No todas las noches se tiene la oportunidad de ver a un grupo con el nivel instrumental que ofreció Senogul el pasado miércoles en Gijón. Jugaban en casa, algo que podría haber jugado en su contra, pero si hubo nervios ni siquiera se notaron y aunque el equipo técnico de la Sala Acapulco es muy sencillo, el quinteto logró sonar como nadie lo habría hecho con anterioridad allí.

Presentaban III, que es su tercer disco y su debut con Musea Records, sello francés especializado en esas músicas llamadas progresivas, fundamentalmente de adscripción rockera, y el evento se convirtió en una magistral exhibición instrumental. Los músicos no presumieron de virtuosismo, ni pusieron poses de rock star, pero cualquiera que estuviera en la sala pudo reconocer el alto nivel al que han llegado.

Su propuesta, tan personal como no apta para paladares mojigatos, es en vivo un espectáculo digno de ver, algo que podrás comentar a tus más íntimos para provocarles una envidia sana por no haberte acompañado. Dominadores del lenguaje progresivo, dependiendo de tus conocimientos musicales pueden traerte multitud de referencias: Peter Gabriel y sus primeros discos, los King Crimson de Red o el Sonido Canterbury, de hecho en la sala sonó en el intermedio Hatfield & The North, emblemática banda de rock experimental de aquella escena muy recomendable si no la conocéis.

Si os ha extrañado lo de que hubo intermedio, me explico. Senogul hicieron dos pases, tal y como en los sesenta hacían muchas formaciones en miles de salas europeas, tres cuartos de hora largos por pase en los que les dio tiempo suficiente como para dejar con la boca abierta al público.

La base fue este último álbum qe ha supuesto su vuelta al prog-rock, una vez que en Concierto de Evocación Sonora para Conjunto Instrumental (Margen Records, 2009) mostraron su vena más étnica, más world music. De III hicieron todos los cortes menos la intro y ‘The Black Cat’, inspirado en el fabuloso relato de Edgar Allan Poe, que quizá por su complejidad han decidido desecharlo para el directo.

Rafa Yugueros, el batería que cubre el nivel de exigencia que necesitaba Senogul

Era el debut en directo de Rafa Yugueros, batería sustituto de Eva D. Toca, que se va a dedicar a sus proyectos personales y a Pauline en la Playa, que ha aportado a Senogul el plus de calidad que necesitaba. Recuérdese que Yugue procede del metal y su militancia en WarCry le ha colocado entre los mejores percusionistas de este país.

La exigencia que este grupo demanda de un batería la cubre con creces Rafa Yugueros que se mostró perfectamente integrado en la formación que invitó a John Falcone a acompañarles con su fagot en el primer tema de la noche: ‘Pijamas’, en la que todo el grupo funcionó como un todo orgánico.

No me cabe duda que Senogul es el más interesante grupo instrumental de rock progresivo de este país, con un lenguaje y un sonido perfectamente exportable fuera de nuestras fronteras y al que Musea les va a ayudar a colocarse entre los nombres a tener en cuenta en esta escena en los próximos años.

Si el primer tema ya creó muy buen rollo y admiración, ‘La serpiente de jade’ y su aroma folk, a mí me suena argentino, toques orientales y bastantes detalles de improvisación jazz. Prog ecléctico es la etiqueta que mejor les definiría, un eclecticismo del que hicieron gala toda la noche con esa cantidad de instrumentos que pudimos escuchar: aparte de la melódica, el mini Moog de Eduardo G. Salueña, o el gong, qué me recordó a Emerson, Lake & Palmer, el bajista Pablo Canalís sacó una parte de sus arsenal de rarezas: mini marínbula eléctrica, cuenco tibetano, reclamos…

Todo un derroche de imaginación que tuvo su punto álgido casi al final del segundo pase, donde cada uno de los músicos cogió un tubo armónico y acercándose al borde del escenario crearon un bonita e imaginativa pieza de fantasía. Aunque la mayor bondad de Senogul es poder enlazar piezas de distintos discos creando absolutos collages musicales: ‘Travesía de las gaviotas’ de su primer álbum con ‘Gameland’, un corte de III escrito a partir de un arreglo de una melodía balinesa con una primera parte totalmente electrónica, o la iniciática ‘Tales from Buanga’ con la explosiva ‘Dr. Gull III’, también de su debut.

Cerraron con ‘Sopa colorá’, una de las mejores aproximaciones al prog rock andaluz después de los 70, en la que Israel Sánchez y Pedro Menchaca, sacaron lo mejor de sus guitarras, y la banda puso el ambiente al rojo vivo. El bis no fue menos interesante, un bloque integrado por ‘Paraná’, su revisión del tema de Airto Moreira, unido a ‘Itarmaracá’ de su segundo álbum, otra pieza con aroma brasileño que Senogul han llevado a su terreno.

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Fotografías | Víctor R. Villar en Flickr

Tras la primera parte de la entrevista con Eduardo G. Salueña, teclista de Senogul, realizada a propósito de la salida de III (Musea, 2011), en la segunda entrega de hoy nos da más detalles sobre el disco, los colaboradores, su nuevo sello discográfico, la situación del rock progresivo en España y los proyectos del quinteto asturiano.

¿Por qué habéis grabado esa versión de Airto Moreira en concreto?

‘Paraná’ tiene mucho significado en nuestra trayectoria. Ya llevábamos años tocándola, aunque no la llegamos a grabar en nuestra maqueta Cosecha años 70. La música de Airto Moreira conecta con el universo brasileño de músicos como Flora Purim, Hermeto Pascoal o Egberto Gismonti, además de agrupaciones más jazzísticas como Weather Report, la faceta eléctrica de Miles Davis o el grupo uruguayo OPA, referencias muy importantes en nuestra música. Es una música alegre que ya hemos explotado en otras piezas como ‘Itamaracá’. Además, nos unió a Marcos Mantero, el teclista de Imán Califato Independiente, quien ya le rindió un homenaje en la reciente grabación Especial 30 Aniversario del grupo Imán, y que se prestó a colaborar con nosotros en esta versión, imprimiéndole un sello muy personal.

Le dedicamos mucho tiempo al aspecto tímbrico, configurando los sonidos que queremos utilizar

La riqueza instrumental sigue siendo otro de los valores de Senogul, ¿es fruto de una tarea de investigación de la banda?

La verdad es que sí. Le dedicamos mucho tiempo al aspecto tímbrico, configurando los sonidos que queremos utilizar en estudio y en directo. A ello se suma el afán coleccionista de instrumentos del mundo de Pablo Canalís y su búsqueda de nuevos horizontes sonoros para cada uno de ellos (además de profundizar en su registro característico) y nuestro interés por colaborar con otros músicos afines a nuestra perspectiva musical, sea cual sea su instrumento y estilo.

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¿Nos puedes resumir en una frase cada tema?

