Ya estábamos echando pestes de ellos, se habían pasado con el marketing. Nos habíamos jurado que más les valía sacar una obra maestra porque si no les íbamos a mandar a freír espárragos más allá de donde el Altísimo perdió la alpargata. Y entonces nos enseñaron Get Lucky; y algunos perdimos la fe, y otros se vinieron arriba. A grandes rasgos, así es como ha llegado el nuevo disco de los dichosos y queridos Daft Punk con Random Access Memories, el álbum con el que algunos les condenarán y otros les seguirán queriendo one more time.

Antes de entrar a analizar uno de los discos más esperados no sólo del año, sino de los últimos años, cabría convenir en qué esperábamos del nuevo disco de los robots más mediáticos del mundo. Muy a pesar de algunos, Daft Punk no parecen capaces de volver a sacarse de la manga un Homework, tampoco un disco casi redondo para la pista de baile como es el Discovery, y tampoco queríamos un Human After All con sabor agridulce.

Qué esperabas de Daft Punk

En mi caso, y después de escuhar el primer single oficial, la verdad, tampoco me esperaba gran cosa. Además conforme iban pasando los años me preguntaba: “joder, dónde se habrán metido estos cabrones”. Han estado en la cueva el tiempo suficiente para salir a la luz y considerar que era el momento de darnos la droga, puesto que en alguna ocasión, Thomas Bangalter ya había avisado que volverían a grabar cuando tuvieran algo bueno y diferente. Ahora ha llegado el día de comprobar esa cosa tan magna por la que merecía la pena esperar tanto tiempo. O no.

Guy Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter se han rodeado de un soberbio elenco de colaboradores, conocidos del rock, el pop, de la electrónica y totems de la música Disco para apuntalar su nueva propuesta. Daft Punk nunca nos han traído una compleja propuesta musical en la que tener que entender qué demonios es lo que intentaban transmitir. Sus beats siempre han tenido una premisa, el disfrute; una propuesta fácil que sea asumible para consumir y dispuesta a partir la pana en las sesiones en directo. Y eso es lo que nos traen con Random Access Memories, más entretenimiento y momentos disfrutables que nos van a pasear con el buen rollo durante unos días. Artísticamente es lo más cercano que han hecho al Discovery, aunque eso sí, no es tan completo ni tiene unos hits de esos que vayan a crear escuela para quemarlos en los próximos diez años.

Principalmente ese es el problema que se encuentra en el cuarto álbum de los robots, que es demasiado irregular. Mientras que la primera mitad del disco es discreta, a excepción de ‘Giorgio by Moroder’, en la segunda encontramos más ritmo, más carnaza de hit, aunque tampoco en exceso. Pero no es algo casual, en este trabajo, Daft Punk han señalado en varias entrevistas que su idea era realizar un disco “más humano”, y para ello no sólo se han buscado un elenco de clásicos y jóvenes artistas, sino que han grabado con instrumentos de verdad, sin limitarse a producirlo todo con maquinitas y chismes electrónicos como han hecho siempre. Es por eso que en Random Access Memories hay baladas, melodías minimalistas y mucho peso humano. Aunque no pueden faltar los vocoders, esta vez las voces humanas, sin efectos ni trucos, tienen más peso de lo habitual.

Random Acces Memories, de menos a más

El inicio del álbum, como a la mayoría, se me atragantó, empezaba muy tranquilito y sin la energía con que arrancaba por ejemplo Discovery, que arrancaba con cinco hits, uno tras otro. Es lógico que si comparamos el comienzo de ese trabajo no sólo con el de Discovery, sino con el del resto de discografía del dúo, quede bastante atrasado. Pero tras dos temas, uno casi hortera, como ‘Give Life Back To Music’ y uno plomizo como ‘The Game Of Love’, llega ‘Giorgio by Moroder’ para salvar los muebles y que no pensemos que la línea del arranque iba a ser la que marcase el disco.

En ella se escucha a Giorgio hablando en modo Dios de su trayectoria, grabado con un micrófono para cada época. La participación de Moroder acaba por conseguir uno de los mejores cortes del disco, aunque excesivamente alargado y que se haría bastante cansino de no ser por las modificaciones finales y un leve toque de auge. Después volvemos al problema del disco, la irregularidad, puesto que si lo que esperabas de Random Access Memories era más momentos para quemar la pista de baile y hits con bastante punch, seguramente te sabrá a poco. Después llega el turno de ‘Within’, una balada en modo Luís Miguel, que va a cansar a quien espere que de repente salte un Crescendolls. Aun así, el vocoder siempre tiene su punto, que se funde en una canción que tiene una estructura similar a Something About Us.

Humanos vs vocoders

Y este es uno de los puntos que más destaco del álbum, el retorno de los vocoders de Daft Punk, que nunca se exceden y quedan apuntalados en las canciones en el momento indicado. Pueden ayudar a suplir la calma de ‘Within’ y tienen su toque especial con un Casablancas llorica en ‘Instant Crush’, aunque al final nos obligue a sufrir su falsete propio de un eunuco. Con todo, hay que reconocer que estos cortes son canciones que a lo sumo suenan bien, algo que no está a la altura de los galos, de quienes ya sabemos que cuando se ponen a producir hits en modo fiesta sacan lo mejor de sí mismos.

Es a partir de ‘Lose Yourself To Dance’ cuando el disco ofrece lo mejor que pueda dar, con buenrolleros riffs funkys, vocales muy setenteros y, sobre todo, la intervención robótica conjugada con la humana. El tema ya empieza con un ritmo bastante pegadizo y dispuesto para que entregues tu cuerpo como lo hace la buena gente del vídeo, y mejora con la entrada del vocoder predicando ese “come on come on”. La combinación que hace junto a la voz de Pharrell Williams y la guitarra de Rodgers es de lo más destacado.

