Matthew Herbert tenía una cosa bien clara a la hora de afrontar su nuevo proyecto. Sería una trilogía. La primera parte sería One One (2010, Accidental Records), donde nos mostraría sus dotes de multiinstrumentista al afrontar todas las funciones del disco, incluso la voz, lo que supondría la primera vez en sus trabajos. La tercera parte sería One Pig, donde recogería el ciclo de vida de un cerdo, vida y muerte, con matanza incluida. Y entre medias, la segunda parte, One Club, que tenemos ya entre las manos, de nuevo publicada bajo su sello.

El polifacético y talentoso artista busca con esta trilogía ofrecer una nueva obra con la que experimentar en todos los frentes posibles. La grabación de campo es uno de sus fuertes, uno de los aspectos que más ha perfeccionado durante su carrera, llegando hasta el punto de imponerse una manera de trabajar en la que no podía usar un sample dos veces. Esto trae consigo una amalgama de sonidos muy interesantes y un disco como Plat Du Jour (2005, Accidental).

One Club, el micrófono está en el club

La grabación del material que tenemos ante nuestros oídos fue hecha el 30 de septiembre de 2009 en el club Robert Johnson de Offenbach, ciudad del oeste de Alemanía, situada en el estado de Hesse, bajo la influencia de Frankfurt. Un club de primer nivel al que habitualmente van los grandes: Ricardo Villalobos, James Holden o Theo Parrish son algunos de los próximos artistas que van a pinchar allí en los próximos días.

Con la ayuda de Ross Adams, Demus y Hugh Jones, Matthew Herbert logró grabar este material. Por el planteamiento no sería extraño hablar del género Field Recordings o Musique Concrète, pero el artista inglés lo da todo una vuelta logrando un disco perfecto de Techno.

Techno vivo en el disco

Gran parte de la música alcanza su cenit en vivo, con un buen directo que logre transmitir las mejores sensaciones al público. En la electrónica un buen DJ es el encargado de construir una sesión para lograr introducir al público en el ambiente para luego saber jugar con sus estados de ánimo corte tras corte en su sesión. El 30 de septiembre le tocaba el turno de pinchar a Herbert e hizo de las suyas.

No nos interesa saber qué pinchó aquella noche, el foco de atención no está en otra sesión para descargarse al ordenador sino en qué rodeó a aquella pinchada, cuáles fueron los sonidos y sensaciones que allí se experimentaron, lograr obtener de ellos un collage sonoro a partir del cual componer diez cortes. Diez cortes que van desde la entrada con el grito del público en ‘Robert Johnson’ bajo una coartada Techno, a la densidad de ‘Marcus Bujak’ y ‘Nicolas Ritter’. Como toda buena sesión las subidas y bajadas se entremezclan. ‘Marles Hoeniges’ llega a recordar algunas locuras jamaicanas, con un efectista uso de las voces corales y ‘Oliver Bauer’ es la sensación cruda y dura que llega a la mitad, mientras que la paranoia va de la mano de ‘Rafk Dahhane’. Aunque lo mejor y lo que más me fascina de este álbum es intentar separar las múltiples partes que dan vida a los temas, extrayendo consigo el ruido de un choque de botellas hasta el sonido que han obtenido por el simple ejercicio de frotamiento de las personas al bailar. Una auténtica maravilla que lleva el nombre de 10 personas que estaban allí presentes esa noche.

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Más en Hipersónica | Matthew Herbert – One One: el verdadero nuevo Soul

La etiqueta de nuevo soul se emplea tan rápido hoy en día como una guapa cantante con una buena voz y mejores curvas es encontrada por cualquier discográfica y lanzada al mercado, en especial por las majors. Pero al final hablamos del mismo refrito manido de los 60 con la escuela de la Motown presente y con un productor espectacular detrás. La calidad de este refrito, salvo honrosas excepciones, es un mojón.

