El nuevo de M83 es un buen disco pop de baile. Bastante menos oscuro que su predecesor y, aún dentro de su exceso shoegaze, capaz de sobrevivir sin excesivas comparaciones. No tengo muy claro aún cuánto va a sobrevivir, cuál es su onda expansiva y si en algún momento se va a convertir en uno de mis favoritos. De momento, parece que no, pero la cantidad de veces que me siento tentado a poner su Saturadys=Youth apunta a que es posible que sí.

En cualquier caso, Graveyard Girl es una gran canción, un single con el aroma de lo mejor del shoegaze y también ese toque único que tenían las mejores canciones (todas, la verdad, porque hubo un momento en que fueron infalibles) de New Order antes de que se decidieran reunir de nuevo.

Oscuros, pero a la vez practicantes de un pop de lo más saludable, lo de M83 puede ser ineludible ahora que hace sol, los días son más largos y uno desearía estar ya de vacaciones, fingiendo vivir en el mito del verano eterno. Graveyard Girl parece una canción sobre sobre la nostalgia de verano escrita a la salida del invierno.

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Al hilo del lamentable regreso de las Breeders y de su errática carrera (por decirlo de una manera fina), me he puesto a pensar en todos esos artistas que, cansados del éxito de la banda madre, deciden proabr suerte con algún proyecto paralelo. De allí puede salir casi cualquier cosa y no siempre buenas.

Como dicen los folletos de los bancos “rentabilidades pasadas no garantizan rentabilidades futuras”. Aquí van diez ejemplos de que a veces es mejor decir “virgencita, virgencita, que me quede como estoy”.

Nacidas de los Pixies y los Throwing Muses, al final ha acabado siendo algo más que un grupo paralelo. Quizás eso sea lo mlao. Tienen un discazo inmenso (Pod) y un disco muy bueno, aunque ya al borde de lo tolerable (Last Splash). Pero el resto de la carrera de Kim Deal y sus chicas hace aguas y, lo que es peor, hunde la reputación de quienes allí siguen. El chiste nefasto de su último disco termina por darles la puntilla. Tanya Donelly quiso ser lista y se piró del grupo en cuanto vio hacia dónde iban los tiros (los musicales), pero la suya es una retirada en vano: ya estaba tocada de muerte y su carrera en solitario es directamente lamentable.

9. Probot:
Personalmente, el tufillo AOR que tienen muchos de los discos de los Foo Fighters nunca me ha acabado de llenar. Sobre todo, porque los comparo con su primer álbum, un espléndido debut de ruido, pop y grandes canciones, y todos los buenos sentimientos suelen palidecer ante la sensación de que Dave Grohl se toma demasiado en serio a sí mismo. El mismo problema tengo con Probot: si era una broma a costa del heavy, el chiste no era de los que tenían chispa. Si iba en serio… peor.

8. Raconteurs:

Una canción buena no hace bueno a un grupo. Brendan Benson (autor antes de un fantástico aunque muy radifórmula One Mississippi) y Jack White (de los White Stripes) se empeñaron hace ya un tiempo en dejárnoslo bien claro. Steady As She Goes era tan bueno como pasable el resto del disco. Para éstos aún hay salvación: en breve sacan nuevas canciones. A ver qué se cuentan. Esto, como todo, es una opinión muy subjetiva. Aquí mismo, en Hipersónica, Koala los ama.

7. La Cultural Solynieve:

Jota (Los Planetas) se une a un colega y les da por hacer canciones de raíz norteamericana sobre la Andalucía perezosa y vivalavida. El disco gustó mucho a determinados medios y también a bastantes fans de Los Planetas, pero, personalmente, sólo veo versiones aburridas de los Byrds y un concepto curioso que, al final, da pereza de la mala: no de la del sol de mediodía, sino de la que te invade cuando llevas todo el día en el trabajo y sólo tienes ganas de mandarlo todo al carajo.

6. Electronic:

¡Qué puntazo! Bernad Sumner, de New Order, y Johnny Mar, de los Smiths, mano a mano. Es decir, dos de los creadores de bastantes de las mejores canciones de los 80 se unen para sacar el disco definitivo, el supergrupo que hará palidecer a todos los demás, las melodías pop en las que ahogarte de pura belleza. ¿El verdadero resultado? Uno de los grupos más irrelevantes de la historia.

5. Juan Perro:
Radio Futura son uno de esos nombres de la música española que se merecen mil y un elogios. Y aunque su etapa final ya fuese más discreta, uno no podía prever lo que se avecinaba cuando a Santiago Auserón le dio por cambiarse el nombre, en busca de aún no sé muy bien qué. ¿Alguien recuerda alguna buena canción de Juan Perro? ¿Alguien es capaz de tararearla? ¿Alguien puede ponerlas frente al espejo de cualquiera y digo cualquiera de las canciones de Radio Futura sin avergonzarse?