The Nightstalker: Un inicio inquietante en el que ya no hay marcha atrás

Pijamas: Un buen exponente de nuestra peculiar fusión aderezada con buen humor

La serpiente de jade: Quizás nuestra composición más fluida y orgánica

Paraná: No podrás evitar escucharla con una sonrisa… e incluso con un baile

The black cat: Te lo pensarás antes de acercarte nuevamente a un gato negro

Tales from Buanga: Una pequeña travesía sonora hacia lo desconocido

Gameland: ¡Nunca dos minutos dieron tanto de sí en un disco de Senogul!

Sopa colorá: El norte y el sur se dan la mano en pos del equilibrio.

El grupo publica este disco con Musea con quien ya teníais relación, ¿qué nos puedes decir de este sello y cuál es vuestra sintonía con ellos?

La gente de Musea tiene bastante confianza en nosotros, y desde el principio se mostraron interesados en nuestra música. Ellos fueron los distribuidores europeos de nuestro primer trabajo (publicado con Mylodon Records) y también publicaron varias de nuestras colaboraciones junto a Colossus Projects. Por lo general se trata de gente seria y tienen un catálogo muy interesante.

¿Servirá para colocar un peldaño más arriba a la banda en el mercado internacional?

Es innegable que trabajar con Musea Records, un sello con historia y actividad en el resurgir progresivo ya desde la década de los 80, siempre te da un fuerte empujón. De todos modos, nosotros nunca dejamos de promocionar y dar a conocer todo lo que hacemos, también sacándolo de las fronteras estilísticas del rock progresivo.

En España faltan circuitos estables de conciertos, sellos especializados y promotores

¿Y en España qué pasa? ¿Por qué una música como la vuestra es una rareza?

En nuestro país hay propuestas musicales muy interesantes pero, lamentablemente, muy poco conocidas. Hablo de grupos como October Equus, Kotebel, Albatros, L’herba d’hamelí Versus Five, Glazz, Jardin de la Croix o Amoeba Split, y eso que tan sólo me estoy refiriendo a aquellos que suelen ser ubicados dentro de un perfil cercano al progresivo. Creo que más que la propia materia prima artística, hace falta una política cultural que estimule la difusión de estas propuestas. Hablo de circuitos estables de conciertos, sellos especializados y promotores.

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Antes comentabas que ha colaborado en el disco Marcos Mantero, un clásico del rock español que no sé si sabréis que fue el teclista de Canciones profanas el primer disco de Dinarama y que también hizo la gira con ellos

Efectivamente. Marcos Mantero es un gran músico y una gran persona, con la que hemos tenido mucha conexión y de la que hemos aprendido mucho. Recuerdo que en un concierto en el que toqué con la banda de Fran Gayo, presentando el disco Las próximas cosechas, vino Marcos a verme y estuvimos hablando de su actividad con grupos de la movida de los 80. Tiene un gran recuerdo para músicos como Carlos Berlanga. También vino a vernos tocar a Senogul en Villanueva de la Cañada (Madrid) e, inevitablemente, recordamos su paso por Imán Califato Independiente, la banda de Gualberto o Chicles, caramelos y pipas. Y es que todas las etapas artísticas sirven para forjar nuestra propia personalidad. Marcos, además, tiene un exquisito gusto con los sonidos y maneja muy bien los sintetizadores analógicos. Ha sido todo un privilegio.

Y también con Manglis y Pedro Ontiveros, otros clásicos, ¿cómo contactásteis con ellos?

Con el “Manglis” contacté al interesarme por los discos de Guadalquivir a través de la red. Rápidamente hubo muy buena conexión y yo le envié un ejemplar del primer disco. ‘La mulata eléctrica’, que iba en nuestro primer disco, tiene muchas influencias del jazz-rock de Guadalquivir. Fuimos manteniendo el contacto hasta que un día nos avisó de una reunión de Guadalquivir en Madrid, interviniendo fugazmente en un concierto en Clamores. Pablo y yo fuimos y conocimos a toda la banda. Ahí hablamos con ellos para poder materializar la propuesta. Desde el principio conectaron con el estilo de ‘Sopa colorá’, indudablemente influido por todo el rock andaluz, y supieron muy bien lo que buscábamos de ellos. Israel y yo fuimos a los estudios de Manglis en Griñón y compartimos un día de grabación con ellos. Fue una experiencia fantástica, puesto que son unas personas muy cercanas. Tanto Luis como Pedro fueron pacientes y realizaron un excepcional trabajo. A día de hoy seguimos manteniendo el contacto con todos y cada uno de nuestros colaboradores.

En la contra aparece el logo de Azafrán Media y Disconsonancia, ¿quiénes son los primeros y qué novedades va a haber con esta etiqueta propia de los miembros de la banda?

Azafrán Media es un sello y distribuidor mexicano que dirige Juan José Salas, antiguamente vinculado al sello Luna Negra. También se mostró muy interesado, desde el principio, en nuestro trabajo y llegamos a un acuerdo con ellos para que se ocupen de la distribución en exclusiva del disco por toda Latinoamérica. Disconsonancia asume el mercado español, tanto para surtir a las tiendas especializadas como para la venta a particulares (para más información: info@senogul.com). De momento no habrá novedades con respecto al catálogo de Disconsonancia, ya que aún estamos promocionando los discos de Cuac! y Melange, además del nuevo de Senogul. Hay planes para una próxima entrega de Senogul, conmemorando el décimo aniversario de la banda, pero aún no está definido.

En III escuchamos el Minimoog cada vez más presente en el sonido Senogul, ¿cuál es tu relación con este instrumento?

Mi historia con el Minimoog es muy especial, la verdad. Se trata del mismo que utilizó Berto ‘Turulla’ en sus grabaciones, un teclista asturiano pionero en la utilización de sintetizadores analógicos durante los 70 y principios de los 80, y que murió trágicamente en 1983. Al poco de adquirirlo grabé el disco Agora, de la cantante de tonada renovadora Anabel Santiago y lo incorporé al directo de Senogul, dándole un inevitable toque vintage. Con Anabel exploto los graves, ocupando el rol de bajista (además de teclista). Los graves del moog son muy cálidos y tienen un timbre muy peculiar. Ha sido una gran sorpresa para mí. Aún estoy aprendiendo mucho de él, pues su estabilidad es muy difícil de controlar, además de que hay que ser muy rápido en directo para poder pasar de un sonido a otro ya que no tiene memoria de almacenaje. Miguel Fernández, profesor de acústica y organología del CONSMUPA, me ha sido de gran ayuda para ir conociendo el aparato.

¿Es por eso que el toque electro está aflorando más que el clásico en el grupo?

Creo que no está para nada reñida la alternancia de recursos, siempre y cuando esté al servicio de nuestro propio mensaje musical. Tenemos muchas referencias a músicas pasadas, incluso a antiguas tradiciones, pero nuestro contexto siempre es el contemporáneo. Igualmente, pueden convivir instrumentos de ámbitos tan distintos como el sintetizador Minimoog, la marímbula eléctrica, el sheng chino o el kaval búlgaro. En el caso de ‘Gameland’, donde hay una sección próxima al trip-hop y al drum’n‘bass, hacemos un doble juego con los trances de la modernidad urbana y de la música gamelán tradicional.

