Hacía ya tiempo que no retomaba el repaso a la obra de The Velvet Underground a través de la visión de terceros grupos. Empezamos con ‘I’m Waiting for the Man’, después seguimos con ‘Candy Says’ y lo dejamos en ‘What Goes On’. Así que había que volver a rescatar la sección añadiendo una cuarta a la lista, que es ‘All Tomorrow’s Parties’.

El motivo de elegir este himno no es otro que la mezcla perfecta entre letra y música. En ese momento (la canción fue grabada en julio de 1966), lo que acababan de hacer The Velvet Underground en el estudio era puro avant-agarde, con una melodía y una concepción que esquivaba los tópicos de aquella época (el sonido beat o la explosión del r&b).

Con la solemne voz de su compañera de viaje impuesta, Nico, firmaban un alegato triste contra la moda, las apariencias y casi contra cualquier intento de ser felices. Nada de aparentar tras vestidos de marca, ellos lo dejaban claro en la letra.

Una mortaja ennegrecida
Un vestido usado
De harapos y sedas, un atuendo
Adecuado para sentarse y llorar
Por todas las fiestas por venir

The Velvet Underground – All Tomorrow’s Parties (YouTube)

Ante tal declaración de intenciones, la melodía no podía ser otra que la más introspectiva posible, encerrada y oscura. El sonido que se escucha de la guitarra es la mítica Ostrich guitar tuneada de Lou Reed y de fondo, el piano de John Cale. La grabación también tuvo sus diferentes versiones, ya que la primera (julio de 1965) se grabó en formato acústico en el piso de los miembros de The Velvet Underground, mientras que la segunda y definitiva, ya tuvo a Nico como voz principal.

Japan – All Tomorrow’s Parties (YouTube)

Este tema lo han versionado infinidad de artistas, sobre todo en directo, donde la sencillez de su estructura, da pie a ello. Así que mejor elegir tres versiones dispares, cada una en un momento dado y con planteamientos diferentes. De las primeras versiones que se tiene constancia es la de la banda Japan. Cualquiera que conozca al grupo de David Sylvian podrá imaginarse sin oír el tema hacia que palo llevan los británicos el clásico. Avanzados a su época, con un movimiento como el de la new wave aún como posibilidad, ellos ya habían dejado algunas perlas por el camino. Encasillados en una etiqueta un tanto despectiva, como fue la de nuevos románticos, Japan ablandan el tema de Lou Reed y empastan toda la melodía. Quiet Life (1979, Hansa Records) es donde se puede encontrar esta versión.

Nick Cave & The Bad Seeds – All Tomorrow’s Parties (YouTube)

El segundo grupo elegido es Nick Cave & The Bad Seeds, quienes aprovecharon su tercer álbum, Kicking Against the Pricks (1986, Mute Records) para revisionar el legado de la Velvet. En un álbum tan oscuro como el mencionado, el original de 1966 no hubiese desentonado en absoluto. Cave y compañía se hacen con él y le añaden aún más profundidad con unas guitarras distorsionadas y repetidas, la voz de Cave sustituye a la de la joven modelo-cantante-actriz, y le dan un eco y unas back vocals acordes con el desarrollo, mientras que en el fondo, una percusión intermitente. Es de mis favoritas, ya que guarda la esencia del grupo original, a la vez que le da una nueva.

Rasputina – All Tomorrow’s Parties (YouTube)

La versión más actual (y a la vez, decente) que he encontrado, la firma el grupo Rasputina. En 2003 el grupo de Brooklyn, Nueva York, famoso por contar con unos desarrollos de cuerda en cada tema, decidió añadir su granito de arena a la historia de las versiones de The Velvet Underground. El intento no salió del todo mal, aunque se queda más en anécdota que en aplauso, como las dos anteriores. Melora Creager añade una voz demasiado triste, que no tiene la intensidad de Nico, aunque la melodía y el planteamiento resultan interesantes, sobre todo por el hecho de escuchar los arreglos de cuerdas para un tema como el que nos concierne. Si quieres completar tu colección de versiones, la podrás encontrar en The Lost & Found (2003, Instinct).

