Pocas veces le va a aplicar tanto a un director una frase acuñada por él mismo como “O mueres como un héroe o vives lo suficiente para convertirte en villano”. Puede darse la gracia de que el zeitgeist te catapulte, o que tú mismo le des forma, pero va a llegar a un punto donde la discusión se va volver necesaria. Si Steven Spielberg tuvo su época de ser acusado de destrozar el cine por maquinaria industrial y estética, también le tenía que llegar a Christopher Nolan como equivalente más similar en la actualidad.

Vivimos en tiempos estética y tonalmente bastante nolanescos, y esto hace necesario una reacción. Especialmente en tiempos donde la reacción es más inmediata y visceral, premiándose menos una discusión más meditada y racional. Es fácil reprocharle cómo la seriedad autoimpuesta de mucho cine espectáculo, así como el fervor de los superhéroes a nivel mainstream, es culpa directa suya. También la imposición de los puzzles narrativos borgesianos a nivel de guion que han volcado mucha discusión cinematográfica hacia la capacidad de sorpresa e inventiva en lugar de la emoción o el desarrollo de las ideas.

Como sucedía con Spielberg, esto no es precisamente descubrimiento suyo1. Sí que es responsable de empujar el momento hacia determinada dirección, dado que dicho momento estaba empezando a dirigirse hacia áreas de su predilección. Desde los intrincados laberintos que son sus guiones, que emplea para desafiar la percepción de sus protagonistas y acercar a los espectadores a dichos personajes, hasta su enfoque cínico hacia las estructuras establecidas, muy propio de alguien que generacionalmente es gen-X y que se fue adoptando más a partir del 11-S.

Él mismo es consciente de cómo su sensibilidad en parte contestataria contra el establishment se ha vuelto populista en sí mismo: “Me ha ido bastante bien confiando en que la audiencia esté tan insatisfecha con la convención como yo”. No por ello ha dejado de desaprovechar la oportunidad de volverse autor blockbuster para desarrollar inquietudes personales que infectan desde personajes hasta las propias narraciones. En cierto modo, ha inyectado energía nuclear a lo que en el pasado eran películas de serie B como la ciencia ficción y, sobre todo, un noir que acaba siendo elemento común en toda su filmografía, aunque sólo lo ejecutara de manera directa en sus primeras películas.

Nolan muestra particular querencia por explorar la obsesión llevada al extremo, con personas muy seguras de tener las soluciones ideales para resolver el mundo y con poca duda de realizar los sacrificios necesarios para llevarlas a cabo. Una osadía que es casi desafío al designio divino que, en un marco más realista, se traduce a menudo en una humanidad abocada a la destrucción mutua asegurada, sea con la guerra o con la construcción de artefactos que pueden aniquilarla. Su filosofía de cine negro, más cínico, le lleva a explorar estas figuras e ideas con ambivalencia2, aunque observadas en conjunto arrojen una visión más concreta.

No por ello Nolan deja de mostrar fascinantes paradojas en lo que trata y cómo. Contradicciones que hacen interesante a un artista, pero se vuelven frustrantes para quienes esperan concreción del autor masivo del momento. Su estilo cinematográfico está atravesado en la ambivalencia por alterar la forma, pero abrazar la tradición analógica. Por intentar explorar situaciones con lógica aunque ensombrezcan el sentimiento que a veces persigue. Por intentar mantener un pulso artístico desde un ángulo bastante calculado y científico. Querer deconstruir la femme fatale, pero siempre teniendo dificultades para no desdibujar sus personajes femeninos. Y, por último, por intentar tener una atmósfera realista mientras quiere dejarse llevar por la parte más fantástica del cine.

Una película de Nolan acaba marcada por una profunda capacidad de inmersión, ya presente en esos zooms cuidadosos cuando llega a una localización o cuando quiere detenerse en la información que comparte un personaje. Pero esta inmersión se desarrolla especialmente a partir del abrazo de la tecnología IMAX, que en su inmensidad por altura y su mayor profundidad y claridad de detalle sitúa al observador más dentro de la acción o de la mente de un personaje.

Su cine está de por sí está interesado en la dualidad, a menudo para explorar los extremos que se pueden tomar (especialmente a partir de qué información se dispone), y sus mayores influencias son también ejemplares en ellos. Tras unos inicios de personalidad visual más vaga, orientada sobre todo a observar a los actores expresando sus diálogos para que el espectador no se pierda, su avance en medios y experiencia le ha permitido desarrollar un interesante híbrido entre el poderío épico de la dupla de hermanos Ridley Scott y Tony Scott y también el thriller realista pero profundamente operístico de Michael Mann.

Casualmente, también se le ha acusado de tener más espectáculo que sustancia, y también de carecer de emoción cuando sus historias son increíblemente pasionales. Nolan no da su brazo a torcer a la hora de cómo decide enfocar las historias, aunque tenga cierta cintura para moverse hacia algo más sentimental o para tomarse menos en serio además de explorar varios géneros, y esto va a generar tanto abrazo apasionado como rechazo bastante profundo. Pero no deja de tener una filmografía comentable e interesante de desentrañar, y de ahí esta tier-list.

