Los Ramones siempre han estado y estarán presentes como una de las bandas más importantes del punk-rock internacional. Periódicamente nos han llegado noticias sobre recopilaciones, reediciones y otras maniobras propias de las discográficas pero ahora la novedad reside en la especialísima reedición de sus cuatro primeros elepés.

Rhino Records publicará a partir del 19 de julio en ediciones de audiófilo de 180º gramos Ramones (1976), Leave Home (1977), Rocket to Russia (1977) y Road to Ruin (1978). ¿Qué diferencia hay con las reediciones pasadas? Pues que cada álbum vendrá empaquetado con un single adicional en vinilo azul que llevará un tema que en su día fue sencillo y caras B.

Se tratan de ediciones limitadas a 500 copias con un precio aproximado de 24.98 dólares cada una, mientras que la edición estándar tendrá un precio de 17.98 dólares cada una. Estas reediciones reproducen fielmente el prensaje original y el audio ha sido recuperado de los masters analógicos originales por Chris Bellman en Bernie Grundman Mastering.

En el caso de Leave Home incluirá el tracklist original con ‘Carbone Not Glue’, que ocupaba el nº 5 en la cara A y que tras la primera edición se retiró por una acción legal de Carbona Co.; fue reemplazada en primera instancia por ‘Babysitter’ y después por el single ‘Sheena is a Punk Rocker’.

El bonus single que viene con el debut homónimo de Ramones incluye: ‘I Wanna Be Your Boyfriend’ en la cara A y ‘California Sun’/‘I Don’t Wanna Walk Around With You’ en la cara B.

Con nuestra copia de Leave Home vendrá el single de ‘Swallow My Pride’ y en la cara B ‘Pinhead’ y una versión en directo de ‘Let’s Dance’, y con la de Rocket Russia se nos alegrará la vista al saber que ‘Sheena Is A Punk Rocker’ y ‘I Don’t Care’ son los temas del single.

Finalmente, Road to Ruin incluirá el 7” de ‘She’s The One’ y ‘I Wanna Be Sedated’. Aprovechamos este post para anunciar que haremos en Hipersónica una completa revisión de estos cuatro primeros elepés de Ramones. Estar atentos.

Vía | Slicing Up Eyeballs
Vídeo | YouTube

Un día como hoy, 15 de abril, hace diez años, en 2001, nos despertamos con la muerte de Joey Ramone, un auténtico icono de la historia del rock & roll junto a Elvis o John Lennon. Joey Ramone, aka Jeffrey Hyman, nombre de pila fue bautizado Ramone como nombre de guerra al igual que el resto de sus compañeros de banda, fue el cantante de la mejor banda de punk-rock del planeta: los Ramones.

Era el penúltimo de una saga que quedó huérfana también con la muerte de Johnny y Dee Dee, quedando vivos su primer batería Tommy y el batería oficial a la disolución del grupo, Marky, que sigue defendiendo como puede, o como le dejan, el legado de estos titanes de la música popular.

Joey Ramone, a quien de joven le diagnosticaron un trastorno obsesivo-compulsivo que le hubiera conducido directamente a una institución psiquiátrica, halló su salvavidas en el rock & roll. Su One, two, three, four! fue un himno de guerra y el punk-rock su medio de expresión.

Conciertos de veinte minutos y poco más de quince canciones era lo que ofrecían. Música tocada a toda pastilla con tres acordes y una imagen icónica: capatillas, vaqueros pitillo ajustadísimos, camiseta y cazadoras de cuero.

Nos dejaron muy buenos discos, los seis primeros imprescindibles, y un montón de himnos como ‘Blitzkrieg Pop’. Pero Joey Ramone grabó un disco que se publicó póstumamente: Don’t Worry About Me, un título premonitorio que salía del tema del mismo título.

Un álbum de once temas entre los que se encuentra una versión solidísima de What A Wonderful World, el estándar de Louis Armstrong, y un tema propio soberbio ‘I Got Knocked Down (But I’ll Get Up)¡. Una década después de su prematura muerte nos queda su música para recordarle que no es poco legado.