En este sentido, hay que reconocer que el momento más emocionante viene precisamente por el lado humano y no robótico, de la mano de Paul Williams en ‘Touch’, que emociona con una voz entregada al hedonismo. Porque no se puede negar que cuando la canción ‘revienta’ y entra la batería mientras que de fondo se escuchan unos arreglos muy trabajados, consiguen un buen rollo extraordinario que alegra el día hasta al más amargado oficinista. Las trompetas, el teclado, el cambio de ritmo que baja y después se eleva con los coros de los niños para rematar con un sonido estridente y la voz desnuda de Williams… Momento éxtasis. Es cuando Daft Punk consiguen su objetivo, el de humanizar el disco y el de conquistar al público. Y de paso demostrar una vez más que la electrónica, o la convergencia con esta, no tiene por qué ser algo necesariamente frío. Lástima que no consigan esta perfecta simbiosis a lo largo de todo el disco.

Conforme nos vamos acercando al final del LP tenemos primero el gran gancho comercial con el que han estado invadiendo nuestras vidas últimamente, ‘Get Lucky’ con Pharrel Williams y Nile Rodgers empeñados en que tararees la canción y arranques una sonrisa, como gran parte del disco. Sin ser precisamente un fanboy de Williams, esta propuesta humanizadora de unos Daft Punk que quieren alejarse del robotismo, al más puro estilo Electroma, es muy efectiva junto a la guitarra de Rodgers y sobre todo la parte en que entra el vocoder para exigir que vuelva el robotismo. El problema de este tema es que se le ha dado tanta cancha que ya cansa: mil remixes, cuñas publicitarias…

La robotización continúa en canciones como ‘Beyond’ o ‘Doin’ It Right’ con Panda Bear, donde en la primera aburre y en la segunda, vuelve a quedar una aceptable combinación entre el factor humano y los recursos vocales del vocoder de los franceses. El resultado está bien para escucharlo tranquilamente, afrontándolo desde un prisma diferente, ya que lo que se suele esperar de Daft Punk es que construya pistas infalibles para quemar un fin de semana. No obstante, aunque en este álbum se han pasado con las canciones lentas, no es algo que no hayan hecho nunca y que se les dé mal. De hecho, ‘Motherboard’ es uno de los cortes más interesantes y bonitos de Random Acces Memories, donde combinan una batería real que culmina finalmente con unos sintes orgánicos y de sonido cristalino.

Para los que buscaban esos hits supersónicos de petarlo gordo, de ir a por todas y de flipar en las mezclas que hicieron en el Alive, queda ‘Contact’ al final, uno de las canciones indiscutibles del álbum y sobre la que ya había trabajado Dj Falcon, otro colaborador. Entre la batería, los efectos de frenetismo que se aceleran sin control a lo Aerodynamite y los teclados con sabor a house refinado, Contact es una gran forma de finalizar el disco. Que se marquen un tema como este demuestra que pueden seguir por esta senda si quieren, pero Guy Manuel y Thomas han preferido esta vez probar cómo es eso de grabar como una banda terrícola.

Una apuesta valiente

Random Acces Memores es otro álbum fácil de consumir, pero más complejo y ambicioso en su concepción de lo que pueda parecer, por su buena producción y mejores detalles, sabiendo que arriesgaban porque a muchos acérrimos del grupo probablemente no les iba a gustar un toque tan ‘humano’ y falto de hits. Por otra parte, para que no saliera el tiro por la culata al no otorgarle a la cacharrería electrónica todo el papel compositivo, se han rodeado de un elenco de artistas en los que no se puede desmerecer la aportación de Giorgio Moroder y ese placer por el ritmo de la automoción, los riffs de Nile Rodgers, y por supuesto, la sección vocal de, entre otros Paul Williams, que es probablemente lo mejor del álbum. Aun así, apelar a un giro artístico no tiene por qué ser bueno per sé, y menos si no está bien llevado a buen término.

En este sentido, está claro que no es un disco perfecto. Y además es irregular porque mientras que algunas canciones resultan insulsas, otras se alargan demasiado, creando una mitad del álbum a medio gas, y otra que tiene momentos muy intensos y que ya sea mediante vocoders, la combinación de estos con el factor humano o la introducción de instrumentos reales, están a la altura de Daft Punk. De hecho hay algunas estupendas que no vamos a dejar de escuchar en los próximos meses (cercanas al Discovery, además). No lograr enganchar con alguna de ellas hubiera sido un fail total. Por lo tanto, no está a la altura de lo mejor que han hecho, pero hay que apreciar el atrevimiento artístico; podrían haber hecho muchos ‘Contact’ y haber partido la pana para la mayoría, que seguramente lo preferiría así, pero hubiera sido lo fácil para ellos.

En mi opinión, si hay que criticar este álbum ha de ser porque no está equilibrado, y no porque hayan cambiado el modus operandi. Han dejado patente, una vez más (dejando a un lado Human After All), su capacidad de reinvención, sorprendiendo, para bien o para mal, al público. Dicho esto, seguro que como ya hicieron en el Alive, se van a sacar de la manga mezclas infalibles en directo. Y entonces recordaremos por qué Daft Punk, a pesar del marketing al que nos someten, son tan alabados, merecidamente o no. Que la cansina campaña publicitaria no tape este buen ejercicio en el que demuestran que no sólo funcionan con maquinitas.

Daft Punk en Hipersónica

• El regreso de Daft Punk
• Daft Punk: repaso discográfico
• ‘Get Lucky’: hasta las cabras quieren tener suerte

Siete fueron los años en los que la banda californiana Kyuss estuvo al pie del cañón de la escena de Palm Desert. En ese periodo les dio tiempo en sacar cuatro discazos imprescindibles y convertirse en la banda definitiva del Stoner Rock de los noventa y en la influencia máxima para todas las bandas posteriores a su quinta, hasta que llego el día en que se anunció su disolución. Su legado es innegable, pero nunca alcanzaron el éxito comercial de una manera global a pesar de que lo merecían de veras.