NO

• Following (1998)

Es más frecuente que los comienzos tengan más defectos que pruebas o una pureza estilística. Las querencias de Nolan quedaron ya muy claras en Following, desde esa tonalidad noir hasta el empeño en querer contar las historias de manera no linear para tener al espectador más atento. Sus intenciones son transparentes, pero su ejecución todavía es demasiado amateur para interesar en un voyeurismo muy trivial.

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Última tier de repaso antes de cerrar para el verano. Salvo que salga alguna sorpresa. Guiño, guiño.

EXCEL

Caso 137

Porno procedimental de primerísimo nivel. Pero cuando digo “procedimental” me refiero a: la policía descubre que hay una cámara que puede haber grabado el delito y no te creas que ahí entra una elipsis a los polis viendo la cinta, no. Lo que mete es un corte a la poli MANDANDO UN EMAIL con el requerimiento de la cinta, mencionando hasta el número de serie de la cámara.

Un drama burocrático sobre cómo el sistema es una puta mierda sin remedio y las buenas personas que intentan cambiarlo no valen para nada. Y claro, Léa Drucker dando otro recital porque el agua moja. (Poliptoton)

• En cines.

El día de la revelación

• En cines.

La maldición de Widow’s Bay (S01)

Una vez vista, no sorprende mucho leer a la creadora Katie Dippold decir que se le ocurrió La maldición de Widow’s Bay como un capítulo donde Parks and Recreation se va de madre y se vuelve de terror. El humor de “burócrata que no se sabe si es idealista o alguien delulu quiere darle lustre a un pueblo de gente bizarra” está bien cogido y luego deformado es una serie de jugonas referencias al fantástico y lo sobrenatural, con Stephen King de referente claro.

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Nueva semana, ÚLTIMA tier antes de irnos de vacaciones de tiercitas hasta mediados de agosto. Así que no, esta vez tampoco habrá Tómbola Antojitos el martes que viene… pero sí a lo largo del verano. Así que atentos a vuestros correos porque NOBODY EXPECTS THE HIPERSÓNICA TOMBOLITION.

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Mylingar – Út

género: metal extremo sueco con misterio

Ah, sí, si lo voy a hacer Creía que había quedado claro Obviamente no podemos dejar algo tan importante en manos de Co, menos de un Co resacoso

En un mundo de MetalArchives, donde ninguna identidad parece secreta ni ningún proyecto acaba por no ligarse con otros 7 de metal extremo de palo similar, Mylingar se preserva todavía con cierto halo místico que hace creer que su música sale directamente de ultratumba. Hace más complicada la tarea de desentrañar el grupo sueco, aunque hace más sencillo el poder dejarse apisonar por él.

Siete años después de un disco absolutamente intenso, pero capaz de generar consenso aquí para entrar en una lista general de lo mejor del año, Mylingar retorna con más disonancia que articula esas ramas de death y black metal como si nunca hubieran tenido que distanciarse. Út no ofrece realmente concesiones, pero su tempestad de riffs extremos y voces agonizantes es tan brutal que solo cabe rendirse a su poderío. (black_gallego)

Descendimiento – Descendimiento

género: Container meets el Esplendor

A finales de mayo el sello murciano Foreign Mail, del que ya hemos hablado por aquí, anunciaba la publicación de una especie de subdivisión, Lack Of Plan, y lo hacía de la mano de otro productor de la zona, Descendimiento, que tras varias apariciones por la escena murciana, muestra ahora de la mano del sello una carta de presentación oficial. Un homónimo debut de vocación industrial que hará las delicias del más selecto club de la Tuerca y el motopico. Cinco temas de sudar, de sentir la radial con la fuerza con la que la empuñan Esplendor Geométrico.

A ello hay que añadir un sonido infeccioso y sucio como el de Container. Todo por el desbarre. Cinco temas a machete analógico que no te sueltan una vez te agarran de la pechera. Misiles sin concesiones como los de ‘DBB02’, en línea con el sonido visceral de todo el disco, aunque si se escucha atentamente con unos buenos auriculares —no te preocupes si te agita y estás convulsionando, es lo normal—, hay una sutil capa de techno en las raíces de cortes como ‘DBB01’.

Descendimiento coge todo ello, voluntaria o involuntariamente, y lo regurgita con un sonido aplastante, a bocajarro, que atropella sin concesiones y que en su primer tema tiene efluvios de locura que recuerdan al Rollin’ & Scratchin’ de Daft Punk. A la mierda el control. Un ejemplo de electrónica DIY cogida por los cuernos, sin excesos de postproducción, autenticidad y naturalidad. Empuñen sus motopicos, familia; hoy se cena. Después, se taladra. (Ferraia)

The Blackburns – Alternative Rock

Género: manual de resistencia powerpop

Llevo semanas dándole vueltas a si el segundo disco de The Blackburns, el grupo que encabezaban Joel Tannenbaum y Nick Palmer, da el paso definitivo al máximo nivel hipersónico o lo dejamos en un muy relevante Disco que Sí. Y le doy vueltas porque habitan muchos lobos dentro del grupo de Pensilvania: desde el powerpop de afiladas guitarras de Fountains of Wayne y Gigolo Aunts hasta las melodías adultas y huskerdüsugareables de The Hold Steady, con gotas de la New Wave mas radiable (The Cars), punk pop a lo Blink-182 y/o la amabilidad de raíces de Tom Petty . A priori, todo bueno, pero no tengo tan claro que tantos cambios beneficien a un disco que, en su discurso, es rotundo y claro desde el título.

