Primero conquistaremos Manhattan es una sección sobre las canciones que abren los discos. Sobre lo que representan, por qué se escogieron, por qué salen mal o bien. Sobre elegir algo que va a durar siempre ahí, en esa posición, y que acabará significando algo para los demás sólo por el mero lugar que ocupa.

Seis años después de la separación de Slowdive, ya nadie le pedía a Neil Halstead y Rachel Gosswell explicaciones. Como vimos, el aura del grupo, y su influencia, tardó años en volverse tan grande como ahora lo es. Pero cuando se publicó Excuses for Travellers, en el año 2000, ya solo interesaba lo que hacía en Mojave 3. Y, aun así, se veían sus dos primeros discos, Out of Tune y Ask Me Tomorrow, como exploraciones turísticas por el folk-rock de la Costa OEste y el Big Sur.

‘In Love With a View’, la canción que abrió Excuses for Travellers en el año 2000, fue el anuncio definitivo de que todas las dudas estaban fuera de lugar. Si Slowdive siempre habían estado interesados en construir las canciones partiendo de las capas de sonido, Mojave 3 era el vehículo de Hastead, Rachel Goswell y Ian McCutcheon para honrar a la composición más tradicional: una acústica, un empezar a probar notas, un acabar construyendo monumentos.

‘In Love With a View’ lo es: se desviste como una canción pendular, que a lo largo de sus seis minutos va subiendo y bajando en intensidad a gusto del grupo. No es épica, porque nunca deja de estar cantada y tocada como un susurro, pero sus oleadas de dulzura y emotividad van bañando la costa en la que, como oyentes, nos situamos. Su slide guitar, portentosa, humedeció un día de 2000 mis ojos por primera vez y, 26 años después, ahí sigue: si es un truco emocional, es el más perfecto del mundo.

Mojave 3, en Excuses for Travellers, van a sonar más a desierto que en cualquiera de sus demás discos. Por eso es importante que ‘In Love With a View’ nos abra la puerta, con sus lalalás dulzones surfeando la electricidad y su parón final.

Por eso, y por su letra: si Mojave 3 son un grupo británico enamorado del folk estadounidense, ‘In Love With a View’ es una canción sobre estar enamorado, pero no de una persona, sino de la imagen idealizada que tienes de ella.

“I had a plan that was built on thinking too long” es una de las mejores frases de inicio de disco que recuerdo. Así nos estrellamos muchas veces contra la realidad: construyendo planes demasiado meditados, intentando domar la realidad.

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Lo último que supimos de ellos en lo discográfico fueron dos singles en 2020. No es precisamente momento de hablar de System of a Down como una banda viva. Lo está, eso sí, en la mente de cualquiera con un mínimo de curiosidad musical, capaz de pensar en ‘Chop Suey!’ y hasta algún tema más. Por ello pueden permitirse hacer una gira europea cualquiera y seguir aparentando que son una banda de metal top en el planeta.

Nada mal para una pandilla de descendientes de inmigrantes que entrelazaban mensajes de denuncia política donde al menos la mitad del grupo estaba de acuerdo con el contenido, y una exploración de los límites experimentales del nu-metal sin dejar de tener alcance masivo. Así que le hemos quitado el polvo al chándal (ya discutimos cuánto de nu-metal hay en ellos), nos liamos la manta a la cabeza, y repasamos cada uno de sus discos. Uno a uno, que no son tantos, y cada uno tiene sus cosillas guapas que merecen ser celebradas.

System of a Down (1998)

Serj Tankian y Daron Malakian fueron cruzados por el destino alrededor de 1992, cuando ambos estaban en proyectos diferentes. Tras congeniar, decidieron formar un grupo llamado Soil, con roles similares a los que tendrían luego, pero con Tankian tocando también los teclados. Tras un único concierto, sus compañeros de banda se marcharon, y su manager Shavo Odadjian tuvo que sumarse tocando la guitarra y, posteriormente, el bajo.

Soil como grupo terminó, y ellos continuaron bajo el nombre de System of a Down1. Tras probar con Ontronik Khachaturian de batería, y tras grabar varias demos, finalmente encontraron batería permanente en John Dolmayan. Tras tocar varios shows, captaron la atención de Rick Rubin, que los fichó para para su sello American/Columbia, y les produjo su primer trabajo, de título homónimo.

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El tiempo es inmisericorde y pasa para todos. Sí, ya han pasado 25 años desde 2001, y todas esas películas que te gustaban en tu juventud ya estarían en la universidad a estas alturas. Y aunque no pueda parecer en principio un año fuerte o plagado de clásicos incontestables, es uno plagado de films realmente interesantes, desde transgresoras obras de cine de autor e incluso algún blockbuster que marcaría tendencia.

Los distintos redactores de Hipersónica, como ya hiciéramos con los discos, hemos recogido algunos de los films que más nos gustaron de aquel año, los hemos explicado como buenamente hemos podido, y llegamos a la conclusión más lógica: 2001, gran año.

A.I. Inteligencia Artificial

Intentando terminar la turbia historia de deseo y voluntad de Stanley Kubrick dentro de la ciencia ficción androide, Steven Spielberg acaba creando un Pinocho oscuro disfrazado de fantasía aventurera y alucinante. Otra aproximación genial al género que luce de narices todavía hoy y que mira de manera agridulce el amor familiar encapsulado en el modelo normativo.

Baby Boy

Tras una irregular trayectoria siguiendo a su gran éxito con Los chicos del barrio, John Singleton decidió volver a las raíces tras el agridulce resultado de su versión de Shaft. Otra acertada exploración de la vida de los jóvenes afroamericanos en barrios marginales, con una interesante torsión con respecto a su ópera prima mostrando el estancamiento en una inmadurez permanente (mostrada por un fascinante plano inicial).

Donnie Darko

Destinada al culto desde su misma concepción, la peculiar obra de ciencia ficción de Richard Kelly se ha planteado como una obra de singular carácter que, sin embargo, no renuncia a referencias populares de los ochenta para hacer accesible su propuesta. Una obra particular sobre la fragilidad de la mente, del venenoso conservadurismo rancio de la era Reagan y de viajes en el tiempo muy confusos de seguir.

El espinazo del diablo

La primera película localizada en España de Guillermo Del Toro donde ya se consolida su particular sensibilidad a la hora de contar historias de monstruos en escenarios de época. Ataja también la Guerra Civil Española y la dictadura franquista por primera vez, explotando de nuevo su habilidad para mostrar a otros como los verdaderos monstruos e hilándolo con una historia de descubrimiento juvenil en forma de sencilla fábula terrorífica.

El hombre que nunca estuvo allí

Da la sensación a veces de que los hermanos Coen tendían a compensar cada película más aparentemente grande con una pequeña digresión o gracieta que, en ocasiones, termina siendo más guay que las importantes. Tomemos como ejemplo este retorcimiento más evidente del cine noir, donde todos los involucrados parecen estar a un nivel fantástico. Aquí los hermanos consiguen de nuevo el logrado equilibrio de «esencia noir» y «cotidianidad que cae en lo absurdo» que ha marcado buena parte de su carrera.

El señor de los anillos: La comunidad del anillo

Tan fabulosa como película de presentación de grupo como película de intentar construir esperanza teniendo la oscuridad en el umbral de la puerta (o de la comarca). El inicio de la trilogía estuvo por delante de todas esas películas con ánimo de iniciar franquicias, que presentan tenues elementos que tendrán lugar en las siguientes entregas (o te colarán en un videojuego), y por eso nunca renuncia a ser una película de entidad propia, que hace que sus varios personajes tengan sus conflictos y te puedas enamorar de ellos.

Suma a ello una habilidad increíble para saber a qué renunciar y a qué no de los libros originales, además de un acercamiento visual único y característico de Peter Jackson que mantiene esto en el umbral del fantástico puro, y tienes una joya.

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Hi, personicas

Ha tardado en venir esta nueva ronda de metaladas, pero mejor ahora para que tengáis un verano bien completito con blastbeats, guitarras aporreadas y gente que grita como si se hubiera dado con el meñique en el borde de la puerta. Al lío.

El disco del mes: Panopticon - Det hjemsøkte hjertet

Vamos (voy) casi por defecto a excelear cualquier cosa que vaya sacando el bueno de Austin Lunn, o incluso las huellas de sus botas en el barro, pero es realmente encomiable cómo sigue dominando una parcela del metal extremo que ha forjado principalmente él, y que continua expandiendo de manera rica y arrolladora. Ahora concluye una especie de trilogía especialmente sentimental y melódica donde no deja un solo disco que no sea alucinante.