Su última grabación en el estudio fue un split que lanzaron junto a la banda recién formada por su guitarrista, Josh Homme. La banda solo contaba como miembros a él mismo y al batería que sustituyó a Brant Bjork en Kyuss, Alfredo Hernández, pero el verdadero peso de la agrupación recaía en el influyente guitarrista, que también se hizo cargo del micrófono y, temporalmente, del bajo. El nombre de esta nueva banda era Queens of the Stone Age.

Ramalazos de Rock robótico para romper las listas

Con esa misma formación (unido al jocoso nombre empleado por Homme en su papel de bajista y teclista, Carlo Von Sexron) se terminó grabando su disco de debut homónimo, lanzado en 1998. El disco, aunque seguía una línea sonora muy similar a la que siguió Kyuss durante su trayectoria, alcanzó un éxito mayor que la mítica agrupación californiana, propiciado por la alta difusión que alcanzó su single ‘If Only’ en muchas de las radios norteamericanas. Disco de platino en el Reino Unido ocho años después. Nada desdeñable para una banda de “robot rock”.

Pero el salto definitivo en popularidad y comercialmente llegó en su siguiente álbum, Rated R. En el año 2000, este álbum alcanzó la decimocuarta posición en el Top Heatseekers estadounidense y disco de plata en el Reino Unido. Sin embargo, este no era un disco precisamente sencillo, vendible o que pudiera romper tanto en las listas de éxitos. Es más, era un disco para reírse y darle una patada en la cara al mainstream. El eslogan “Restricted to everyone at any time” adornaba de forma clara la portada. Un álbum donde las salidas de tono y la experimentación fuerte con los temas eran la tónica general. Quizá el hecho de contener dos de los cortes más populares y que eran los más accesibles del disco, ‘The Lost Art of Keeping a Secret’ y ‘Monsters in the Parasol’, propiciaron este éxito. Pero la popularidad alcanzada en solitario por ‘Feel Good Hit of the Summer’, en la que destaca su estrambótica letra y su riff de guitarra llenos de drogas. Vamos, que no es un tema que se parezca mucho a los que predominan en las listas de los más vendidos.

Un fenómeno bastante extraño, tanto para un disco de Stoner Rock como para este disco en particular, tan volátil y experimental como poco convencional. Homme consiguió la gran repercusión mundial que tanto merecía pero tanto se le negó en su época en Kyuss. Queens of the Stone Age se ha terminado convirtiendo en la banda número uno del sonido Stoner y de la escena de Palm Desert. Los éxitos no se pararon ahí, sino que se incrementaron. Songs for the Deaf, su álbum más querido y reverenciado y donde aun conservaban ese estilo Stoner en la mayor parte de su sonido, puesto 17 en el Billboard estadounidense, casi un millón de copias vendidas en solo un año y un éxito arrollador para sus singles ‘No One Knows’ y ‘Go With The Flow’, que hasta consiguieron sendas nominaciones para los premios Grammy en la categoría de Rock. Bonifacio Echevarria Cervantes de la Cruz Arroyo Rojas soltaría una lagrimita de la emoción ante tales cifras.

Stoner alternativoaqué

Lullabies To Paralize supuso un cambio para QOTSA. Tras la tormentosa marcha de uno de los principales compositores y eje neurálgico del grupo, Nick Oliveri (también ex de Kyuss), el grupo desarrolló aun más su propio sonido, dejando atrás la categoría de Stoner y obligándonos a emplear el odioso termino “Rock alternativo”. El cambio fue muy bien recibido, tanto por la crítica como por sus fans, que debieron de incrementarse ya que el éxito de este disco fue mayúsculo con respecto a sus predecesores. Alcanzó el puesto quinto en el Billboard con casi un millón de copias vendidas en su primera semana y llegó a disco de oro en el Reino Unido. El mayor éxito de las reinas hasta la fecha (si no lo supera …Like Clockwork).

Y puesto que ese fue su mayor éxito, es evidente que su sucesor, el aun más experimental Era Vulgaris, no alcanzó tales cimas. Pero no se quedo corto aun a pesar de que el tono general del disco fue mucho menos accesible y más vanguardista de lo que ya es habitual en QOTSA. ¿El resultado? Puesto 14 de la archiconocida lista de éxitos con 52 mil copias en su primera semana y gracias al éxito de dos singles tan potentes y directos (los más directos del disco) como ‘Sick, Sick, Sick’ y ‘3’s & 7’s’. Aun sin estar aun a la venta, bien seguro que …Like Clockwork también rondará por cifras tan altas, si no acaba superándolas.

No cabe duda que Queens of the Stone Age han conseguido tener más repercusión en estos tiempos que la que consiguieron los seminales Kyuss durante su época en activo, aunque ahora parece que la gente tiene mayor conocimiento de su existencia, no se si gracias al éxito de Homme con las reinas. Pero este éxito también ha terminado fagocitando al mítico grupo, ya que la mayoría de personas, cuando son preguntadas sobre el Stoner Rock, acaban sacando más el nombre de Queens of the Stone Age que el de cualquier otra banda predecesora de la década de los noventa.

Sin embargo, la relación de QOTSA con el Stoner nunca fue del todo pura. Desde el principio, Homme rechazó la relación entre el sonido de la banda con el de Palm Desert (heredero de Black Sabbath), autodenominándose como Robot Rock. Cada disco que iban haciendo se iba alejando cada vez más de la arenosa etiqueta. Songs for the Deaf fue el último disco de ellos que podríamos denominar Stoner. El resto contenían trazas de este, pero muy diluido a favor del desarrollo de un sonido más personal y diferente. Por eso es por lo que arqueo levemente una ceja cada vez que se habla de Queens of the Stone Age como la banda número uno del género, o cada vez que la gente habla de ellos como referencia a la hora de hablar de cierta banda cuando, en realidad, se quieren referir a Kyuss.