¿Es esto un disco de rock alternativo? No tanto eso como un disco que suena a los 90 y que mira a aquel pasado sin cabreo alguno, con ganas de revistarlo, pero también sabiendo que la nostalgia desmedida solo quiere hacerte una cosa: capitular.

Y ante eso, y con algunas de las más emocionales melodías de este 2026, The Blackburns proponen su manual de resistencia. En canciones como ‘Video Den’ y ‘ASM KoP’ recuerdan el videoclub y el centro comercial donde pasaron horas y se educaron sentimentalmente. Ellos son como nosotros: muchas veces tiramos de citas de canciones y referencias a películas para poder sostener la conexión. Nos comunicamos y comprendemos gracias a ellas.

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No se puede convertir uno en un fenómeno masivo sin generar una corriente de discusión crítica qué valore posibles impactos negativos de dicha masividad. O, al menos, crear una ambivalencia allí donde se está produciendo un aplauso demasiado extendido por parte del público. Aun a día de hoy, según a quien preguntes, puedes encontrarte a grandes admiradores del cine de Steven Spielberg y gente que sostiene que ha ayudado a destruir el cine.

No es para menos, porque el concepto blockbuster adquirió nombre (que no creación) a partir de una concatenación de éxitos alucinante. Todos sostenidos en crear sensación de asombro, de la maravilla y del espectáculo a cualquier género o historia (del drama oscarbait al bélico, el terror o la ciencia ficción). En cierto modo, escapismo que llevó al cine de Hollywood a la simplificación. Hemos vistos infinidad de ejemplos de películas tratando de conseguir el mismo éxito que las de Spielberg1 y empobreciendo en cierto modo la diversidad del cine espectáculo. Podríamos intentar incidir más en la diferencia entre un maestro y las malas copias que le salen, pero Jerry Seinfeld ya tuvo un chiste que explicó bien este efecto que ha tenido en la industria: nadie descubrió el Mississippi, estaba allí todo el tiempo y alguien se encargó de señalar que estaba ahí.

Si alguien tenía que señalar el camino, realmente hay pocos mejores que él para ello. Desde sus inicios hasta el día de hoy, Spielberg ha hecho continuas exhibiciones de narración audiovisual extraordinaria. Sus paneos y planos secuencias son inconfundibles, al mismo tiempo que espléndidos porque siempre acompañan la emoción que la escena requiere. La cámara siempre se mueve en el sitio correcto para establecer el conflicto, los objetos o el horizonte ayudan a establecer dinámicas que comunican el mundo interno de sus personajes y su acción está configurada siempre con ritmo impecable además de crear con precisión obstáculos y tensión a superar.

Todo este poderío, que le ayudó a transformar en cierto modo la televisión cuando empezó su carrera en la misma2 y aprender que hacer todo en una secuencia le evitaba dar opciones a productores que le tocasen las narices, tiene siempre una intencionalidad. Consciente o inconsciente, porque ahí Spielberg demuestra que es un artista. Y aunque las conclusiones en una escena o la película general parecen claras, sigue habiendo discusión sobre si no está simplificando las posibilidades del cine americano. Mucho tiene que ver con una sensibilidad profundamente optimista además de orientada a lo estadounidense, que se confundido con frecuencia de pecar de inocentón además de ejemplo de imperialismo cultural resumido como “americanada”.

No cabe duda de que Spielberg es patriota y persigue idealismos, como la imagen perfecta de un núcleo familiar estructurado y normativo que siempre se le escapó de niño. Al mismo tiempo, al igual que su cuidado de la perspectiva infantil que ha conducido a hablar de él como un Peter Pan narrativo, en todas las películas arroja matices más complicados de los que pueden experimentarse de manera inmediata. Siendo cineasta de los setenta, hay también cierto pulso rebelde y cínico con el sistema que se ha ido acentuado en el siglo XXI, especialmente tras un 11-S que le hizo mirar de otra manera el mundo y las acciones de su país, desplegando una parte más política en su cine.

Las películas de Spielberg despiertan siempre despiertan sensaciones inmediatas que a menudo se describen como un fin. Pero muchos de sus mejores momentos consiguen estimular ideas y conversación. Esta combinación le ha llevado a crear muchos clásicos imperecederos, y a ser un nombre inmensamente popular que con sólo citar ya tiene un significado cinematográfico concreto.

Es, en definitiva, parte de su ADN. Algo que también generas ambivalencias para él mismo, hasta el punto de hacer toda una película alrededor de su infancia y cómo su habilidad innata es capaz de generar alegrías pero también distante de aquello que le rodea. De ahí que sus visiones sobre determinados temas puedan caer en la simplificación, especialmente cuando no se acompaña del guionista correcto3, y resulten imperfectas. Pero nunca dejan de ser personales, al igual que las imágenes que crea para contar, y esto le vuelve sin duda uno de los cineastas que más se merece un repaso completo como éste.

