Cambiamos un poco el formato de estos posts atemporales en lo que tratamos de recomendar discos partiendo de nombres conocidos. Ya os dijimos en la primera ocasión que queríamos vuestras preguntas y Vooodoochild nos pidió, entre otros, a grupos relacionados con la Velvet Underground.

La tarea era titánica y hasta cierto punto agotadora, porque hay miles y miles de bandas por todo el mundo que han sido influidas por el grupo de John Cale, Lou Reed, Maureen Tucker y Sterling Morrison. Así que, puesto que de todas maneras iba a ser una tarea incompleta, he decidido dividir el post en dos. Hoy hablaremos de discos (y sólo discos) que fueron influidos en su época muy directamente por la Velvet cuando ésta aún tenía estatus de grupo semidesconocido. Y en breve, en otro post, también trataremos sobre bandas más recientes que han sido influidas cuando la banda ya había adquirido algo más que status de culto y el paso de tiempo les había convertido en lo que siempre fueron: muy grandes.

Vamos, pues, con el primer paso: discos influenciados de manera directa y cercana en el tiempo por la Velvet Underground, discos que probar si te gustan los neoyorquinos.

The Modern Lovers – The Modern Lovers (1976):

Jonathan Richman ha estado durante muchos años maravillado por el influjo de la Velvet, pero sólo en la primera parte de su carrera ha dejado ver claramente esa fascinación. Lo que está claro es que pocos como los Modern Lovers supieron recoger el instinto para el rock primario del grupo de Cale, Reed, Tucker y Morrison. Esa indiferencia urbana, esos juegos de guitarras, aparentemente trogloditas, pero complicados de seguir, esa chulería innata con la que podían decir “tú no eres Pablo Picasso, sólo un gilipollas” y que la canción sonase adictiva, frenética, oscura pero capaz de dar luz. O, bueno, dar vida a algo tan velvetiano como esta ‘Roadrunner’ (youtube)

The Rolling Stones – Sticky Fingers:

Ya Lester Bangs, mítico crítico musical, nos puso sobre aviso, así que apelo al argumento de autoridad si tenéis algo que objetar. Los Rolling Stones de aquí (mucho más que los de Exile on Main St., pese a que Bangs también lo citara) son tremendamente Velvet Underground, más en actitud que en música. Óscuros, drogotas (‘Sister Morphine’, ‘Brown Sugar’) y mucho menos expansivos de lo habitual, éste bien podría ser el primer disco mainstream al que le afectó de lleno la Velvet. Ya digo que quizás más en espíritu que musicalmente, porque los Stones iban por un camino mucho más blues, pero en cualquier caso Sticky Fingers tiene un lado muy Velvet Underground.

Brian Eno – Here Come The Warm Jets:

Durante mucho tiempo he estado dando la espalda a los primeros discos de Eno porque los identificaba con sus aventuras ambientales de los 80. Hace un año, haciendo caso por fin a quienes me insistían que los probase, le di la oportunidad a Here Come The Warm Jets y… ya tuve nuevo ídolo.

Las primeras obras del mítico músico y no menos mítico productor tienen una imaginación guitarrera desbordante, pero también muy de regreso a lo básico, como cada acorde que pulsaba Sterling Morrison, aunque la agresividad de los discos en los que Cale aún participaba está suavizada en los de Brian Eno, reemplazada por chispas de vida y vestida de glam. Mucho menos oscuro en sonido (las letras son otro cantar y en Eno bordean lo absolutamente ridículo), pero igualmente necesario.

The Stooges – Funhouse:

Desde el primer momento, los Stooges se apropiaron de ese sonido brutal, violento y distorsionado que a la Velvet le gustó mostrar en sus dos primeros discos. Y si en el grupo de John Cale el distintivo chirriante era la viola, Iggy Pop y los Asheton demostraron que podían hacer el mismo daño a los oídos con un saxo: fue en Funhouse, quizás el más velvetiano de todos los discos de los Stooges. Quizás, porque su desbordante debut tiene también el típico mal rollo nihilista tan VU saliéndole por las orejas. Trata de escuchar la canción titular de Funhouse sentado.