Al final el verdadero nuevo soul, el del 2010, el que no reitera el sonido de hace décadas sino que busca crear el suyo propio, es más difícil de encontrar. Matthew Herbert lleva tiempo transformando la electrónica en todo aquello que no parezca electrónica. Ahí es cuando aparece el Soul y la música negra junto al Jazz para ofrecer un cuerpo nuevo que en un disco como One One (2010, Accidental Records) da un paso más.

El artista inglés parece querer regresar a su gran obra Bodily Functions (2001, !K7 Records), tercer mejor álbum de electrónica de la primera década del siglo XXI para Hipersónica; a la hora de plasmar el sonido y las melodías. El Jazz sigue muy presente pero los ritmos quebrados ganan su sitio entre bases construidas como pocos pueden hacer, bien manteniendo un bucle propio de un mantra tribalista (‘Dublin’), jugando con el minimalismo que tan bien controla y demostrando cómo se logra un tema espacial (‘Milan’) o mostrándonos la obra mediante un crecendo suave (‘Manchester’).

One One es la primera pieza de una trilogía que Matthew Herbert ha planteado tras dos años centrado en su proyecto The Matthew Herbert Big Band, donde con el formato banda quería jugar con el Jazz. En la primera parte de su trilogía recoge esa experiencia y a su vez la impregna de todas las lecciones anteriores, con samples y ruiditos de la casa en ‘Palm Springs’, Ambient sin barreras en ‘Tonbridge’ y su estilo de abordar el Pop en ‘Berlin’.

Un recorrido por diez ciudades del mundo que nos muestra a un Herbert en forma, un Herbert ambicioso, ya que él es quien pone voz y produce cada segundo de su material (como no podía ser de otra forma), y un Herbert que se reserva una pelicular obra contra el maltrato de animales (One Pig) y un trabajo extraído de los sonidos captados en el Robert Johnson de Frankfurt (One Club) para culminar esta trilogía. One One es al fin y al cabo una obra de Soul y Pop magnífica. Pero Soul del siglo XXI.

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Más en Hipersónica | Matthew Herbert – One Club: un collage Techno muy vivo

En la última entrega habíamos dejado la lista de los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI a punto de llegar al final. Faltaba el top 5, ese por el que algunos ya preguntabais cuándo saldría. Ha tardado debido a fallos no previstos pero por fin está aquí.

La lista llega a su fin (o no…). Y como no podía ser de otra manera, el top se reinventa, las propuestas son tantas que era imposible elegir y desechar el resto. Al final los puestos son lo de menos, muchos álbumes merecerían estar más arriba o más abajo. El único objetivo es que nos quedemos con algunos nombres y compartamos nuestros gustos.

Lo dicho: ¡a mí la guardia!

5. The Field – From Here We Go Sublime (2007, Kompakt)

Largos desarrollos directos para volar. Bucles que se suceden entre sí creando una sensación escapista gracias a los beats del Techno más sideral. Eso sí, el viaje implica calma. Cero turbulencias. Asiento en primera clase, butacas reclinables, una buena cerveza (a sustituir por la bebida favorita de cada uno) y a disfrutar escuchando la música sin hacer nada.

Bajo estas condiciones el debut de Axel Willner, From Here We Go Sublime (2007, Kompakt), se disfruta como debe ser. Discazo. De nuevo Minimal Techno pero con los recursos del Trance bien aprendidos en temas como ‘The Deal‘ donde el bucle entra en una repetición larga mantenida hasta que ya al final rompe arriba. 10 minutos de mantra electrónico para divagar.

Kompakt es el sello elegido para la publicación. Con referencias como ésta, la discográfica alemana se ha posicionado como una de las mejores de la pasada década. Aquí The Field añade un nuevo grano de arena sideral a la escena que en los últimos años tanto ha explotado este sonido, tanto desde el Techno como desde el Nu-Disco rejuvenecido.

Una canción: ‘The Little Heart Beats So Fast‘ (YouTube): beats cortados en pequeñas lonchas para consumir.