Det hjemsøkte hjertet es un cierre de altura a una serie de discos donde vuelca vulnerabilidades y pérdidas emocionales que procesa a base de blastbeats y riffs encendidos que son atravesados por cuerdas sinfónicas de altura. Como parte de una saga, tiene cierto carácter continuista en sus piezas que, sin embargo, llena de vigor con una ejecución sublime que sigue despertando sensaciones en el interior de quien escucha. Sigue a un nivel inalcanzable para la mayoría, manteniendo a Panopticon como el proyecto de metal más vibrante de las últimas décadas, y sólo queda curiosidad sobre a dónde decidirá llevarlo a continuación.

Oldowan Gash - 1000 Dreams of War

A Forest of Stars - Stack Overflow In Corpse Pile Interface

Detrás de esa estrambótica portada no parece que se oculte una de las bandas más experimentales del black metal, pero quizá sí una de las más psicodélicas. Este grupo inglés de tendencias avant-garde suele espaciar bastante sus lanzamientos porque tal es su ambición por redefinir no sólo su estilo sino qué puede ofrecerse desde lo extremo.

Stack Overflow In Corpse Pile Interface tiene tendencias hacia la psicodelia más marcadas, aunque esquiva los lugares comunes de otras bandas que experimentan con la lisérgica y el black metal. La habilidad maximalista de A Forest of Stars aquí toca lo barroco (en sensación, no es un sentido académico) en ocasiones y da para una serie de piezas cargadas de momentos asombrosos además de ser bastante inabarcables.

Silaera - An Aberration of the Void

Poco recorrido por el momento de Silaera, pero en su primer largo la banda angelina muestra un músculo bastante arrollador en cómo deciden abordar un black metal de atmósferas más que melodías. Ciertamente no parece el caso teniendo en cuenta la brutalidad con la que tocan, pero hay una producción fantástica dándole vuelo y rango a ese notable An Aberration of the Void.

Draconian - In Somnolent Ruin

Este espacio no es precisamente inocente de dejarse llevar por el hacer efectivo de gente veterana del doom gótico. Pero la consistencia de Draconian suele ser envidiable, siempre sacando resultados próximos a lo notable y con algún punto especialmente brutal y emocionante. No ha sido excepción este In Somnolent Ruin, otro ejemplo de hacer lucir los cánones y que siga vibrando su melancolía.

Elder - Through Zero

Era fácil desestimar la capacidad de Elder para regenerarse tras lo que parecía un estancamiento seguido a un par de discos sensacionales, donde la etiqueta progresiva no les pesó en absoluto para impresionar a gente que podía agarrarse a su hibridación de sludge y psicodelia bárbara. Hemos visto toneladas de ejemplos de bandas en su género quedar ensimismadas y falta de interés fuera de cafeteros del nicho. Es encomiable como la banda, ya más bajo la batuta de Nicholas DiSalvo que nunca, suena siempre reconocible pero ya está en otro punto diferente al de hace una década. Para bien.

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El tiempo es inmisericorde y pasa para todos. Sí, ya han pasado 25 años desde 2001, y todos esos discos que te gustaban en tu juventud ya estarían en la universidad a estas alturas. Algunos ya hasta se pueden considerar ya rock clásico. Lejos de la anécdota, este esfuerzo nostálgico viene a remarcar que sí, aquel fue un año bastante fundamental para la educación musical de muchos, tan sólo por la cantidad de discos alucinantes y esenciales que salieron entonces.

Los distintos redactores de Hipersónica hemos recogido algunos de los discos que más nos gustaron de aquel año, los hemos explicado como buenamente hemos podido, y llegamos a la conclusión más lógica: menudo año más brutal fue 2001.

Angels of Light – How I Loved You

Si hubiera que destacar sólo uno de los proyectos paralelos de Michael Gira, ese sería The Angels of Light. Hay varios motivos para ello, pero el más fuerte de todos es un disco como How I Loved You, donde acompañado de Dana Schechter, Christoph Hahn, Birgit-Cassis Staudt, Thor Harris (ese hombre) y Bliss Blood se aleja de las estridencias sonoras de Swans para abrazar el country gótico y el Folk desgarrador y realizar piezas estremecedoras y emotivas.

Björk – Vespertine

Vespertine llegó en uno de los momentos de mayor popularidad que Björk seguramente haya tenido jamás. Popularidad llena de controversia, algo habitual en la islandesa. Tras un año en el que su labor de actriz le trajo gran provecho profesional, pero un peaje en lo personal de la leche. Existía entonces gran curiosidad por si su mente podría alcanzar de nuevo la introversión necesaria para seguir en la línea de sus maravillosos discos previos. Aunque probablemente toda esta ceremonia previa, como muchas de las leyendas que envuelven a los grandes discos, no tenga base real en absoluto.

Lo cierto es que Björk siempre ha dicho que Vespertine nacía en ‘All is Full of Love‘, el último corte de su predecesor, Homogenic (uno de los mejores álbumes de la historia, por si hacía falta sumar un poquito más de presión). Y esa tendencia minimalista, con melodías de cuerdas llenas de magia y tensión vocal abrumadora, ahí siguió. Entre ‘Hidden Place‘, ‘Undo‘, ‘Pagan Poetry‘ o ese precioso final de ‘Unison‘. La figura de Björk trascendía lo musical. Hablamos de un absoluto icono pop, de una creadora inabarcable, que confirmaba con Vespertine (y con sus discos posteriores) que, como ella, nace una en un siglo.

Black Rebel Motorcycle Club – B.R.M.C.

Probablemente hay pocas cosas que griten más a viva voz «2001» que Black Rebel Motorcycle Club. El grupo de rock garagero ya ha caído en desgracia, prácticamente desaparecido en la actualidad, pero cautivaron enormemente en su momento con un álbum debut arrebatador, sexy, canalla y deslumbrante. Canciones como ‘Love Burns‘, ‘Spread Your Love‘ o ‘Rifles‘, con su desparpajo y su fuerza, poseían un magnetismo al que no nos pudimos resistir y terminamos abrazándolos a ellos con fervor. Luego les costó horrores poder replicar aquello. Fue un buen trile, pero nos dio mucho entonces.

Converge – Jane Doe

De un plumazo, Converge pasaron de grupo hardcore de nivel medio a uno de los grupos más esenciales del metal de este siglo con un disco que los propulsaba a otro nivel en muchos aspectos. Jane Doe es un disco que te devora sin piedad desde el minuto uno, con una velocidad vertiginosa y un colmillo feroz unidos a una perfectamente integrada exuberancia técnica que convertía ya en una realidad esa tendencia que conocemos como mathcore.

La banda de Salem encuentra además la manera de equilibrar todo ese crecimiento técnico con unas canciones urgentes, extraordinarias, que alzan todavía al disco como su obra a superar. No faltaron grandes discos posteriormente, pero este siempre será especial. Su influencia todavía es palpable.

Emperor – Prometheus: The Discipline of Fire & Demise

Prometheus: The Discipline of Fire & Demise supondría el final de la carrera de Emperor y el inicio de la de Ihsahn en solitario (de hecho algunos ya consideran al álbum como un proyecto personal del noruego). Su despedida era la culminación a sus ambiciones, que la llevaron a ser la banda de black metal más compleja de toda la generación del inner circle.

Un disco perfectamente trabajado a todo nivel, desde la ejecución técnica a su producción, donde su líder explora toda las dobleces posibles a su sonido mientras sigue ofreciendo un abrumador esfuerzo de rama sinfónica del género.

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Arqueología del indie es una sección de Hipersónica donde rescatar discos perdidos, grupos olvidados y todas esas historias de perdedores morales (o no) en un cajón del que nadie se acuerda, o simplemente trayectorias concretas de los grupos de guitarras que nos flipan

El profuso mundo del underground norteamericano dejó cantidad de grupos desde finales de los 80s, y sobre todo durante los 90s, que quedaron tapados por las grandes oleadas de los conjuntos gigantes que estaban fichando por las majors y que conquistaron el mundo tras el catecismo de la santa Trinidad del indie rock: Sonic Youth, Pixies y Dinosaur Jr., cada uno con su estilo y bases para que cada cual eligiese el camino a seguir. Uno de aquellos grupos de segunda fila pero con puñados de muy buenas canciones, alguna, si no memorable, muy cerca, fue Eleventh Dream Day. Y que tardaron poco en llegar a otra multi, aunque no fue algo disruptivo en su carrera. Hubo buena recepción de la crítica al principio y presencia en alguna lista, pero pasaron desapercibidos para grandes audiencias. Nada nuevo bajo el sol en EEUU, donde a veces hay que predicar primero en Europa para después regresar como hijo pródigo. Una historia bastante común allá fuera de los verdaderos gigantes.