Television – Marquee Moon

Tan neoyorquinos y arties como la VU. Tan expresivos en su manera de concebir el rock. Tan experimentales pese a su apariencia. Tan necesarios que habría que hacer también otro post con un 5 grupos que te gustarán si te gustan Television. Tan cerebrales y tan pasionales a la par. Un placer musical como pocos.

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Iniciamos el domingo con un repaso a algunos de los posts que más nos han gustado en los últimos días:

• En La Nadadora siguen con su titánica tarea de reseñar los mejores discos españoles de la historia. Entramos en el top 10 ¡y no está allí La Leyenda del Tiempo! Chicos: ¡nooooooooooooo!
• Ana Saturno, en Los Latidos de Siempre, no se traga eso de que los grupos “adolescentes” no puedan gustarte con 30 años. ¿Existen la música por edades o es cuestión de prejuicios?
• Grandísimo y exhaustivo repaso el que dan en Commonpeople a la Velvet Underground. Todo lo que quisiste saber, pero no te atreviste a buscar en internet.

• En La Tierra de Uel lo tienen claro con respecto a los problemas en algunos conciertos de Extremoduro: Por la boca muere el pez.
• En Discotraxx no tragan con que se les obligue a hacerse socios de ningún club para entrar al concierto de M83.
• IndienautaTV entrevista a Joe Crepúsculo, justo antes de que edite el es-pec-ta-cu-lar Supercrepus.
• ¿Es Kanye West un arribista cultural y económico? La increíble verdad pone un par de objeciones.
• REMNation culminan la caza de las colaboraciones de Michael Stipe con medio mundo.

Tras la concreción pop, tocaba asaltar el estrellato mundial. Y The Cure se sacaron de la manga un doble album en vinilo que, en realidad, Robert Smith grabó pensando en el cd y en su maravillosa (para los autores sin freno) capacidad de almacenamiento.

Con estos 74 minutos, Robert Smith no sólo se quitó de encima a uno de los fundadores (Lol Tolhurst), sino que empezó su invasión estadounidense. Después ya no habría freno: The Cure alcanzaron el respeto y la pasión de millones de aficionados de todo el mundo, a los que pondrían la puntilla, dos años más tarde, con Disintegration.

Pero ¿había para tanto? ¿Cómo se sucedía la ejecución casi perfecta de The Head on The Door? Pues con el perfecto plan de fuga: The Cure habían conseguido ya tantos fans con tantas canciones diferentes, habían dado tantos bandazos interesantes, que necesitaban poner orden. Hacer un disco, parafraseando a Tolkien, “para atarlos a todos”. Así que, sabedor de que esta vez no tendría que hacer mucha selección en el corte final de canciones, Smith permitió que fuera el estudio el que dictase hacia donde iban a ir los palos de su eclecticismo.

Además, el mismo año en que Prince sacaba otro doble álbum, en su caso el monumental Sign Of The Times, Robert Smith se acerca al funk y a la música negra con cosas como Hot Hot Hot. Y, por el camino, The Cure enseñaban a qué hubiera sonado Ian Curtis si hubiese podido ser feliz (Catch – youtube -, una de mis favoritas del disco, de la que Robert Smith aseguró que estaba escrita para sonar “como una vieja canción de la Velvet Underground).

En Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me cabe todo, a veces hasta el exceso. Sé que éste es uno de los discos más valorados por muchos fans, pero a mí hay partes que me suenan desechables. Siempre se me hace un trago demasiado largo meterme entre pecho y espalda Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me del tirón.

De hecho, lo pongo mucho más en vinilo que en cd. La propia dinámica de la escucha de un disco en plástico, con los parones obligados, la necesidad de cambiar de cara y de levantarte del sofá , de hacer una escucha más activa de manera obligatoria, lo vuelven más soportable en ese formato.