Sitio oficial | Joey Ramone
Fotografía | Tony The Misfit en Flickr
Vídeo | Dailymotion

A David Bowie, Blur y The Cure los excesos de la noche me los han borrado prácticamente de la cabeza, pero aprendí la lección de que para estar de fiesta mejor en cualquier bar. Wilson Picket estaba ya muy mayor (no tanto como Chuck Berry) y con Sonic Youth y Lou Redd lo siento, pero me aburrí. Las sorpresas más gratas me las he llevado con Wolfmother, The Mars Volta y Shellac + Mission of Burma y a Kiss, Iron Maiden y Judas Priest todo el mundo debería verles al menos una vez en su vida. Con The Chemical Brothers, The Prodigy, Rammstein, Turbonegro, Siniestro Total y Aviador Dro siempre me he divertido tanto que repetiré las veces que haga falta.

Marilyn Manson en directo me parece una caricatura de su personaje, pero para conciertos raros el de AA Tigre, en el que estábamos 10 personas y el tío paró, quejándose de que con tanto ruido era imposible, y la marcianada de Fischerspooner. Se han quedado en puertas Björk, Queens of the Stone Age, Iggy Pop, Negu Gorriak + Mano Negra, Red Hot Chili Peppers, Wilco, Ornette Coleman, NIN y Muse pero sólo podían ser 10. Aquí van mis 5 mejores.

5. The Smashing Pumpkins en el Guggenheim, Bilbao (21-05-1998)

El Guggenheim además de turista nos trajo a Bilbao muchos conciertos que antes eran impensables, hoy estamos acostumbrados pero hace años para ver a cualquier grupo internacional te tenías que ir irremediablemente a Madrid o Barcelona. Pero lo que nunca podríamos imaginar es que The Smashing Pumpkins eligieran el recién inaugurado museo para la presentación mundial de su disco Adore.

Un marco incomparable que se quedó muy pequeño. Todo el mundo quería estar allí y era imposible, así que las escaleras, el puente, al otro lado de la ría, cualquier rincón servía para escuchar, aunque fuera de lejos, a una de las mejores bandas de los noventa. Estar en primera fila descubriendo sus nuevos temas y todos esos clásicos que marcaron aquella década, justo antes de que la banda comenzara a desintegrarse poco a poco fue un auténtico lujo, una obra de arte.

4. Sepultura en Doctor Music Festival, Lleida (12-07-1996)

Lo de los festivales estaba más jodido y para ver un cartel repleto de estrellas internacionales, de esos que hoy ya no nos sorprenden, antes te tenías que ir a otro país. Había soñado tanto con asistir a uno que cuando se anunció el primer Doctor Music (el de la vaca) no dudé ni un momento en irme hasta Escalarre, un pueblecito en medio del pirineo leridano en el que sus habitantes creo que todavía no se han repuesto del susto.

Para mí el cartel todavía no lo ha superado ningún otro festival en nuestro país: Bowie, Moby, Suede, Blur, Lou Reed, Iggy Pop, Underworld, Slayer, Patti Smith, Bad Religion, Massive Attack… pero el conciertazo, sorprendentemente, fue el de Sepultura que hizo saltar como posesos (lo podéis comprobar en el vídeo) a las 25.000 personas que estábamos disfrutando esta experiencia única en la absoluta oscuridad de la noche.

Lo más bestia que he vivido en mi vida, el sonido parecía que salía directamente del centro de la tierra y acojonaba, pero descubrimos que el infierno no era tan malo como nos lo habían pintado. Hoy, afortunadamente, tenemos festivales por todas las esquinas pero os puedo garantizar que no se viven con la misma intensidad.

3. Bob Dylan en Brixton Academy, Londres (29-03-1995)

Mientras nuestros padres en los 60 flipaban con Marisol y el Dúo Dinámico (los míos al menos) fuera de nuestras fronteras otros jóvenes soñaban con revelarse y cambiar el mundo en el que vivían siguiendo al pie de la letra a su nuevo Mesías, Bob Dylan. Aquellos jóvenes crecieron, Bob Dylan también, y ya como personas maduras se volvieron a reunir en el Brixton Academy para cantar, una vez más, todo lo que pudo haber sido y no fue.

Nunca olvidaré los brazos de aquellas dos señoras impidiendo a su amiga que saliera corriendo hacia el escenario no sé muy bien para qué, como si la sociedad no le hubiera puesto ya demasiadas barreras, y llorando las tres. Nunca he visto tanta emoción entre el público, tantos señores y señoras con lo ojos llorosos sin estar en un funeral y tantas ganas de volver atrás.

