grupo californiano de punk y americana que suenan bastante bien. La versión que hacen la llevan al terreno mínimo de la americana, con dobles voces gracias a la participación femenina, quien es la voz principal durante toda la canción. Sigue sonando sucia y pegadiza.

Ya van tres partes del especial de The Velvet Underground, pero todavía quedan varias canciones que revisar, porque el legado de la banda de Lou Reed es muy importante para la historia de la música.

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Doug Yule entró en The Velvet Underground para sustituir a un recién salido John Cale, multi instrumentista y amigo de quien tenía que serlo en ese momento para estar en todo el meollo. Al final, uno de los hechos más destacados de Yule, fue poner voz a uno de los mejores temas que tiene la Velvet: ‘Candy Says’.

‘Candy Says’ abría su disco más oscuro en apariencia, desde la portada, con el grupo en un mínimo espacio abierto rodeados de fondo negro, al posible cambio que produciría la salida de Cale en el sonido de la banda. Todo eran incógnitas. Lo único que estaba claro era el predominio de Lou Reed, sin ya rivales a su lado (Warhol se había alejado, llevándose consigo a Nico y Cale no cuestionaría ninguna decisión más del cantante).

Con el timón a su disposición, Lou Reed podía hacer lo que quería, siempre y cuando los componentes de la banda aguantasen sus eternos dilemas y presiones. Reed siempre ha sido el artista polifacético, el cual se adelantaba a su tiempo y modificando su sonido antes que nadie. Si en un futuro él apostaría por el combinado de folk y pop, para desarrollar su carrera más intimista; en 1968 también le apetecía experimentar con el resultado.

Beth Gibbons & Rustin Man – Candy Says (Live) (Youtube)

Una de las voces que mejor podrían cantar este tema, Beth Gibbons, no deja pasar la oportunidad de incorporar su versión personal, junto a Rustin Man, de Talk Talk. Es un tema hecho a su medida, íntimo y sentimental, en el que consigue suplir la voz original dotándola de una mayor carga emotiva. Casi sin melodía, con Gibbons en exclusiva, la canción llega al final incorporando a la banda.

Antony and the Johnsons – Candy Says (Live) (Youtube)

Antony and the Johnsons, versionó este tema hace dos años y emocionó a todos. Soberbia voz de uno de los últimos pupilos de Reed, demostrando que no se equivoca cuando “apadrina” a alguien. Antony la pausa, la mantiene en la voz de barítono emotivo que tiene, con un timbre de escándalo, y un conocimiento único para saberlo modular. Parece como si la desnudase y quisiera hacer llorar a quien la escuche. Si además a esa voz la acompaña una orquesta con cuerda, tenemos una cover de matrícula de honor.

Garbage – Candy Says (Youtube)

Después de dos maravillas como las anteriores, cualquiera va a quedar infravalorada. Garbage mantiene la original con el riff de la guitarra suave, con la voz de Shirley Manson de la misma manera y sin despeinarse en los cuatro minutos que dura el tema. Una versión eclipsada por las mencionadas, y que pasa a un segundo plano más corriente.

Blind Melon – Candy Says (Youtube)

Desde el folk, Blind Melon, acoge la canción con un arpegio tradicional, convirtiendo la canción oscura, sentimental, en una totalmente diferente que bien podría pasar por una clásica del folk o el country. Revisión acertada, aunque personalmente prefiero la lentitud que viene dada desde un inicio a la letra. No la veo una canción tan alegre.

En el tintero quedan otras, como la que versión inédita y pirata que había de La Buena Vida por Internet, con una Irantzu Valencia desentonando un poco; y en Youtube hay para rato si se ven las versiones caseras de diferentes personas.