Pero, pese a las pegas, reconozco la infalibilidad de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me no tanto para crear nuevos fans como para afianzar a los propios. Con un disco así, era obvio que Robert Smith tenía que estar en las habitaciones de la mayoría de los adolescentes de medio mundo.

Porque The Cure, ahora más que nunca, sonaban aquí a la desazón juvenil, a la brújula desorientada de la adolescencia, a los bandazos y los cambios de humor. Y Robert Smith dejaba frases para escribir en carpetas o en los márgenes de los libros:

For how much longer can I howl into this wind, for how much longer can I cry like this?

Everything you do is irresistible / Everything you do is simply kissable / Why can’t I be you?

Show me how you do it and I promise you / I promise that I’ll run away with you / I’ll run away with you

Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me suena hoy tan vivo como la primera vez que lo escuché. Suena a disco que, si te pilla en el momento adecuado, te cambia la vida. Gracias a Dios es no significa que sea perfecto, pero ¿acaso existen los discos perfectos?

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El tema, llamado I´m Not a Young Man Anymore, tiene valor más allá de su condición de documento histórico. Sonido de rock´n´roll puro pasado por el apasionante filtro de la Velvet, con esas guitarras que da gusto oír una y otra vez. De la letra no digo nada, porque no es más que la repetición del título una y otra vez y una peqeuña frase más.

Conociendo a Lou Reed, antes de escuchar la canción creía que iba a ser una toma primeriza de algo que luego él grabó en solitario, pero lo cierto es que no he podido reconocer trazos de ningún tema que sea muy parecido a este I´m Not a Young Man Anymore. Podéis escuchar la canción tras el salto:

Por cierto, que el show del Gymnasium, de Nueva York, incluye además, el estreno en directo de Sister Ray con 19 minutos de pura emoción de guitarras, así que es muy, pero que muy recomendable. Todos a descargarlo al disco duro a la voz de ya.

Escúchala | Imeem
Vía | Dead Flowers

¡Oh, Amaia Montero deja La Oreja de Van Gogh! Vale, ¿y? El grupo continúa vivo. Sus fans se tirarán de los pelos o no, pero a mí me sirve como excusa para plantear una lista absurda de cinco deserciones en bandas míticas que tuvieron consecuencias importantes:

5. Bill Berry se va a la granja

Fundador de R.E.M. y batería imprescindible para entender el advenimiento del rock alternativo como etiqueta, en 1997, y tras haber sufrido un aneurisma sobre el escenario dos años antes, Bill Berry comunicó a sus compañeros que se marchaba a vivir tranquilamente en una granja, alejado de los focos y la tensión de una banda. Peter Buck, Mike Mills y Michael Stipe, después de haber repetido varias veces que R.E.M. sólo podía existir con los cuatro componentes, hacen uno de sus escasos gestos de dinosaurios del rock y tiran para adelante. Sustituyen a Berry por una caja de ritmos y el resultado es Up, un disco de belleza intensa, sentida y experimental que vuelve a revitalizar el sonido de la banda. Lo que viene después es menos agradable, pero tras el infame Around The Sun, R.E.M. tienen en 2008 la oportunidad de volver a resarcirse.

4. Andy Couzens deja los Stone Roses antes del pelotazo

La suya es una historia tan vieja como el rock: la de un músico que se queda en el camino justo antes de que la banda dé un pelotazo y se convierta en una de las más importantes del momento. Le pasó a Andy Couzens que, por supuestos problemas con el manager de la banda (eso o aguantar a dos egos tan subidos como los de Ian Brown y John Squire dándose de leches todo el día), dejó los Stone Roses justó cuando editaban Sally Sinnamon. Después llegó Madchester y el grupo se convirtió en uno de los venerados por los británicos. Couzens montó otro grupo, inapropiadamente llamado The High. De alto, nada: un bajón en toda regla es lo que debe sentir Couzens cuando vea los royalties que reciben sus excompañeros por sus canciones.