Un grupo, además, emparentado y colega de los buenazos —en todos los sentidos— de Yo La Tengo, con quienes giraron (también lo hicieron con The Chills). Aunque empezaron como cuarteto, han compartido la mayor parte del tiempo el modelo de formación: un cantante y guitarrista que era un virtuoso, como Kaplan; Rick Rizzo, una mujer en la batería que también cantaba, Janet Beveridge Bean, por Hubley; y un bajista que sí sonará algo más, Doug McCombs (Tortoise, Brockeback), por McNew. Aún en activo, con su último largo en 2021, Since Grazed (Comedy Minus One, 2021), Eleventh Dream Day es un grupo fascinante en el que quedarse a vivir: por ese indie rock aguerrido, estribillos ganadores, punteos de guitar hero y una buena dosis cowpunk. El pasado abril se reeditó digitalmente uno de sus grandes discos, Lived to Tell (Atlantic, 1991), con tres temas inéditos. Maravillosa excusa para entrar de nuevo.

Esos desconocidos que tocan al lado de tu casa

Es uno de esos grupos que se sumaron al indie rock cuando aún estaba en pleno desarrollo, cuando las formaciones que pusieron las primeras piedras de toque aún eran jóvenes y era el turno de darle forma a ese sonido que nacía y que conquistaría el mundo. Algunos de ellos siguen en activo  , y son a los que podemos considerar los definidores del indie rock moderno, los que perduran en el imaginario colectivo. Por el camino, otros de la época han caído en el olvido a pesar de su calidad, e independientemente de que hoy sigan en activo, continúan en sellos importantes pero ya pasan totalmente desapercibidos.

Uno de esos casos es el del conjunto de Chicago, supervivientes de los 80s que importan, y sepultados por la sombra que proyectaban en la siguiente década quienes se beneficiaron o repitieron hasta la saciedad las fórmulas de sus predecesores —también, todo hay que decirlo, les faltó un disco que rompiera y pudiera competir con otros—, y con unos 2000 bastante irregulares. Pero fue en esa franja finales 80s-90s cuando tuvieron su fase de mayor efusividad productiva. Un grupo, en definitiva, cuya interesante trayectoria e historia merece ser rescatada.

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Some say a man ain’t happy
Unless a man truly dies
Oh why
Time, time

Dejadme decir que Prince se murió pronto por muchas cosas: por la edad, sí, se murió con 57 años pero también porque, cuando llevas desde los 90 enganchado a su obra (a la buena y a la mala) y viendo cómo, poco a poco, se le trata como mero chiste… siempre albergas la esperanza de que llegase el momento de la venganza de Prince. De un manotazo, con otro disco de los que te asombran. Él, que había demostrado tantos años lo absolutamente excepcional que era (por bueno, sí, pero también por fuera de lo común), podía volver a hacerlo, de manera que sus fans saldríamos de la cueva para decir “os lo dijimos, hijosdeputa”.

Bueno, si quisisteis escuchar, lo hizo en parte: en sus últimos discos había muchas sorpresas escondidas sepultadas por el desdén de “aquí viene otra vez el raro”. Y algo hay que reconocerle: raro lo fue a propósito, como el que más, queriendo que en su música se reflejase todo ese carácter excéntrico que le hacía sentirse sexy (qué tío, qué portada la de Lovesexy). Mientras gente como Rick James afrontaban, desde una Motown en horas ajas, los años 80s apostando por el escándalo precocinado… Prince era un escándalo en sí mismo. Y su música, un auténtico escandalazo. De buena, claro. Y del sexo que supuraba también.

Dirty Mind (1980) / Controversy (1981): Recibiendo los 80 con la boca sucia

A Prince se le llamó “genio”, en los 80, porque casi desde el comienzo de su carrera, hizó un órdago a grande. Apostó a mezclarlo todo, y si tenía que tocarlo todo también, lo hacía. Los 80 son su década, su época mágica, sus dominios. Los 80 de Prince son una sucesión de maravillas que te obligan a arrodillarte: son el mainstream implosionando y haciéndose más grande (recordemos que la crisis de la Disco Music estuvo a punto de tumbar a toda la industria) gracias a un tipo indefinible y orgulloso de serlo.

Decíamos que Prince lo tocaba todo, y su primera incursión en los 80 lleva esa impronta. Dirty Mind (1980), su tercer disco, lo grabó en su casa así, follándose las barreras de los géneros para unir el funk y el sonido motown, tan negros, con la new wave, bastante más blanca. Le salían así jitazos (‘Where You Were Mine’), funk adelantado dos décadas (‘Dirty Mind’) o hasta rock&roll. No, nada de sólo rock: el roll, el de contonearse y enseñar la bestia parda que puedes ser, estaba muy, muy presente. Porque sus discos hablaban de tríos, de mamadas, de irnos a la cama y de no salir de ella hasta que estemos agotados. Parental Advisory Music: le habría venido guay la etiqueta. Dirty Mind deja ya trazas de lo absolutamente poderosa que es su voz, tan llena de matices (‘Gotta Broken Heart Again’) y de lo mucho que las canciones se le van a la pista de baile (‘Partyup’).

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De todos los grupos que lo empezaron a petar con el comienzo de siglo, The Strokes eran los que tenían encaje más complicado en aquel “post-punk revival” que fue algo cajón desastre. Principalmente porque The Strokes no tenían tanto sonido post-punk, ellos siempre quisieron sonar a Nueva York. Gente como Interpol también era de Nueva York, pero estaba claro que querían sonar a Joy Division a toda costa. No ellos. Ellos ponían velas a la Velvet Underground y le rezaban a Jonathan Richman. La gente buena, vaya.

Is This It lograba ser una perfecta encapsulación de sus ambiciones, con canciones maravillosamente pulidas por los arañazos de desgaste sobre el escenario y por el furor juvenil que marca las letras de Julian Casablancas. Canciones que suenan jóvenes, incluso ahora, aunque están empezando a ver llegar el autobús de la adultez. Un autobús al que los Strokes tardaron mucho tiempo en asumir que se tenían que subir, aunque cuando lo hicieron sacaron su estupendo The New Abnormal.

El segundo disco tenía que llegar pronto. Llegaban otros grupos, y les iban a comer la tostada que les había costado cocinar en esa tostadora cromada un poco oxidada. Tenían tantas ganas que no tuvieron paciencia con Neil Godrich. Querían ir un poco más allá, pero al final se encontraron más cómodos manteniendo lo que funcionaba. Esa tensión no lastró Room of Fire, de hecho con el tiempo lo hizo tan interesante o más que su estreno.

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Artista/Grupo: The Strokes

Disco: Is This It

Género: Garage Revival, Indie Rock.

Puesto en la lista: 68

Hay otros discos suyos en la lista: No.

¿Sale en otras listas canónicas?: Rolling Stone (114), NME (7), The Observer’s The 50 Albums That Changed Music (48) y 1001 discos que escuchar antes de morir.

¿Qué se decía entonces?

Esto es de lo que están hechas las leyendas. Grabado en un estudio situado en un sótano de la Avenida A de Manhattan, donde el aire estaba cargado de humo de cigarrillo y tres fotos de un catálogo de Victoria’s Secret pegadas con cinta adhesiva a un armario servían de inspiración, el álbum debut de The Strokes es puro rock & roll neoyorquino: toda la agresividad del asfalto gris envuelta en la elegancia del cuero negro. Hace menos de un año, los Strokes repartían folletos de conciertos a fans desinteresados en los conciertos de Weezer; ahora, son protagonistas de portadas de revistas británicas, el flechazo de las colegialas (suponiendo que conozcas a las colegialas adecuadas) y, ya, la envidia de la gente guay.