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Todo grupo aspira a dejar su huella en la historia de la música, muchos hacen lo que sea por conseguirlo y otros en cambio se limitaron a vestir de cuero negro rodeados de modernos e intelectuales que les veían como bichos raros y a tener un gran mecenas. The Velvet Underground eran los raritos de la clase, los que (en un principio) no estaban interesados en todas las nuevas drogas de diseño que por aquel entonces aparecían en Nueva York recién llegadas desde California. The Factory para ellos no era un templo como para todos los que iban a figurar al llamado club de moda.

The Factory era la casa y templo de su mecenas, del genio del arte y del espectáculo. Andy Warhol era su precursor y quien estaba detrás de todo. No sólo desde el plano artístico le debemos la popularización y elevación del pop-art como arte a tener en cuenta, sino que sin él, The Velvet Underground no hubiesen sido lo mismo que son ahora, e incluso podrían no haber ni surgido.

Es una visión muy simplista, pero Andy Warhol podría ser uno de los personajes más influyentes en la historia de la música, sin ni siquiera tocar un instrumento en su vida. Él dio voz al conjunto de Lou Reed, él les dio soporte económico en una época donde nadie daba un duro por unos chicos que iban de negro día y noche y ni tenían estilo ni carisma para relacionarse con la gente del negocio. Warhol les impuso a Nico en su ya famoso homónimo, Warhol creó las tensiones entre Reed y Cale, y en definitiva, Warhol curtió a Lou Reed enfrentándose a su ego.

(The Velvet Undergound, Sunday Morning; youtube)

Sin ahondar más en ese aspecto, ya que daría para textos y textos (como así ha pasado), qué mejor que recordar el legado de The Velvet Underground sin hablar precisamente de su música, sino de cómo otros músicos entiendieron sus composiciones, cada canción y cada letra, todas ellas únicas.

Todo surgió relacionado con el último disco del grupo español Polar, quien publicará en unos días un disco de versiones titulado Feedback, y en el que se incluye What Goes On como representación de la banda estadounidense.

(The Velvet Underground, What Goes On; youtube)

Lo que iba a ser un sólo artículo ha crecido tanto al escuchar la calidad de las diferentes versiones. Merece la pena irse deteniendo en las canciones más emblemáticas de The Velvet Underground y ver cómo las han versionado otros grupos. La primera de ellas es I’m Waiting For The Man, historia que escribió Lou Reed (como la mayoría de los temas hasta que abandonó la banda) basándose en su experiencia a la hora de esperar al camello y su dosis diaria de droga.

Una primera versión fue grabada en julio de 1965, en el loft que tenía la banda en Ludlow Street, de la mano de Lou Reed, John Cale y Sterling Morrison. En la box set Peel Slowly and See puede escucharse como quedó, desnuda de percusión y con el folk y el blues más presentes.

(The Velvet Underground, I’m Waiting For The Man; youtube)

La versión final se grabó en abril de 1966, en los estudios Scepter, de Nueva York, pese a haberse regrabado otra toma en California. Aquí Reed cambió el “I’m waiting for the man” por “I’m waiting for my man”, para dar más enfasis a su efecto inicial.

De todas las versiones que hay sobre esta canción he elegido las más representativas. Para comenzar, una ya mítica. Una de las últimas actuaciones juntos de Lou Reed y John Cale en una larga época. Demasiado apagada, sin casi fuerza y presciendo de la percusión como en la original, sustituida por el piano de Cale.

(Lou Reed & John Cale, Waiting for the Man, Bataclan ‘72; youtube)

Aunque para ver cómo quedaría esta canción con un piano más marcado, mejor ver la versión en solitario de John Cale que hizo en directo en 1983. Él solo sentado al piano, repitiendo todo el rato la misma estructura hasta tal punto que se vuelve hipnotizante. De mis favoritas, en especial cuando llega al final y varía.

(John Cale, I’m Waiting For The Man; youtube)

David Bowie también se sumó en una época a cantarla en sus directos, uno de ellos a dúo con el propio Lou Reed, pero es mejor la actuación que podemos ver en solitario, donde demuestra su anticipación a cualquier moda. El año es 1976, la new wave casi ni se sabe qué es, quedaría algún tiempo para su expansión y popularización, y aquí vemos al dandy inglés cambiar la melodía a este sonido.