La que hoy en día es mi mujer y yo seguramente éramos los más jóvenes y a Bod Dylan lo habíamos vivido en un contexto muy diferente, pero para ambos fue muy especial compartirlo con su auténtico público. Él todavía no se escondía, nos regalaba el repertorio que estábamos esperando y tal como lo conocíamos y parecía que siempre tenía un buen día. Al menos aquel sí que lo fue. Lo peor de cumplir años no son las arrugas sino creer que hay cosas que ya no vas a poder hacer.

2. Ramones en Astoria, Londres (28-06-1995)

Porque Los Ramones son Los Ramones, y punto. One, two, three, four… Irrepetibles. Los putos amos. Convirtieron el Astoria en una sauna en la que el sudor resbalaba por todas partes y la peña empezó a quitarse las camisetas para terminar completamente en pelotas (alguna tía también). Ellos como una metralleta. One, two, three, four… hasta dejarnos a todos completamente extasiados.

Presentación de su último disco ¡Adios Amigos! y todos con la completa seguridad de que esa iba a ser la última vez que les veíamos, así que había que darlo todo. Pocos conciertos dieron después y al año siguiente abandonaba definitivamente una de las mayores leyendas del Rock. Da igual los años que pasen y que tres de sus miembros originales hayan muerto, su espíritu siempre estará entre nosotros. ¿Conoces a alguien a quien no les gusten los Ramones? Yo no.

1. The Rolling Stones en Wembley, Londres (11-07-1995)

Uno es tan gilipollas que puede pensar que ha llegado el momento en el que se puede morir completamente feliz. A mí me ocurrió la primera vez que veía en directo a The Rolling Stones y se me cumplía uno de mis mayores sueños. No sé la cantidad de gente que puede entrar en el estadio de Wembley (¿80.000?), yo sólo sé que nunca había visto tanta gente junta y a la vez sentía que la banda estaba tocando para mí solo. Estaba flotando sobre todos ellos, como si no tuviera los pies en el suelo.

Me niego a admitir que son unos vejestorios (cuantos veinteañeros quisieran tener la energía que tiene Mick Jagger en directo) y que lo único que les interesa es sacar pasta (¿a qué grupo no?). Yo sigo soñando con el momento en el que anuncien una nueva gira y tener la oportunidad de verles una vez más. Eso sí, esta vez si no me muero mucho mejor.

Reconozco que han sido muchos conciertos (lo mío siempre ha sido una obsesión), que cada vez es más difícil sorprenderse y hasta que cada día que pasa da un poco más de pereza, pero aún tengo una lista de pendientes que espero cumplir y en la que en este momento estarían: Arcade Fire, Antony and The Johnsons, Tom Waits, Nick Cave (me vale con Grinderman), Motörhead, The White Stripes (tienen que volver), Pixies (se que me defraudarían pero ¡qué coño, son los Pixies!), Morrisey (por no hablar de The Smiths), Bunbury... Seguro que alguno de ellos modificará este top10 que tanto he disfrutado escribiendo. ¡Ojalá!

En Hipérsonica | Los 10 mejores conciertos de mi vida (I)

Hablamos a propósito del Special Moves de Mogwai sobre los discos en directo, su validez cómo documento artístico, sus favores o no a la carrera de los grupos. La historia de la música está llena de discos en vivo, muchos de ellos simples rellenos que sirven para quitarse de encima obligaciones contractuales.

Sin embargo, también hay entre ellos, entre un género marcadamente alimenticio, discos en vivo que son joyas, que hay que recomendar y, si no se ha hecho aún, escuchar y disfrutar. A continuación os doy cinco de mis favoritos, que hemos recopilado en esta lista en Spotify... Y ya hablaremos de los malos en otro post.

It’s alive – Ramones

Onetwothreefour y comienza la fiesta. It’s Alive deja claro dos cosas: que a los Ramones les sobraban canciones geniales, aquí meten 28; que tenían el don de lo justo y necesario (el disco no dura más de 48 minutos); y que el concepto apisonadora también puede aplicarse a un grupo de pop. Porque sí, los Ramones fueron punks, pero sobre todo fueron pop.

It’s Alive es apología de muchas cosas: de las canciones cortas, de la playa californiana vista desde la de Nueva York, del directo sin adornos, de que no necesitas complicar las canciones para hacerlas mejores o diferentes entre sí. De cómo meterle un chute a tu público y que te adore, venga de donde venga, le guste la música que le guste.

It’s Alive es el mejor disco en directo de la historia. Punto.