Pero los debates nominalistas, aparte de no llevar a ningún lado, terminan por ser demasiado cansinos para nuestras neuronas. No importa demasiado que nombre le acabes dando a su música, si Stoner, alternativaaqué o robótica. Son Queens of the Stone Age por encima de todo, y todos los queremos gracias a una espectacular trayectoria y a su estilo tan personal, a medio camino entre rarísimas experimentaciones y Rock escorado al mainstream (no, no es insulto). Pocos hay que hayan podido encontrar este término medio.

Una banda que suele gustarle tanto salirse de lo convencional no suele tener una aceptación y un éxito comercial tan masivo. Es por eso que resulta tan curioso ver como Homme #veryconservative ha terminado consiguiendo la ansiada reputación dándole mil vueltas a la rueda del Rock a base de fumetadas y gamberismo que siendo parte de una de las agrupaciones más influyentes y fundamentales en el Rock de las últimas décadas. La música, en lo que ha repartir repercusión se refiere, es bastante puta, hay que decirlo más.

Da igual que haya quien prefiera el sonido de la banda primigenia o el de las reinas. Yo sigo amando a ambas y siguen pareciéndome dos de las mejores bandas de Rock de los últimos veinte años. Y la verdad es que QOTSA han significado mucho para mi en mi desarrollo musical, por eso me siguen gustando por mucho que pase el tiempo. Aunque tengan ligeros tropiezos, siguen haciendo que me lo pase en grande, tanto con grandes ramalazos como cuando se les va la pinza. Ningún disco me disgusta y este …Like Clockwork no está siendo una excepción.

El triunfo comercial de su singular propuesta es difícil de comprender y atribuir a una sola razón. ¿Será su capacidad de crear grandes himnos rockeros con los que sacudir el esqueleto compulsivamente? ¿Será la marcada personalidad y la fuerte actitud de Homme? ¿O puede que solo sea el mero reconocimiento que se merece una de las bandas de primer nivel más valientes de nuestros tiempos? Si somos capaces de babear compulsivamente ante la llegada de nuevo material de la banda es por una buena razón. Queens of the Stone Age son una de las agrupaciones más en forma del Rock del siglo XXI y no se cansan de demostrarlo.

Queens of the Stone Age en Hipersónica

• Queens of the Stone Age (1998)
• Rated R (2000)
• Songs for the Deaf (2002)
• Lullabies to Paralyze (2005)
• Era Vulgaris (2007)
• …Like Clockwork: primeras impresiones de lo nuevo de Queens Of The Stone Age
• Cinco discos que deberías escuchar si te gustan… Queens of the Stone Age

Sabíamos que Franz Ferdinand estaban grabando nuevo material, pero no teníamos muchas más noticias sobre ellos y su futuro y la cuestión es que ya han pasado más de cuatro años desde la edicion de su último trabajo hasta la fecha, Tonight, el cual por cierto yo defiendo firmemente (y esto me hace inmensamente popular en la redacción de Hipersónica, como podéis imaginar). Bueno, pues su sello Domino acaba de hacer públicos los primeros detalles del nuevo disco: se llamará Right Thoughts, Right Words, Right Action, ha sido grabado entre Londres, Estocolmo, Oslo y el estudio de Alex Kapranos en Glasgow y saldrá a la venta el próximo 27 de agosto.

Poco cuentan, eso sí, acerca del sonido de este nuevo trabajo y parece que habrá que esperar para ver si continúa por la senda electrónica à la DFA de su anterior entrega, vuelve a las guitarras rápidas y los estribillos o tira por la calle de en medio. El grupo ha lanzado un breve trailer que incluye apenas unos segundos de un tema que da título al disco y en el que parece adivinarse un regreso al sonido de sus dos primeras referencias. Pero en fin, ‘Ulysses‘ tuvo bastante de pista falsa, así que habrá que esperar.

El disco saldrá a la venta en multitud de formatos, desde el CD y el vinilo sencillos a una Deluxe Passport Edition que incluirá dos canciones adicionales, y se compondrá de diez canciones. Éste es el tracklist confirmado:

1. Right Action
2. Evil Eye
3. Love Illumination
4. Stand On The Horizon
5. Fresh Strawberries
6. Bullet
7. Treason! Animals.
8. The Universe Expanded
9. Brief Encounters
10. Goodbye Lovers & Friends

Más en Hipersónica | Franz Ferdinand y sus covers del pasado Record Store Day pasados por el filtro de los remixes, Franz Ferdinand confirmados para el Primavera Sound 2012: ¿Primavera FIB?

Era de esperar, tras semanas a casi canción y vídeo por día, el esperadísimo nuevo de trabajo de Queens Of The Stone Age, …Like Clockwork se ha filtrado esta misma tarde, y en calidad inmejorable, -¿autofiltración? – en nuestros barcos piratas favoritos de la red.

Recapitulemos un poco antes de entrar en harina. Primero, los desérticos se encargaron de ponernos los dientes largos con la lista de colaboraciones de su primer trabajo en cinco años. Después vino la presentación de la nueva formación (Josh Homme, Troy Van Leeuwen, Dean Fertita y Michael Shuman) y de ‘My God Is The Sun‘ en el Lolapalooza brasileño. Más tarde vendría la presentación de ‘I Appear Mising’ y la autofiltración de ‘I Sat By The Ocean’ y ‘If I Had A Tail’. Por último, si hace unos días nos quedábamos prendados de ‘Kalopsia’; la actuación de QOTSA para la emisora belga Studio Brussell, nos dejaría el imponente tema con el que se abre el disco y del que os hablaba hoy mismo Black_Gallego, ‘Keep Your Eyes Peeled’.