¿Qué proyectos tenéis en mano de aquí en adelante con este disco?

Ahora estamos centrados, sobre todo, en la modelación de nuestro directo, con un grueso del nuevo disco pero también con nuevas revisiones de piezas antiguas y alguna sección improvisatoria. También tenemos pendiente la publicación de una nueva entrega conceptual de Colossus Projects basado en este caso en el Decamerón de Bocaccio. El disco (CD cuádruple) se titula Ten days in 100 novellas y está prevista su edición a finales de año. En el disco colaboran artistas de la talla de Nexus, Lady Lake o Phideaux. Te puedo adelantar que esta ha sido nuestra última grabación con Eva D. Toca y que la gente que escuchó nuestra pieza mencionó influencias de bandas como Yes, Genesis, Rush, Santana o Dream Theater.

Eva Toca ha dejado la banda y ha entrado Rafa Yugueros. ¿Ha cambiado la dimensión sónica de la banda?

Lo único que permanece en la vida es el cambio. Eva decidió seguir su propio camino y cerrar su etapa con el grupo, sobre todo debido a sus cada vez crecientes compromisos musicales. Ha sido una gran influencia en nosotros y la banda creció mucho con ella. Seguimos manteniendo el contacto y otros proyectos musicales con ella. A Rafa Yugueros ya le conocíamos por ser compañeros de los locales de ensayo, aunque había una larga amistad previa con Pablo. En las sesiones de grabación de Melange colaboró activamente como baterista en muchas piezas, entre ellas ‘La serpiente de jade’, que finalmente acabó desarrollándose como un tema de Senogul. Su implicación con nosotros ha sido muy activa, aportándole nuevos matices al grupo y adaptándonos mutuamente a la forma de tocar de cada uno. Para él supone todo un reto y para nosotros un plus en contundencia y solidez rítmica que se está notando mucho en los nuevos arreglos para el directo.

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Su fichaje por el sello francés no es fruto de la casualidad, los representantes más cualificados del rock progresivo estatal publican con Musea su tercer álbum de estudio que lleva el nombre de III por escueto título. Tras un segundo álbum, Concierto de evocación sonora para conjunto instrumental, donde las músicas del mundo entraron de lleno en su propuesta, la evolución de Senogul les ha llevado a facturar una gama de sonidos muy variada. Esto es lo que nos contó sobre la actualidad de la banda su teclista, Eduardo G. Salueña.

Senogul vuelve al prog-rock, ¿podría ser éste el titular para vuestro III?

En realidad nunca lo hemos abandonado. En el Concierto de evocación sonora había mucho de actitud rock, aunque no predominasen las guitarras eléctricas o la batería. Sí es cierto que volvemos a utilizar el quinteto eléctrico como base instrumental en este nuevo disco, y ello determina el resultado musical.

Cada vez que grabamos un disco sentimos la necesidad de expresas nuestras inquietudes

Sin embargo el grupo no se sitúa donde lo dejasteis en el primer álbum

Efectivamente. Nuestro primer disco se publicó en 2007. En estos cuatro años han pasado muchas cosas: proyectos paralelos, una ópera ba-rock, cambios de personal, interés en instrumentos tradicionales y su incorporación en nuestros directos…, además de la evolución personal y grupal propia de cada colectivo. Siempre ha habido mucha inquietud y nunca dejamos de escuchar música. Cada vez que grabamos un disco sentimos la necesidad de expresar nuestras inquietudes, que cada vez van a más.

¿Se catalogará como rareza vuestro segundo trabajo?

Pues no lo sé, es muy posible. Yo lo veo como un disco que se revaloriza con el tiempo. Me he encontrado con mucha gente que, aunque al principio no había conectado con el Concierto, al cabo de un tiempo volvían a él por alguna razón y penetraban en su magia. La experiencia de este disco ha sido muy intensa en muchos sentidos, incluido el espiritual. Creo que eso está impreso en su versión final. Además, adopta una faceta bien distinta en directo, mostrando que la música está viva.

Las sorprendentes imagen de portada, contra y el libreto cuentan una historia, ¿cuál es?

En el año 2009 incorporamos el término “evocación sonora” a nuestro proceder, haciendo que el sonido despertase en el oyente una serie de sensaciones. Nuestros principios creativos en aquel trabajo fueron más filosóficos que puramente musicales, y en casi todos había una cierta motivación extra-musical. Sin embargo, no dejamos que nuestras propias intuiciones justificasen el resultado final, invitando al oyente a descubrir su propia identidad. Todo ello se redondeó con una propuesta artística en el que buscamos imágenes contrastantes que contribuyesen a ese proceso. En este disco hay algo de eso también. No podemos hablar de un único significado sino de distintas lecturas de una misma obra, como en la obra pictórica de Dalí. En este caso hay un inquietante personaje común en la serie de fotografías realizadas por el artista asturiano Noé Baranda ¿Hay también algo común en nuestra música con lo que se pueda identificar?

Es muy difícil que el oyente se haga una idea de lo que hacemos escuchando un único tema

Habéis incluido 8 temas bastante variados, no tienen nada que ver Paraná con The Black Cat o Sopa colorá, ¿es la diversidad dentro de un orden el leit motiv de Senogul?

De alguna forma esto va también en consonancia con lo que comentaba sobre el desarrollo iconográfico del libreto. Hace unos días comentábamos entre nosotros que es muy difícil que el oyente se haga una idea general de lo que hacemos escuchando un único tema. No me identifico con un único género cinematográfico o con un único sabor, y menos al pensar en una concepción global cerrada como es la de un disco. Conseguir una cierta coherencia a pesar de reflejar nuestra propia diversidad es una tarea ardua, pero que también nos sale de forma natural. Nuestra filosofía apuesta por integrar más que separar. Al fin y al cabo, todo es sonido ¿No?

A mi me encanta la recreación de ‘El gato negro’, ¿de dónde sacasteis la inspiración para hacer un tema que a Edgar Allan Poe le encantaría?

‘The Black Cat’ fue un encargo que nos hicieron desde la institución finlandesa Colossus Projects para un trabajo colectivo inspirado en el universo literario de Edgar Allan Poe y que Musea Records publicó en 2010, en formato doble CD, bajo el título The Tales of Edgar Allan Poe: A SyNphonic Collection. Nos basamos en el relato titulado El gato negro y trazamos una estructura dividida en 12 partes, según nuestra propia visión del escrito, incluyendo alguna revisión motívica. Es quizás nuestro tema más oscuro y matemático, pero es que así lo requiere la obra, en nuestra opinión. Incluso aparece el propio gato (Pablo recreó sus maullidos a través de un efecto con el bajo eléctrico), enturbiando el carácter musical de lo que antes era la vida apacible y alegre del protagonista, lo que se refleja en el abrupto cambio de tono al principio de la composición.