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101 – Depeche Mode

El documento definitivo de cómo Depeche Mode se convirtieron en una de las bandas más grandes (en seguidores, sí, pero también en canciones) de los 80. 101 es, a la vez, un disco en directo y un documental, y en ambos formatos funciona magníficamente.

En concreto, en la cuestión que nos ocupa, 101 sirve para hacer más grandes muchas de las canciones del grupo de Basildon y para bañarlas a todas de la sustancia de los himnos generacionales. Ojo, a todas, no a unas sí y a otras no: incluso las más flojas del lote, escasas en un repertorio muy bien pensado, parecen enormes.

El concierto 101 de una gira no debería ser el más indicado para mostrar las bondades de un grupo, ya que se presume, por la cifra, que el agotamiento pudiera haber hecho mella en esa banda. El 101 de aquella gira de Depeche Mode de 1988 es todo lo contrario: el castillo de fuegos artificiales con el que los pirotécnicos dejan al público con la boca abierta y pidiendo más.

En Hipersónica | Crítica de 101 en la retrospectiva dedicada a Depeche Mode

Motörhead – No Sleep ‘Till Hammersmith

Grabado, pese a lo que indica el título, en diferentes salas de conciertos durante 1980, no sólo es un gran disco en vivo, sino también la demostración de que éstos, a veces, pueden quedar como testimonio perfecto de la grandeza de un grupo y, también, como hito insuperable.

No Sleep ‘Till Hammersmith es una bomba sonora, muestra de la brutalidad de Motörhead y de su obsesión por llevar sus canciones hasta el extremo. En el fondo, es la prueba definitiva para los que creen que esas ansías por ir más lejos, más rápido y más fuerte definen a Lemmy y compañía como un grupo metal en vez de como uno Hard Rock.

Podemos discutir al respecto, si queréis, pero lo que queda en este álbum en directo son trallazos de los que acaba por agotar cualquier resistencia y por derribar cualquier pared. Ríndete al Tito Lemmy.

En Hipersónica | Motörhead, crítica de Motörizer

Talking Heads – The Name Of This Band Is

Los Talking Heads en estado de gracia. Aunque después fueron grabados en vivo y filmados para el influyente Stop Making Sense, The Name Of This Band Is captura mucho mejor la esencia del grupo, la locura que habita detrás de sus intrincadas canciones, el ritmo infalible de todas ellas, los contrastes entre sus etapas, la facilidad de David Byrne para capturar la esquizofrenia del hombre moderno mientras la lleva a una pista de baile que, 30 años después, sigue siendo de lo más moderna.

Grabado en diferentes salas durante los dos primeros años de la banda, el disco documenta por qué hay que considerar a Talking Heads (y no The Talking Heads; el título lleva su coña) como uno de los grupos más imprescindibles de la historia. Aquí está casi todo lo mejor de sus cuatro primeros discos. La expresión “Estado de gracia” se creó para cosas así.

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MC5 – Kick Out The Jams

Las dos noches previas a Halloween, en 1968, sirvieron para grabar el disco de debut de MC5 y convertirlos en leyenda. Si debutar con un disco en directo ya es algo peculiar, hacerlo con esta bomba de relojería, precursora del punk (leed ‘Por favor, mátame’ por si os queda dudas) es algo inalcanzable para casi todos.

MC5 eran a la vez una célula política que confraternizaba con los Black Panthers y un grupo en permanente estado de ignición. Quizás por eso Kick Out The Jams suena todo el rato como si estuviera a punto de explotar, como si no hubiera mañana. Acostumbrado a escuchar lo tibio de otros muchos discos en vivo (por ejemplo, ese Special Moves de Mogwai que ha motivado esta lista), aún me sorprende la crudeza y energía que sale de aquí. Está tan bien plasmada que casi parece que la hubieran ensayado en estudio durante días, esperando a la mejor toma. Pero no: así fueron las cosas y así nos las cuentan.

Kick Out The Jams lo parte y, claro, por eso la canción titular se ha convertido en una de las más versioneadas en directo.

Como os digo, sois libres de escuchar esta lista en Spotify, suscribiros a ella y difundir la palabra. O de discrepar, claro.

No pensaba escribir sobre dicha colección tras leerlo en todos los medios anglosajones, pero si se hace sobre el nuevo uniforme antibalas del presidente Barack Obama tras llegar a la Casa Blanca ¿por qué no sobre los vinilos que guarda en la biblioteca de la mansión presidencial?