En pocas palabras, The Strokes reúnen todas las cualidades que el rock and roll exige a sus mejores exponentes, y Is This It es donde todas ellas confluyen. Algunas son evidentes: las narraciones arrastradas del cantante Julian Casablancas, el sonido metálico de las guitarras de Albert Hammond Jr. y Nick Valensi, la grabación sin complicaciones, y el bajista Nikolai Fraiture y el batería Fabrizio Moretti dedicándose con alegría a hacer música. Pero, más allá de eso (y al igual que, por ejemplo, Definitely Maybe de Oasis antes que él), Is This It es el testimonio de un grupo que aprovecha el momento y lo hace totalmente suyo.

Si eres de los que esperan que este sea uno de los álbumes más importantes de todos los tiempos, lo más probable es que dentro de unos 18 meses estés diciendo: «Siempre los he odiado». Sin embargo, si te acercas a este álbum tal y como es —una visión sencilla e ingeniosa de la vida moderna—, te resultará, en general, muy agradable.

¿Qué se dice ahora?

La contagiosa rebeldía de ‘Someday’ y ‘Last Nite’ renovó los sonidos vanguardistas de generaciones previas como la arrogancia callejera de The Velvet Underground o Iggy Pop, el romanticismo herido de The Smiths o los comienzos de The Cure en música pop perfecta para bailar. En un mundo ideal, el primer nombre que aparecía al pensar en Nueva York durante el otoño de 2001 sería The Strokes. Su debut, y todo lo que este encierra, se transformó en el emblema de una generación que trató de pasarla bien durante una época muy difícil.

Elaborar un canon que pretenda cubrir las diferentes evoluciones de la música, los géneros que marcaron época, se puede pegar un tope cuando determinados momentos estaban marcados por música del pasado. Simon Reynolds elaboró en Retromania cómo la primera década del siglo XXI estaba sonando a lo mismo de décadas anteriores. El pop estaba obsesionándose con sus versiones previas.

Por supuesto que en esa época salieron cosas nuevas y alucinantes, pero no eran a las que se prestaba atención, y por tanto las menos proclives a ser recordadas por las listas canónicas. En su lugar, se topa con la paradoja de representar esta época como la recordamos: la era del revival, la de grupos nuevos con los que conectábamos, pero estaban emulando música del pasado de igual manera que en nuestros voluminosos PCs volcábamos juegos del SNES porque podíamos meterlo a cholón. Te topas así en la situación de condensar este periodo a base de repetir cosas ya incluidas, contribuyendo a la falta de diversidad que suelen darse en estas listas.

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Nos vamos de vacaciones hasta agosto. Eso significa que no habrá ni Valladolid ni tiers semanales, pero no que no vaya a haber sorpresas durante estas semanas.

No más pasta a la IA (bueno, esa)

Con Deezer cantando un poco las cuarenta al resto en temas de IA generativa en la música, Tidal ha decidido dar otro paso para mostrarse como baluarte del consumidor que quiera rechazar la mierdificación. Además de tener su propio sistema de detección de música generada con estas herramientas, va a atajar sus intenciones de sacar beneficios.

• En un comunicado han compartido su intención de marcar a partir de mediados de julio las canciones subidas que tengan trazas de IA, y de eliminar su monetización en el proceso. Además, piensan volcar la responsabilidad de señalar el contenido con IA a las distribuidoras antes de subirlo a la plataforma. Una medida ya tomada por Bandcamp, que sirve para ir generando una alianza alternativa… al menos con esta IA concreta.

Cuida tus estanterías

Aunque una tenga más que ver con jueguicos, hay dos noticias recientes de Sony que han despertado las alarmas recientemente. Una es el borrado de películas compradas digitalmente en su plataforma VOD, mostrando una vez más que en el mercado no físico lo que adquieres son licencias de uso que pueden expirar. El otro es su decisión de dejar de vender discos físicos en 2028.

• De nuevo, esto último afecta a los videojuegos, pero ya escamó con el anuncio del GTA 6 y manda una señal clara: la posesión del usuario ya no interesa, nos quieren conducir inevitablemente hacia los servidores digitales que mayormente poseen. De ahí, el siguiente paso es que todo sea suscripción.

  • Esto por supuesto afecta si tienes películas en físico. Probablemente ya no habrá consolas con lector de disco, eliminando la posibilidad para muchos usuarios de estas consolas de incluso interesarse por tener discos de películas. Menos consumidores que probablemente se traduzcan en productos más caros a largo plazo para mantener cierta rentabilidad. Todo da asco, amics.

Se siguen librando de la extinción

Todo da asco menos el indie rock bueno. Nunca tardan Dinosaur Jr. en liberarse de la modorra de un disco flojo, y con los guitarrazos de ‘Several Got Away’ mandan a la estratosfera cualquier atisbo de pereza. Temarral serio para anunciar There Near, que sacarán el 28 de agosto con Jagjaguwar. Más motivos para querer que pase el verano.

HOMBRLOBE

Más animales mitológicos que llaman nuestra atención. Robert Eggers sigue moviéndose en el terror y en las épocas medievales con Licántropo (flojísima traducción de WERFULF), donde con una fotografía que parece Los nibelungos nos promete una aproximación particular a los hombres lobos. Pintaza.

• Hablando de depredadores que van a tener una película:

Algo en tu MIRAda me dice que vives enamorada

Pues ya estaría el cartel completo de la próxima edición los días 6 y 7 de noviembre. Esta vez con menos rodeos a la hora de presentar la lista completa de artistas, y que han desvelado en dos tandas.

• A los ya conocidos Amore, Max Cooper, el clásico del electro contemporáneo Anthony Rother como Datapunk, Machine Girl y su fusil de breaks o el gran Martin Rev de Suicide en la cuota de guitarras…

  • Se suma una hornada de nombres muy solvente. Quizá no para volverse loco pero con una serie de artistas sólidos de los que ‘hacen’ cartel. Desde el glitch de Ryoichi Kurokawa en representación de los amigos de los microsonidos y el ruido a la bestia que es en directo Helena Hauff con su techno sin concesiones, hay una buena variedad. Desde la mexicana Debit con sus buenos trabajos recientes (el último, de hace escasas semanas) y amplio abanico, a las ambientaciones de Kavari, el espectáculo de Nosaj Thing x Daito Manabe, que ya pasó hace alguno años por Sónar, muy recomendable; al ambient poderoso de Grand River…

  • Como siempre apostando por gente de la casa con Tutu, y sin olvidar a Space Afrika, que estará presentando nuevo disco, y por supuesto, también en la cuota guitarrera, a todos unos clásico como Tortoise.

• En definitiva, un cartel completo, quizá exento de algún relativo pelotazo, pero fiel a la marca, con artistas veteranos y muy del nicho del Mira, de electrónica de vanguardia o contemporánea, con sus Fennesz o Rother, a los clásicos guitarreros y una buena representación del ambient o la zapatilla technoide.

• Todo esto sin mencionar los habituales proyectos visuales que zamparse entre o durante los directos y dj sets.

  

Cosas que ver y escuchar este fin de semana

• No hay una locura de lanzamientos que destacar porque no somos los únicos que quieren vacaciones, así que los estrenos esta semana serán exclusivamente listados para el que quiera picar del centro.

• Más discos que salen esta semana:

  • Batu & Donato Dozzy - Exhale

  • Deep Purple - Splat!

  • Madonna - Confessions II

  • Nixon Boyd - Every Time We Turn A Corner

• Más estrenos cinematográficos esta semana:

  • En cines: Minions & Monsters, La muerte de Robin Hood.

  • En Apple TV: Silo (S03).

Pausa para minutos musicales

El sube-baja hipersónico

👍 Los chicos de Westside Cowboys sacando temas nuevos.

👎 La folklórica mayor, porque Marina Herlop pide paso con ganas.

👍 ¿Las guitarras de The Mars Volta? Buen tema nuevo en directo.

👎 El rap de producción pata negra, porque ha muerto José Polo Aparicio.

👎 La paciencia de Lily Allen.

👍Nosotros, porque nos vamos de vacaciones. 👍Vosotros, por darle al Botón de las Perras(™):

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👎 Tú. Sí, tú, que no le has dado a suscribirte y ahora vas a tener a sin poder echarse una Marinera y una clara al cuerpo.

(“Valladolid, buenos días“ es una canción de El Niño Gusano. También es una sección de actualidad de Hipersónica. En 15 minutos, estarás al día de lo relevante en nuestro terreno. Cada lunes, miércoles y viernes en tu buzón de correo o en la web de Hipersónica.)