NO

• Algo diabólico (1972)

• 1941 (1979)

• Always (Para siempre) (1989)

• Hook (El capitán Garfio) (1991)

• El mundo perdido: Jurassic Park (1997)

• Amistad (1997)

• Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008)

• Mi amigo el gigante (2016)

Spielberg tiene la capacidad de resultar entretenido hasta cuando desbarra, aunque no deja de ser muy evidente cuando hace esto último. Su intento de recrear la perfección de 1993 con una secuela de Jurassic Park y otro drama importante con Amistad da la razón a los que afirman que no hay segundas partes buenas. O cuartas, como en su intento de hacer la secuela crepuscular de Indiana Jones y la calavera de cristal pero dejándose llevar por las ganas de George Lucas de abordar la conspiranoia sci-fi de los años 50 así como su borrachera CGI fea.

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Nueva semana, nueva tier. Aprovechad que ya quedan pocas antes de que nos vayamos de vacaciones. “¿Otra vez?”, diréis. “Otra vez”, os responderemos, “que las últimas no eran vacaciones: eran días libres”.

Pero no sufráis, que aún hay que acabar junio. Y hoy traemos mandanga BUENA. Y la mala da para hablar, también.

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Various Artists – Mzansi Bass

género: quema bien ese subwoofer

(link)

Realmente uno siente que su trabajo de intentar acercar una obra al oyente se vuelve innecesario cuando esta tiene no sólo una sino dos portadas que 1) van durísimo y 2) te dejan más o menos claro lo que vas a encontrar. Cuando algo se llama Mzansi Bass te presenta vehículos a toda mecha sobre los que se montan equipazos de sonidos grandes y gente bailando sobre ellos, uno no necesita elaborar más.

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Nueva semana, nueva tier.

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Monolord – Neverending

género: pallbereando el riff supremo

En los tiempos más mediáticos de Deafheaven se planteaba la cuestión de si el doom podría vivir también un momento pop gracias a la irrupción por aquellos tiempos de Pallbearer. Duró poco, porque los pocos que decidieron seguir esa manera de interpretar lo tradicional con la emoción no tenían ni uno ni lo otro, así como los propios Pallbearer volviéndose más flácidos.

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Nueva semana, nueva tier.

Pero es primera tier del mes, así que toca repartir la suerte con Antojitos. El primero de los ganadores es GiYeah, que este mes no ha enviado nada, pero tenía el boleto guardado de la de abril porque entre las muchas disfunciones de probertoj está la de no comprobar que todos los participantes estén en el bombo. Así que Antojitos ha tenido a bien premiarle por esta:

El segundo ganador es Mickelodeon, que se ha aliado ni más ni menos que con DON Jose Félix Tezanos para poder llegar a la mayoría necesaria para llevarse la tómbola:

Ah, no, que era esta otra:

Si queréis conocer el resto de las enviadas por los participantes, en un rato en el canal #general del discordcito.

Y ahora sí, vamos con nuestra tier:

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EXCEL

El drama

• En cines.

Resurrection

Muestrario de la ilusión. Bi Gan elabora una inmensa “Dream Runner” que homenajea abiertamente al cine pero que nadie va a poder describirte con detalle sin que parezca que te están contando un sueño suyo. Ahí está su poder, reivindicando nuestra capacidad de imaginar con las historias y la capacidad de estímulo de todos los sentidos con el medio.

Cada uno de los segmentos tiene algo para alucinar por completo, que conforme lo piensas después te preguntas cómo pudo ser rodado. Todos construyen una experiencia magna, pero cada una tiene capacidad de emocionar o asombrar por sí misma. Resurrection es algo absolutamente mágico donde la descripción va a quedarse corta, y la embriagadora ilusión de verla te acompañará largo tiempo.

• En cines.

Yo no me moriré de amor

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Escribir y dirigir han sido habitualmente los trabajos que más se han señalado para poder dar la distinción autoral a un cineasta, y la gente como productores o distribuidores son meros aparatos de la industria pensados para poner la obra artística en el circuito comercial1. Pero la relación ha sido más simbiótica de lo que la teoría del autor nos indica, y en los albores del Hollywood dorado casi es más pertinente examinar a los productores de las películas como gente capaz de elaborar determinados discursos estéticos o narrativos a través de una filmografía.

A día de hoy determinadas compañías poseen todavía esa capacidad de ser tratadas a nivel autoral, desde Pixar hasta casi una distribuidora como A24 que, a través de marketing muy concreto, ha dado la impresión a muchos espectadores que son ellos quienes dirigen las películas. Es un efecto directo de producir apuestas de cineastas de voz marcada y diferente, además de fuerte influencia cinéfila, acumulándolos hasta el punto de que su colección de producciones parezca imponer sus propios códigos estéticos y narrativos. Aunque, en teoría, estén por la labor de dar alas a su gente, especialmente a piedras fundacionales de su éxito como Ari Aster.