4. Boards of Canada – Geogaddi (2003, Warp Records)

Todos los vaticinios catastrofistas de que los artistas que dominaron la electrónica de la década de los 90 no mantuvieron la calidad en la siguiente década vuelven a verse destruidos con Boards Of Canada. Los escoceses no sólo no tuvieron miedo de su álbum de debut, esa joya llamada Music Has the Right to Children (19998, Warp), sino que incluso se atrevieron a igualarla en Geogaddi (2002, Warp).

De nuevo un dúo (Mike Sandison y Marcus Eoin) procedente de un paraje alejado, al norte de Europa, Edimburgo, Escocia, con un estilo de vida aislado dentro de lo que cabe. No creo que sea ninguna casualidad que haya varios nombres dentro de la lista con estas características ya que es el contexto ideal para según qué música.

Segundo largo, la oscuridad impregna todo, 24 cortes, más de 1 hora de duración y un tempo detenido y pausado para recrear el ambiente que Boards Of Canada han logrado firmar como marca representativa. Psicodelia bajo capas de IDM y música experimental. Las varias posibilidades de interpretación que deja el título y los temas los dejo para cada uno.

Una canción: ‘Music Is Math‘ (YouTube): fórmulas, matemáticas e imaginación.

3. Redshape – The Dance Paradox (2009, Delsin / Present)

The Dance Paradox (2009, Delsin / Present) es digno del primer puesto al igual que la mayoría del resto de los álbumes que aquí se encuentran. La relevancia, que apenas tenga un año de vida y por tanto, la influencia reducida que aún ha supuesto, ha conllevado a que Redshape comparta puesto con Herbert en un top duplicado como los panes y los peces.

Junto con Shackleton, Redshape firmó uno de los mejores trabajos del año pasado. Aquí el Dubstep pasa definitivamente de ser el género de moda, de ser una etiqueta llamada Wonky, a unirse con el buen Minimal Techno de esta década pasada, lo que Redshape mejor sabe hacer.

Sebastian Kramer se pone la careta propia del fantasma de la ópera y nos deleita con unos bajos dignos de Plastikman y con el Dub de Jamaica llenando todas las bases sin posibilidad de salida. Si Chicago aún está presente para el mejor House de hoy en día, Detroit y su camarilla son revisitados una y otra vez, eso sí, siempre pasando por Kingston.

Una canción: ‘Seduce Me‘ (YouTube): erotismo in crescendo.

3. Matthew Herbert – Bodily Functions (2001, Studio !K7)

Clase y elegancia. Matthew Herbert es uno de los grandes de la escena electrónica de hoy en día por su gran habilidad por tocar cualquier sonido y convertirlo en algo único. Tanto es así que tiene hasta su propio método para hacer música en el que se incluye la negativa a usar un mismo sample más de una vez. Y eso en electrónica es un condicionante importante.

Herbert tiene dos caras como toda persona: una es la destructiva, la perversa, la que firma con alias para ocultarse de la sociedad. De esta manera conocemos a Doctor Rockit, a Radio Boy y a Wishmountain, entre otros. Tres ejemplos para los amantes de los sonidos difíciles. Y la otra cara es la buena, la amable, la que transpira amor.

Bodily Functions (2001, Studio !K7) es el reflejo de esa cara. El reflejo de cómo una persona puede transformar a un amante de los ruiditos más extraños y extraídos hasta de bolsas de patatas, con teorías políticas incluidas (Country X), y llevarlo a bailar al ritmo del Jazz más suave.

Es la transformación que Dani Siciliano, cantante de Jazz y pareja del músico inglés supone en la carrera de Herbert, dando a luz un trabajo increíble. Herbert entiende bien el estilo de música de su pareja, para no variar, y al final lo lleva a su terreno. De nuevo, la joya está pulida y lista para ser incrustada en un anillo. Esta vez sin espinas, bien pulido para que cualquier oído quede embaucado con sus sonidos.

Una canción: ‘The Audience‘ (YouTube): el cambio de ritmo que cambia el color de un día.

2. Four Tet – Rounds (2003, Domino Records)

Una mente brillante y un don para conseguir de sonidos minimalistas auténticas obras de arte. Así es Kieran Hebden. También británico y también con pasión por el Jazz, del cual coge buena parte de los ritmos, en especial en su primera época, más ornamentada, a la par que experimental.