Se quedan en el tintero la de Siouxsie & the Banshees, la desastrosa versión que hizo Simple Minds hace unos años (YouTube), u otras como la de Los Tres, Bryan Ferry o la propia Nico en solitario.

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Sé que cualquier tema de The Velvet Underground, para mí, tendrá los elogios garantizados, pero ‘What Goes On’ es otro de los indispensables en la lista de sus diez mejores hits. Tiene la suciedad propia de su sonido, tiene la distorsión que les caracterizó al principio, y tiene a Lou Reed cantando entre guitarras sin despeinarse.

‘What Goes On’ es una de las canciones que cuando uno coge la guitarra puede tocarla sin necesitar ser un virtuoso al estilo de Hendrix, sólo un riff que se va repitiendo y un cambio de acordes mínimos, así que la vitalidad de su letra y de su música, se transmite rápidamente a quien pruebe este hecho.

Este tema no hay que confundirlo con el del mismo título que publicarían The Beatles en 1966, dentro del pop y la psicodelia. Aquí la oscuridad se hace principal, englobado y publicado en el álbum homónimo que publicaron en 1969, del cual ya he elegido dos temas, el anterior: ‘Candy Says’ y éste. Ese disco negro, es de lo mejor que publicaron, irónicamente, el primero que no contó con la participación de John Cale.

The Velvet Underground – What Goes On (YouTube)

Tiene uno de sus solos más destacados, con predominio de la guitarra en casi todo el tema. Consigue muy bien la subida, que complementa muy bien a los versos, donde Lou Reed parece reflejar un sentimiento y experiencia relacionada con el mundo de la droga.

I’m goin’ up, and I’m goin’ down.
I’m gonna fly from side to side.
(...)
Lady, be good, do what you should,
you know it’ll be alright.

La primera versión tenía que ser para el grupo que me inspiró a hacer esta revisión de las distintas covers hechas de la banda. Polar presentaron su propuesta en el último recopilatorio que han publicado bajo el título Feedback (2008, Jabalina Música). Ellos distorsionaron aún más el tema, haciéndolo más sucio, añadiendo metraje y extendiendo los solos de las guitarras; la voz, por el contrario, tiene menor presencia que en la original. El resultado es una gran versión, hipnotizante e idónea para recordar al grupo.

Bryan Ferry – What Goes On (YouTube)

Por desgracia, la única versión que he encontrado de artistas importantes es la de Brian Ferry, quízá haya alguien que conozca alguna más. Casi diez años después de la original, a Brian Ferry se le ocurrió la feliz idea de destrozar este himno. Destruido en cuanto se escucha, se prefiere un ritmo que suena a lata, a caja de ritmos barata y con un leve solo después para disimular el ataque. Lo peor, es que encima fue el primer single de su quinto álbum, The Bride That Stripped Bare (1978, EG Records). Ni en la feria más mala pegaría.

Dead Rock West – What Goes On (YouTube)

Dentro del panorama de grupos noveles, la más destacada que he visto ha sido la que podéis ver en el vídeo, pese a que sea un directo y no tenga suficiente calidad. Es de un grupo californiano de punk y americana que suenan bastante bien. La versión que hacen la llevan al terreno mínimo de la americana, con dobles voces gracias a la participación femenina, quien es la voz principal durante toda la canción. Sigue sonando sucia y pegadiza.

Ya van tres partes del especial de The Velvet Underground, pero todavía quedan varias canciones que revisar, porque el legado de la banda de Lou Reed es muy importante para la historia de la música.

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Doug Yule entró en The Velvet Underground para sustituir a un recién salido John Cale, multi instrumentista y amigo de quien tenía que serlo en ese momento para estar en todo el meollo. Al final, uno de los hechos más destacados de Yule, fue poner voz a uno de los mejores temas que tiene la Velvet: ‘Candy Says’.