Las conclusión a día de hoy y antes de darle al play es muy clara: expectativas por la estratosfera. En cierto modo es lógico. Estamos hablando de uno de los bastiones del stoner rock de EE.UU, estamos hablando de Josh Homme y estamos hablando de un parón de cinco años tras un Era Vulgaris de lo más descafeinado. Aún así, lo dicho, estamos hablando de un grupo que ha firmado cosas como Songs for the Deaf: #RESPECT.

Ha llegado el momento, cerremos los ojos, ajustemos los auriculares y preparémonos para uno de los discos del año o una de las decepciones de la temporada. Y es que, las medias tintas no son para el desert rock. PLAY.

‘Keep Your Eyes Peeled’

‘I Sat By The Ocean’

‘The Vampyre Of Time And Memory’

‘If I Had A Tail’

‘My God Is The Sun’

‘Kalopsia’

‘Fairweather Friends’

‘Smooth Sailing’

‘I appear Missing’

‘Like Clockwork’

Like Clockwork en Hipersónica

• Especial de Queens Of The Stone Age
• Queens Of The Stone Age sacan su vena más macarra en ‘Keep Your Eyes Peeled’
• Queens of The Stone Age nos presentan un fragmento de ‘Kalopsia’: terror muy psicodélico
• Queens of The Stone Age siguen jugando con nosotros filtrando dos temas (buenos) de …Like Clockwork
• Queens Of The Stone Age nos presentan ‘I Appear Missing’ y nos dejan desconcertados
• Queens of The Stone Age estrenaron ‘My God is The Sun’ en el Lollapalooza brasileño

Parece que Josh Homme y los suyos no se cansan de estar en boca de todo el mundo. Todos los medios van a casi post diario dedicado a hablar de todas las novedades que Queens Of The Stone Age van soltando hasta que llegue la fecha, cada vez más próxima, para que todos podamos echarle el guante al ansiado …Like Clockwork. El 4 de junio está a la vuelta de la esquina, pero se nos hace eterno para poder escuchar al completo un disco del que ya hemos oído más de la mitad de su contenido.

Tras enseñarnos ayer un fragmento de ‘Kalopsia‘, ahora nos presentan el vídeo de su tema ‘Keep Your Eyes Peeled‘, que ya pudimos oír hace unos días en su versión en vivo y nos dejó un sabor de boca inmejorable. No por nada ha sido una de las candidatas en nuestra querida sección del jitazo de la semana. Esta vez la banda nos lo presenta con otro curradísimo y brillante vídeo de Boneface, que está haciendo maravillas para decorar este nuevo trabajo de #veryconservative y su pandilla.

Los que ya hayan oído la versión en directo no se encontrarán nada nuevo, pero eso no es excusa para no ponerse este tema una y otra vez en bucle. Ese riff de guitarra tan basto y oscuro que suena mucho a Stoner, pero pasado por un pozo de brea. Una línea de bajo sucia y adictiva que nos llama al palotismo y Homme volviendo a hacer gala de gran vocalista. Con todo lo que llevamos oído de …Like Clockwork, casi seguro que el regreso de Queens Of The Stone Age después de tanto tiempo va a ser uno de los más sonados y destacados del año. Y este tema será una grandiosa apertura para el álbum.

Se lo han montado bien Queens of The Stone Age con la maquinaria promocional del inminente nuevo disco de estudio, …Like Clockwork, que estará en la calle el proximo 4 de junio con su nueva compañía discografíca, Matador Records. Hoy tocaba mostrar un fragmento, a modo de resumen, de su nuevo vídeo, el de tema ‘Kalopsia’, y parece que el grupo norteamericano ha vuelto a dar en el clavo.

La banda que comanda Josh Homme ha vuelto a recurrir al artista británico Boneface, que firma también la portada del álbum e hizo el vídeo de ‘I Appear Missing’. Se trata de una película de animación realmente currada que narra una historia de terror muy pero que muy psicodélico, una auténtica pesadilla.

Para el estreno de ‘Kalopsia’, Queens of The Stone Age han activado LikeClockwork.tv, una landing page desde la que mostrarán todo el material videográfico de la banda.

Hay muchas ganas de escuchar este álbum del que ya conocemos casi tres cuartos de su contenido. Mientras tanto tenemos que contentarnos con la premiere en vivo que hemos escuchado de ‘I Sat By The Ocean’, ‘If I Had a Tail’ y ‘Keep Your Eyes Peeled’, que el grupo tocó en un programa de radio belga.

Queens of The Stone Age – …Like Clockwork Tracklist

• 1. Keep Your Eyes Peeled
• 2. I Sat By The Ocean
• 3. The Vampyre Of Time And Memory
• 4. If I Had A Tail
• 5. My God Is The Sun
• 6 Kalopsia
• 7. Fairweather Friends
• 8. Smooth Sailing
• 9. I Appear Missing
• 10. …Like Clockwork

Vía | LikeClockwork.tv
Más en Hipersónica | Queens of The Stone Age también estrenaron ‘Keep Your Eyes Peeled’: será un disco muy variado, Queens of The Stone Age siguen jugando con nosotros filtrando dos temas (buenos) de …Like Clockwork, Queens of The Stone Age nos presentan ‘I Appear Missing’ y nos dejan desconcertados, Queens of The Stone Age presentan ‘My God is The Sun’ en sociedad: para quitarnos el viejunismo a patadas

Llega el momento. Todo este tiempo, toda esta intriga que ellos mismos han avalado con su silencio, ha de verse por fin interrumpida y rota ahora que, ¡por fin! Daft Punk se han dignado a autofiltrar su cuarto trabajo de estudio, Random Access Memories.