Última tier de repaso antes de cerrar para el verano. Salvo que salga alguna sorpresa. Guiño, guiño.

EXCEL

Caso 137

Porno procedimental de primerísimo nivel. Pero cuando digo “procedimental” me refiero a: la policía descubre que hay una cámara que puede haber grabado el delito y no te creas que ahí entra una elipsis a los polis viendo la cinta, no. Lo que mete es un corte a la poli MANDANDO UN EMAIL con el requerimiento de la cinta, mencionando hasta el número de serie de la cámara.

Un drama burocrático sobre cómo el sistema es una puta mierda sin remedio y las buenas personas que intentan cambiarlo no valen para nada. Y claro, Léa Drucker dando otro recital porque el agua moja. (Poliptoton)

• En cines.

El día de la revelación

• En cines.

La maldición de Widow’s Bay (S01)

Una vez vista, no sorprende mucho leer a la creadora Katie Dippold decir que se le ocurrió La maldición de Widow’s Bay como un capítulo donde Parks and Recreation se va de madre y se vuelve de terror. El humor de “burócrata que no se sabe si es idealista o alguien delulu quiere darle lustre a un pueblo de gente bizarra” está bien cogido y luego deformado es una serie de jugonas referencias al fantástico y lo sobrenatural, con Stephen King de referente claro.

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Nueva semana, ÚLTIMA tier antes de irnos de vacaciones de tiercitas hasta mediados de agosto. Así que no, esta vez tampoco habrá Tómbola Antojitos el martes que viene… pero sí a lo largo del verano. Así que atentos a vuestros correos porque NOBODY EXPECTS THE HIPERSÓNICA TOMBOLITION.

DIRECTO AL EXCEL

Mylingar – Út

género: metal extremo sueco con misterio

Ah, sí, si lo voy a hacer Creía que había quedado claro Obviamente no podemos dejar algo tan importante en manos de Co, menos de un Co resacoso

En un mundo de MetalArchives, donde ninguna identidad parece secreta ni ningún proyecto acaba por no ligarse con otros 7 de metal extremo de palo similar, Mylingar se preserva todavía con cierto halo místico que hace creer que su música sale directamente de ultratumba. Hace más complicada la tarea de desentrañar el grupo sueco, aunque hace más sencillo el poder dejarse apisonar por él.

Siete años después de un disco absolutamente intenso, pero capaz de generar consenso aquí para entrar en una lista general de lo mejor del año, Mylingar retorna con más disonancia que articula esas ramas de death y black metal como si nunca hubieran tenido que distanciarse. Út no ofrece realmente concesiones, pero su tempestad de riffs extremos y voces agonizantes es tan brutal que solo cabe rendirse a su poderío. (black_gallego)

Descendimiento – Descendimiento

género: Container meets el Esplendor

A finales de mayo el sello murciano Foreign Mail, del que ya hemos hablado por aquí, anunciaba la publicación de una especie de subdivisión, Lack Of Plan, y lo hacía de la mano de otro productor de la zona, Descendimiento, que tras varias apariciones por la escena murciana, muestra ahora de la mano del sello una carta de presentación oficial. Un homónimo debut de vocación industrial que hará las delicias del más selecto club de la Tuerca y el motopico. Cinco temas de sudar, de sentir la radial con la fuerza con la que la empuñan Esplendor Geométrico.

A ello hay que añadir un sonido infeccioso y sucio como el de Container. Todo por el desbarre. Cinco temas a machete analógico que no te sueltan una vez te agarran de la pechera. Misiles sin concesiones como los de ‘DBB02’, en línea con el sonido visceral de todo el disco, aunque si se escucha atentamente con unos buenos auriculares —no te preocupes si te agita y estás convulsionando, es lo normal—, hay una sutil capa de techno en las raíces de cortes como ‘DBB01’.

Descendimiento coge todo ello, voluntaria o involuntariamente, y lo regurgita con un sonido aplastante, a bocajarro, que atropella sin concesiones y que en su primer tema tiene efluvios de locura que recuerdan al Rollin’ & Scratchin’ de Daft Punk. A la mierda el control. Un ejemplo de electrónica DIY cogida por los cuernos, sin excesos de postproducción, autenticidad y naturalidad. Empuñen sus motopicos, familia; hoy se cena. Después, se taladra. (Ferraia)

The Blackburns – Alternative Rock

Género: manual de resistencia powerpop

Llevo semanas dándole vueltas a si el segundo disco de The Blackburns, el grupo que encabezaban Joel Tannenbaum y Nick Palmer, da el paso definitivo al máximo nivel hipersónico o lo dejamos en un muy relevante Disco que Sí. Y le doy vueltas porque habitan muchos lobos dentro del grupo de Pensilvania: desde el powerpop de afiladas guitarras de Fountains of Wayne y Gigolo Aunts hasta las melodías adultas y huskerdüsugareables de The Hold Steady, con gotas de la New Wave mas radiable (The Cars), punk pop a lo Blink-182 y/o la amabilidad de raíces de Tom Petty . A priori, todo bueno, pero no tengo tan claro que tantos cambios beneficien a un disco que, en su discurso, es rotundo y claro desde el título.

¿Es esto un disco de rock alternativo? No tanto eso como un disco que suena a los 90 y que mira a aquel pasado sin cabreo alguno, con ganas de revistarlo, pero también sabiendo que la nostalgia desmedida solo quiere hacerte una cosa: capitular.

Y ante eso, y con algunas de las más emocionales melodías de este 2026, The Blackburns proponen su manual de resistencia. En canciones como ‘Video Den’ y ‘ASM KoP’ recuerdan el videoclub y el centro comercial donde pasaron horas y se educaron sentimentalmente. Ellos son como nosotros: muchas veces tiramos de citas de canciones y referencias a películas para poder sostener la conexión. Nos comunicamos y comprendemos gracias a ellas.

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Los jitazos de la semana

Para empezar el día, la ración de las canciones y jitazos de la semana ya está actualizada en la plataforma que uses.

• A través de este link podrás acceder a la lista tanto en Spotify como en Qobuz, Tidal y Apple Music.

• Además, iremos recopilando todos los jitazos del año en playlist aparte en Spotify, Tidal, Apple Music y Qobuz.

Un ejército necesita sus armas

Quien iba a pensar que Last.FM iba a ser una de las afectadas por las expansiones turbocriptocapitalistas de Paramount, pero el caso es que no hace mucho que la plataforma de scrobbling y red social anunció su independencia del conglomerado. Sus promesas a sus usuarios incluían no cambiar la experiencia, si acaso mejorarla, algo que intentan hacer a través de una limpia de bots en la web.

• Claro, ¿a quién le va a parecer mal deshacerse de eso? Pues a la BTS Army, al parecer. La fanaticada de la boy band coreana está expresando su descontento ante la limpia de actividades sospechosas, porque al parecer su táctica de sobrecargar las escuchas en múltiples plataformas se ve con suspicacias. No pocos están pidiendo eliminar cuentas y denunciar que están contribuyendo al desprestigio de su banda favorita, ya sospechosa de tener inflación poco orgánica de reproducciones.

  • Lo más interesante de todo es… que en pleno 2026 estamos hablando de Last.FM. Las ganas de volver al Internet de antes para huir de la plataformización y la mierdificación son reales.

Dragonite ex-screamo

Si lo de antes os ha dado más ganas de que vuelva 2006, estáis de enhorabuena porque parece que Viva Belgrado también. ‘Un andalucito más’ es su último single donde se buscan reinventar para buscar encaje en un panorama grande, sin que parezca demasiado que esa es la intención. Un par de gritos screams y así se dora la píldora que se está moviendo entre el Indietex o incluso peak Editors.

• Cabe decir que al mismo intentan labrárselo por su cuenta, y es por eso que su nuevo álbum viene por vía independiente de su propio sello. El 23 de octubre saldrá un Mientras el Guadalquivir fluye y fluye y fluye que igual es su vía de escape, al fin, de la follificación.

Flores para el country

Parecía que The Killers iban a explotar más la confianza recobrada con su springsteenización en los últimos discos, pero han hecho poco movimiento salvo algunos singles discretos. Al final, lo que estaba moviendo Brandon Flowers es su regreso a su carrera en solitario más de una década después, igual para quitarnos un poco la responsabilidad de tener que oírlo.