De ser un grupo instrumental habéis introducido fugazmente voces, ¿buscáis que sea un instrumento más?

Muy poca gente sabe que Senogul empezó siendo un grupo vocal, contando con la ayuda de nuestros amigos Diego Campos o Ioseba Parra. Incluso también estuvo un tiempo cantando nuestro guitarrista Israel Sánchez (lo que quedó registrado en la demo Cosecha años 70). Yo siempre me sentí más cómodo en un grupo instrumental porque me gusta explotar el potencial melódico de cada instrumento y por la falta de tiempo para dedicárselo a la elaboración de los textos. Poco a poco fuimos incorporando voces con un tratamiento instrumentalizado (con alusiones a otras culturas musicales, cánticos espirituales, música fonética o incluso scat). Como comenté con anterioridad, realmente tampoco buscamos poner ningún tipo de límites, por lo que estamos abiertos a cualquier tipo de evolución a ese respecto con tal de que sea algo natural para nosotros.

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La formación asturiana ya tiene un nombre en el circuito internacional algo que todavía no ha ocurrido en este país. La causa principal es que alineada en la etiqueta de rock progresivo solo en ciertos ambientes foráneos se está al tanto de lo que se cuece en todo el mundo, y su fichaje por el sello francés Musea es la evidencia más clara.

Senogul, una formación que el año que viene cumplirá una década en activo, ha vuelto a destapar su caja de Pandora en este tercer larga duración, titulado con el escueto III, en el que no se han quedado anquilosados. Es más, su vertiente más world music mostrada en Concierto de evocación sonora para conjunto instrumental queda ahora subsumida en el atillo de prog-rock ecléctico en el que han recogido todo su bagaje hasta la fecha.

III, un álbum en el que Senogul se muestran como los más cualificados líderes de la escena prog española

Con todo, Senogul siguen siendo rara avis en este país lo mismo que Kotebel, October Equus o Jardin de la Croix, bandas que dentro del prog han colocado sus picas en Flandes. Con diferencia los gijoneses son los más cualificados líderes de esta incipiente escena que esperemos pronto tendrá recompensa a su esfuerzo.

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Entrando de lleno en III, ‘The Nightstalker’ es una inquietante intro con la voz y el sheng de Pablo Canalís. Después llega ‘Pijamas’, un densísimo tema en el que la magnanimidad de cada músico con sus instrumentos es su mayor valor. Ocho minutos de poderío, fusión y buenas vibraciones.

‘La serpiente de jade’ es una de mis favoritas del conjunto, un tema que supone la quintaesencia de Senogul, con toques folkies, acaso argentinos, y bastantes detalles de improvisación jazz. Rafa Yugueros, nuevo batería del grupo, in extremis pudo grabar las baterías.

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‘Paraná’ es una versión de Hugo Fattoruso y Airto Moreira que éste último grabó en su álbum de 1973 Fingers. Ritmos brasileños y sentimiento hispano en el que el bajista y multiinstrumentista Pablo Canalís se ha dejado la piel para que no quedara en una boutade. Supone el lado más latino de III. Marcos Mantero, ex Imán Califato Independiente y ex teclista de Dinarama, época Canciones profanas, metió sintetizadores.

Tras escuchar ‘The Black Cat’, que ya conocimos en el álbum The Tales of Edgar Allan Poe: A SyNphonic Collection, publicado por Musea y Colossus Project, llegamos a la conclusión de lo buenos que son como músicos estos tipos.

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Poe no podría haber estado más conforme con la versión musical de su relato El gato negro. Nueve minutos que cerrando los ojos uno se siente plenamente identificado con la literatura ‘gótica’ del escritor norteamericano.

‘Tales from Buanga’ nos muestra un trabajo con el bajo de Pablo Canalís enorme generando un ambiente misterioso con los reclamos, cascabeles, semillas y voces que le acompañan. Supone una especia de melodía iniciática que explota en su tramo final prog.

Enlazado con ‘Gameland’, un corte compuesto a partir de un arreglo del bajista sobre una melodía balinesa, es una miniatura en dos partes, una primera expansiva, muy étnica y otra en la que la electrónica aparece de repente y deja descolocado al oyente. Supone un frente a investigar en el futuro por parte de Senogul.

‘Sopa colorá’ cierra a lo grande III con ese toque étnico y dos invitados de excepción: Luis Cobo ‘Manglis’ y Pedro Ontiveros de Guadalquivir. El rock andaluz setentero reivindicado y reinterpretado por una banda en el siglo 21 sin sonar a pastiche. Son casi 14 minutos densos y evocadores que crean afición. Grandes, muy grandes Senogul.

Tracklist de III de Senogul

• 1. The Nightstalker
• 2. Pijamas
• 3. La serpiente de jade
• 4. Paraná
• 5. The Black Cat
• 6. Tales From Buanga
• 7. Gameland

• 8. Sopa colorá

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En 1847 moría en extrañas circunstancias Edgar Allan Poe en su casa de El Bronx, un genio de la literatura de misterio e imaginación que nos dejó una obra que todavía hoy causa admiración y, sin duda, adicción. Como homenaje al escritor, Musea Records acaba de publicar un doble álbum bajo el título The Tales Of Edgar Allan Poe.

Subtitulado A syNphonic collection, esta edición que ha caído en mis manos tiene la categoría de joya no solo por la calidad de las bandas y artistas que participan, todos pivotando en la órbita del prog rock, sino por la cantidad de información que incluye el libreto.

Este libreto de 36 páginas está impreso a todo color y en él podemos leer una brillante síntesis de la vida y la obra del escritor norteamericano, ver imágenes de todos los artistas y bandas y además un resumen de su aportación al álbum y unas pinceladas de la pieza en la que se inspiraron.

La historias extraordinarias de Poe son pasadas al lenguaje del rock progresivo gracias a esta alianza que vuelven a llevar a buen puerto el sello de Metz y el fanzine Colossus Project, también responsables de Cani Arrabiati, Dante’s Paradiso o Iliad. A Gran Piano Extravaganza.

‘Intro (The Arrival of Red Death)’ (Soundcloud) la firma Marco Lo Muscio, compositor, pianista y organista italiano, apasionado de Tolkien y el progresivo. Su pieza es totalmente gótica con ese órgano medieval de la Iglesia romana de San Pablo Extramuros. Severo, tétrico y oscuro, el tema es un buen inicio para enganchar a la escucha del resto del álbum.

Los gijoneses Senogul, una de las bandas más prometedoras e interesantes de la escena prog española firman ‘The Black Cat’ (SoundCloud), uno de los cortes más largos del compacto; más de nueve minutos en los que se desvían claramente del camino que habían tomado con su segundo álbum, claramente world music, y retomando la senda prog. Su pieza tiene varias partes en los que estos músicos dan pruebas suficientes de su pericia instrumental, elaborando texturas, pasajes y momentos superimaginativos que nos radiografían la obra de Poe sobre El gato negro.