(David Bowie; I’m Waiting For The Man; youtube)

Ya por último, por no expandir aún más el artículo, el dueto que hizo hace poco Lou Reed con otro genio, Pete Townshend. El líder de The Who demuestra su particular estilo a la guitarra, porque sin saber que es él, ese riff y esa manera de tocar, es suya en exclusiva.

(Pete Townshend & Lou Reed; I’m Waiting For The Man; youtube)

En el tintero se han quedado muchas versiones, una de mis preferidas, grabada por Bauhaus con Nico, y otras más flojas como la de Vanessa Paradis, la de 2 Many DJs, o la que Juliette & The Licks han hecho recientemente en directo.

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Sitio No Oficial | The Velvet Underground

Su álbum más alabado a lo largo del tiempo e incomprendido en 1973, año en el que se publico, su disco maldito, el segundo en solitario tras Transformer. Diez tortuosas canciones en las que nos relata la historia de amor y autodestrucción entre la prostituta alemana Caroline y el yonqui norteamericano Jim, en la capital alemana. Berlin es más que un concierto, más de treinta músicos acompañan al neoyorkino en este espectáculo que el pasado verano recorrió Europa sin hacer parada en nuestro país.

Será el próximo mes de julio cuando Lou Reed venga a saldar su deuda y ya ha anunciado cinco fechas en nuestro país en las que interpretará al completo su álbum de culto:

• 21 de julio: Terral Festival (Málaga)
• 22 de julio: Patio del Conde Duque (Madrid)
• 24 de julio: Kursaal, Festival de Jazz (San Sebastián)
• 25 de julio: Festival de Portaferrada (Girona)
• 26 de julio: Plaza de Toros (Benidorm)

Pero tratándose de un disco que siempre ha estado marcado por la censura, su gira no podía librarse de la polémica. Sobre el escenario aparece un coro de dieciocho niños que se selecciona realizando un casting en cada una de las ciudades en las que va recalando y ya hay quien a puesto el grito en el cielo criticando que no es éste un espectáculo apto para menores, debido a la crudeza de la temática tratada. Pero ¿quién iba a interpretar sino los desgarradores gritos infantiles de “The Kids”?

Sitio oficial | Lou Reed

El tema, llamado I´m Not a Young Man Anymore, tiene valor más allá de su condición de documento histórico. Sonido de rock´n´roll puro pasado por el apasionante filtro de la Velvet, con esas guitarras que da gusto oír una y otra vez. De la letra no digo nada, porque no es más que la repetición del título una y otra vez y una peqeuña frase más.

Conociendo a Lou Reed, antes de escuchar la canción creía que iba a ser una toma primeriza de algo que luego él grabó en solitario, pero lo cierto es que no he podido reconocer trazos de ningún tema que sea muy parecido a este I´m Not a Young Man Anymore. Podéis escuchar la canción tras el salto:

Por cierto, que el show del Gymnasium, de Nueva York, incluye además, el estreno en directo de Sister Ray con 19 minutos de pura emoción de guitarras, así que es muy, pero que muy recomendable. Todos a descargarlo al disco duro a la voz de ya.

Escúchala | Imeem
Vía | Dead Flowers

El codazo de Tassotti es un disco muy notable, que debería enamorar a la cada vez mayor legión de seguidores del indie patrio menos underground. En él, Deneuve han suavizado los planteamientos de El adiós salvaje, pero mantienen la misma intesidad con la que ya se hicieron notar en El amor visto desde el aire.

Este triplete les ha puesto en boca de muchos, ha conquistado los corazones de unos cuantos aficionados a la música en castellano y les ha hecho sobresalir en festivales como el Contempopránea, la única apuesta integramente nacional de este país, por lo que su éxito allí es aún más valioso.