Los que somos melómanos empedernidos estas noticias las devoramos, primero con envidia y luego con más envidia, al igual que en su día hice con el hombre de los tres millones de vinilos en su discoteca personal. Hay gente con suerte, reconozcámoslo. Y ahora a ese club se une Obama, quien nada más llegar se ha encontrado con una colección gigantesca en la cual están incluidos vinilos de artistas de Bob Dylan, David Bowie o los Ramones.

La cifra exacta de vinilos no se conoce exactamente pero sí supera las 2.200 referencias ya que todo comenzó en 1973, cuando la RIAA (Recording Industry Association of America), la misma que ahora está haciendo su campaña de lobby, decidió que la biblioteca presidencial tenía que contener música además de libros. Para ello se donaron 2.000 LPs.

En este momento, con Nixon como presidente, se escogieron vinilos donde predominaban Pat Boone, the Carpenters y John Denver. En 1979, el productor John Hammond convocó una nueva comisión para actualizar dicha biblioteca durante el mandato de Carter. 200 nuevos vinilos se incorporaron a la colección. En esta ocasión las incorporaciones fueron más variadas, basadas en la música popular del momento, con álbumes como el Hunky Dory de David Bowie.

Después la biblioteca se cambió de lugar dentro de la Casa Blanca pero eso ya son detalles menores. Lo que sería interesante es ver qué álbumes forman dicha colección que Barack Obama ahora tiene a su alcance. ¿La actualizará añadiendo nuevas referencias? 2.200 vinilos son pocos para la casa más importante de todo el mundo y para alguien que ha sabido usar la música como un vehículo más para subir al poder.

Vía | Rolling Stone
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Llegó la época de los turrones, los anuncios luminosos y los villancicos del año de la tana. Quienes pensábamos que con la canción del verano ya habíamos tenido suficiente tortura, ahora nos encontramos con el regreso de las panderetas asesinas, las zambombas mutantes y los cascabeles radioactivos.

Para resistir un poco el vendaval, os propongo estas canciones repletas de energía para disfrutar en familia en estas fechas tan entrañables. No las toméis como un ataque contra la tradición (que por otro lado es una maldición, como decían La Polla Records), sino como una saludable alternativa al metralleo de tonadas populares que no le gustan ni a los de la SGAE (más que nada porque no pueden sacar tajada de ellas).

1. MXPX – Christmas Night of the Living Dead (Imeem)

Empezamos con un trallazo de estos nativos de Washington. Curiosamente, todos los miembros del grupo son cristianos declarados, la prueba de que no hay que ser un ateo de marca para tomarse estas fiestas con menos seriedad y más adrenalina.

2. The Vandals – Grandpa’s Last Xmas (Imeem)

De un salto nos plantamos en California con otra dosis de punk jarkoreta y monopatinero. El pobre abuelito está en lás últimas, así que, chicos, toca ser simpáticos con él. Al menos, que su paso a la otra vida esté precedido de un buen pogo.

3. Siniestro Total – Afunfun, afanfan (Imeem)

Esta canción se incluyó en el recopilatorio Navidades Radioactivas. Un compendio de punkis naifs que aportaron su granito de nieve a estas señaladas fiestas. Y los Siniestro, como de costumbre, partieron la pana.

4. Stiff Little Fingers – White Christmas (Imeem)

¡Cómo lo parten estos veteranos del macarreo! En esta ocasión, han decidido aprovechar una conocida tonadilla popular para cargarla de electricidad. A divertirse tocan.

5. The Sonics – Don’t Believe in Christmas (Imeem)

Vamos ahora con el rugido garagero de los Sonics. Si ellos dicen que no creamos en las Navidades, habrá que hacerles caso. Ahora bien, tampoco creemos en las reuniones cuarenta años después. Dejad en paz vuestra leyenda, chicos.

6. Pennywise – Christmas in Hell (Imeem)

Jarkor y más jarkor, todos a berrear hasta que se nos atraganten los polvorones. Cierto es que nunca me han hecho demasiado tilín los Pennywise, pero hay que reconocer que uno de sus pildorazos de vez en cuando te levanta bien el ánimo.

7. Mogollón – Secuestro en el portal (Imeem)

Otro tema extraído de las Navidades Radioactivas. A parte de esta canción, no he escuchado nada más de Mogollón, pero ese Nintendo punk que practican tiene un nosequé que resulta entrañable.

