Al hilo del lamentable regreso de las Breeders y de su errática carrera (por decirlo de una manera fina), me he puesto a pensar en todos esos artistas que, cansados del éxito de la banda madre, deciden proabr suerte con algún proyecto paralelo. De allí puede salir casi cualquier cosa y no siempre buenas.

Como dicen los folletos de los bancos “rentabilidades pasadas no garantizan rentabilidades futuras”. Aquí van diez ejemplos de que a veces es mejor decir “virgencita, virgencita, que me quede como estoy”.

Nacidas de los Pixies y los Throwing Muses, al final ha acabado siendo algo más que un grupo paralelo. Quizás eso sea lo mlao. Tienen un discazo inmenso (Pod) y un disco muy bueno, aunque ya al borde de lo tolerable (Last Splash). Pero el resto de la carrera de Kim Deal y sus chicas hace aguas y, lo que es peor, hunde la reputación de quienes allí siguen. El chiste nefasto de su último disco termina por darles la puntilla. Tanya Donelly quiso ser lista y se piró del grupo en cuanto vio hacia dónde iban los tiros (los musicales), pero la suya es una retirada en vano: ya estaba tocada de muerte y su carrera en solitario es directamente lamentable.

9. Probot:
Personalmente, el tufillo AOR que tienen muchos de los discos de los Foo Fighters nunca me ha acabado de llenar. Sobre todo, porque los comparo con su primer álbum, un espléndido debut de ruido, pop y grandes canciones, y todos los buenos sentimientos suelen palidecer ante la sensación de que Dave Grohl se toma demasiado en serio a sí mismo. El mismo problema tengo con Probot: si era una broma a costa del heavy, el chiste no era de los que tenían chispa. Si iba en serio… peor.

8. Raconteurs:

Una canción buena no hace bueno a un grupo. Brendan Benson (autor antes de un fantástico aunque muy radifórmula One Mississippi) y Jack White (de los White Stripes) se empeñaron hace ya un tiempo en dejárnoslo bien claro. Steady As She Goes era tan bueno como pasable el resto del disco. Para éstos aún hay salvación: en breve sacan nuevas canciones. A ver qué se cuentan. Esto, como todo, es una opinión muy subjetiva. Aquí mismo, en Hipersónica, Koala los ama.

7. La Cultural Solynieve:

Jota (Los Planetas) se une a un colega y les da por hacer canciones de raíz norteamericana sobre la Andalucía perezosa y vivalavida. El disco gustó mucho a determinados medios y también a bastantes fans de Los Planetas, pero, personalmente, sólo veo versiones aburridas de los Byrds y un concepto curioso que, al final, da pereza de la mala: no de la del sol de mediodía, sino de la que te invade cuando llevas todo el día en el trabajo y sólo tienes ganas de mandarlo todo al carajo.

6. Electronic:

¡Qué puntazo! Bernad Sumner, de New Order, y Johnny Mar, de los Smiths, mano a mano. Es decir, dos de los creadores de bastantes de las mejores canciones de los 80 se unen para sacar el disco definitivo, el supergrupo que hará palidecer a todos los demás, las melodías pop en las que ahogarte de pura belleza. ¿El verdadero resultado? Uno de los grupos más irrelevantes de la historia.

5. Juan Perro:
Radio Futura son uno de esos nombres de la música española que se merecen mil y un elogios. Y aunque su etapa final ya fuese más discreta, uno no podía prever lo que se avecinaba cuando a Santiago Auserón le dio por cambiarse el nombre, en busca de aún no sé muy bien qué. ¿Alguien recuerda alguna buena canción de Juan Perro? ¿Alguien es capaz de tararearla? ¿Alguien puede ponerlas frente al espejo de cualquiera y digo cualquiera de las canciones de Radio Futura sin avergonzarse?

4. Tom Tom Club:

El primer disco de estos Talking Heads sin David Byrne no estaba mal, pero, claro, les dio por seguir haciendo canciones. Y el despeñamiento es de los de órdago, con bastantes canciones indignas de haber salido de la misma gente que llevaba el bajo y la batería en un grupo tan mítico (e indispensable, porque hay que oírlos una vez al mes, por lo menos).