En Hipersónica hemos querido hablar con la banda y Adolfo, su cantante, es quien nos respondió a través del correo electrónico.

¿Es éste el primer disco sin concepto o el primero en el que no lo contáis a la prensa y a los oyentes? ¿Cansados quizás de tener un hilo argumental?

Creo que los discos en realidad se conceptualizan casi siempre a posteriori. Ves lo que has hecho y te das cuenta de que la suma de todas las canciones tienen un significado muy compacto. En este último disco había factores que impedían que le diéramos forma de disco conceptual. Fundamentalmente la participación en el proceso compositivo de todos los miembros del grupo, cada uno con sus circunstancias vitales, y nuestra intención de que la coherencia del disco viniera por criterios musicales.

En El Adiós Salvaje, el romanticismo guiaba no sólo las letras, sino también a música, apasionada y por momentos excesiva. Ahora volvéis a sonar más acústicos: ¿cuáles han sido las razones de ese cambio?

Bueno, eso es así a medias. Es verdad que en algunos momentos este disco recoge el espíritu de “El amor visto desde el aire”, pero también es cierto que la electricidad tiene un protagonismo claro en “El codazo de Tassotti”, así como el tono excesivo que mencionabas. Más bien diría que este disco perfectamente podría definirse en cuanto a sonido como un compendio de lo hecho por Deneuve a lo largo de nuestra carrera.

Vuestro anterior disco era truculento y morboso en bastantes momentos de las letras. Pienso, por ejemplo, en Hostal Nuria o en Kindergarten. Ahora, sin embargo, se nota una mayor dulzura, incluso en los reproches. ¿Fue premeditado o sólo como consecuencia de vuestras circunstancias personales?

En parte premeditado. Realmente nuestra actitud vital como individuos siempre ha sido muy positiva. Sin embargo, es cierto que cuando nos sentamos a componer nos cuesta la misma vida dar un enfoque optimista a la realidad. Esa contradicción teníamos que romperla de alguna manera y, pese a nuestra “incapacidad”, por fin se atisba un hilo de luz a nuestro mensaje ¡Gracias a Dios!.

Incluso, en esta ocasión Víctor Carrillo ha optado por una portada basada en una fotografía. Una imagen más explícita y luminosa que en los anteriores trabajos. De todas formas, creo que el momento más dramático de nuestra carrera en cuanto a composición está en este disco en “duro y más duro”, así que ese hipotético cambio es sólo relativo.

Algunos de mis amigos os consideran un grupo que se toma sus discos demasiado en serio. Dice que, como a Lou Reed, os falta sentido del
humor. ¿Es cierto esto? Y si lo es, ¿lo veis como algo negativo?

Es muy agradable que algunos de tus amigos mencionen en la misma frase a Deneuve y a Lou Reed. Les dedicaremos algún día en directo “Perfect Day”.

Leí en una entrevista que éste ha sido el disco con más tiempo para prepararlo y también con más tranquilidad. ¿En algún momento se os fue de las manos? ¿No corríais el riesgo de ‘pensarlo’ en exceso?

Ese riesgo siempre existe, pero también encierra riesgos decidir de forma impulsiva. Lo fundamental para nosotros en este caso era trabajar sin prisas, darnos tiempo en la composición, en la grabación, en la producción. En definitiva, quitarnos de encima cualquier angustia ajena a las propias de un proceso creativo. Sinceramente, estamos muy satisfechos de haber obrado así.

Afirmabais también entonces que vuestra intención es crear canciones de amor huyendo de los topicazos del indie español. ¿Cuáles son esos tópicos?

No se muy bien a qué nos referíamos, pero probablemente queríamos decir que escribir una canción de amor es algo muy serio, como dicen tus amigos, y que no puede limitarse a decir “te quiero”. El amor, junto con el miedo a la muerte, son los sentimientos con más carga de profundidad del ser humano y son tan potentes que generan muchos daños colaterales. Pues bien, todas esas implicaciones tratamos de plasmarlas en nuestras canciones.