4. Tom Tom Club:

El primer disco de estos Talking Heads sin David Byrne no estaba mal, pero, claro, les dio por seguir haciendo canciones. Y el despeñamiento es de los de órdago, con bastantes canciones indignas de haber salido de la misma gente que llevaba el bajo y la batería en un grupo tan mítico (e indispensable, porque hay que oírlos una vez al mes, por lo menos).

3. Relaxed Muscle:

Jarvis Cocker siempre ha sido un tipo listo. Su único problema últimamente es que ya tiene pasta, ha dejado de ser un perdedor y comienza a tener caprichos de estrella típica del pop. En plena fiebre electroclash, al que fuera líder elegante, irónico y afilado de Pulp le dio por sacar un dúo siniestrillo y electrónico. La inspiración estaba seca y más que nada sirvió para que los muy fans nos diésemos cuenta de que hasta él comete errores. Claro que, viendo que luego se puso adulto y serio, más le valía haber seguido con la broma.

2. Tin Machine
David Bowie decide, de repente, que ya no le apetece ser el que esté en medio de los focos. Que quiere montar un grupo. No me extraña: sus años 80 fueron tan lamentables que le salía mejor compartir las hostias de crítica y público por sus canciones chungas. Así crea Tin Machine y decide vestir al grupo con un poco de metal. El proyecto hard rock de Bowie, sí, pero lo de hard es por pesado. Pesado que no veas.

1. Primal Scream circa Give Out But Don´t Give Up

¿Cómo? ¿Que de verdad eran el mismo grupo de Screamadelica? ¿Que no eran los Black Crowes disfrazados para conseguir vender un puñado de malos descartes? Rediós, entonces la debacle es mayor.

Y de repente, se hizo la luz. The Cure reaparecieron convertidos en una máquina de hacer hits y, olvidadas las brumas de The Top, lanzaron The Head On The Door, su disco más disperso, pero también el que más singles incontestables dejaba al oyente.

Let´s Go To Bed o The Lovecats ya mostraban hacia donde iba a dirigirse la banda de Robert Smith, con Boris Williams a la batería, Porl Thompson a la guitarra y el regreso de Simon Gallup en el bajo. Pero si Japanese Whispers fue ’sólo’ una robusta colección de singles, The Head On The Door se concibió como un álbum hecho para contener diez grandes éxitos concebidos para la ocasión.

En cierto modo, en este disco de 1985 fue donde se partieron las aguas de The Cure y el grupo pasó a ser uno de los mitos pop de los últimos años. Ya no sólo era una banda adecuada para los fans de lo oscuro, de lo gótico, sino que Robert Smith demostró a todos con este disco que podía ser una estrella del pop con todas las consecuencias. Si eso incluía rotaciones de sus videos en la MTV hasta la extenuación, estaba dispuesto a lograrlo.

Pese a todo, The Head on The Door es un disco más equilibrado que alguno de los que le siguieron, más desde luego que Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me. En él The Cure suenan sorprendentes, en muchas canciones hasta ‘demasiado’ amables. Pero los hitazos van acompañados por otras canciones en las que el grupo no renuncia a su rasgo característico, esa oscuridad que ahora construyen en canciones más concisas, sin alargarse tanto como en anteriores ocasiones.

Hay quien dice que sólo por In Between Days (un excelente saqueo por parte de Robert Smith del sonido de New Order) y Close To Me este disco se merece existir. Y noes una lectura incorrecta, pero sí demasiado parcial y que obvia las virtudes de otras canciones.

Para empezar, la estupenda y detallista producción del disco da brillo a Kyoto Song (con sus aires japoneses) y a Six Different Ways (una canción entre lo optimista y lo juguetón, quizás la más sonriente que Smith haya escrito jamás). Esos mismo retoques no arruinan The Blood (con castañuelas y guitarra española, algo que siempre me ha sonado ridículo en el pop anglosajón, aunque en este caso no se les vaya la mano en exceso).

Es The Head on The Door un disco mucho más pensado de lo que su orientación pop hace suponer. The Cure lo compusieron en estado de gracia, porque sólo rozando la genialidad se podía crear Push (Imeem), con una de las intros más fantásticas de la historia de la música, épica adolescente vestida con más de dos minutos de glam-rock para festivales antes de que éstos se pusieran definitivamente de moda.

Baby Screams, con su estupendo juego de voces dobladas, es otra buena canción, pero palidece ante el hit pop más claro del disco (¿el más claro de toda la carrera del grupo?). Ése es Close To Me (Imeem): ritmo sincopado, teclados saltarines, suspiros y jadeos como telón fondo y un Smith sobresaliente ante el micrófono. Algo tan sencillo a la par que perfecto que cautiva a cualquier oyente.