Si ahora mismo se encuentra bebiendo entre el Techno, Ringer (2008, Domino), y el House más soñador, There Is Love In You (2010, Domino), en un primer momento los pasos fueron otros. Había más experimento en cuanto a procedencia de sonidos, las canciones eran más ricas en matices de todo tipo y al final del álbum quedabas tan feliz por el viaje hecho, que el botón de repetir estaba marcado sin pensártelo dos veces.

Un mundo de fantasías, de fotografías borrosas, como en la portada de Pause (2001, Domino), donde cada uno puede soñar e imaginarse su realidad ficticia. IDM más allá de la propia etiqueta. Parajes de ensoñación para una vida que circula más deprisa que los temas de Hardcore. Rounds (2003, Domino) no tiene un sitio exacto donde desarrollarse.

Una canción: ‘Unspoken‘ (YouTube): un título así no merece ser estropeado.

2. The Knife – Silent Shout (2006, Rabid Records)

Si Fever Ray es la cara oscura negra de Suecia con su proyecto en solitario, The Knife es el asesino a sueldo de la noche cuya arma da título al dúo compuesto por Karin Dreijer Andersson (posiblemente una de las divas de la escena de la pasada década) y su hermano Olof Dreijer. La fácil metáfora asociada al nombre es muy recurrente ya que cuando se escucha Silent Shout (2006, Rabid Records) yo siento esas punzadas.

El álbum abre con un bajo desnudo, repetido y apostando por los graves. Desde ese instante y hasta que ‘Still Light‘ (cuanto menos irónico para su sonido) cierre el trabajo, el Electro sigue demostrando que en buenas manos no es ese género menospreciado y que tanto se ha usado como radiofórmula. The Knife podrían ser unos Kraftwerk del siglo XXI salvando muchas distancias.

Single tras single. ‘Neverland‘ es un hit directo a la pista cuya historia, como la mayoría, contradice su ritmo. El Synthpop de ‘We Share Our Mothers’ Health‘ deja paso a la ‘Na Na Na‘ y al anticipo de lo que seria Karin en solitario con ‘Marble House‘ y al final llega la definición de su estilo en el arranque de ‘From Off To On‘:

We can not wait much longer We want happiness back We want control of our bodies Everything we’ve lacked I think I even liked it If the feeling was mine A little something about my body Is it the warmth inside

Una canción: ‘Neverland‘ (YouTube): otro mundo mágico en el que vivir para siempre.

Los 50 mejores discos de electrónica del siglo XXI

Parte I

Parte II

Parte III

Parte IV

Parte V

Parte VI

Parte VII

Parte VIII

Parte IX

El apadrinamiento entre figuras importantes de la música, como en este caso Björk, es una táctica que tendría que estar más extendida de lo que lo está. Que un nombre conocido impulsase la carrera de un grupo o proyecto novel más de vez en cuando no vendría mal. Al menos, la mencionada islandesa apoya a Micachu & the Shapes.

Lo hace desde su web oficial, donde se puede ver la premiere del videoclip de ‘Turn Me Well‘, el último single extraído del debut en largo de Micachu, Jewellery (2009, Rough Trade) y que ha producido Matthew Herbert junto al grupo. Yo lo tengo pendiente, sobre todo por ver qué ha hecho Herbert, uno de mis artistas favoritos y de cuyo criterio siempre me fío.

El vídeo, la verdad, es que deja que desear, por no decir que es un coñazo. Primer plano fijo de Micachu cantando, croma e imágenes de paisajes por detrás. Por su parte, la canción suena bien, con algún que otro recuerdo a Cocoroise, Stereolab o Beck y con una buena base de electrónica de la casa de Herbert (con talado incluído).

Vía | Björk
Vídeo | YouTube

Entre los nuevos nombres confirmados destaca la que será la primera visita de The Prodigy a nuestro país tras la publicación de su nuevo disco Invaders Must Die, Underworld, los británicos Keane, asiduos a nuestros festivales veraniegos, Peaches, The Wombats, Matthew Herbert ‘DJ Sej’ y 2ManyDJs que repiten en este festival.