3. Relaxed Muscle:

Jarvis Cocker siempre ha sido un tipo listo. Su único problema últimamente es que ya tiene pasta, ha dejado de ser un perdedor y comienza a tener caprichos de estrella típica del pop. En plena fiebre electroclash, al que fuera líder elegante, irónico y afilado de Pulp le dio por sacar un dúo siniestrillo y electrónico. La inspiración estaba seca y más que nada sirvió para que los muy fans nos diésemos cuenta de que hasta él comete errores. Claro que, viendo que luego se puso adulto y serio, más le valía haber seguido con la broma.

2. Tin Machine
David Bowie decide, de repente, que ya no le apetece ser el que esté en medio de los focos. Que quiere montar un grupo. No me extraña: sus años 80 fueron tan lamentables que le salía mejor compartir las hostias de crítica y público por sus canciones chungas. Así crea Tin Machine y decide vestir al grupo con un poco de metal. El proyecto hard rock de Bowie, sí, pero lo de hard es por pesado. Pesado que no veas.

1. Primal Scream circa Give Out But Don´t Give Up

¿Cómo? ¿Que de verdad eran el mismo grupo de Screamadelica? ¿Que no eran los Black Crowes disfrazados para conseguir vender un puñado de malos descartes? Rediós, entonces la debacle es mayor.

Hay bandas que por mucho tiempo que haya pasado desde que estuvieron en lo más álgido de su carrera, que por mucho que las hayas escuchado, nunca dejan de sorprendente. Son pocas, sí, pero son las que valen. Las que suena en cada escucha absolutamente fuera del tiempo y, a la vez, completamente modernas. Bandas que nunca llegas a abarcar del todo, a las que nunca llegas a descubrir todos los misterios. Talking Heads son de ésos grupos.

Y Remain In Light, editado en 1980, es mi disco favorito de la banda de David Byrne. Una obra visionaria que adelanta 25 años todo lo que ahora están haciendo grupos como !!! y una buena parte del indie norteamericano. Con el ritmo por montera, haciendo desaparecer las fronteras entre música de baile y música de consumo masivo, Talking Heads dejaron en ese disco una obra con claroscuros suficientes para convertirse en el faro que ilumine el camino de las nuevas generaciones.

En cualquier caso, si hoy hablo aquí de ese disco no es por él en sí, sino por la perplejidad con la que llevo afrontando la escucha de Crosseyed & Painless en los últimos días.Ya os digo que Remain In Light es uno de los discos que más habré escuchado en mi vida, pero el otro día caí en la cuenta (como San Pedro Pablo del caballo) de lo sencilla y la vez intrincada que es esa canción, la que podéis ver en el vídeo que encabeza este post.

Sí, ya sé que el vídeo en sí es casi la prehistoria de los clips. No hay que olvidar que se grabó en 1981. Aún así, hay muchos seguidores del hip-hop old school que lo tienen en alta consideración por los bailes de Popin´Pete, uno de los pioneros. Pero hay que mirar más allá: hay que escuchar. Y dejarse arrastrar por una canción que es un torbellino y que nació de la improvisación.

De hecho, todo el disco fue fruto de un trabajo sin ataduras. Byrne quería que la banda se acercase a la sensibilidad de los ritmos africanos y la mejor manera de hacerlo fue a base de jams improvisadas que les llevasen a donde querían. Así nació está canción simple (apenas tres acordes repetidos una y otra vez, en un bucle que es casi un mantra) y complicada (la base rítmica tiene no sólo bajo y batería, sino cencerros, congas, campanas y ruidos electrónicos, cortesía de Brian Eno, acreditado como coautor).