En estos últimos dos meses se nos ha estado profetizando una revolución en la música electrónica; una reencarnación del dios del funky en la pareja robótica que se esconde tras los misteriosos cascos que todos conocemos.

¿Está justificado todo este alboroto? Ahora, antes de darle al play, ya os digo que para mí, en absoluto; ni con este ni con ningún otro disco; esto al fin y al cabo no es más que música. Ni más, ni mucho menos. Un lanzamiento más de la industria discográfica que nada tiene que ver con la llegada al mundo de ningún dios o ente alienígena. Así que no, yo no espero ningún tipo de revolución. Y ojo, que nadie se confunda; este redactor es “pro-Daft Punk”, pero no tonto.

Bien, demos al play, que hay ganas; no es para menos: ¡ocho años! Han sido nada menos que ocho largos años los que hemos tenido que esperar para que uno de los proyectos electrónicos más queridos y seguidos del mundo vuelva a poner un trabajo (no orquestal, ¿eh, Tron?) en circulación.

Las expectativas están por las nubes, así que sumemos a eso que la perfección no existe y que la decepción está asegurada… esperemos sólo que no sea muy grande. Empecemos.

Give Life Back To Music

The Game Of Love

Giorgio By Moroder

Within

Instant Crush

Lose Yourself To Dance

Touch

Get Lucky

Beyond

Motherboard

Fragments Of Time

Doin’ It Right

Contact

Esto se acaba; y me quedo con cara de ¿ya está? Es la una y media de la madrugada; me he sacado los auriculares buenos, los que reproducen bien los graves, que uno vive en un humilde piso y no hay necesidad de despertar a los vecinos, y tras pasar una agradable hora y pico con ellos puestos, no puedo pensar en otra cosa que lo de los auriculares ha sido para nada.

Mejor hubiera sacado la copa de ron y me hubiera echado en el sofá en plan lounge… Hará falta un Random Access Memories Remixed para que los auriculares me hagan falta.

Lo reconozco, me ha faltado algo más de caña y me han sobrado unas cuantas electrobaladas que no venían a cuento, pero la sensación general es de que esto no es ninguna revolución pero un discazo en toda regla. No zé si aguantaremos otros 8 años esperando sólo con este Random Access Memories, pero la espera ha merecido la pena.

Ahora sólo me queda ver cómo me bajo de la luna a la que me han subido los androides con ese último ‘Contact’. ¡Menudo disparo!

Random Access Memories en Hipersónica

Sitio oficial | Daft Punk
Escúchalo en Grooveshark | iTunes

En esta segunda parte, además de hablar de Triana, he considerado imprescindible destacar la intervención de Gonzalo García Pelayo, quien jugó un papel fundamental para que la definitiva eclosión del Rock Andaluz acabase teniendo lugar. Muchos no habréis oído hablar de él o lo habréis hecho por cuestiones bastante alejadas de la música (sus vivencias en los casinos de medio mundo), pero espero acabaréis entendiendo que sin él, esta parte del especial no habría sido posible. Para finalizar hablaré de otras bandas importantes en esta historia, relato gracias al cual acabaré dejando la puerta abierta para un posible apéndice al respecto de los herederos de todos los grupos aparecidos aquí. Pero eso será bastante más adelante.

Rodrigo García Pelayo, el ojeador del Rock Andaluz

Volvamos atrás en el tiempo, al momento en el que Gualberto, ex-integrante de los imprescindibles Smash, acababa de abandonar territorio español para ir tras los pasos de Sabicas. La escena Rock sevillana, y andaluza por extensión, acababa de quedar casi muerta mientras que en Madrid, las Grecas y sus productores se ‘inventaron’ el Flamenco-Pop, probablemente influenciados por el legado de Smash y Gong. Algunos proyectos sobrevivieron y otros fueron creados en el lapso entre 1972 y 1974, pero ninguno logró adquirir fama ni verdadera trascendencia histórica.

Este periodo de letargo fue aprovechado por los hermanos García Pelayo, especialmente por Gonzalo, para, tras la experiencia adquirida en la gestión de varios bares musicales en Sevilla, acabar fundando el sello Gong gracias al mecenazgo de Moviplay. Lo que en un principio parecía un hecho intrascendente, acabó desembocando en que la pasión de García Pelayo por la música y, sobre todo, la vocación de experimentalidad de su sello recién estrenado, le llevase a convertirse en el productor de la mayoría de los discos más importantes de la historia del Rock Andaluz.

Alrededor del trabajo realizado por su sello, abierto en 1974, fue creándose una comunidad de músicos que colaboraban e intercambiaban proyectos e ideas gracias a su orientación, hecho fundamental junto al trabajo del hermano de Gonzalo, Javier, quien ya se había encargado de representar a Smash y Gong uno años antes. Aprovechando el dinero que Moviplay estaba haciendo gracias a Gaby, Fofó y Miliki, Gonzalo García Pelayo pudo acometer las inversiones necesarias para inventarse el que sería el fenómeno musical más importante de España en los años 70, centrando su trabajo no solamente en la producción de los álbumes, sino también en la organización de festivales temáticos y permitiendo la participación de todas las bandas bajo su abrigo en los medios de comunicación más influyentes.

Muchos fueron los grupos que pasaron por manos de García Pelayo, destacando entre todos ellos los discos lanzados por Gualberto tras su regreso de Estados Unidos y sus colaboraciones con Enrique Morente gracias a su intermediación, pero fue la unión con Jesús de la Rosa y sus Triana el factor necesario para la auténtica popularización de la escena, la cual ya no era una moda sino toda una realidad.