‘Candy Says’ abría su disco más oscuro en apariencia, desde la portada, con el grupo en un mínimo espacio abierto rodeados de fondo negro, al posible cambio que produciría la salida de Cale en el sonido de la banda. Todo eran incógnitas. Lo único que estaba claro era el predominio de Lou Reed, sin ya rivales a su lado (Warhol se había alejado, llevándose consigo a Nico y Cale no cuestionaría ninguna decisión más del cantante).

Con el timón a su disposición, Lou Reed podía hacer lo que quería, siempre y cuando los componentes de la banda aguantasen sus eternos dilemas y presiones. Reed siempre ha sido el artista polifacético, el cual se adelantaba a su tiempo y modificando su sonido antes que nadie. Si en un futuro él apostaría por el combinado de folk y pop, para desarrollar su carrera más intimista; en 1968 también le apetecía experimentar con el resultado.

Beth Gibbons & Rustin Man – Candy Says (Live) (Youtube)

Una de las voces que mejor podrían cantar este tema, Beth Gibbons, no deja pasar la oportunidad de incorporar su versión personal, junto a Rustin Man, de Talk Talk. Es un tema hecho a su medida, íntimo y sentimental, en el que consigue suplir la voz original dotándola de una mayor carga emotiva. Casi sin melodía, con Gibbons en exclusiva, la canción llega al final incorporando a la banda.

Antony and the Johnsons – Candy Says (Live) (Youtube)

Antony and the Johnsons, versionó este tema hace dos años y emocionó a todos. Soberbia voz de uno de los últimos pupilos de Reed, demostrando que no se equivoca cuando “apadrina” a alguien. Antony la pausa, la mantiene en la voz de barítono emotivo que tiene, con un timbre de escándalo, y un conocimiento único para saberlo modular. Parece como si la desnudase y quisiera hacer llorar a quien la escuche. Si además a esa voz la acompaña una orquesta con cuerda, tenemos una cover de matrícula de honor.

Garbage – Candy Says (Youtube)

Después de dos maravillas como las anteriores, cualquiera va a quedar infravalorada. Garbage mantiene la original con el riff de la guitarra suave, con la voz de Shirley Manson de la misma manera y sin despeinarse en los cuatro minutos que dura el tema. Una versión eclipsada por las mencionadas, y que pasa a un segundo plano más corriente.

Blind Melon – Candy Says (Youtube)

Desde el folk, Blind Melon, acoge la canción con un arpegio tradicional, convirtiendo la canción oscura, sentimental, en una totalmente diferente que bien podría pasar por una clásica del folk o el country. Revisión acertada, aunque personalmente prefiero la lentitud que viene dada desde un inicio a la letra. No la veo una canción tan alegre.

En el tintero quedan otras, como la que versión inédita y pirata que había de La Buena Vida por Internet, con una Irantzu Valencia desentonando un poco; y en Youtube hay para rato si se ven las versiones caseras de diferentes personas.

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La banda valenciana, Polar, ha sido uno de los mejores proyectos que ha dado la escena española desde los noventa en adelante. Se iniciaron en 1997 con un EP [Ultrafreezing (1997, Tranquilo Niebla)] y desde entonces todo fue una carrera en ascenso. Lo suyo ha sido perfeccionar el slowcore trabajo tras trabajo, hacerse con un sonido propio que les distinguiese y con el que han podido situarse al lado de buenos grupos internacionales.

Tras más de catorce años en años en activo tocaba hacer una parada en el camino y publicar un recopilatorio, pero sin ser el típico lanzamiento para cumplir. Feedback recupera canciones ya publicadas de Polar en varios lanzamientos descatalogados ahora mismo, lanzamientos de tributos o EPs con poca repercusión. Además, se complementa con canciones inéditas y con el documental grabado con motivo de Comes With a Smile (2004, Jabalina Música). Una buena ocasión para completar la discografía de los valencianos y escuchar sus caras B.