¿Cómo nacen canciones como Jennifer Grey? ¿Sois fans de Dirty Dancing o es que os la ponían vuestras hermanas a todas horas y casi os la sabéis de memoria, como me ocurrió a mí?

Lamentablemente yo ya era talludito cuando se hizo Dirty Dancing, así que deberías preguntarle a Agre. Él sí era muy fan de la película y por supuesto de Jennifer Grey.

‘Para vosotras’ me intriga: ¿himno consciente o antihimno con hechuras de hit? No hay muchos festivales con piscina, ¿a cuál pensáis que no
vais a volver?

Es cierto que ‘Para vosotras’ es una canción trampa. Cuando la hicimos es verdad que teníamos esa sensación de, “¡Coño, esto es un hit!”, pero a la vez es una canción que tanto a nivel de letra como de melodía transmite tristeza, o más bien, melancolía. Me parece adecuada esa definición de antihimno.

En cuanto a lo del festival… es una licencia poética. Espero que volvamos.

Enlazado a esto, leí que el título de ‘Tegamar’ era un homenaje al Contempopranea. ¿Cuál es la referencia, para los que nunca hemos ido allí?

Es un bar de Alburquerque. El típico bar de tostadas que durante esos dos días se acaba convirtiendo en un auténtico lupanar festivalero. Por desgracia, nos han comentado que el “Tegamar” cierra después de muchos años. La señora que lo regentaba ya tiene nuestro disco.

El codazo de Tassotti ha quedado olvidado por tantos otros fracasos futbolísticos. La gente se acuerda más de la cara de Luis Enrique que de quién se lo dio. ¿Habéis dejado atrás vosotros codazos musicales, grupos que os gustaron (o que os dolieron), pero de los que ya no os acordáis?

Nada duele para siempre. No se si olvidar es bueno o es malo pero, indudablemente, es un mecanismo de supervivencia. Hablo en general, porque en el apartado musical jamás hemos sido ni Luis Enriques ni Tassottis. Más bien hemos sido unos Butragueños que han preferido plantarse en el área a lanzar un trallazo con la puntera.

¿Cómo veis la evolución de Deneuve desde los primeros pasos del grupo?

Coherente. Podemos dormir con la conciencia tranquila. Estamos absolutamente orgullosos de nuestra trayectoria como banda.

¿Os habéis quedado completamente conformes con el resultado de El Codazo de Tassotti? ¿O ya se os ha quedado alguna canción en la categoría de ‘floja’?

Eso es algo que tratas de analizar periódicamente, pero que no conduce a nada, entre otras cosa porque pierdes la perspectiva después de un proceso de composición y de grabación tan largo. Además, tenemos la suerte de que no es sencillo que nos condicionen las críticas o las opiniones de seguidores porque las canciones favoritas de éstos fluctúan mucho. Eso es un privilegio que tenemos: no somos un grupo de 3 canciones por disco.

Sois fieles a Grabaciones en el mar, incluso en tiempos convulsos para la industria discográfica. ¿Cómo veis los cambios tecnológicos? ¿Hasta que punto puede un grupo sobrevivir en una indie?

Supongo que mejor que en una multi. Los cambios tecnológicos repercuten negativamente con mayor fuerza en una multinacional. Ellos tienen unos compromisos contractuales con sus grupos a veces leoninos y el factor ventas es el único que rige la relación. En nuestro caso, es obvio que las ventas son importantes y, de hecho, sin ellas hubiera sido insostenible nuestra relación con “grabaciones” pero, además de ese, hay más parámetros que hacen que sigamos con la misma discográfica y ella con nosotros.

El fútbol es tema recurrente en Deneuve, ¿da para tantos juegos de palabras o sólo es una obsesión que no os podéis quitar de encima? Por
cierto, ¿equipo favorito? ¿Se pondrán algún día de acuerdo los delanteros de ‘Electromecánicas United’?