La Théorie des Cordes, trío francés, nos ambientan ‘A Descent Into a Maelström’, con un tema muy complejo, donde cada uno de los instrumentistas tienen su momento. Jazz, rock y prog se dan la mano en este historia sobre huracanes y vórtices marinos al que este grupo le da el tono apropiado.

Los canadienses Oracle firman ‘Tell Tale Heart (The Haunted Theme)’. No conocía a este quinteto pero poseen un teclista superkiller, Cary Clouser, también vocalista y guitarra rítmica. Su sonido es más clásico, recordándome por momentos a Kaipa o Genesis.

Los italianos N.O.T. recrean ‘The Sphinx’ con una pieza vibrante, llena de ritmo, muy densa, en la que guitarras y sintetizadores llevan la voz cantante. Al escucharla parece que tenemos delante el horrible monstruo que el protagonista del relato dice ver en la ventana de la casa de un amigo. Son nueve minutos y medio impactantes, como poco.

Otros italianos, Dunwich, una formación italiana liderada por el teclista Claudio Nigris, se encargan de ambientar ‘The Oblong Box’ (Soundcloud). Rock atmosférico y sinfónico con voz femenina es lo que nos encontramos en este corte en el que a la banda le acompaña un cuarteto de cuerda y una sección de viento-metal. Su aportación es lo más lírico de todo este doble compacto.

El teclista canadiense Guy Le Blanc no necesita presentación para los fans del prog rock. Líder de Nathan Mahl y miembro de Camel entre 2000 y 2003, ha preparado una pieza para el relato ‘The Oval Portrait’ muy nostálgica y melancólica, un pelín jazzie y curiosamente delicada en su primera parte y muy prog y dinámica en su segunda parte.

Los bonaerenses Jinetes Negros ponen música a ‘The Masque of The Red Death’. Esta banda progresivo-sinfónica han grabado una pieza bastante épica, con un desarrollo vocal inspirado en cierta medida en el Carmina Burana. Por lo pronto me hecho fan del quinteto en Facebook.

Karda Estra (Soundcloud), formación inglesa radicada en Swindon, son los más clásicos del conjunto. Ponen música al conocidísimo relato de Poe, ‘The Pit and The Pendulum’. Percusión, bouzouki, guitarra pero sobre todo instrumentos de viento-metal y de cuerda son los generadores de una pieza obsesiva e inquietante que encaja como guante en la obra del escritor.

El segundo CD no es menos interesante que el primero. Lo abre el músico finlandés Jukka Kulju, que sin contrato discográfica sus únicas credenciales son este tema en el que él mismo se lo guisa y se lo come. ‘The Purloined Letter’ es un corte muy prog a lo Unitopia ambientado a base de teclados: Hammond B3, Micromoog, Moog Prodigy y Moog Taurus.

Anima Morte (Soundcloud), una formación sueca autodefinida como vintage italian horror music, se encargan de poner música a ‘Premature Burial’, Más comedido que en otras composiciones que hemos escuchado, el cuarteto factura una pieza muy sinfónica y envolvente, nada agobiante para la temática del relato de Edgar Allan Poe.

Desde Austria, Blank Manuskript firman para ‘The Gold Bug’ un tema bastante incómoda, muy jazz-prog en una primera parte, y un crescendo sinfónico en una segunda, rematando con una guitarra poderosísima.

Areknamés (Soundcloud) es un quinteto de prog en su vertiente psych dark, aunque aquí para recrear ‘Hop-Frog’ tienden hacia el folk merced al violín de Perluigi Mencattini. Quizás se hayan inspirado en Gentle Giant para dar forma al tema.

Desde Rusia, Little Tragedies nos envuelven con su ensoñadora pieza inspirada en ‘The Man of The Crowd’. El quinteto marca bien su territorio sinfónico y prog, logrando un corte instrumental vibrante en el que todos los instrumentistas se vacían.

Los veteranos Armalite son el ejemplo de formación prog integrada por músicos veteranos. El quinteto italiano sin embargo entregan para mí la pieza menos interesante de todo el álbum, quizás por el timbre de la voz de Roberto Vanali, que lastra una instrumentación enorme. Y lo tenían fácil porque eligieron el archiconocido relato ‘The Murders In The Rue Morgue’.

Chansonoir es un singular proyecto de Elena La Vie y Frederik Klingwall. Juntos hacen todavía más espeluznante el relato de ‘Ligeia’ (Soundcloud). Una pieza corta, casi cuatro minutos, donde se nos presentan como maestros de un prog bastante dark con el que me han seducido. Hay que seguirles la pista a estos suecos.

Los italianos Magnetic Sound Machine se encargan de musicar ‘The Cask of Amontillado (…And You Will Live Forever in Terror)’, otro de los relatos clásicos de Poe. El quinteto ha preparado un corte bastante prog para lo que normalmente suelen componer, aunque muestran su lado jazz-fusión en la segunda parte.

Cierran el disco y el doble álbum otros italianos, Daal, con su versión musical de ‘The Fall Of The House of Usher’ (Soundcloud), otro de los relatos más conocidos de Poe. El tema de los de Bérgamo parece abrirnos la puerta de la casona de los Usher, misterioso, denso, pelín inquietante, trenzado a base de teclados, sintes y percusiones. Bravo por ellos.

Tracklist de The Tales Of Edgar Allan Poe. A SyNphonic Collection

• 1. Marco Lo Muscio – Intro
• 2. Senogul – The Black Cat
• 3. La Théorie des Cordes – A Descent Into The Maelström
• 4. Oracle – Tall Tale Heart
• 5. N.O.T. – The Sphinx
• 6. Dunwich – The Oblong Box
• 7. Guy Le Blanc – The Oval Portrait
• 8. Jinetes Negros – The Masque Of The Red Death
• 9. Karda Estra – The Pit And The Pendulum
• 10. Jukka Kulju – The Purloined Letter
• 11. Anima Morte – The Premature Burial
• 12. Blank Manuskript – The Gold Bug
• 13. Areknames – Hop-Frog
• 14. Little tragedies – The Man Of The Crowd
• 15. Armalite – The Murder Of The Rue Morgue
• 16. Chansonoir – Ligeia
• 17. Magnetic Sound Machine – The Cask Of Amontillado

• 18. Daal – The Fall Of The House Of Usher

Sitio oficial | Musea Records

Cani Arrabbiati. Opening Themes… es el penúltimo proyecto del sello finlandés Colossus Projects, distribuido en todo el mundo por Musea, discográfica y distribuidora radicada en Metz (Francia) especializada en rock progresivo.

Este doble compacto quiere ser un homenaje a los músicos italianos que firmaron en la década los sesenta y setenta del siglo pasado una serie de bandas sonoras, cuyos temas principales han sido revisados y reinterpretados por un elenco de bandas internacionales de rock progresivo.