8. Ramones – Merry Christmas (I Don’t Wanna Fight Tonight) (Imeem)

No podían faltar mis queridos Ramones. Aprovechando la faceta más poppy de sus últimos trabajos, se marcaron esta canción buenrollera y reposada para disfrutar en familia.

Vamos hoy con una de las canciones más vitalistas que se han escrito y que en el manido tiempo de crisis que estamos viviendo, nunca viene mal escuchar. Las versiones que se han hecho de este tema han sido siempre menores que la original, Louis Armstrong es demasiado artista como para dejarle en segundo plano, pero aún así, algunas ya han quedado al recuerdo, como la de Joey Ramone.

La canción fue publicada en 1967, y está escrita por Bob Thiele y George David Weiss, aunque Armstrong ha sido quien se ha llevado todos los méritos y la fama. Llama la atención que en su momento, en Estados Unidos pasó casi desapercibida, lo que era un single en contra de las exaltaciones políticas de los inicios de la década de los 60s, apenas vendió 100.00 copias, aunque cuando saltó a las islas británicas, la cosa cambió, y en 1968 consiguió su primer número uno.

Pocas canciones han conseguido unos valores connotativos tan fuertes como ‘What a Wonderful World’ y han tenido tanta fuerza (‘Imagine’ es otra de las excepciones). Una letra sencilla que se inspira en las cosas sencillas de cada día le basta a Armstrong para sacar su chorro de voz y firmar este himno pacifista.

Louis Armstrong – What a Wonderful World (YouTube)

Este vídeo recoge una de sus primeras actuaciones en la BBC británica, exactamente el 2 de julio de 1968. En él se ve la peculiaridad del timbre de Armstrong, duro y sucio, con una textura especial, tocando sonidos desgarrados con una voz rota sobre versos magníficos. Si a esto se le une la personalidad que tenía el trompetista al cantar (el movimiento de ojos es mítico), tenemos un cóctel magnífico. De fondo, una base de jazz clásico para un tema que no deja de ser pop, influencias de Nueva Orleans o de Stan Getz. Por desgracia, tres años más tarde, en 1971, Louis Armstrong decía adiós a este mundo maravilloso debido a su débil corazón.

Tras la original de Armstrong es difícil atreverse a hablar de otras, pero vamos con la primera. La firma José Mercé y para mí, es una de las mejores versiones que he escuchado nunca. Considero al jerezano como uno de los grandes valores del flamenco actual en este país, y cada vez que coge un tema ajeno, lo hace suyo, lo impregna de su clase y parece otro (sólo hay que escuchar su versión de ‘Te Recuerdo Amanda’ (YouTube)). Con ‘What a Wonderful World’ volvió a repetir la maniobra y encima la tradujo al español, titulándola ‘Qué Bonito es Vivir’. En cuanto se da al play ya emociona, tanto como la original. Transmite ese duende flamenco que tan pocos poseen, y la vitalidad de la original. José Mercé la firmó para el disco Lo que no se da (2006).

Joey Ramone – What a Wonderful World (YouTube)

Era indispensable traerla a la sección si hablábamos de Armstrong. Joey Ramone también hizo suyo el tema de 1967 sólo que prescinde de cualquier vestigio emocional, de cualquier vestigio lento de la original o pausado, el cantante de los Ramones pisó fuerte el acelerador y llevó a ‘What a Wonderful World’ a su sonido, al punk-pop más pegadizo. Una versión rabiosa y original, que tiene su gran gancho justo en ese terreno. Lo que era un tema para apaciguar los ánimos de los 60s, versionado por Joey Ramone bien puede ser un dardo de crítica. Se publicó en 2002 (Don’t Worry About Me), como álbum postumo tras su muerte en 2001.

Tony Bennett & K.D. Lang – What a Wonderful World (YouTube)

Hasta el último momento me estuve debatiendo en cuál cerraría la lista de versiones, si finalizar con la de Tony Bennett, en plan cíclico, como grandes artistas que eran ambos, o por el contrario, apostar por algo más arriesgado como es la versión de The Flaming Lips, más informal, ruidista y con el sonido que les caracterizaba en la primera época. Finalmente he optado por ambas, la de los estadounidenses como bonus track y la de Bennett como cierre clásico. Y es que lo pedía a gritos, pedía una versión estilo crooner, evitando a Rod Stewart y recordando al contemporáneo de Frank Sinatra. Bennett se alía con K. D. Lang y firma una cuidada versión, elegante y suave. Es reciente, ya que se publicó en 2002, en el álbum A Wonderful World.