Después llegarían los años de locutor de radio, apoderado taurino, propietario de medios de comunicación, director de cine, jugador infalible en casinos de medio mundo o de estudioso de la probabilidad y asesor a compañías de juego online, actividades que convierten a Gonzalo García Pelayo en uno de los personajes más interesantes de los últimos 50 años en España. Pero eso es historia para contar en otros lugares (pero se contará).

Triana: desde un barrio, para toda la historia

Volviendo de nuevo a 1973, el fundador de los extintos Nuevos Tiempos, Jesús de la Rosa, creó Tabaca, banda que sería la antesala directa de Triana. Fue en Tabaca donde conoció a Eduardo Rodríguez, persona junto a la cual crearía Triana tras la inclusión de ‘Tele’ Palacios como batería y percusionista y posteriormente de Manolo Rosa, aunque tuvo una participación inestable y residual sin llegar a ser reconocido como miembro oficial de la banda.

Estando ya conformado el trío (o cuarteto si nos ponemos en plan riguroso) comenzaron a trabajar en el single ‘Recuerdos de una noche/Luminosa Mañana‘ junto al controvertido (en la actualidad) Teddy Bautista, quien maravillado por el potencial del combo formado por Jesús de la Rosa, los puso en contacto con Gonzalo García Pelayo para que el mecenas lanzase la producción desde su sello Gong. El entusiasmo mostrado por García Pelayo y el talento de Jesús de la Rosa hicieron el resto, El Patio estaba listo para escribir una de las páginas más brillantes del Rock patrio.

Sin embargo, el camino no iba a ser nada sencillo. Tras ser ignorado durante más de un año por parte de los medios de comunicación, a pesar del fuerte empeño de Gong y García Pelayo, El Patio finalmente acabó adquiriendo parte del reconocimiento merecido, aunque sería mucho tiempo después su calificación como disco seminal y adalid de un género netamente español.

Una vez alcanzada la fama, y espoleados por una escena que crecía en importancia de su mano, Triana volvieron a entrar an estudio para grabar Hijos del Agobio, disco continuista en lo sonoro pero arriesgado en lo letrístico, mostrando a una banda sevillana muy comprometida con los dramas sociales que sufría la sociedad española de la época, haciendo especial hincapié en la situación de la juventud y el drama generacional del que era protagonista (ejemplo de que la Generación X también tenía presencia en España, todo ello de la mano de la, ahora fallida, Transición Democrática).

Ya en 1979 Triana lanzaron Sombra y Luz, su disco definitivo, el cual para un servidor es el más excitante de todos los pertenecientes a su discografía. Probablemente influenciados por la experimentación de Robert Fripp y sus King Crimson, de los que Jesús de la Rosa era un seguidor incondicional, Triana lanzaron uno de los álbumes más arriesgados e inclasificables de la historia de la música española, obteniendo además un resultado más que interesante. Curiosamente, o paradójicamente, este fue el disco que más fama les otorgó (a pesar de lo experimental), permitiéndoles aparecer en múltiples ocasiones en medios de comunicación y llegando a ser conocidos en toda la geografía española.

Más tarde llegarían los diversos intentos pop tras el estallido de la Movida Madrileña, despojándose de todo elemento progresivo. Dejaron de grabar buenos discos, pero aún demostraron ser capaces de producir buenas canciones, como la archiconocida ‘Tu Frialdad‘. Importantes giras tuvieron a Triana como protagonistas, pero quizás por no contar sobre el escenario con el apoyo de García Pelayo, no fueron capaces de refrendar el talento que sí habían demostrado en el estudio.

Los Triana verdaderos, no los aparecidos por la exhumación de un cadáver que debería haber sido sagrado, murieron cuando Jesús de la Rosa tuvo un accidente en 1983 cuando regresaba por carretera tras participar en un concierto benéfico en Bilbao. Grande fue la conmoción que sufrió la música española, como grande acabaría siendo el mito que ese fatídico 14 de Octubre acabaría naciendo de forma imprevista. Después llegarían los intentos de reunión, los homenajes y los saqueos, pero eso es una historia a la que nadie debería dedicar un solo segundo.

Con la muerte de Jesús de la Rosa moría la primera gran estrella del Rock español y se apagaba la historia de la, probablemente, banda más grande, personal e influyente que ha dado y dará nuestro país. Tres grandiosos discos fue su legado, el cual adquiere un valor aún mayor si sabemos valorarlo convenientemente, es decir, emplazándolo dentro de un contexto del que eran Triana líderes, pero no por ello eran la única banda interesante.

No sólo de Triana vivió la edad dorada del Rock Andaluz

Mientras sucedía todo lo que os he contado con Triana, García Pelayo siguió trabajando con otras muchas bandas, las cuales también tuvieron mucha importancia a la hora de configurar lo que ahora conocemos como la edad de oro del Rock Andaluz. Así fue como aparecieron Goma y Caramelo y Menta con Antoñito de los extintos Smash, destacando los primeros por su interesante ‘14 de abril‘, un disco instrumental de Jazz Rock que reforzaría todo lo mostrado por Gualberto en su debut tras regresar de Estados Unidos.

El sentimiento andalucista difundido por Gualberto, debido a la utilización del Rock Andaluz como vehículo de difusión de la noción identitaria andaluza, acabó desembocando en una posterior utilización de la iconografía de la cultura del Al-Ándalus en 1976, cuestión que tendría su impacto no sólo en cuestiones meramente musicales, sino que se hizo notar en el nombre de las bandas que iban surgiendo, en las letras y en los diseños artísticos de los álbumes.

Abanderados de esta transformación fueron Imán Califato Independiente, quienes debutaron en 1978 con una interpretación muy personal del legado del Sonido Canterbury desde una perspectiva andaluza. Junto a la banda de Jerez de la Frontera surgieron Azahar y Mezquita, siendo el debut de los cordobeses, Recuerdos de mi Tierra, la otra obra cumbre de la edad de oro Rock Andaluz junto al debut de los sevillanos Triana, destacando por un Rock sinfónico que sería el espejo en el que se mirarían poco después Medina Azahara.