Muchos de estas películas y, por ende, muchos directores son desconocidos para los aficionados al séptimo arte, y aún más lo son los autores de sus bandas sonoras, entre los que sobresale los grandes maestros Ennio Morricone y Nino Rota, y los realizadores Sergio Leone y Dario Argento.

Cabi Arrabbiati, una referencia para descubrir bandas interesantes del prog rock internacional

Sólo ha participado una banda española, los gijoneses Senogul, que grabaron el medley ‘Magari Ancora’ (GoEar), que incluye el tema principal de Por un puñado de dólares, el de Casanova de Fellini, el de Ligabue y el de El gato de nueve colas. Una mezcla diferente de unos músicos muy jóvenes, y ya virtuosos, que dotan al conjunto de una inquietante belleza.

La edición de este doble álbum, cuyo arte gráfico lo firma Davide Guidoni, es modélica. Incluye un resumen de cada una de las películas y una ficha de cada grupo y artista: Los italianos The Samurai of Prog, Aurora Lunare , Marco lo Muscio y John la Forges, los suecos Anima Morte, los finlandeses Kate, Ozone Player y Mist Player, los norteamericanos The Conspirators of The Occult y el chileno Jaime Rosas. Un lanzamiento que a mí me ha servido para descubrir bandas muy interesantes del panorama prog-rock internacional.

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La verdad es que con lo difícil que es encajar su música no es raro que no les salgan demasiados conciertos a estos chicos. Son Senogul, grabaron un álbum de debut de título homónimo bajo los parámetros del prog-rock y fueron puestos por las nubes en las mejores publicaciones especializadas y después se pasaron a la world music, entendida ésta en un sentido amplio.

Se prodigan muy poco en su tierra y saber que iban a actuar en el ciclo Música del siglo XX de la Obra Social de Cajastur y por partida doble no era como para dejarlo pasar. Se hubieran merecido un lleno hasta la bandera pero ya sabemos que no se hizo la miel para la boca del asno.

Supieron elegir el repertorio y picaron de los dos álbumes, consiguiendo ilustrar de manera muy mesurada los logros de ambas obras, y avanzar con el tema ‘Pijamas’ por dónde irán los derroteros de un próximo tercer álbum en el que ya están trabajando.

Aquí Senogul optarán por un término medio, conjugando ambas experiencias y dando una nueva vuelta de tuerca a su propuesta. Y en vivo el quinteto volvió a convencerme en que son una de las formaciones instrumentales más interesantes de este país.

Senogul son varios talentos juntos: el de Eduardo G. Salueña, un teclista que maneja el piano, el Korg y el mini Moog como si estuviera en una banda de principios de los setenta; el de Pablo Canalís un bajista que es más que eso porque domina múltiples instrumentos de percusión e incluso dio una clase magistral de kalimba (YouTube), en vivo y en directo con varias kalimbas electrificadas. Ahí es nada.

Además el grupo cuenta con dos guitarristas que no van de guitar héroes. No hay los roles rítmica y solista, dependiendo del momento uno juega el papel que le toca; y lo mejor de todo son imaginativos y le dan un plus de calidad a los temas. Y por último, está Eva Díaz Toca, batería de formación de jazz que aporta ese toque mágico que necesita una banda como Senogul.

Senogul, aglutinadores la marca Disconsonancia, empezaron como los grandes, con ‘Swaranjali [Sangama Mantra]’, con Salueña y Canalís mano a mano para luego dar entrada al resto de músicos.

Si a esas alturas no estabas convencido con ‘Tango mango’, un guiño al disco de Can, se ganaron el favor de quienes no les conocían. Ahí pudimos ver a la banda a pleno rendimiento en esta pieza al que variaron un poco la estructura original.
Pablo Canalís incitó al canto tribal en ‘O’ catimbo’ que unieron todos en ‘Terra terreiro’, uno de los más interesantes cortes de Concierto de evocación sonora para conjunto instrumental (Margen Records, 2009).

Volvieron a mezclar los dos estilos en Travesía de las gaviotas y ‘Las almas inmóviles’, y se consagraron con una espeluznante revisión de ‘La mulata eléctrica’, su homenaje al rock andaluz de los setenta. Y poco más que contar, solo decir que actuaciones como las del Pabellón de la Feria de Muestras son las que crean afición. Palabra de crítico musical.

Sitio oficial | Senogul
Foto | Víctor Rodríguez

El grupo asturiano Senogul debutó en 2007 con un disco de título homónimo que editó en todo el mundo un sello chileno, Mylodon Records. La buena acogida de este debut, donde había mucho de rock progresivo y de jazz fusión, les animó a seguir investigando con los sonidos. Hace unos meses publicaron Concierto de evocación sonora para conjunto instrumental, donde se han abierto a unos sonidos distintos, más de la world music y el folk, sobre todo trabajando con texturas. Esto es lo que nos contó su teclista y portavoz, Eduardo G. Salueña, sobre la nueva etapa de quienes se autodenominan agrupación de música instrumental.

Ha habido un cambio en el sonido del grupo, del progresivo/sinfónico os habéis ido al folk/world music e incluso habrá quien os incluya dentro de la new age, ¿a qué se ha debido?

Aunque no ha sido premeditado hubo varios factores que confluyeron. Por un lado, varios miembros de Senogul teníamos una formación paralela llamada Hábitat, en la que nos centrábamos en la fusión étnica, con dosis de improvisación y una vertiente multidisciplinar al integrar la danza en el conjunto. Nuestra proximidad a otros músicos más cercanos a este ámbito también nos supuso una mayor apertura en cuanto al tipo de música a escuchar (o a reducir aquellas que no escuchábamos) y a investigar en otras tradiciones y timbres musicales, algo que, por otra parte, ya empezaba a asomar en nuestro trabajo anterior.

¿Se puede decir que es un disco conceptual?

En cierto modo sí, aunque no a la clásica usanza. Es decir, no hay exactamente un “argumento” extramusical en la base compositiva del álbum, pero sí que hay una dinámica y un trasfondo común en cuanto a la concepción y recreación. Lo que nosotros llamamos la “evocación sonora”, o lo que es lo mismo, el conjunto de imágenes y sensaciones producidas por el sonido, desde el punto de vista del receptor y del transmisor.

Son 9 temas pero no se pueden desgajar uno del otro, ¿cómo lo vais a presentar? ¿Lo tocaréis todo al completo?

Cada uno puede hacer el uso que quiera, aunque la finalidad inicial es su escucha continuada. Es un “Concierto” (aunque no según la tradición académica) dividido en varios movimientos. Es como si alguien se plantea la escucha de una sinfonía de Beethoven parcial, seleccionando los movimientos que quiera. En directo, la puesta en escena es totalmente diferente en varios aspectos. No sólo cambia la instrumentación, ya adaptada al quinteto instrumental de nuestra formación, sino también el estilo (hay una base homogeneizadora muy deudora del jazz fusión) e incluso la concepción de las partes (hacemos combinaciones de movimientos, improvisamos sobre ellas e incluso mezclamos secciones con piezas de nuestro primer álbum). A nosotros nos gusta pensar en un nuevo proceso creativo, en cuanto a la adaptación al directo. Una “evocación sonora” alternativa. No lo interpretaremos íntegro, al menos de momento.