Polar – Tomorrow (Youtube)

Las versiones es un campo que los melómanos siempre agradecemos (cuando están bien hechas, claro está), y Feedback tiene eso, versiones de grandes grupos que Polar no han menospreciado sino que han sabido tratarlas con el cuidado que precisaban. Yo La Tengo, Galaxie 500, o The Velvet Underground, son algunos de los nombres que podemos ver en este álbum.

Según dicen Jesús Sáez, batería de la banda:

Polar siempre ha sido una banda que se ha caracterizado por su desvelada pasión por la música que admira. Somos muy fans de la música que escuchamos, y por eso mismo para nosotros hacer música es un medio de expresión natural y necesaria. Creo que todo esto ayuda mucho a comprender quiénes son Polar, por qué hacemos esta música, y por qué seguimos aquí 14 años después, haciendo todavía nuestro camino.

Polar – Home y What Goes On (Live) (Youtube)

En estas palabras se ve la filosofía de Polar, y sus seguidores saben que Jesús Sáez no miente. Si se toma de ejemplo A Letter For the Stars (20002, Jabalina Música), se ve un disco redondo y propio de un grupo atento a cada detalle, tanto en el plano de las influencias, como en el plano musical. Así que Feedback nadie lo entendería como un disco para vender, más bien es un disco de un grupo que comenta incluso que se les ha quedado corto (¡y tiene quince canciones!).

Mi favorita es ‘What Goes On’ de The Velvet Underground, una gran versión con el riff sucio original reiterado hasta la saciedad. Aunque también ‘King of Spain’, de Galaxie 500, te deja helado con la parte instrumental; ‘The Summer’, de Yo La Tengo, es un temazo; y ‘Take the Skinheads Bowling’, de Camper Van Beethoven, va por la misma línea.

Polar – Take the Skinheads Bowling (Youtube)

Como representación española, se echa de menos algo más, pero si se ven los nombres de los grupos que aparecen, se entiende, no podría caber todo y aquí no hay nombres de la talla de Wire o Nick Cave (la menos lúcida de todas). Aún así, los Surfin’ Bichos tenían que estar al aparecer Polar en el recopilatorio Family Album II. Homenaje a Surfin’ Bichos (2007, Molusco Discos).

Pese a ser un recopilatorio de canciones ya publicadas, no se deja pasar la oportunidad de añadir cuatro temas más. Versiones de The Smiths, Small Faces, The Dream Syndicate (alucinante ‘Halloween’), y el ya comentado de la Velvet.

Polar – Halloween (Live) (Youtube)

Por si fuera poco, Feedback viene complementado con un DVD con el documental Home, grabado en su décimo aniversario y no publicado hasta ahora por diferentes motivos. Un gran documento visual para disfrutar de su música y a la vez que vemos la filosofía de la banda.

Este recopilatorio es uno de mis preferidos estas semanas, llegándolo incluso a ‘rallarlo‘. Se disfruta por completo, y más si se hace una parada en el camino y se vuelve a ver Home, uno ya puede hacer el menú completo con la mejor música como banda sonora.

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Todo grupo aspira a dejar su huella en la historia de la música, muchos hacen lo que sea por conseguirlo y otros en cambio se limitaron a vestir de cuero negro rodeados de modernos e intelectuales que les veían como bichos raros y a tener un gran mecenas. The Velvet Underground eran los raritos de la clase, los que (en un principio) no estaban interesados en todas las nuevas drogas de diseño que por aquel entonces aparecían en Nueva York recién llegadas desde California. The Factory para ellos no era un templo como para todos los que iban a figurar al llamado club de moda.

The Factory era la casa y templo de su mecenas, del genio del arte y del espectáculo. Andy Warhol era su precursor y quien estaba detrás de todo. No sólo desde el plano artístico le debemos la popularización y elevación del pop-art como arte a tener en cuenta, sino que sin él, The Velvet Underground no hubiesen sido lo mismo que son ahora, e incluso podrían no haber ni surgido.