Y el tema de bonus, firmado por The Flaming Lips en In a Priest Driven Ambulance (1990, Restless Records)

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Ya está. Antes de que nos demos cuenta, los ecos de las olas empiezan a morir y cambian por la vuelta al curro, los fascículos vuelven a inundar los quioscos y los anuncios de la vuelta al cole del Corte Inglés acaparan las parrillas televisivas.

Aún sigue haciendo calor por toda la península, pero nadie ignora que el verano empieza a soltar sus últimos suspiros agónicos. Ahora bien, la estación puede morir, pero no por ello el espíritu que anima a multitud de artistas a componer grandes canciones llenas de energía y vitalidad.

Si aún no tienes ganas de pensar en el otoño, sumérgete en esta lista.

1. Airbag – Septiembre (Imeem)
Los malagueños se encargan de recordarnos con su punk-pop que septiembre aún forma parte del verano. Nuestro amor de vacaciones aún no ha regresado a su ciudad natal, el sol sigue brillando y aún hay oportunidades para practicar el surf y el perreo playero.

4. The Undertones . Here Comes the Summer (Imeem)
Otro pildorazo de punk-pop, estilo que junto al surf, es la mejor cura para la morriña estival. Si ese organillo del estribillo no te saca del sofá para ir corriendo a hacer auto-stop a la autopista de Valencia o Andalucía, no sé qué lo hará.

On the road with the Ramones es un libro concebido por Monte A. Melnick, que fue road manager, asistente y hasta babysitter del grupo durante los 22 años que estuvieron tocando por todo el mundo. Ahora es recordado como el 5º Ramone. Todos los seguidores de la mítica banda conocerán ya de sobra este libro, pero vale la pena comentarlo para quienes aún no hayan tenido oportunidad de leerlo y para descubrir a los profanos la magia de estos neoyorquinos. Aprovecho también para anunciar que recientemente apareció una versión actualizada que amplía la obra con información recopilada a partir del año 2003.

Estas páginas recogen la experiencia de Monte durante esas dos décadas. Un trabajo duro e intenso al que Monte dedicó buena parte de su vida. El texto está construido a partir de testimonios de los propios Ramones, del equipo que los acompañó en las giras y de multitud de gente relacionada con ellos, ya sean sus novias, sus amigos o los componentes de otras bandas.

Monte comienza su relato cuando conoció a Tommy Ramone, primer batería del grupo y productor de algunos de sus discos. Juntos pasaron por diversas bandas que no terminaron de cuajar, hasta que en los primeros 70 comenzó a forjarse la leyenda que hoy recuerdan. Comenzaron entonces los conciertos en el CBGB’s de Nueva York, ante audiencias reducidísimas que no podían imaginar entonces que estaban presenciando el comienzo de algo grande.

A partir de ahí se sigue la trayectoria del grupo, con sus primeros discos, sus bolos por todo el país y su incansable ritmo de trabajo que duraría hasta 1996. Sin embargo, lo más interesante del libro no es este repaso histórico, pues ya es de sobra conocida por todos y hay varios DVD’s dedicados a ello.

Lo interesante es que nos adentra en las peculiares y difíciles personalidades de estos tipos que revolucionaron el rocanrol. También los testimonios sinceros y las reflexiones que hacen sus protagonistas en torno a lo que pasó: la búsqueda del éxito, las giras interminables y también las rencillas entre los miembros del grupo. Por ejemplo, Johnny y Joey se pasaron gran parte de la vida del grupo sin dirigirse la palabra por una disputa a raíz de una chica que acabaría siendo la esposa del guitarrista del pelo a tazón.

A pesar de todo, para ellos lo más importante era el grupo y siguieron dándolo todo en el estudio y los escenarios. Esta es una de las claves que ofrece el libro sobre la longevidad de los Ramones. La mayor parte de las bandas se mantienen unidas por la amistad y por una pasión común. Pero para ellos, y sobre todo para Johnny, la música era ante todo un trabajo en el que tenían que cumplir y rendir al máximo de sus posibilidades, al margen de lo que pudiera ocurrir en sus vidas privadas.

Y no deja de resultar sorprendente que pudieran hacerlo. ¿Cómo podía Joey mantener el tipo en el escenario con la cantidad de cosas que tenía en la cabeza? En el libro se recuerda el trastorno obsesivo-compulsivo que sufría, una enfermedad psicológica que por aquel entonces parecían más bien manías o excentricidades que el resto del grupo apenas podía comprender.