Por si fuera poco, David Byrne canta como en él es habitual: como un neurótico de la vida moderna. Mucho antes de que Thom Yorke se empeñase en meter el dedo en el ojo a la sociedad, en señalas los defectos alienantes que hay en el mundo, Byrne ya había hecho esa misma labor. Pero, curioso, con Talking Heads puedes bailar mientras te cantan las razones por las que el mundo se va al garete. De hecho, la propia interpretación vocal de Byrne le da a la canción el aire disco necesario para que todo case. Crosseyed and Painless es, por la noche y con la cabeza algo ida por culpa de lo que sea, una canción infalible.

Como podéis ver, las versiones en directo son absolutamente espectaculares. Y también la demostración de que que Byrne y los suyos consiguieron lo que querían, tal y como declararon en una entrevista al NME en 1980 (enlace de pago):

“Esta música, cuando funciona, tiene un sentimiento trascendente, como algún tipo de trance. Es exactamente lo que ocurre con la música africana tradicional y en otras del Tercer Mundo, algo que no se ha buscado después en la música pop. (...) Cuando funciona, lo sientes: te olvidas de ti mismo y te conviertes en parte de la comunidad. Es maravilloso, y no ocurre cada noche”

Vídeo | Youtube

Y allí, entre los mejores, está el Sound of Silver de LCD Soundsystem, un disco encumbrando por modernos (el Pitchfork), clasicotes (la revista Mojo) y apasionados de lo raro (Wire). Y juro que me lo he vuelto a poner cada vez que alguien me decía que era lo más, pero sigo viendo lo mismo que me encontré la primera vez que me lo puse: mucho aburrimiento y un plagio indiscriminado y sin alma.

Si su primer LP (y ya no digo nada de sus singles) tenían chispa de sobra como para hacerte bailar toda la noche, incluso algún que otro puntito épico para sentirte el amo del mundo, en Sound of Silver todo eso escasea. Cuando se quiere vestir de Talking Heads (Get Innocuous) patina brutalmente, confundiendo desarrollo largo con aburrimiento.

Por si fuera poco, gran parte del disco suena a descartes de su su obra anterior. Por ejemplo, Time To Get Away es una Disco Infiltrator mucho menos divertida; Watch The Tapes va de loca, pero le falta fuerza para arrasar con la fiesta (cosa que sí tenía Daft Punk Are Playing At My House); Sound of Silver es, comparada con cualquiera de Myth Takes, la canción disco más aburrida del año y lo de New York I Love You no pasa de broma a costa de Bowie y de la ciudad natal de Murphy.

¿Y los supuestos hits? North American Scum es Tribulations sin punk de por medio (y más aburrida también), pero es que, además, palidece ante uno de los referentes de James Murphy, ese Mark. E. Smith que se ha marcado el disco con el que LCD Soundsystem sólo pueden soñar (el de Von Sudenfed).

Us v. Them tiene un estribillo magnífico (cita a Bowie otra vez) y una percusión espectacular, pero, ¡ay!, se hace larga como mil demonios. Y All My Friends, elegida por muchos como mejor canción del año, es un chiste a costa de U2 que Murphy, sin embargo, cuenta muy en serio. Que se lo cree, vamos. Por mucho que trate de vestirla con ropajes de New Order, seguro que a Bono le encanta.

Si no fuera por la letra (magnífica, sobre amistades perdidas por tonterías y lo mucho que cuesta recuperarlas), entraría en mi lista de las peores canciones de la década. Gracias a ella, se queda entre lo más salvable de un disco que creo que no voy a volver a oír jamás.

¡Oh, Amaia Montero deja La Oreja de Van Gogh! Vale, ¿y? El grupo continúa vivo. Sus fans se tirarán de los pelos o no, pero a mí me sirve como excusa para plantear una lista absurda de cinco deserciones en bandas míticas que tuvieron consecuencias importantes:

5. Bill Berry se va a la granja

Fundador de R.E.M. y batería imprescindible para entender el advenimiento del rock alternativo como etiqueta, en 1997, y tras haber sufrido un aneurisma sobre el escenario dos años antes, Bill Berry comunicó a sus compañeros que se marchaba a vivir tranquilamente en una granja, alejado de los focos y la tensión de una banda. Peter Buck, Mike Mills y Michael Stipe, después de haber repetido varias veces que R.E.M. sólo podía existir con los cuatro componentes, hacen uno de sus escasos gestos de dinosaurios del rock y tiran para adelante. Sustituyen a Berry por una caja de ritmos y el resultado es Up, un disco de belleza intensa, sentida y experimental que vuelve a revitalizar el sonido de la banda. Lo que viene después es menos agradable, pero tras el infame Around The Sun, R.E.M. tienen en 2008 la oportunidad de volver a resarcirse.