Pero Aster no sólo ha podido desarrollarse como cineasta a través de poder dirigir y escribir con libertad y apoyo de este estudio, sino que ha aprendido de ellos también el poder de producir para seguir expresando determinados discursos y una manera de entender el cine. En los últimos años no sólo le hemos visto emerger como uno de los cineastas nuevos más destacados, sino que también su personalidad visual y sus inquietudes se han emulado por gente queriendo buscar su hueco, algo que él está contrarrestando también produciendo a cineastas con los que realmente conecta a esos niveles, en ocasiones dándoles proyectos que él no tiene tiempo para dirigir.

De ahí que haya que ir considerando también estos trabajos de producción a gente como Yorgos Lanthimos y Kristoffer Borgli como parte de una visión que emerge también claramente en sus trabajos como director. Incluso con las diferencias en el remate final, se aprecia la continuidad discursiva en cómo tratar el horror de la existencia a través de la relación con un mundo que ya no parece tener sentido y hasta está jodido, sea a un nivel literal de globalismo o en el microcosmos que supone una relación cercana. También se aprecia continuismo en el carácter provocador a la hora de tratarlo, poniendo el foco en lo incómodo y en lo que no se quiere discutir además de emplear para ello muchas formas del cine de autor europeo y algo de los malabares tonales que surgen en mucho cine asiático.

Aster entró en la esfera cinéfila desde el terror, siendo un género mucho más fácil de producir y también uno en el que es fácil volcar aquello que le atemoriza y le inquieta, pero nunca quiso enmarcarse como master of horror. Algo que ha tenido rechazo de gente realmente aficionada al género, al considerarlo un petulante preocupado del discurso y tener referentes relamidos, y también ha propiciado el discurso sobre el “terror elevado” que, por suerte, tanto él como muchos de nosotros hemos logrado dejar atrás.

Además de horror, Aster se ha visto inclinado por chocar al espectador con humor que va desde lo negro al absurdo, y también ha querido coquetear con el cine de culto bizarro y con lo tradicional como el western. El impulso no viene tanto de haberse criado viendo a su adorado Ingmar Bergman sino del impacto de ver algo como Dick Tracy, tan extraña y bombástica como ocasionalmente aterradora en su maximalismo comiquero que ha decidido perseguir esas sensaciones en su cine2.

Con ellas, persigue explorar las fracturas que surgen por el trauma o la toxicidad entre las relaciones familiares o las sentimentales3, indagando casi desde una perspectiva freudiana donde lo más horrorífico viene cuando lo confortable o lo que consideramos hogar deja de repente de serlo. Esto hace interesante indagar en todo los flecos de un cineasta polémico, y desde luego no infalible, pero que es uno de los estimulantes a la hora de discutir si se opta por rascar sus superficies histriónicas.

NO

• Eddington (2025)

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Nueva semana, nueva tier.

Y, como final de mes, vuelve la Tómbola Antojitos. Ya sabéis, os regalamos un disco si nos decís cuáles son vuestras tiers personales de mayo. Enviadlas a hipersonica@substack antes del próximo lunes y… sacrificad a vuestro primogénito (sea humano, perruno o gatuno) para tener más posibilidades. O montadle un WhatTheFav y enviáis a probertoj las ganancias, que él sabrá darles buen uso.

Por ahora, vamos con la tier.

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Kevin Morby – Little Wide Open

Género: Almazuelas folk-rock

Si había algo que esta redacción no esperaba era un disco excelente de Kevin Morby en 2026. Porque el buen músico y mejor tuitero/pensador nos había acostumbrado ya desde hace años a una colección de discos que quizás nunca defenestrarías del todo, pero que tampoco defenderías con violencia (la única forma hipersónica de defender discos) ante nadie. Ok, atended: me pego por Little Wide Open con cualquiera de vosotros. Os veo en la puerta de los billares.

Y, coño, había motivos para dudar, como que Aaron Dessner esté en la producción, que bien sabida es su capacidad para amortiguarlo todo, hacer que todos los discos suenen como si fuera el mismo. Aquí pasa lo contrario: cada canción dentro es diferente de las demás, por lo que sus 60 minutos acaban siendo una exquisita almazuela del folk estadounidense en 2026. Da igual si aquella se pone más Apalaches o esa otra más Medio Oeste. Da igual si Kevin Morby las mira desde San Francisco o desde el Sur. Si a veces parece un Lou Reed invitando a Lucinda Williams a cantar y otras Tom Petty de vuelta a la vida.

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Cindy – Another Country

Género: Ni plátano ni plátana

Yo sé que hay gente que os dirá que no, pero sigue siendo relevantísimo habitar en la Velvet del tercer disco, la Velvet Que Importa (Una de Ellas™). Y no debería quedar duda ninguna cuando te pones Another Country y Cindy vuelven a dar con la manera de hacer bien las baterías tocadas como si te faltasen la mitad de las piezas, las guitarras punteadas como si no quisieras hacer daño a nadie, la voz entonada como si en tu casa durmiesen todos y tú anduvieses creando la canción de tu vida.