Los delanteros deben ser egoístas por definición, deben tener entre ceja y ceja el gol. El problema surge cuando no comprenden que sin su otro compañero es imposible tener ocasiones de gol. Como en el amor.

El fútbol nos apasiona a casi la totalidad del grupo, pero es que además creemos que pocas actividades humanas generan tanta explosión de emociones.

En cuanto a equipos… yo he sido muchos años socio del Córdoba, pero al igual que agre y daviles, soy el típico madridista de provincias; Santi es la oveja negra del Barca; Ángel del Sevilla y tanto Ángeles como Rafa reniegan del fútbol.

Myspace | Deneuve
Vídeo | Youtube
Vídeo | Cielo Drive – Deneuve

¡Oh, Amaia Montero deja La Oreja de Van Gogh! Vale, ¿y? El grupo continúa vivo. Sus fans se tirarán de los pelos o no, pero a mí me sirve como excusa para plantear una lista absurda de cinco deserciones en bandas míticas que tuvieron consecuencias importantes:

5. Bill Berry se va a la granja

Fundador de R.E.M. y batería imprescindible para entender el advenimiento del rock alternativo como etiqueta, en 1997, y tras haber sufrido un aneurisma sobre el escenario dos años antes, Bill Berry comunicó a sus compañeros que se marchaba a vivir tranquilamente en una granja, alejado de los focos y la tensión de una banda. Peter Buck, Mike Mills y Michael Stipe, después de haber repetido varias veces que R.E.M. sólo podía existir con los cuatro componentes, hacen uno de sus escasos gestos de dinosaurios del rock y tiran para adelante. Sustituyen a Berry por una caja de ritmos y el resultado es Up, un disco de belleza intensa, sentida y experimental que vuelve a revitalizar el sonido de la banda. Lo que viene después es menos agradable, pero tras el infame Around The Sun, R.E.M. tienen en 2008 la oportunidad de volver a resarcirse.

4. Andy Couzens deja los Stone Roses antes del pelotazo

La suya es una historia tan vieja como el rock: la de un músico que se queda en el camino justo antes de que la banda dé un pelotazo y se convierta en una de las más importantes del momento. Le pasó a Andy Couzens que, por supuestos problemas con el manager de la banda (eso o aguantar a dos egos tan subidos como los de Ian Brown y John Squire dándose de leches todo el día), dejó los Stone Roses justó cuando editaban Sally Sinnamon. Después llegó Madchester y el grupo se convirtió en uno de los venerados por los británicos. Couzens montó otro grupo, inapropiadamente llamado The High. De alto, nada: un bajón en toda regla es lo que debe sentir Couzens cuando vea los royalties que reciben sus excompañeros por sus canciones.

3. Johnny Rotten acaba con los Sex Pistols y sigue haciendo historia

Editado Never Mind The Bollocks en 1977, en enero del 78 los Sex Pistols se embarcan en la conquista de América. En una gira estrepitosa, llena de los peores desastres y retratada a la perfección en las películas de Julian Temple (The Great Rock´n´Roll Swindle y The Filth & The Fury), los Sex Pistols se rompen en pedazos. Johnny Rotten dura 14 días y se marcha del grupo tras la actuación de San Francisco. El manager de los Pistols, Malcom McLaren, trata de que continúen sin su gran cerebro musical, pero la banda se niega (bueno, Sid Vicious no, porque a él le da igual, anda colgado por ahí). Rotten se transforma en John Lydon y forma P.I.L. Un año después, el segundo disco de la banda (Metal Box) le vuelve a convertir en un imprescidinble de la música moderna y en un referente de muchos grupos del revival post-punk del comienzo del nuevo single.