La anécdota más divertida en ese sentido ocurrió durante un viaje a Inglaterra. Al aterrizar el avión, Joey dijo que no pensaba bajar porque tenía que volver a su casa para volver a cruzar el umbral de la puerta una vez más. Situaciones como esta obligaron a Monte a sacar lo mejor de sí mismo y de su ingenio para que el show pudiera continuar.

Tras todos estos años, los Ramones decidieron disolverse en 1996, tras nada menos que 2.263 conciertos a sus espaldas. La despedida tras ese último concierto fue gélida, ni siquiera se dijeron adiós, cada cual tomó su camino dando por finalizada una época preciosa para la música del pasado siglo, pero también muy dura a nivel personal.

En la edición actualizada del libro se aborda la muerte de Joey en 2001, que fue la que mayor impacto mediático tuvo; así como las de Dee Dee y Johnny, que fallecieron pocos años después. Estas páginas conforman la parte más emotiva de la obra, en donde queda patente el destacado papel que como músicos (y como personas) tuvieron durante sus vidas.

El libro se completa con un buen puñado de fotografías tomadas durante su dinámica trayectoria, así como diversas ilustraciones, carteles y merchandising relacionados con la banda. Para completar la información que contiene, vale la pena echarle un ojo al DVD Raw, que compila imágenes que Marky grabó con su videocámara durante sus giras por todo el mundo. Lo único que le faltaba a este DVD eran los testimonios de todos los implicados, y los de verdad, no sólo los que se dicen ante los micros y las cámaras de la prensa. Este libro suple con creces esa laguna.

Más información | On the road with the Ramones
Sitio oficial | Ramones
Más en Hipersónica | Ramones

Pasa con Alto Disco. Airbag son un grupo con letras muy agraciadas que, además, ha sabido seguir creciendo en los márgenes que su música les permiten. Por eso, su punk-pop surfero, de clara herencia Ramones, se ha vuelto en Palo Alto Alto Disco más imprescindible que nunca. Su último disco es una gozada divertidísima y aparentemente intrascendente. Posiblemente, no será alabado por los medios serios, más empeñados en buscar el nuevo Dylan que en divertirse. Pues vale, ellos que hagan lo que quieran con su apariencia de ‘buscar la verdad’. Yo estoy aquí para disfrutar y con Airbag lo consigo, pese a no ser inventores de nada. Siguen una fórmula clásica, pero lo hacen con chispa. Y aciertan de pleno.

Alto Disco sigue sonando acelerado, pero ahora es más powerpop que punk. Ahora se les cuelan los parapapás, las guitarras cristalinas, rebajan la velocidad en varios de los temas y, sobre todo, tienen un estribillos absolutamente irresistibles. El trío dispara melodías radiantes y coros geniales. Dan ganas de vivir incluso cuando cuentan historias de fracasos.

Porque sus irresistibles letras están llenas de entrañables patanes: como el que, por impresionar a la chica que le gusta, le acaba destrozando los finales de los libros y las películas. O el que se encuentra que la chica de sus veranos aparece en pleno mes de julio con otro colgado del brazo. O el que es incapaz de disfrutar de un pase gratuito para el Primavera Sound porque su novia no ha querido ir al festival con él.

Cada una de las trece canciones de Alto Disco es una fábula pop en estado puro. Y te deja con ganas de saber qué hay más allá, hacia dónde va la vida del tipo que siempre es rechazado (fabulosa Tus rechazos golpean dos veces). O si la chica de Ahí viene la decepción alguna vez escuchará a los Clash, además de llevar sus camisetas.

Alto Disco es un disco lleno de referencias de serie b: comics, películas, grupos de música. A nada que seas un poco friki (al viejo estilo, no al del Chikilicuatre), te enamorarás de sus guiños en las letras. Y si te gustan los Beach Boys, las Ronettes, cualquier cosa del pop chicle o de Phil Spector, aquí está uno de tus discos favoritos de la temporada.

No sé si, como dicen ellos, no saldrán “en el Rockdelux”. Puede que no aspiren a enamorar a La estrella invitada. Pero su carrera discográfica acaba de parir un álbum imperdible. Lo mejor de las golosinas es que, por mucho que te empaches, siempre te vuelven a apetecer. Y Alto Disco siempre vuelve a pedirte que lo pongas. Date un gustazo, hombre.