Es una visión muy simplista, pero Andy Warhol podría ser uno de los personajes más influyentes en la historia de la música, sin ni siquiera tocar un instrumento en su vida. Él dio voz al conjunto de Lou Reed, él les dio soporte económico en una época donde nadie daba un duro por unos chicos que iban de negro día y noche y ni tenían estilo ni carisma para relacionarse con la gente del negocio. Warhol les impuso a Nico en su ya famoso homónimo, Warhol creó las tensiones entre Reed y Cale, y en definitiva, Warhol curtió a Lou Reed enfrentándose a su ego.

(The Velvet Undergound, Sunday Morning; youtube)

Sin ahondar más en ese aspecto, ya que daría para textos y textos (como así ha pasado), qué mejor que recordar el legado de The Velvet Underground sin hablar precisamente de su música, sino de cómo otros músicos entiendieron sus composiciones, cada canción y cada letra, todas ellas únicas.

Todo surgió relacionado con el último disco del grupo español Polar, quien publicará en unos días un disco de versiones titulado Feedback, y en el que se incluye What Goes On como representación de la banda estadounidense.

(The Velvet Underground, What Goes On; youtube)

Lo que iba a ser un sólo artículo ha crecido tanto al escuchar la calidad de las diferentes versiones. Merece la pena irse deteniendo en las canciones más emblemáticas de The Velvet Underground y ver cómo las han versionado otros grupos. La primera de ellas es I’m Waiting For The Man, historia que escribió Lou Reed (como la mayoría de los temas hasta que abandonó la banda) basándose en su experiencia a la hora de esperar al camello y su dosis diaria de droga.

Una primera versión fue grabada en julio de 1965, en el loft que tenía la banda en Ludlow Street, de la mano de Lou Reed, John Cale y Sterling Morrison. En la box set Peel Slowly and See puede escucharse como quedó, desnuda de percusión y con el folk y el blues más presentes.

(The Velvet Underground, I’m Waiting For The Man; youtube)

La versión final se grabó en abril de 1966, en los estudios Scepter, de Nueva York, pese a haberse regrabado otra toma en California. Aquí Reed cambió el “I’m waiting for the man” por “I’m waiting for my man”, para dar más enfasis a su efecto inicial.

De todas las versiones que hay sobre esta canción he elegido las más representativas. Para comenzar, una ya mítica. Una de las últimas actuaciones juntos de Lou Reed y John Cale en una larga época. Demasiado apagada, sin casi fuerza y presciendo de la percusión como en la original, sustituida por el piano de Cale.

(Lou Reed & John Cale, Waiting for the Man, Bataclan ‘72; youtube)

Aunque para ver cómo quedaría esta canción con un piano más marcado, mejor ver la versión en solitario de John Cale que hizo en directo en 1983. Él solo sentado al piano, repitiendo todo el rato la misma estructura hasta tal punto que se vuelve hipnotizante. De mis favoritas, en especial cuando llega al final y varía.

(John Cale, I’m Waiting For The Man; youtube)

David Bowie también se sumó en una época a cantarla en sus directos, uno de ellos a dúo con el propio Lou Reed, pero es mejor la actuación que podemos ver en solitario, donde demuestra su anticipación a cualquier moda. El año es 1976, la new wave casi ni se sabe qué es, quedaría algún tiempo para su expansión y popularización, y aquí vemos al dandy inglés cambiar la melodía a este sonido.

(David Bowie; I’m Waiting For The Man; youtube)

Ya por último, por no expandir aún más el artículo, el dueto que hizo hace poco Lou Reed con otro genio, Pete Townshend. El líder de The Who demuestra su particular estilo a la guitarra, porque sin saber que es él, ese riff y esa manera de tocar, es suya en exclusiva.

(Pete Townshend & Lou Reed; I’m Waiting For The Man; youtube)

En el tintero se han quedado muchas versiones, una de mis preferidas, grabada por Bauhaus con Nico, y otras más flojas como la de Vanessa Paradis, la de 2 Many DJs, o la que Juliette & The Licks han hecho recientemente en directo.

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