• ¿Suena duro? Bueno, difícil ser optimista cuando el propio Flowers habla de Trasher como su reconexión con la música de su padre. Y esta es Country de lo más pop y plano, como muestra en una ‘Plans’ que tiene muy, muy poco que rascar. Que igual nos calla la boca el 21 de agosto, pero que sea otro el que apueste su dinero por ello.

Pausa de minutos cinéfilos

El sube-baja hipersónico

👍 El calor del verano con Charli XCX.

👎 Las rayas en el backstage. Está todo tan precario que toca recargar en el escenario.

👍 Ben Gibbard estableciendo lo obvio.

(“Valladolid, buenos días“ es una canción de El Niño Gusano. También es una sección de actualidad de Hipersónica. En 15 minutos, estarás al día de lo relevante en nuestro terreno. Cada lunes, miércoles y viernes en tu buzón de correo o en la web de Hipersónica.)

No se puede convertir uno en un fenómeno masivo sin generar una corriente de discusión crítica qué valore posibles impactos negativos de dicha masividad. O, al menos, crear una ambivalencia allí donde se está produciendo un aplauso demasiado extendido por parte del público. Aun a día de hoy, según a quien preguntes, puedes encontrarte a grandes admiradores del cine de Steven Spielberg y gente que sostiene que ha ayudado a destruir el cine.

No es para menos, porque el concepto blockbuster adquirió nombre (que no creación) a partir de una concatenación de éxitos alucinante. Todos sostenidos en crear sensación de asombro, de la maravilla y del espectáculo a cualquier género o historia (del drama oscarbait al bélico, el terror o la ciencia ficción). En cierto modo, escapismo que llevó al cine de Hollywood a la simplificación. Hemos vistos infinidad de ejemplos de películas tratando de conseguir el mismo éxito que las de Spielberg1 y empobreciendo en cierto modo la diversidad del cine espectáculo. Podríamos intentar incidir más en la diferencia entre un maestro y las malas copias que le salen, pero Jerry Seinfeld ya tuvo un chiste que explicó bien este efecto que ha tenido en la industria: nadie descubrió el Mississippi, estaba allí todo el tiempo y alguien se encargó de señalar que estaba ahí.

Si alguien tenía que señalar el camino, realmente hay pocos mejores que él para ello. Desde sus inicios hasta el día de hoy, Spielberg ha hecho continuas exhibiciones de narración audiovisual extraordinaria. Sus paneos y planos secuencias son inconfundibles, al mismo tiempo que espléndidos porque siempre acompañan la emoción que la escena requiere. La cámara siempre se mueve en el sitio correcto para establecer el conflicto, los objetos o el horizonte ayudan a establecer dinámicas que comunican el mundo interno de sus personajes y su acción está configurada siempre con ritmo impecable además de crear con precisión obstáculos y tensión a superar.

Todo este poderío, que le ayudó a transformar en cierto modo la televisión cuando empezó su carrera en la misma2 y aprender que hacer todo en una secuencia le evitaba dar opciones a productores que le tocasen las narices, tiene siempre una intencionalidad. Consciente o inconsciente, porque ahí Spielberg demuestra que es un artista. Y aunque las conclusiones en una escena o la película general parecen claras, sigue habiendo discusión sobre si no está simplificando las posibilidades del cine americano. Mucho tiene que ver con una sensibilidad profundamente optimista además de orientada a lo estadounidense, que se confundido con frecuencia de pecar de inocentón además de ejemplo de imperialismo cultural resumido como “americanada”.

No cabe duda de que Spielberg es patriota y persigue idealismos, como la imagen perfecta de un núcleo familiar estructurado y normativo que siempre se le escapó de niño. Al mismo tiempo, al igual que su cuidado de la perspectiva infantil que ha conducido a hablar de él como un Peter Pan narrativo, en todas las películas arroja matices más complicados de los que pueden experimentarse de manera inmediata. Siendo cineasta de los setenta, hay también cierto pulso rebelde y cínico con el sistema que se ha ido acentuado en el siglo XXI, especialmente tras un 11-S que le hizo mirar de otra manera el mundo y las acciones de su país, desplegando una parte más política en su cine.

Las películas de Spielberg despiertan siempre despiertan sensaciones inmediatas que a menudo se describen como un fin. Pero muchos de sus mejores momentos consiguen estimular ideas y conversación. Esta combinación le ha llevado a crear muchos clásicos imperecederos, y a ser un nombre inmensamente popular que con sólo citar ya tiene un significado cinematográfico concreto.

Es, en definitiva, parte de su ADN. Algo que también generas ambivalencias para él mismo, hasta el punto de hacer toda una película alrededor de su infancia y cómo su habilidad innata es capaz de generar alegrías pero también distante de aquello que le rodea. De ahí que sus visiones sobre determinados temas puedan caer en la simplificación, especialmente cuando no se acompaña del guionista correcto3, y resulten imperfectas. Pero nunca dejan de ser personales, al igual que las imágenes que crea para contar, y esto le vuelve sin duda uno de los cineastas que más se merece un repaso completo como éste.

NO

• Algo diabólico (1972)

• 1941 (1979)

• Always (Para siempre) (1989)

• Hook (El capitán Garfio) (1991)

• El mundo perdido: Jurassic Park (1997)

• Amistad (1997)

• Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008)

• Mi amigo el gigante (2016)

Spielberg tiene la capacidad de resultar entretenido hasta cuando desbarra, aunque no deja de ser muy evidente cuando hace esto último. Su intento de recrear la perfección de 1993 con una secuela de Jurassic Park y otro drama importante con Amistad da la razón a los que afirman que no hay segundas partes buenas. O cuartas, como en su intento de hacer la secuela crepuscular de Indiana Jones y la calavera de cristal pero dejándose llevar por las ganas de George Lucas de abordar la conspiranoia sci-fi de los años 50 así como su borrachera CGI fea.

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Hay lanzamientos y lanzamientos. Después están las sobrerreacciones y pasado, la gestión de las expectativas. Acostumbrados a una actualidad implacable con novedades y referencias constantes, conocer el regreso de un clásico siempre genera un interés y un gusanillo especial. Independientemente del resultado de después. El pasado mes de abril, y por sorpresa, veía la luz un ‘nuevo’ álbum de Carl Craig. En la práctica, el primer disco de estudio desde hace casi treinta años. En concreto, desde More Songs About Food and Revolutionary Art (Planet E, 1997). Aunque en realidad es una parte desgajada que ya estaba en el recopilatorio de Ministry of Sound de 2013, Masterpiece, ahora reeditada digitalmente al fin como un disco propio, porque el contenido merecía una referencia propia. Siempre es buena excusa para hablar de Craig.

Si lo tratásemos como una novedad de todas todas, desde 1997 a ahora ha realizado cantidad de producciones, pero todas colaborativas —si no lo has hecho aún, santíguate ante el Recomposed con Moritz Von Oswald, entre los mejores de electrónica de los últimos 25 años—. El año pasado sin ir más lejos, dejó la propia banda sonora del documental Desire: The Carl Craig Story, clásicos ya de sobra conocidos, temas inéditos no publicados y varias remezclas. Como tantos otros recopilatorios, con la ‘trampa’ de concentrar grandes temas y hits que lo hacen un álbum sólido. Pero sobre todo, una buena puerta de entrada.

Sin embargo, y ahí radica la importancia de la reedición de Meditations (Planet E, 2026) como único volumen, son las exploraciones que ya avanzaba en 2013. Un disco que recoge parte de las incursiones sonoras que ha ido abordando en los últimos tiempos, si bien siempre ha estado, como muestra su discografía, abierto a las colaboraciones más amplias, y a terrenos que quizá no tienen por qué serle naturales. Así, el álbum aglutina ese recorrido en seis piezas que venían a ser parte de una reconceptualización de su sonido; una suerte de techno sin techno donde manda la quietud. Algo que hilar directamente por su publicación ahora, con eso que hemos venido comentando en ediciones anteriores de esta sección, donde el techno y su pureza, aunque la electrónica en general, han sido términos depredados por la industria cultural y sus vástagos sonoros en forma de tech house de trote cochinero, EDM o el peor hard techno.

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El colapso

Igual es momento para que el streaming como modelo de negocio de futuro empiece a preocuparse de veras. Sí, suena absurdo decirlo cuando ya cada vez más es el método de consumo de referencia para música, cine y series, o incluso deportes. Pero si se tambalean los gigantes, entonces es posible pensar que como industria son muy frágiles.