En el disco decís que el oyente debe tener una actitud activa y pasiva, ¿qué consejos dais para la escucha del disco?

Pues sobre todo, mucha paciencia, jejeje. Es un disco difícil, pero no tanto porque lo que propongamos sea difícil de asumir, sino por que demanda mucha atención por parte del oyente. Es una hora de su tiempo en la que hay que centrarse mucho en todo lo que está pasando. A veces tenemos muchos prejuicios a la hora de escuchar, dependemos de la presencia de determinados instrumentos o nos cuesta mucho sentirnos cómodos ante la evidente falta de patrones rítmicos. También está el silencio, muy evidente en este trabajo, y que choca con los intereses actuales de nuestro modo de vida, en el que siempre hay “música de fondo” para todo. Por ello, en el texto, animamos a que la gente se enfrente a esta obra con una actitud abierta y sin ideas preconcebidas.

En el disco se aprecia una riqueza instrumental enorme, sonidos e instrumentos que dan la impresión a veces de estar en la selva o en una ceremonia iniciática, ¿cómo fue el trabajo de composición?

Hubo de todo. Hubo esbozos desde antes de grabar el primer disco. También cuando tocamos en el festival de folk Lughnassad en Tiermes (Soria) hace varios años. Muchos movimientos los concebimos en un plano teórico, sabiendo el tipo de ideas que queríamos expresar y la instrumentación, pero sin que se definiese totalmente hasta que entramos en estudio. Otras piezas ya estaban muy compuestas en el momento de grabarlas. Aquí se evidenció nuestra capacidad para trabajar por separado, trabajando secciones determinadas, y la química de grupo al grabar y que se registrase todo en estudio sin haberlo tocado nunca antes. En muchas partes se utilizaron las primeras tomas, por su espontaneidad, lo que hizo que la obra fuese creciendo. La concepción formal y su desarrollo estructural fue posterior a que empezásemos a componer, adaptándose ya luego todo a la idea de Concierto de evocación sonora.

Advierto la importantísima labor de Pablo Canalís aportando ‘chismes’ rarísimos

Sí, es una de sus grandes pasiones. Tiene, además, varias piezas concebidas y grabadas por él en las que presenta su particular visión de los diferentes folklores del mundo. Pablo resulta una de las figuras claves de la obra, alcanzando mayor relieve aquí su rol como percusionista (toca muy poco bajo eléctrico en el disco). Este elemento, el de las percusiones, también empieza a ir cobrando más importancia en nuestros directos.

¿Cambiaron mucho los temas a la hora de entrar en el estudio?

No, en el sentido de que no teníamos demasiado claro cómo saldrían del mismo. La misma grabación fue una experiencia muy intensa, en cuanto a la química que se generó. Nosotros teníamos en mente obras como ‘Bitches brew’ de Miles Davis, donde la música se fue generando a partir de sesiones de trabajo y convivencia grupal. Así nos lo planteamos en muchos momentos. Hubo otros, como ‘De Nooijer’ (fruto del trabajo de Pedro y mío con la compañía de artistas holandeses del mismo apellido en LABoral Centro de Arte), que los tuvimos muy claros desde el principio.

Vuestro disco anterior salió con un sello chileno y hace poco se editó en vinilo ¿Cómo conseguisteis aquel contacto?

Dimos con Mylodon Records a través de un grupo de Madrid llamado Maroon (de), amigos nuestros, y vimos que encajaba muy bien con nuestro perfil. En ese sentido, a través de Internet y sus circuitos más especializados, encontramos una infraestructura muy satisfactoria en cuanto a la promoción de este estilo musical. Ellos, además, están asociados con Musea Records en cuanto a la distribución europea, toda una referencia de este género.

¿Por qué el vinilo ahora?

Lo del vinilo fue algo totalmente inesperado. Nos hizo una oferta muy buena un sello de Málaga, que quería apostar por el rock progresivo nacional contemporáneo. Se trata de discográfica la malagueña Kankana Records, que asociados con el comercio discográfico Discos Pat, fundaron el proyecto Pat Records. Las cuatro primeras referencias fuimos, además de Senogul, los gaditanos Omni, los madrileños Kotebel y los también asturianos, y amigos, Zem. Nos gustaría poder editar el nuevo trabajo en LP y es posible que lo negociemos a medio plazo. Por otro lado, sí pienso que haya un cierto sector del público que demanda este formato, y más en este tipo de músicas deudoras de los 70, en las que la calidad de sonido en el proceso de escucha es tan importante.

¿Os sentís un poco rara avis dentro del panorama musical español?

Para muchas cosas, sí. Aquí en Asturias, la gente nos conoce pero no sabe muy bien dónde ubicarnos, porque no encajamos con exactitud en ningún panorama definido (y eso pesa en la programación de conciertos). Sin embargo, también estamos inmersos en la coyuntura musical asturiana porque, además de Senogul, tenemos otros proyectos musicales y colaboramos con gente muy diversa. En España pasa un poco lo mismo a gran escala, aunque también hemos encontrado más opciones y una sensibilización mayor con estas propuestas en ciudades como Madrid, Castilla, Cataluña o Andalucía. Además, también estamos en contacto con los “senogules” de otras comunidades autónomas; raros los hay en todos lados.

Las críticas del primer CD fueron muy buenas, ¿qué esperáis de este nuevo?

Estamos muy contentos con el recibimiento de nuestro primer álbum, en general. Sabemos que nuestra nueva obra va a ser polémica por el acusado cambio estilístico, cosa que no fue premeditada y que tampoco nos afecta mucho. Afortunadamente, podemos hacer aquella música que sintamos y en la que nosotros creamos, sin ningún tipo de condicionamiento comercial. Está claro que, dentro de las audiencias de rock progresivo, habrá relaciones de amor-odio. Veo, con interés, que dentro de los campos del jazz, la world music y la música experimental, también van mostrando interés por la obra, lo cual nos abre a otras audiencias y eso siempre enriquece. De todos modos, lo que está claro es que es un trabajo que no deja indiferente ni tiene término medio. O conectas con él o no.

¿Cuáles son los planes del grupo a corto y medio plazo?

Pues ahora mismo estamos acabando de conformar nuestro repertorio en directo, que será la máxima prioridad para promocionar el nuevo disco. Estamos negociando la presentación en Asturias. Hemos tocado en una en la semana de arte y vanguardia de Villanueva de la Cañada (Madrid) el 8 de Mayo y tocaremos el 5 de septiembre el festival AudioDenia, en Denia (Alicante). Serán tres días maratonianos con importantes e históricos grupos del género (como Wishbone Ash, Pendragon o Barclay James Harvest). También Senogul participamos hace poco en un proyecto que aconteció en Gijón, en el seno del festival de música antigua y como escenario la iglesia de Laboral Ciudad de la Cultura, y en el que se presentó una visión muy personal del ‘Orfeo’ de Monteverdi que incluirá secciones con banda de rock.