Un cartel bastante heterogéneo que pretende contentar a todos, es difícil no encontrar al menos una banda a la que te gustaría ver. Las entradas ya están a la venta en TickTackTicket, Atrapalo y El Corte Inglés a 35 euros el bono y 25 las entradas para uno de los días. Tras el salto tienes el cartel completo.

• UNDERWORLD
• THE PRODIGY
• KEANE
• PJ HARVEY & JOHN PARISH
• PEACHES
• BABYSHAMBLES
• SPIRITUALIZED
• 2MANYDJS
• MATTHEW HERBERT ‘DJ SET’
• LADYHAWKE
• THOSE DANCING DAYS
• THE WOMBATS
• LOS PLANETAS
• RUSSIAN RED
• KLAUS & KINSKI
• MIKI PUIG
• EL GUINCHO
• BOYS NOIZE

Web Oficial | SOS 4.8

Hoy es viernes y el fin de semana es territorio de Noctamina. No en vano hemos elegido este día para traeros nuestra sección Música de baile, que hoy cumple su segunda edición. Y esta semana viene cargadita de novedades. De buenas y también de malas noticias. De clubes, de fiestas, de sonidos elegantes, en definitiva, de la mejor música.

Empezábamos la semana alarmados por una noticia que corría como la pólvora. El ayuntamiento de Madrid se ponía serio con los clubes de la capital y se producían unos cuantos cierres de salas de renombre. Menos mal que conforme iban pasando los días, hemos constatado de que no es tan fiero el gallardón león como lo pintan. Esperemos que al menos sirva de algo.

Finalmente se celebró la gran fiesta Sensation en Madrid, que nos dejó, primero indignación por el recorte horario, y después asombro por las primeras imágenes que corrieron por Internet. Parece que todos los asistentes indican que mereció la pena, aunque la música quizás no estuvo a la altura. Pero no es nada que no supiéramos: el cartel de la fiesta así lo hacía preveer.

No todo ha sido Sensation en cuanto a crónicas se refiere. Desde hace dos semanas teníamos pendiente un review sobre el magnífico concierto que el británico Matthew Herbert, junto a su Big Band, nos regaló a los madrileños. Además, Coke, nuestro editor más internacional, viajó a Bélgica para asistir al festival I Love Techno y nos trajo un extenso reportaje, dividido en dos entregas, que no tiene desperdicio.

Novedades discográficas tenemos varias, y todas ellas de grupos y productores de postín. El multitudinario Fatboy Slim parece que tendrá nuevo álbum en el mercado, esta vez algo alejado de lo que suele ser su discurso habitual. Y también hemos hablado de Moby, uno de los abanderados de la electrónica elegante.Y si de novedades hablamos, no podemos pasar de largo por encima del formato MPX4, que parece que conjuga todas las prestaciones que un productor o remezclador de música electrónica puede buscar.

No nos olvidamos del pasado. Sobre todo cuando éste pasado sigue igual de vigente que el primer día. Es el caso de un temazo que recordábamos ésta semana, el Jaguar de uno de los pioneros del techno de Detroit, Dj Rolando. Además, repasábamos la trayectoria de uno de los grupos que mejor ha sabido llevar la transición a los nuevos tiempos: hablamos de Everything but the girl.

También hemos hablado sobre la parte más lúdica de la noche. Porque a la música se la puede acompañar de diversión, copas y el controvertido botellón: de botellones y de cócteles también hemos hablado esta semana. Y por último, como todos los viernes, preparamos el post donde recopilamos las mejores opciones de fiesta este fin de semana. Nuestro Por fin es viernes ya está listo para que elijáis lo que más os guste.

En definitiva, ha sido una semana repleta de contenidos en Noctamina. En esta ocasión ha predominado la música sobre todas las demás cosas, y en concreto música de mucha calidad y para todos los oídos. No sólo de fiestas vive el clubber… ¡Hasta la semana que viene!