• Probablemente era algo predecible viendo como Daniel Ek estaba vendiendo acciones como un cosaco, pero la cifra que pasa Ted Gioia es demoledora: en los últimos 12 meses el precio de las acciones de Spotify ha caído un 40%. En el audiovisual es incluso más dramático con Netfix cayendo un 46% en el mismo periodo, siendo además su segunda mayor caída histórica. Y esto en un entorno de bonanza bursátil.

  • A Netflix por supuesto le está dañando una reputación frágil tras adquisiciones fallidas como la de Warner Bros y una competencia más fuerte. Spotify pasa también por sus propias crisis reputacionales. Pero en ambos casos parece emerger la misma duda para los inversores: si se ha tocado techo en crecimiento.

    • La cantidad de usuarios es finita, a pesar de que el turbocapitalismo quiere creer lo contrario, y su única vía futura pasa por cobrar más a los que ya tiene. Pero no es una jugada que puedan usar todo el rato. Al final, en el juego de la serpiente en los móviles se llegaba al punto donde era demasiado grande para caber en la pantalla.

Phoebe y sus pasitos controlados

Phoebe Bridgers se está tomando con mucha cautela su regreso en solitario seis años después, que parecía evidente gracias a su regreso a los escenarios con una gira que ya está arrasando. De momento sigue dando pasitos controlados y entregando MIGITAS sobre su tercer álbum de estudio.

• El míercoles la boygenius de referencia compartió ya novedades relevantes sobre este The Lost Weekend, que con esa portada difuminada y digital se publicará el próximo 14 de agosto.

• Y ahora Phoebe ha sacado ‘Lost Boys’, un single un poco sosainas (a pesar de que intenta el subiduki épico), con un video bastante mejor que la canción, que hará las delicias de sus fans roleros. Nos ha jodío mayo que dejas la gasolinera en la que curras para buscar tus sueños medievales si aparece Morgana Bridgers:

Siempre viajando con PJ

Con tres años de espera, ya va tocando que PJ Harvey1 dé señales sobre su próximo disco. Al parecer, está en camino, pero primero nos contenta con ‘Voyager’, una pieza elaborada a raíz de una colaboración con la NASA. Motivo por el cuál sus arreglos orquestales ahora convivan con atmósferas de sintetizador con ambiciones espaciales.

• Cabe decir que GUAY, estaría interesante un disco entero en este plan. Si le preguntáis a os dirá que si podemos meter un 7’’ como disco del año.

Y como queremos dejaros lectura, pues ahí van nuestro casi completo Disco a Disco (sólo falta el último que sacó, pero ya sin él son diez mil palabras), que habrá que levantarse a actualizar:

Cosas que ver y escuchar este fin de semana

• Aquí estamos, una vez más. Muse vuelven para descubrirnos si hay nuevos extremos para la vergüenza ajena o para la pereza con The WOW! Signal. Nuestra mascota favorita.

• Más discos que salen esta semana:

  • Abul Mogard & Rafael Anton Irisarri - Where Light Pauses in the Silence of the Sun

  • Butthole Surfers - After The Astronaut

  • Forsmán - Brenndar Rústir & Fuðrandi Fjörur

  • Fyrnask - Íosir

  • Ibeyi - Offering

  • Tasha - You Are Spring!

• Con bastante retraso, pero ya se puede hablar de la obsesión del verano en el cine de terror. Curry Barker se traslada de YouTube a las salas con Obsession, una mezcla macabra de horror sobrenatural y romcom retorcida que está arrasando en todo el mundo y está dando de qué hablar.

• Más estrenos esta semana:

  • En cines: Supergirl, Jackass: Lo mejor para el final, Letras robadas.

  • En HBO Max: Vida, Larry David y la búsqueda de la infelicidad.

  • En Disney+: The Bear (S05).

Pausa para minutos freddurstfriday

El sube-baja hipersónico

👍 Morrissey y sus broncas unidireccionales con Johnny Marr.

👎 Los Rolling con más ediciones en físico que Taylor Swift.

👍 Increíblemente, los Rolling con Robert Smith.

(“Valladolid, buenos días“ es una canción de El Niño Gusano. También es una sección de actualidad de Hipersónica. En 15 minutos, estarás al día de lo relevante en nuestro terreno. Cada lunes, miércoles y viernes en tu buzón de correo o en la web de Hipersónica. Casi todos los días suele llevar un “abajo el trabajo” implícito.)

Su apariencia y una apreciación superficial a su sonido puede llevar a pensar que no son más que otro glorificado tótem del metal con más interés para los fieles del género que para el resto del mundo. Error, Sleep no son sólo una expresión definitiva del doom y stoner metal, son una de las mayores fuerzas del sonido psicodélico que han habido nunca, y hay más en su interior para el público medio de lo que se pueda pensar a raíz de sus temas de largos minutos con jams y riffs improvisados, o incluso horas.

Para dar una pequeña muestra de por qué, un repaso disco a disco a su obra, tan escueta como imprescindible. Aprovechemos ahora que Al Cisneros parece haberse apropiado del grupo y apunta a volverlo una versión con guitarras de OM.

Volume One (1991)

“Como Spacemen 3 pero con más metal y menos heroína” como explican maravillosamente en las reseñas de Rate Your Music. Tras sus inicios como Asbestosdeaf, el entonces cuarteto empezó a generar una enorme reputación como sucesores de Saint Vitus, pero al entrar al estudio llevaron aún más lejos las cotas de fuzz y psicodelia. Recuperando canciones de su anterior etapa, el grupo deja entrever un tono más crudo y extremo en sus canciones que posteriormente se desarrollaría.

Ya se apuntan aquí muchas de las claves que los volverían esenciales: los vuelos sin motor de su línea instrumental, el sonido amplificado más allá de lo mortalmente posible, los muros de sonido que te envuelven y te hipnotizan, la bravura casi garagera y rock and roll. Aún estaban por pulir del todo, pero en ‘Numb‘ ya mostraban trazas de grupo serio. Lo harían definitivamente como trío, tras la marcha del guitarrista Justin Marler para (LOL) volverse monje ortodoxo.

Sleep’s Holy Mountain (1992)

Perdieron un guitarrista, pero no lo necesitaban para seguir haciendo más ruido. El grupo decidió explorar más a fondo su pasión por los Black Sabbath de la era del Vol. 4, así como de Blue Cheer y otros ejemplos de proto-metal y psicodelia pesada. Todo esto, claro, amplificado al máximo nivel, tanto en sonido como en influencia lisérgicas. Las demos de aquellas sesiones de improvisación fueron mandadas a Earache Records, que rápidamente firmaron al grupo y editaron el disco. Sabían que habían encontrado oro.

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Emergió el deseo

Ya ha pasado el suficiente tiempo para que esto pase a sonar a historia antigua. En abril de 2008 Deftones se encontraban grabando un nuevo disco de estudio, hasta que su bajista Chi Cheng entró en un coma severo tras un accidente de tráfico, muriendo finalmente en 2013. El resultado de aquella grabación iba a ser el siguiente disco del grupo, llamado Eros, pero nunca llegó a ver la luz por respeto a la situación.

• Desde entonces han habido diferentes promesas de sacar finalmente ese disco, pero nunca fructificaron. También han habido supuestas filtraciones del mismo, pero nada que pareciera sólido. Ahora Internet está con su ojo puesto en lo que parece una filtración definitiva de Eros.

  • Estas canciones de Deftones se revelaron por la red al mismo tiempo que una serie de demos de su disco Ohms, lo cuál unido a comentarios previos de que el disco está sin acabar indicaría que esto son, como mucho, demos de aquellas grabaciones. Pinta a que seguiremos a la espera de este eterno álbum perdido.

Volvió Billy (y también Nate Amos)

Albricias para los frikexineros y amantes del pop bienmalcantao en general. Nate Amos ya tiene en marcha lo nuevo de This Is Lorelei, ese proyecto donde las canciones más simples y que mejor acompañan están llenas de rincones y dobleces fascinantes. ‘Billy Came Back’ lo refleja en tres minutos que suenan a puro verano.

• Con esta canción Amos adelanta su nuevo disco, que se llama The Singer in My Band y que sacará el próximo 11 de septiembre. Por cierto, tremenda fecha para sacar algo, pero a estas alturas ya significa cada vez menos.