Pero The Cure sabían seguir siendo teatrales: A Night Like This, con arpegios larguísimos y una atmósfera oscura, aunque no irrespirable, adapta las viejas maneras del grupo a su nueva forma de entender la música. Es una de mis canciones favoritas, un resumen de momentos rotos y de oportunidades de enmendarlos que se pierden en el tiempos. Un tema tan espectacular que ni el arreglo de saxo, tan ochentero, consigue ahogarla:

I’m coming to find you if it takes me all night
Can’t stand here like this anymore
For always and ever is always for you
I want it to be perfect
Like before…
I want to change it all

A esas alturas del disco, cuando quedan sólo dos canciones, el oyente ya está rendido a los pies de Robert Smith. Y, si lo piensas, parece increíble, porque The Head on The Door es como un pollo descabezado, que corretea de aquí para allá sin saber dónde quedarse. Un pequeño bajón (Screw) y una canción a la antigua usanza (Sinking) sirven de cierre y demuestran que tampoco el eclecticismo podía ahogar, en aquel momento la propuesta de The Cure.

En una entrevista a la revista Creem, concedida en 1986, Robert Smith aseguraba que

hubiese sido imposible seguir haciendo canciones al viejo estilo de The Cure, porque te conviertes en tu propia parodia y cantas y todo parece lo mismo.

De esa sensación nació The Head On The Door, el mejor disco para que un oyente nuevo consiga entrar en el universo del grupo. Y de esa misma sensación murió este disco. Las continuaciones irían de cosas bien distintas.

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Éste sera el primer disco de los bombarderos en dieciséis años, después de que volvieran para ponerle banda sonora a los Picapiedra y editaran en 1992 aquel Good Stuff que no estuvo tan mal como parecía.. Se llamará Funplex y, cuidado, la banda dice que está influenciado por el Get Ready de New Order. Malas referencias si hay que tomar con influencia uno de los peores discos de los de Manchester.

Hot Corner no es una mala canción, aunque a estas alturas preferiría oír que vuelven Le Tigre antes que los B-52´s. Como digo siempre en estos casos, si luego todo sale perfecto, estaré encantado de tragarme mis palabras.

Escucha | Hot Corner – The B-52´s

Lo sé, va a estar en boca de casi todos. Los van a poner en las radiofórmulas que más odio, por su pinta de duritos, por sus canciones de épica pomposa y chunga, por sus baladas-que-ya-las-hemos-oído-mil-veces. Todo en The Invisible Line apesta. No hay ni una sola canción capaz de salirse de los tópicos en los que vive la banda inglesa. Les da igual sonar a Evanescence que a Linkin Park. Les da igual porque saben que van a estar en alguna banda sonora (posiblemente de superhéroes) y que eso les va a permitir hacerse ricos y famosos.

Lo pero de todo es que las notas promocionales tratan de convencerte de que esto es na mezcla entre New Order y Pet Shop Boys. El sacrilegio duele y es justo decir que la mierda, aunque se perfume, sigue apestando. Y The Invisible Line es sólo eso: basura reciclada de anteriores temporadas musicales, saldos baratos y con taras puestos de nuevo a la venta como colecciones de alto lujo. Hazte el favor y, si por casualidad has caído en él, deséchalo. Esto es un timo como la copa de un pino.

La próxima edición del Festival de Cannes que se celebrará del 16 al 27 de mayo viene fuerte. A las últimas películas de Quentin Tarantino, Wong Kar Wai, Kim Ki Duk, Gus Van Sant, David Fincher, Emir Kusturica y los hermanos Coen (pero si están todos mis directores favoritos) hay que añadir la proyección de Control de Anton Corbijn.

No, no me he equivocado de blog y es que la película narra los últimos años del vocalista del mítico grupo Joy Division, Ian Curtis antes de suicidarse en 1980, con tan sólo 23 años de edad.

Está basada en la novela que Deborah Woodruffe, la viuda del cantante, escribió tras su muerte A Touching Distance y en la que relata como fue su relación amorosa, la rápida carrera hacia la fama y los problemas de epilepsia de su fallecido esposo.

En la excelente banda sonora del film han participado grupos como The Killers, quienes han versioneado el Shadowplay, David Bowie, Roxy Music, Iggy Pop y Lou Reed.

El resto de componentes de Joy Division, quienes continuaron su carrera musical bajo el nombre de New Order, lógicamente también forman parte de la esperada banda sonora y se empiezan a oír rumores de una posible vuelta a los escenarios interpretando únicamente temas de la desaparecida banda y tomando el nombre original de Joy Division para la ocasión. Espero que sólo sea una broma.

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Vía | NME