Matthew Herbert volvía a la ciudad a la que llegó hace unos años para pinchar house en el festival Phonotica, tristemente desaparecido, y no lo hacía con su faceta electrónica sino con toda una Big Band para presentar su último álbum, There’s Me and There’s You.

Podía haber sido uno de los nombres del Festival de Jazz de Gijón, que anualmente organiza el Teatro Jovellanos, pero el inglés se hizo fuerte en el magnífico Teatro de la Laboral ante una platea que le falto poquísimo para estar llena. Allí este DJ y compositor británico actuó ante melónamos de diverso pelaje, gente del jazz (había varios músicos asturianos en la sala) y admiradores del Herbert más electrónico.

Para éstos no era el concierto más apropiado, y en él los fanáticos del jazz, los más ortodoxos, debieron de poner el grito en el cielo ante el experimento sonoro que se les planteó: dieciséis reconocidos músicos de jazz europeos remezclados en directo por un tipo extraño que se movía por el escenario como Charlot o Buster Keaton.

Así es como entiende un concierto Matthew Herbert y así es como hay que tomarlo, aunque sus gansadas y las de sus músicos haciendo añicos ejemplares del ABC, arrojándoselos como si fueran confetti en plan gamberrada infantil tuvieran poca gracia.

Debajo de eso, y del número de la cantante usando un preservativo como guante o de la capucha que él y la cantante de Zimbabwe, Eska Mtugwazi, se colocaron para hacer la irritante ‘Battery’, hay un trasfondo de crítica social, política, religiosa y del propio sistema capitalista que quedó diluida entre el divertimento y la propia interpretación.

Y además lo que aportó este hijo de un ingeniero de sonido de la BBC fue más que nada deconstruir la brillante lección jazzística de un elenco de músicos en el que para mí estuvieron increíbles la sección rítmica formada por el contrabajista y el batería suecos. Eso sí estuvo, genial modificando a su antojo, sampleando, la prodigiosa voz de su nueva musa que, a ritmo de swing y soul-jazz, fue interpretando un repertorio con bastantes altibajos.

A decir verdad, su voz la hubiera preferido ecualizada más grave porque por momentos resultó casi desagradable. No lo fue en los primeros compases de ‘The story’, con la big band lanzada, o cuando pareció ponerse el traje de Shirley Bassey para cantar en plan sintonia de 007 ‘Breathe’, pero se contagió de la bufonada de su jefe en ‘Pontificate’ y mostró su dotes para el music hall en ‘Waiting’.

Del primer disco de The Matthew Herbert Big Band, Goodbye Swingtime, me quedo con su versión de la instrumental ‘Turning pages’ casi al principio del recital y en el que pudimos comprobar que la Big Band de Matthew Herbert es mucha Big Band.

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Seguimos intentando animar el domingo, prorrogar la fiesta que hemos tenido este fin de semana y afrontar mejor el lunes. Hoy toca ver cómo entienden el funk diferentes artistas actuales. El primer día hablé sobre grupos como Funkadelic, James Brown o Sly empezaron a sentar las bases de lo que sería el funk con mayúsculas, revisionándolo y nunca conformándose con un único sonido de fórmula.

El segundo día tenía que ser entonces sobre qué hacen los artistas actuales cuando encuentran este sonido y lo hacen suyo, lo analizan y lo añaden diferentes elementos para enriquecerlo. La electrónica es el género que más está ahondando en el funk, tiene las bases como aspecto fundamental y eso se nota a la hora de construir los temas, donde los riffs de la música negra siempre tienen su tirón (y si no, que se lo digan a Gnarls Barkley con ‘Crazy’).

Jamiroquai – Canned Heat (YouTube)

El primer dardo para empezar sin rodeos lo firma Jamiroquai. El artista británico se ha asentado como el músico por excelencia, tanto para el público mayoritario como para el minoritario, a la hora de mezclar el funk con una fórmula pegadiza. Esta mezcolanza le ha valido para firmar un hit tras otro y conseguir importantes ventas y puestos en las listas de singles en muchos países. Los primeros discos que publicó son trabajos que entienden muy bien el funk de forma moderna, en especial Emergency on Planet Earth (1993, Sony Music) con el presentó una propuesta que daba un paso más en el acid jazz de la época y entraba de lleno en el mainstream sin miedo a hacerlo mal. PsYmOn, ahí va el tema dedicado.