¿Os parece bien que el disco se pudiera encontrar en libre descarga en internet?

Nosotros le debemos mucho a Internet. Sinceramente, el hecho de que nuestra música pudiese llegar a más gente siempre lo vería como algo positivo. Es una de las ventajas que tenemos hoy día, y por eso también hay muchos músicos que vuelven al ruedo por querer optar a esa nueva infraestructura y cercanía con sus consumidores. En nuestro ámbito se valora mucho la música en su soporte original, el objeto en sí como obra de arte. Por ello, también nuestros compradores suelen valorar los esfuerzos que nos conlleva el editar y dejar el producto de la mejor forma posible. Además, en este caso, hay un trabajo artístico muy acusado en todo el concepto.

¿Qué opinión tenéis de la SGAE?

Con respecto a la SGAE, hablamos de terrenos escabrosos. Hasta cierto punto creo en la importancia del reconocimiento de la autoría en un marco teórico, como algo que refleje tu trabajo. Otra cosa muy diferente es cómo se lleva a la práctica, limitando la utilización de la música y cercenando su poder de transmisión. Y en cuanto a ello, estoy totalmente en contra.

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El grupo asturiano Senogul debutó hace dos años con un disco de título homónimo que editó en todo el mundo un sello chileno, Mylodon Records, y que a principios de año editó en vinilo el sello Kankana Records.

La buena acogida de este debut, donde había mucho de rock progresivo y de jazz fusión, les animó a seguir investigando con los sonidos y fruto de ello es la nueva entrega de este interesantísima formación.

Concierto de evocación sonora para conjunto instrumental sale con Margen Records y no es una continuación de aquél, quien esperara como yo un nuevo viaje de psicodelia, prog-rock y sinfonismos se habrá llevado un chasco.

Senogul se han abierto a unos sonidos distintos, más de la world music y el folk, sobre todo trabajando con texturas, incluso podríamos mencionar la new age para definir algunos pasajes.

La razón de este nuevo campo de experimentación está en que Senogul tiene una formación paralela llamada Hábitat, con la que han ido investigando lo que ellos llaman fusión étnica, música en su mayoría improvisada e integrada con la danza.

Todo ello ha provocado que Concierto de evocación sonora para conjunto instrumental sea un álbum conceptual, un todo del que no se pueden desgajar las partes, es decir los movimientos en que se fragmentan cada uno de los temas.

No es un trabajo fácil aunque los que están acostumbrados a escuchar jazz fusión y world music lo tendrán mucho más fácil. Incluso ellos plantean una definición filosófica para entender el concepto del disco; la evocación sonora se refiere a “un conjunto de imágenes y sensaciones producidas por el sonido, desde el punto de vista del receptor y del transmisor”.

Este Concierto es una obra que requiere un esfuerzo extra por parte del oyente, pero una vez pasada la sorpresa inicial hay algunas partes que son tremendamente atractivas. Me estoy refiriendo a las complejas ‘Mae Floresta’ (Imeem) y ‘Terra – terreiro’ (Imeem), u otras piezas igual de misteriosas como ‘Swaranjali (Sangama mantra)’ o ‘Lughnassad’.

La labor del bajista, Pablo Canalís, que aquí toca bastante poco el bajo eléctrico, me parece fundamental en la riqueza de instrumentos del álbum. Éste, que es un profundo conocedor del folclore afroamericano y del folclore oriental, ha tocado una ingente lista de percusiones y aparatos varios: gralla catalana, reclamos de aves, reclamo de jabalí, molho de jatoba, bramadera, caxixis, flexátono, crótalos, llavófono, cuencos tibetanos…

Así pues, si quieres escuchar un disco que te sorprenda realmente tienes que hacerte con una copia de este Concierto de Senogul porque no te va a defraudar.

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No nos encontrábamos una formación tan interesante en un país como España, tan poco abierta al progresivo, desde que Kozmic Muffin publicaran en 1994 Nautilus, hoy una pieza de coleccionista. El único problema es que, al ser los receptores de esta música un círculo muy cerrado, la repercusión de Senogul va a quedar reducida a revistas y páginas webs especializadas que darán sin duda alguna buena cuenta de esta joya.

El grupo asturiano presentó en 2006 una maqueta que llevaba por título Tránsitos, una buena piedra de toque para valorar a una jovencísima banda que parece tener detrás una larga carrera. No hay virtuosismos baldíos, ni lucimientos supérfluos, en este lanzamiento Senogul muestra un talento poco común en formaciones españolas.

Senogul hacen rock progresivo instrumental con tintes sinfónicos pero además trufan sus composiciones con jazz, funk, toques latinos y folk. El piano de Eduardo G. Salueña abre Dr. Gull I, enganchándose a una guitarra onírica, entrando después la banda para enlazar con un tema muy en la onda del Santana de principios de los setenta al que se suman unos coros escalofriantes.

En Racionalidad la voz cantante la lleva el piano y una percusión que cabalga por debajo y una guitarra que en la calma teje pasajes desolados. Tango mango, un homenaje al título del disco de Can, es el corte más largo del álbum, con múltiples variantes, y el más progresivo de todos, donde entran multitud de instrumentos y en el que hay jazz, tango e incluso clásica de la mano de un clavinet.

La gaita que abre La verbena hermética te deja descolocado pero a continuación hay un nuevo duelo de piano y guitarras con evocaciones al rock setentero de Triana. Microcosmos blues es otro tema largo, muy progresivo y sinfónico, con infinidad de cortes y arranques en los que los músicos vuelven a abrumar.

Dr. Gull II es una miniatura que empata con una overtura, una fantasía para piano y guitarra que no resulta pedante llamada Gotas de cristal en tu vaso de lluvia, bien resuelta por Salueña y los guitarristas. Después, La maja vishnuda muestra otra cara del progresivo de Senogul, a base de guitarra acústica y eléctrica y una labor muy sutil al bajo de Pablo Canalis.

Agua, fuego y porexpán nos retrotrae al disco-funk setentero, como si Alfonso Santisteban hubiera compuesto una nueva sintonía televisiva para el Ballet Zoom con Giorgio Aresu al frente. Travesía de las gaviotas es la balada del elepé y sus guitarras están muy próximas a lo más clásico de George Benson.

La mulata eléctrica es otra pieza de largo minutaje y en ella Senogul vierte su lado progresivo-sinfónico más latino, más andaluz si cabe, tocando los terrenos de la banda de Jorge Pardo, de Triana y ElBicho, incluso hay toque de palmas por bulerías. Finalmente, el álbum se cierra con Dr. Gull III en el que el quinteto resume su sabiduría musical.

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