3. Johnny Rotten acaba con los Sex Pistols y sigue haciendo historia

Editado Never Mind The Bollocks en 1977, en enero del 78 los Sex Pistols se embarcan en la conquista de América. En una gira estrepitosa, llena de los peores desastres y retratada a la perfección en las películas de Julian Temple (The Great Rock´n´Roll Swindle y The Filth & The Fury), los Sex Pistols se rompen en pedazos. Johnny Rotten dura 14 días y se marcha del grupo tras la actuación de San Francisco. El manager de los Pistols, Malcom McLaren, trata de que continúen sin su gran cerebro musical, pero la banda se niega (bueno, Sid Vicious no, porque a él le da igual, anda colgado por ahí). Rotten se transforma en John Lydon y forma P.I.L. Un año después, el segundo disco de la banda (Metal Box) le vuelve a convertir en un imprescidinble de la música moderna y en un referente de muchos grupos del revival post-punk del comienzo del nuevo single.

2. David Byrne dice adiós a los Talking Heads

En 1987, tras la edición del multicultural Naked, David Byrne cerebro de Talking Heads los puso en un hiato indefinido que, en 1991, se transformó en la ruptura de la banda. Bryne andaba descubriendo al world music y vendiéndosela al mundo occidental y a sus compañeros no les quedó otro remedio que aceptar a regañadientes la decisión del jefazo y principal compositor de las canciones de la banda. Pero, en 1996, Frantz, Harrison y Weymouth se cansan de esperarle y deciden reunirse para formar los Heads a secas, sin el Talking. Decisión, que vistos los resultados de su disco de regreso (de chistoso título: No Talking, just Heads), se podían haber ahorrado. Ahora que han sido reivindicados por gente como !!! o directamente fusilados por otros como Clap Your Hands Say Yeah!, se les espera de vuelta en los escenarios, si es que a Byrne le apetece. Fueron un grupazo, por cierto.

1. Lou Reed deja la Velvet en manos de un fan

Tras editar Loaded, el disco más accesible de la Velvet Underground, Lou Reed decide abandonar un grupo en el que ya no estaba otra alma mater (John Cale). Compuesto y sin novio se quedan Sterling Morrison, Maureen Tukcer (que grabó Loaded embarazada y ya pensaba en otras cosas) y el guitarrista Doug Yule, el último en incorporarse a la banda. En un primer momento, los tres deciden continuar con el grupo, pero Morrison y Tucker se dan pronto cuenta de la osadía. Sólo se queda Yule quien decide dar conciertos bajo el nombre de la Velvet ¡sin que haya ninguno de los componentes originales! El desastre concluye en Squeeze, un album publicado por la Velvet en 1973 y repudiado por la historia musical. La suplantación no le duró mucho a Yule que quiso pasar de fan a dueño del nombre.

Más listas. The Observer ha decidido hacer un top con las, a su juicio, 50 mejores versiones de la historia de la música. Lo más sorprendente de todo es el número uno, con la diosa gótica de los 80 Siouxsie y su banda (The Banshees) atacando el Dear Prudence de los Beatles. Se confirma así que Siouxsie vive todo un proceso de rehabilitación histórica en el Reino Unido, después de que el año pasado la prestigiosa revista Mojo incluyera en sus premios anuales.

El segundo lugar lo ocupa John Coltrane, convirtiendo una canción de Sonrisas y Lágrimas (My Favourite Things) en toda una experiencia de jazz libre de ataduras. Para los que lo conozcan, ya saben de lo que este hombre era capaz. Para los que no hayan oído nada, sólo puedo decirles una cosa: ¿a qué esperáis?

En tercera posición están los Cowboy Junkies con su interpretación del Sweet Jane de la Velvet Underground (época Loaded).

Lo mejor de todo es que se pueden escuchar todas ellas y luego votar por nuestra favorita desde aquí. Así que, nada, os dejo con la incertidumbre de cuáles son las otras 47 versiones elegidas. Como siempre, la lista es subjetiva, pero las horas de disfrute que se pueden pasar escuchando las canciones no tienen precio. ¡Buena iniciativa!