El intercambio cultural fruto de la migración entre Andalucía y Cataluña también tendría su impacto en el Rock Andaluz, siendo el Jazz Rock de Más allá de Nuestras Mentes Diminutas de Cai el principal ejemplo junto a Sentiments de los barceloneses Iceberg, quienes recogieron en su álbum varios de los elementos del Rock Andaluz.

A finales de los años 70 llegaría la verdadera explosión comercial de la escena de la mano del tercer álbum de Triana, y los debuts de Alameda y los cordobeses Medina Azahara, cuyo primer álbum se acabaría convirtiendo en el álbum más vendido de todos los pertenecientes al género gracias a su particular combinación del Rock Andaluz con un incipiente Heavy Metal. En 1979 llegó La Leyenda del Tiempo, disco en el que Camarón cogió el guante de todas estas bandas electrificando su sonido gracias a la colaboración de músicos de la talla del omnipresente Gualberto.

Muchos afirman que la edad de oro del Rock Andaluz duraría hasta 1985, pero personalmente considero que el paso de Triana al Pop tras el nacimiento de la movida significaría el fin de los años más brillantes para el género. Décadas después nacieron bandas revival o influenciadas por el Rock Andaluz como Estirpe, El Bicho o Viaje a 800 o ejercicios como la colaboración entre Enrique Morente y Lagartija Nick, pero de esto, como os he dicho antes, puede que os hable dentro de unas semanas.

Cuando el prog español estuvo a la altura

Vale, Josh Homme, no se a que estás jugando conmigo y con las ingentes cantidades de fans que tienes repartidos alrededor del globo, pero no nos marees ni a mi ni a ellos. Ya llevamos casi seis años sin oír un nuevo disco de Queens Of The Stone Age desde el menos lucido (que no flojo, ojo) y experimental Era Vulgaris, y de repente nos llegaste con un trallazo bajo el brazo como ‘My God Is The Sun‘.

Nos dejaste con los ojos como platos y conseguiste que nuestras ansias para poder escuchar …Like Clockwork crecieran de manera exponencial, por si no estaban ya lo suficientemente altas con la enorme gala de invitados que iban a estar presentes en el disco, que no te pienso enumerar porque ya los conoces de sobra. Ahora nos vienes con otro adelanto de este esperado disco, ‘I Appear Missing‘, y la sensación que nos dejas es un poco de desconcierto y de frialdad.

Bueno, vale que no es la versión completa del tema, ya que esta dura tres minutos y la del disco iba a durar seis, y que el vídeo que le has encargado a Boneface está realmente currado, pero este tema me recuerda a esos experimentos con gaseosa sin gas que había en Era Vulgaris. Un poco a medio gas aun teniendo en cuenta que aquí has decidido optar por tu faceta menos inmediata y más lisérgica. De todos modos, te voy a aceptar pulpo como animal de compañía y este tema como aceptable, pero ten cuidado, no quisiera que …Like Clockwork acabara resultando un disco plano e insulso. Aun confío en que tengas escondidos unos cuantos pepinazos más, y también temas menos directos pero con mejor resultado y más brillantez que este. No juegues con mis esperanzas. Avisado quedas.

Vía | Página oficial

Desgraciadamente llegaron el segundo y tercer disco, An End Has a Start primero e In This Light and on This Evening después, para que lo que parecía la ascensión de una banda al selecto grupo de mis favoritas, acabase desembocando en la peor senda que puede transitar un grupo, la intrascendencia. Obviamente en ambos álbumes aún había temas destacables, sobre todo en el segundo, y la voz de Tom Smith seguía brillando como siempre, pero la repetición de la fórmula o el giro al Sinth-Pop posterior me acabaron despertando de ese feliz sueño.

4 años después Editors regresan con ‘A Ton of Love‘, el adelanto del que será su cuarto disco, The Weight of Your Love, el cual se pondrá a la venta el próximo 1 de julio. Ante este lanzamiento no es que no tuviese expectativas, es que el enfriamiento en mi relación con la banda no me había permitido siquiera enterarme de que seguían en activo, jugando los 4 años de parón y el mastodóntico recopilatorio de material desechado You Are Fading I-IV un papel fundamental en mi alejamiento definitivo de la banda.

Editors regresan convertidos en quinteto este 2013 para intentar recuperar la atención de los fans perdidos por todos estos traspiés de los que os acabo de hablar. Tom Smith cree que una guitarra más será suficiente para esa reconciliación que muchos esperamos. Sin embargo, atendiendo a lo mostrado por el tema de adelanto (que podría formar parte de la parte más insulsa de la discografía de U2 o Coldplay), la reconciliación está más lejos que nunca. Puede que alguno caiga en la trampa de las ‘enérgicas’ guitarras del tema, pero yo y otros muchos pensamos que donde Editors mejor se mueven es precisamente donde el protagonismo de las guitarras desaparecen y melancolía y la quebrada voz del vocalista toman el mando.

Claro, que para brillar en esas tesituras hay que tener cosas interesantes que contar, y en el camino hacia la intrascendencia eso es una quimera.

Editors – The Weight of your Love: Portada y Tracklist

1. The Weight of Your Love
2. Sugar
3. A Ton Of Love
4. What Is This Thing Called Love?
5. Honesty
6. Nothing
7. Formaldehyde
8. The Phone Book
9. Two Hearted Spider
10. Hyena
11. Bird of Prey

Vía | TanakaMusic

Más de Editors en Hipersónica An End Has A Start – Editors | Editors estrenan el vídeo de ‘Papillon’ en VidZone de PS3