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(Quizás te perdiste la primera parte)

No vamos a negar que por aquí, como cualquiera que ha tenido alguno de sus años formativos en los noventa, tiene un gran sentimiento de añoranza por el cine de aquella década. A nivel comercial podíamos disfrutar de cine adulto que incluía thrillers, romcoms, comedias desmadradas y mucho más en un rango que iba desde lo aparentemente sofisticado hasta la guarrería más disfrutable.

Era también la época de la gran renovación del cine americano a través de lo indie, pudiendo uno sentirse guay gracias a las nuevas voces que se colaban derribando puertas como Quentin Tarantino, David Fincher, Paul Thomas Anderson, Steven Soderbergh, Richard Linklater y un largo etcétera. Y luego a finales de década se fueron viendo otra serie de transformaciones claves para el cine del siglo XXI, especialmente en años como 1999 tan vanagloriados que se han montado podcasts en torno a ello.

Pero realmente nada de lo que se ha comentado anteriormente tiene presencia entre las grandes ganadoras del Oscar a Mejor película, que es de lo que va este proyecto que hoy nos lleva a recordar los 90. Si observamos las triunfadoras vemos cómo hay bastantes denominadores comunes que podríamos considerar que son pilares del “Oscar Bait”. Esas películas que, si eras visitante de la Filmoteca con poster de Pulp Fiction en la habitación, debías mirar por encima del hombro porque eran demasiado fáciles por accesibles, menos rompedoras o eufóricas de lo que iba surgiendo alrededor.

Pero igual que hemos partido lanzas hasta por Steven Seagal repartiendo estopa en un buque marino1, recordar estas ganadoras que pueden considerarse apoteosis del Oscar Bait da también cierto calorcito. Muchas son evidentes en lo que hacen, pero también llegan a menudo a ser fabulosas en cómo lo hacen. Y eran también fenómenos de la época que la gente veía en masa, desde los evidentes ejemplos de Titanic y La lista de Schindler hasta también la ruptura de El silencio de los corderos e incluso American Beauty. Cierto, podemos buscar alternativas más “guays” a casi todas, pero ninguna se puede colocar como desastre irreparable (aunque hay una que todavía despierta conversación) y eso hace interesante a esta década. (Black)

NO

Que no hay. Sí, es impresionante dado lo dicho anteriormente, pero es así.

MEH

• Forrest Gump (1994)

• El paciente inglés (1996)

Si los Oscars han mantenido durante todos estos años la reputación de blandos y de poco merecedores de ser reputados o prestigiosos es a raíz de triunfos como el de Forrest Gump. Para que negarlo, nosotros también hemos ido a filmotecas, hemos contemplado el poster de Pulp Fiction más de lo que deberíamos, y nos hemos sentido muy guays haciendo una comparación entre ambas que supuestamente nos servía para demarcar líneas con lo populista, en lugar de ser un tratado a la futilidad.

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Nueva semana, nueva tier.

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Nueva semana, nueva tier. Es la primera de mes, así que además cuenta con la presencia estelar de las tiers de dos lectores que han sido galardonados con un premio de la Tómbola Antojitos.

La primera es Ana Saturno, que se disculpa ante Antojitos por su “pobre tier list de este mes, a medio terminar entre cosas que tengo que poner en una maleta y pensamientos intrusivos sobre el trabajo asalariado y las ganas de matar que no me dejan tranquila”. Antojitos también está contra el trabajo asalariado y ha considerado demostrártelo con este premio, incluso aunque le prometías: “Si no soy agraciada por la suerte de la tómbola, prometo esforzarme más para el mes que viene. Todos sabemos que mi único objetivo en ésta era poder poner dos discos de Morrissey en el NO”.

El segundo agraciado es Serge, que prepara un menú completo:

Enhorabuena a ambos, el Comité Popular de la República de Hipersónica ya prepara vuestros discos. Recordad que a final de mes se abrirá otra oportunidad más para los que en esta ocasión no hayan resultado ganadores. Si queréis conocer el resto de tiers enviadas por los lectores, las leeremos en plaza pública en el discordcito hipersónico en torno a las 16.00 de hoy martes.

Y ahora sí, vamos con la única que cumple lo que promete: con ella no tienes que pensar.

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Ya hemos tenido la tier de Gus Van Sant (y como regalo, la gran nos dio el increíble titular que tenéis más arriba), que suele abrir oportunidad para marcar de qué (cine) se habla en Hipersónica. Si estás en el Discord, puedes participar no sólo cuál será la siguiente tier temática mensual sino que tienes la oportunidad de escoger un tema, como el especial de documentales musicales. Mientras tanto, ahora toca repaso de lo que se ha estrenado y/o visto durante el mes.

EXCEL

Incontrolable (I Swear)

El biopic con drama social británico siempre es una bomba de relojería sentimentaloide a punto de explotar. Pero Kirk Jones se sale con la suya hablando de John Davidson y del síndrome de Tourette precisamente por saber en qué orden empezar a hablar de cada cosa, y también de que no puede sustraerle el humor incómodo que hay acompañado a un drama muy real.