LCD Soundsystem – Give it up (YouTube)

Uno de los mejores singles que un grupo ha sacado en estos años sin haber estado incluido anteriormente en su disco. ‘Give It Up’ no estaba en el homónimo de LCD Soundsystem, había que irse a la edición especial para poder disfrutar de él, pero merecía la pena. James Murphy es la cabeza más representativa de lo que vendría a llamarse dance-punk, que no era otra cosa más que un funk evolucionado desde unas bases electrónicas más movidas, directo a la pista de baile si vemos otras cancíones del grupo de Murphy o si vemos la obra de Hot Chip. James Murphy tiene ese talento para conseguir un nuevo funk, toda su electrónica está cargada de ello.

Matthew Herbert – The Audience (YouTube)

Matthew Herbert es uno de los talentos que tiene la electrónica ahora mismo, tuvo su época dorada hace unos años, pero en cuanto le apetezca volver, seguro que vuelve a recuperar la chispa que no supo explotar Scare (2007, !K7 Records). Roisin Murphy sabe cuál es el potencial de Herbert, fue quien le firmó su carta de presentación, con la que consiguió tanto éxito. En Bodily Functions (2001, !K7 Records) repite colaboración con su pareja sentimental Dani Siciliano, firmando su mejor disco, un compendio perfecto de acid jazz de altura. Su mejor tema es el último: ‘The Audience’, tranquilo, pegadizo, con diferentes partes y con una voz, la de Shingai Shoniwa, haciendo bien su parte en la back vocal. Un artista completo.

Beck – Sexx Laws (YouTube)

No podía faltar Beck si hablamos de cómo entienden el funk los actuales artistas. Casi toda su obra tiene los tintes del género y sus bases se cubren con este sonido, de ahí que sean tan adictivas. He elegido ‘Sexx Laws’ por recordar un gran tema donde el característico electro-pop del californiano ha cogido la esencia negra, tanto en las trompetas como en los desvarios que hay por detrás de la melodía. Los coros, y hasta las partes más instrumentales, tienen el toque antiguo pero siempre actualizado por Beck, quien ha demostrado una maestría a la hora de revitalizar su música paso a paso. En sus últimos álbumes, el funk está más que presente, ‘E-Pro’ tiene una base de género, al igual que ‘Girl’, sólo hay que quitarle todos los añadidos de encima.

Fatboy Slim – Weapon of Choice (MySpace)

El big beat tuvo su explosión y su máximo reconocimiento con Fatboy Slim, quien también lo popularizó como hicese Jamiroquai con su mezcla para el gran público. Fatboy Slim se fue abriendo hueco, Norman Cook es otra de las cabezas pensantes que no tiene ni un pelo de tonto, pese a que en los últimos años haya olvidado cualquier atisbo de volver a sonar como en su día lo hiciese. El big beat tiene una base muy marcada, con ganas de fiesta y con una fórmula donde se cuela también la pegada del funk. La elección de ‘Weapon of Choice’, a parte de por el gran videoclip que filmó Spike Jonze, y la actuación de Christopher Walken volando de un lado a otro, se debe a que el sampler usado es de una canción de Sly & the Family Stone, de la canción ‘Into My Own Thing’ de 1968, demostrando la efectividad de los clásicos.

Cinco muestras de qué se entiende por funk hoy en día, con cinco representantes conocidos para la gran mayoría, con un sonido a través del cual han conseguido lo que otros artistas hicieron en los setenta: éxtio, baile y mucha ganas de fiesta. Hoy en día se está denominado funk a muchas canciones que en absoluto tienen nada de este sonido, incluso a veces ni se sabe qué es lo que se está diciendo, así que había que recordar cinco artistas que sí que saben lo que hacen.

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Ilustración | El Blog de Álex López