2. David Byrne dice adiós a los Talking Heads

En 1987, tras la edición del multicultural Naked, David Byrne cerebro de Talking Heads los puso en un hiato indefinido que, en 1991, se transformó en la ruptura de la banda. Bryne andaba descubriendo al world music y vendiéndosela al mundo occidental y a sus compañeros no les quedó otro remedio que aceptar a regañadientes la decisión del jefazo y principal compositor de las canciones de la banda. Pero, en 1996, Frantz, Harrison y Weymouth se cansan de esperarle y deciden reunirse para formar los Heads a secas, sin el Talking. Decisión, que vistos los resultados de su disco de regreso (de chistoso título: No Talking, just Heads), se podían haber ahorrado. Ahora que han sido reivindicados por gente como !!! o directamente fusilados por otros como Clap Your Hands Say Yeah!, se les espera de vuelta en los escenarios, si es que a Byrne le apetece. Fueron un grupazo, por cierto.

1. Lou Reed deja la Velvet en manos de un fan

Tras editar Loaded, el disco más accesible de la Velvet Underground, Lou Reed decide abandonar un grupo en el que ya no estaba otra alma mater (John Cale). Compuesto y sin novio se quedan Sterling Morrison, Maureen Tukcer (que grabó Loaded embarazada y ya pensaba en otras cosas) y el guitarrista Doug Yule, el último en incorporarse a la banda. En un primer momento, los tres deciden continuar con el grupo, pero Morrison y Tucker se dan pronto cuenta de la osadía. Sólo se queda Yule quien decide dar conciertos bajo el nombre de la Velvet ¡sin que haya ninguno de los componentes originales! El desastre concluye en Squeeze, un album publicado por la Velvet en 1973 y repudiado por la historia musical. La suplantación no le duró mucho a Yule que quiso pasar de fan a dueño del nombre.

Pues ya está aquí el primer vídeo oficial de Sawdust, el nuevo álbum de The Killers, esa banda que tanto apasiona por aquí y a que a mí, ni fu ni fa.

Como ya anunció mi compañero Koala, Sawdust, tercer disco de los de Las Vegas, es un recopilatorio de rarezas y caras B. Entre ellas está Tranquilize, la canción que grabaron junto a un Lou Reed que, haciendo honor a su bien ganada fama, en el vídeo sale fugazmente, seriote y sin abrir la boca. Se atusa el cabello, pero ni molestarse en cantar, el tío. Al final toca un poco el piano. Un crack del ‘buen rollo’, como ya ha demostrado muchas veces en sus temidas entrevistas promocionales.

El tema seguro que ya lo conocéis. Es tan serio, oscuro y excesivo como la figura del invitado especial de los Killers. Seguro que a la mayoría de los que habitualmente los tenéis en lo más alto de nuestras listas os encanta. Disfrutadlo, pues. En serio. Yo, con tres escuchas (y esos coros infantiles) ya he tenido bastante oscuridad por hoy.

(Por cierto, que a mí Lou Reed me gusta – y de la Velvet soy ultrafan -, pero no puedo con su pose. Para que no me malinterpretéis, que no quiero parecer un gruñón.)

Hace unos días saltaba la liebre noticiera y llegaba a nuestros oídos que The Killers preparaban un disco de rarezas para finales de año. Os contábamos todos los detalles de que disponíamos y ahora toca ampliar un poco más el tema.

Lou Reed ha grabado Tranquilize con The Killers, una de las nuevas canciones que se incluirán en su próximo recopilatorio. Brandon Flowers aseguraba que cuando concibieron el tema como un dueto, fue su voz la que pensaron que mejor podría encajar. Y que toda una leyenda como es este hombre se preste a colaborar no es moco de pavo.

Los chicos de Las Vegas han definido este tema como una especie de montaña rusa, y una de las canciones más deprimentes del disco. Desde luego, la voz de Reed les vendrá como anillo al dedo en esta ocasión. Además han comentado que es tal su calidad y fuerza que deberían haberla incluido en Sam’s Town, su último trabajo hasta la fecha. Así, a quién no le pica la curiosidad, leñe…

Vía | NME
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