Saber moverse entre todos estos tonos, también el sentimental puro, y emplear ocasionalmente la cámara para que se retrate la perspectiva reprimida de su protagonista, son varios de los grandes hallazgos de Incontrolable. Esos y un Robert Aramayo realmente espléndido para dar todas las aristas y dignidad posible al personaje. Hace todas las cosas bien, y luego te ayuda a entender, la combinación perfecta.

• En cines.

La Grazia

El cine de Paolo Sorrentino es tan propenso a apelar a aquellos de alma vieja como a suscriptores del podcast Hotel Jorge Juan. Que la intersección entre ambos es grande, incluyendo al propio Sorrentino, pero no es un círculo. Aquí el espíritu del gintonic avinagrado es reducido para dejar más espacio a la taciturna y tierna reflexión del alma vieja, que suele ser la que eleva los mejores momentos de su filmografía.

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La militancia del indie nos lleva a considerar los movimientos hacia lo comercial como una pérdida de la esencia, y también de la autoría, al hacerse concesiones para poder apelar al público. Por eso la figura de alguien como Gus Van Sant causa fascinación, y en ocasiones quebraderos de cabeza si se observa la filmografía al completo, ya que alterna trabajos en los márgenes que se meten de lleno en la experimentación formal con el cine, o tratan temáticas que no tienen espacio en el cine comercial, con trabajos que parecen teledirigidos hacia el gran público. Y luego tiene cosas como el remake de Psicosis, que pliega ambas cosas para terminar por no contentar a nadie.

Desde fuera parece un misterio, pero para el propio Van Sant no hay realmente diferencia entre un tipo de proyecto u otro, porque considera que los hace igual cuando está desarrollándolos y porque con todos intenta apelar al público. Aun así, el mismo sabe que no está aplicando el mismo lenguaje hacia dramas sentimentales como El indomable Will Hunting que hacia el arte y ensayo del horror en Elephant, aunque en ambos tiende a trabajar más desde el ámbito independiente que desde el sistema de estudios1.

Es probable que también vea toda su obra como una constante por cómo suele estar atraído hacia determinados conceptos. Su cine suele orbitar alrededor de personajes que no están cómodos o desarrollan la incomodidad hacia las convenciones sociales que se imponen, algo con lo que conecta como hombre homosexual con inclinaciones intelectuales en constante mudanza durante su juventud hasta establecerse en Oregon. Luego está cómo trata ese inconformismo, que suele estar trazado por la inminencia o la amenaza de la muerte. A menudo de forma directa pero puede ser ocasionalmente más simbólica, como puede ser el acto de plegamiento ante la rigidez estructural de los sistemas dominantes.

Ambas ideas colisionan a menudo de manera interesante en cómo rueda los espacios, especialmente lugares como los pasillos. Una imagen recurrente en su cine que suele ser medio de transición de un espacio a otro, pero siempre limitando la dirección de los personajes que lo recorren. Van Sant es capaz de tantear esta profundidad en la imagen desde la precisión clínica de la pura observación del cine trascendental o contemplativo, pero también conteniendo el formalismo para observar a personajes que están atravesando carreteras o diatribas existenciales.

Sea con sequedad formal casi hostil o con un desatado humor negro, el cine de Van Sant acaba acostumbrándonos a espacios mentales que no son los habituales en un cine comercial, y a veces ni siquiera en el indie. Nunca se puede predecir del todo cómo lo va a hacer, y cómo le va a salir, lo que le hace sujeto de especial interés para este espacio de tier-lists.

NO

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Nueva semana, nueva tier. La última del mes, así que regresa Antojitos. Las normas, las de siempre. El premio, un vinilo seleccionado con todo el amor del mundo por esta redacción. Hasta el lunes por la noche tenéis tiempo.

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Portosanto - Ten que haber un sitio para nós

género: rock Campesino

Va Chou, venga, suelta aquí dos o tres párrafos sin hablar de Grande Amore.

Portosanto son Anaís, Andrés, Nuno, Simón y Xoel. De Nuno os hemos hablado un par de veces, igual os dais cuenta. La cuestión es que el quinteto gallego viene de lanzar su trabajo de debut y el resultado es una colección de canciones enérgicas, divertidas, con el punto exacto entre los tarareos facilones y la épica pop y, sobre todo, el disfrute absoluto. En el otroproyectodeNunodelqueustedmehabla Mr. Pico nunca ha ocultado sus influencias. De hecho no se ha cortado un pelo en decir bien claro a quién iba fusilando por la vida. Aquí no me consta que Portosanto haya hablado de a qué artistas han estado escuchando durante el proceso, pero tanto de ‘Para sempre’ como de ‘Ten que haber un sitio para nós’ parece claro que uno de ellos serían Los Campesinos!. Un vigor imparable y contagioso así lo atestigua.

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Nueva semana, nueva tier.

La de hoy, algo cortita y con cierto retraso, como los que hacemos Hipersónica. Pero con todo el amor del mundo, que estamos en época de renovación de suscripciones.