4. Andy Couzens deja los Stone Roses antes del pelotazo

La suya es una historia tan vieja como el rock: la de un músico que se queda en el camino justo antes de que la banda dé un pelotazo y se convierta en una de las más importantes del momento. Le pasó a Andy Couzens que, por supuestos problemas con el manager de la banda (eso o aguantar a dos egos tan subidos como los de Ian Brown y John Squire dándose de leches todo el día), dejó los Stone Roses justó cuando editaban Sally Sinnamon. Después llegó Madchester y el grupo se convirtió en uno de los venerados por los británicos. Couzens montó otro grupo, inapropiadamente llamado The High. De alto, nada: un bajón en toda regla es lo que debe sentir Couzens cuando vea los royalties que reciben sus excompañeros por sus canciones.

3. Johnny Rotten acaba con los Sex Pistols y sigue haciendo historia

Editado Never Mind The Bollocks en 1977, en enero del 78 los Sex Pistols se embarcan en la conquista de América. En una gira estrepitosa, llena de los peores desastres y retratada a la perfección en las películas de Julian Temple (The Great Rock´n´Roll Swindle y The Filth & The Fury), los Sex Pistols se rompen en pedazos. Johnny Rotten dura 14 días y se marcha del grupo tras la actuación de San Francisco. El manager de los Pistols, Malcom McLaren, trata de que continúen sin su gran cerebro musical, pero la banda se niega (bueno, Sid Vicious no, porque a él le da igual, anda colgado por ahí). Rotten se transforma en John Lydon y forma P.I.L. Un año después, el segundo disco de la banda (Metal Box) le vuelve a convertir en un imprescidinble de la música moderna y en un referente de muchos grupos del revival post-punk del comienzo del nuevo single.

2. David Byrne dice adiós a los Talking Heads

En 1987, tras la edición del multicultural Naked, David Byrne cerebro de Talking Heads los puso en un hiato indefinido que, en 1991, se transformó en la ruptura de la banda. Bryne andaba descubriendo al world music y vendiéndosela al mundo occidental y a sus compañeros no les quedó otro remedio que aceptar a regañadientes la decisión del jefazo y principal compositor de las canciones de la banda. Pero, en 1996, Frantz, Harrison y Weymouth se cansan de esperarle y deciden reunirse para formar los Heads a secas, sin el Talking. Decisión, que vistos los resultados de su disco de regreso (de chistoso título: No Talking, just Heads), se podían haber ahorrado. Ahora que han sido reivindicados por gente como !!! o directamente fusilados por otros como Clap Your Hands Say Yeah!, se les espera de vuelta en los escenarios, si es que a Byrne le apetece. Fueron un grupazo, por cierto.

1. Lou Reed deja la Velvet en manos de un fan

Tras editar Loaded, el disco más accesible de la Velvet Underground, Lou Reed decide abandonar un grupo en el que ya no estaba otra alma mater (John Cale). Compuesto y sin novio se quedan Sterling Morrison, Maureen Tukcer (que grabó Loaded embarazada y ya pensaba en otras cosas) y el guitarrista Doug Yule, el último en incorporarse a la banda. En un primer momento, los tres deciden continuar con el grupo, pero Morrison y Tucker se dan pronto cuenta de la osadía. Sólo se queda Yule quien decide dar conciertos bajo el nombre de la Velvet ¡sin que haya ninguno de los componentes originales! El desastre concluye en Squeeze, un album publicado por la Velvet en 1973 y repudiado por la historia musical. La suplantación no le duró mucho a Yule que quiso pasar de fan a dueño del nombre.