La red Altman

No parecía que fuese a traer mucha cola, pero al final Luca Guadagnino ha conseguido revolver la industria cinematográfica con una película: Artificial, un biopic sobre Sam Altman y el ascenso de OpenAI, estaba en producción de la mano de MGM… hasta que la compañía madre Amazon ha decidido que era mejor parar el proceso y, al menos, dejar al director vender el proyecto a otra compañía.

• La decisión viene meses después de que la propia Amazon invirtiese 50.000 millones en OpenAI, lo cual explica la decisión más allá de posibles motivos creativos. Y aunque ha abierto la puerta a buscar nuevo comprador… sólo los estudios independientes MUBI y Neon parecen en posición de llegar a un acuerdo.

  • Aunque se han tenido reuniones con las divisiones “prestige” de Disney, Warner o Universal, ninguna quiere meterse en el fregado. La mezcla de miedo a meterse en un lodazal y la creciente inversión en IA de estos grandes estudios paraliza por completo el interés en Artificial. Hasta A24 se ha salido de las negociaciones, fácil de explicar cuando uno de sus inversores principales está en el consejo de administración de OpenAI.

    • Estas cuestiones vienen en un timing especialmente calentito para A24, que ha anunciado una inversión por parte de Google de 75 millones de dólares para desarrollar herramientas con IA. Ahora mismo hay pocos rincones de la industria que no estén o atenazados por la IA, o con miedo a ponérsela en contra de igual modo que se pasó del biopic de Trump.

    • Existe la posibilidad de que la película sea una mierda, porque con Guadagnino a veces depende de si ese día le ha salido cara o cruz al tirar la moneda. Pero de estudios intentando sacar una plasta a ver si rasca premios está Hollywood lleno. Mirad si no la pinta que tiene la secuela de La red social.

      • Por cierto, increíble loser el Zuckerberg, que está tan fuera de la carrera de la IA que nadie tiene miedo a cabrearle. Pulgar abajo en el sube-baja.

Pausa de minutos musicales

El sube-baja hipersónico

👍 Stanley Kubrick con el pedazo de pack que le va a sacar Criterion.

👎 La industria depredadora, porque ha muerto Clive Davis.

👍 La maternidad, porque nos ha dado una CRJ productiva.

👍 La superioridad moral en la música.

(“Valladolid, buenos días“ es una canción de El Niño Gusano. También es una sección de actualidad de Hipersónica. En 15 minutos, estarás al día de lo relevante en nuestro terreno. Cada lunes, miércoles y viernes en tu buzón de correo o en la web de Hipersónica.)

Nueva semana, nueva tier. Aprovechad que ya quedan pocas antes de que nos vayamos de vacaciones. “¿Otra vez?”, diréis. “Otra vez”, os responderemos, “que las últimas no eran vacaciones: eran días libres”.

Pero no sufráis, que aún hay que acabar junio. Y hoy traemos mandanga BUENA. Y la mala da para hablar, también.

DIRECTO AL EXCEL

Various Artists – Mzansi Bass

género: quema bien ese subwoofer

(link)

Realmente uno siente que su trabajo de intentar acercar una obra al oyente se vuelve innecesario cuando esta tiene no sólo una sino dos portadas que 1) van durísimo y 2) te dejan más o menos claro lo que vas a encontrar. Cuando algo se llama Mzansi Bass te presenta vehículos a toda mecha sobre los que se montan equipazos de sonidos grandes y gente bailando sobre ellos, uno no necesita elaborar más.

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Esperamos que estéis bien entre tanto calor. Recordad que si trabajáis, cuanto más lo hagáis, más calor. Protegeos y proteged a los vuestros haciendo NADA.

Y, para refrescar, podéis leer:

Los jitazos de la semana

Para empezar el día, la ración de las canciones y jitazos de la semana ya está actualizada en la plataforma que uses.

• A través de este link podrás acceder a la lista tanto en Spotify como en Qobuz, Tidal y Apple Music.

• Además, iremos recopilando todos los jitazos del año en playlist aparte en Spotify, Tidal, Apple Music y Qobuz.

I can’t forget but I don't remember what

Anuncia Joaquín Pascual (Surfin’ Bichos, Mercromina, sus múltiples y muy notables cosas en solitario) que en apenas dos semanas tendremos nuevo EP suyo. El 3 de julio se publicará La Vida Mix EP, con algo de material ya conocido (cuatro versiones que ya salieron como caras B de los adelantos de No hay nada que hacer por el romanticismo, que fue merecidísimo SÍ en esta casa), y algo de material por conocer.

Lo primero, una versión de ‘I Can’t Forget’, de aque Leonard Cohen que se comía un plátano mientras se agarraba a los teclados y a los sintes. Al principio nos daba un poco de miedo la voz sabiniana que se le ha quedado a Joaquín al arrimarse a Cohen, pero la versión es bien bonita:

Ya el día del lanzamiento podremos escuchar la versión del ‘Love is strange’ de Mickey & Sylvia, junto a ‘En Sueños’, ‘Vivo y en Albacete’, ‘Domingo por la mañana’ y ‘Todo bien en el caos’.

El hombre que dio forma a la sitcom

El rol de director en televisión no está tan celebrado, porque las series quedan más en manos de guionistas y productores y al final el rol se centra en dar estabilidad y realizar. Aun así, es clave para que la identidad de la obra quede clara o tenga cimientos para desarrollarse. Y cuando alguien se vuelve constante a la hora de hacerlo, entonces su valor como cineasta es notable.

• Es el caso de James Burrows, fallecido el pasado viernes a los 85 años. No es un nombre que sonará a gente que no tenga muy presente la historia del medio televisivo, pero a lo largo de varias décadas de carrera dio forma a la sitcom multicámara que todos tenemos claro en su formato y funcionamiento.

  • Burrows dirigió muchos pilotos de comedia de una manera similar a una obra de teatro, dejando varias cámaras trabajando a la vez y no marcando el ritmo de la escena. La chica de la tele, Taxi, Cheers (de la que fue co-creador), y más tarde Friends, Will & Grace y The Big Bag Theory pasaron por sus manos, dejando una impronta muy clara en la historia del audiovisual.

El centro que nos trae de cabeza

Cada poco vuelve el tema al foco de la conversación, y ya es lo bastante prominente para que algún medio intente explotarlo en una pieza que se pueda volver viral. Disney estrenó el trailer de su última producción y la gente se ha fijado fuertemente en cómo un 99% de las imágenes tienen a la protagonista o la información clave en el centro de la imagen… probablemente para que luego se adapte bien al formato vertical de las redes sociales.

• Es una evidencia que TikTok y redes masivas priorizan este tipo de presentación, porque los reels son verticales. A partir de ahí, se ha inferido que ya todas las películas se hacen pensando en ser viralizadas en redes y que los productores imponen que todo lo importante se presente en el centro de la imagen.

  • Esto, por supuesto, ignora una realidad del lenguaje cinematográfico: la información relevante es mejor colocarla allí donde el ojo humano tiende manera diferente, y por eso la imagen centrada se remonta a los mismos orígenes del medio. Cuando esta información clave se desplaza del centro es parte de un esfuerzo consciente por guiar la atención del espectador, y por tanto una decisión interesante. O también, si tienes mucha información que lanzar a la audiencia, es mejor colocarla en un mismo sitio para facilitarle el procesarla.

    • Aquí radica el quid de la cuestión. La mayoría de los tráilers buscan ser viralizados, así que cogen todas las imágenes posibles de la película que tengan los elementos centrados. Esto no fuerza las películas a presentar esta uniformidad, sino los ritmos de producción que obligan a tener “contenido” para unas fechas concretas (la película de Disney se estrena para Acción de gracias, porque siempre se reservan ese hueco) y lo que fuerza es a tomar decisiones menos creativas y más seguras. Por tanto, apenas ninguna interesante.

Pausa de minutos musicales

El sube-baja hipersónico

👍 La temeridad de Kirk Hammett.

👎 La capacidad de Pixar para decir “No” a secuelas.

(“Valladolid, buenos días“ es una canción de El Niño Gusano. También es una sección de actualidad de Hipersónica. En 15 minutos, estarás al día de lo relevante en nuestro terreno. Cada lunes, miércoles y viernes en tu buzón de correo o en la web de Hipersónica.)