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Nueva semana, nueva tier. Recordad que todos los martes os decimos lo que tenéis que pensar de los discos que van saliendo, así os ahorráis tener que escucharlos. Y tenemos un montón de secciones más, incluso estamos pensando recuperar nuestro podcast que dejó una huella imborrable entre nuestros más fieles seguidores:

Además de todo esto, proporcionamos diversión de sobra a todos los suscriptores, así que agradecemos que os suscribáis a nosotros y a no a plataformas que, indudablemente, lavan el dinero mejor que nuestro PROPIETARIO como Netflix o HBOMaxEstavezSí2definitivo.docx.

Son 30 euros al año: para vosotros es mucho. Para nosotros… muy poco. Putos ratas.

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Ahora sí, vamos con la tier:

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Prism Shores - Softest Attack

Género: Las líneas de metro que unen Bandwagonesque con Seamonsters

¿Qué pasa cuando llega una ola de calor a Montreal? Pues más allá de lo que podamos mirar con detalle, nos quedamos con la anécdota que de esos días nace uno de los discos-chicle de este 2026, el de Prism Shores. Softest Attack se grabó en esos días del verano de 2025 y su sonido decide hacer más directo, inmediato y menos etéreo el discurrir del Prism Shores.

Así es como cimentan la electricidad neiljungiana de ‘I Didn’t Mean To...’ o el desgañite un tanto Wedding Present de ‘Idle Again’. Todo Softest Attack parece querer que el título se niegue: Prism Shores atacan sus guitarras con más rotunidad que nunca, ya sea en el segundo plano de las ráfagas que cruzan ‘Magical Thinking’ o en el mucho más directo de ‘Nothing to Find’, donde se emparenta con Big Star.

Mucho Dunedin Sound, las dosis apropiadas de fuzz, y pildorazos de pop bien-malcantao que me pega un chute gordo gracias a que no son demasiado perfectos y a que veo por aquí y por allá también el fantasma de un Evan Dando que nunca hubiese querido levantar el piel del pedal de la distorsión (el pedal del pedal ya sabemos que nunca lo levantó). Cruje de la hostia en primer mordisco y creo que va a crujir todas las veces que lo ponga. PALANTE. (probertoj)

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Los retos “à la Letterboxd” pueden parecer actos de masoquismo, de autoimponerse deberes en algo que debería ser cuestión de simple ocio y disfrute. Y algo de eso hay, claro, pero también resulta muy grato cuando esos ejercicios de completismo te llevan a descubrir cosas a las que nunca habrías llegado de otra manera, o que quizá has estado evitando activamente hasta ahora, y que sin embargo, una vez metido en harina, te acaban deparando sorpresas. El clásico de estos retos es el de verse todas las ganadoras del Oscar a Mejor Película y sí, llevarlo hasta el final conlleva algunas paradas francamente dolorosas, pero también auténticos hallazgos que de otra forma ya habrían quedado sepultados en el tiempo.

Así que por aquí nos hemos decidido a recoger el guante y comentar todas las Best Pictures en clave tiers. Ya que hay nada menos que 98 pelis que zamparse, vamos a ir dosificándolas por décadas, para hacerlo más llevadero y de paso ir parando para tomar aire y ver qué nos dice cada tanda de películas del momento en que se hicieron y premiaron. Lo hemos echado a suertes y la tómbola antojitos cinéfila nos ha dicho que tenemos que empezar por…

Los Oscar de los 60: ingleses, clasicazos y muchos, muchos musicales

Los 60 es una década fascinante en lo relativo al cine estadounidense por lo que tiene de puente, de período de transición donde conviven lo viejo y lo nuevo, a veces dialogando, a veces dándose de hostias porque son incapaces de coexistir. En lo relativo a los Oscar, no hay más que coger la primera y la última de la lista: empezamos en 1960 con El apartamento, clásico entre los clásicos, en blanco y negro, obra magna de un autor esencial del viejo Hollywood y pelicula capaz de poneros de acuerdo a Boyero, a tu madre, a un editor de Hipersónica y a ti. Y acabamos en 1969 con Cowboy de medianoche, la primera y única película clasificada X en ganar un Oscar1, rabiosamente contemporánea y con Jon Voight interpretando a un chapero.

Del glamour y refinamiento de My Fair Lady a la suciedad y el sudor de En el calor de la noche, del hombre que hizo literalmente de sus principios la obra de su vida a protagonistas de bajos fondos con brújula moral dudosa. La cultura no siempre evoluciona en línea recta, sino más bien en zigzags (entre el 67 y el 69 está el Oscar de Oliver), pero mirando la década en su conjunto la tendencia es evidente y el viaje, apasionante.

Es una época donde el cambio se siente inminente, aunque sin acabar de explotar todavía a la espera del Nuevo Hollywood de los Scorsese, Coppola o Spielberg. El viejo Código Hays agoniza (desaparecería oficialmente en 1968), la inocencia de los 50 se va muriendo y por el mainstream empiezan a colarse protestas sociales, cinismo y hasta desnudos. Fueron los tiempos de la british invasion también en el cine (cuatro de las diez ganadoras son británicas, una cosa bastante loca) y también los de la revolución de la televisión en color, lo cual redobló la presión sobre las salas para ofrecer una experiencia que no pudiera replicarse en casa: relatos épicos de gran escala, musicales rimbombantes, Panavisión a todo trapo. Vamos al lío. (Poliptoton)

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