Artista/Grupo: The Strokes

Disco: Is This It

Género: Garage Revival, Indie Rock.

Puesto en la lista: 68

Hay otros discos suyos en la lista: No.

¿Sale en otras listas canónicas?: Rolling Stone (114), NME (7), The Observer’s The 50 Albums That Changed Music (48) y 1001 discos que escuchar antes de morir.

¿Qué se decía entonces?

Esto es de lo que están hechas las leyendas. Grabado en un estudio situado en un sótano de la Avenida A de Manhattan, donde el aire estaba cargado de humo de cigarrillo y tres fotos de un catálogo de Victoria’s Secret pegadas con cinta adhesiva a un armario servían de inspiración, el álbum debut de The Strokes es puro rock & roll neoyorquino: toda la agresividad del asfalto gris envuelta en la elegancia del cuero negro. Hace menos de un año, los Strokes repartían folletos de conciertos a fans desinteresados en los conciertos de Weezer; ahora, son protagonistas de portadas de revistas británicas, el flechazo de las colegialas (suponiendo que conozcas a las colegialas adecuadas) y, ya, la envidia de la gente guay.

En pocas palabras, The Strokes reúnen todas las cualidades que el rock and roll exige a sus mejores exponentes, y Is This It es donde todas ellas confluyen. Algunas son evidentes: las narraciones arrastradas del cantante Julian Casablancas, el sonido metálico de las guitarras de Albert Hammond Jr. y Nick Valensi, la grabación sin complicaciones, y el bajista Nikolai Fraiture y el batería Fabrizio Moretti dedicándose con alegría a hacer música. Pero, más allá de eso (y al igual que, por ejemplo, Definitely Maybe de Oasis antes que él), Is This It es el testimonio de un grupo que aprovecha el momento y lo hace totalmente suyo.

Si eres de los que esperan que este sea uno de los álbumes más importantes de todos los tiempos, lo más probable es que dentro de unos 18 meses estés diciendo: «Siempre los he odiado». Sin embargo, si te acercas a este álbum tal y como es —una visión sencilla e ingeniosa de la vida moderna—, te resultará, en general, muy agradable.

¿Qué se dice ahora?

La contagiosa rebeldía de ‘Someday’ y ‘Last Nite’ renovó los sonidos vanguardistas de generaciones previas como la arrogancia callejera de The Velvet Underground o Iggy Pop, el romanticismo herido de The Smiths o los comienzos de The Cure en música pop perfecta para bailar. En un mundo ideal, el primer nombre que aparecía al pensar en Nueva York durante el otoño de 2001 sería The Strokes. Su debut, y todo lo que este encierra, se transformó en el emblema de una generación que trató de pasarla bien durante una época muy difícil.

Elaborar un canon que pretenda cubrir las diferentes evoluciones de la música, los géneros que marcaron época, se puede pegar un tope cuando determinados momentos estaban marcados por música del pasado. Simon Reynolds elaboró en Retromania cómo la primera década del siglo XXI estaba sonando a lo mismo de décadas anteriores. El pop estaba obsesionándose con sus versiones previas.

Por supuesto que en esa época salieron cosas nuevas y alucinantes, pero no eran a las que se prestaba atención, y por tanto las menos proclives a ser recordadas por las listas canónicas. En su lugar, se topa con la paradoja de representar esta época como la recordamos: la era del revival, la de grupos nuevos con los que conectábamos, pero estaban emulando música del pasado de igual manera que en nuestros voluminosos PCs volcábamos juegos del SNES porque podíamos meterlo a cholón. Te topas así en la situación de condensar este periodo a base de repetir cosas ya incluidas, contribuyendo a la falta de diversidad que suelen darse en estas listas.

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Artista/Grupo: Radiohead

Disco: OK Computer

Género: Radiohead guitarras, Art Rock.

Puesto en la lista: 12

Hay otros discos suyos en la lista: Sí.

¿Sale en otras listas canónicas?: Rolling Stone (42), Colin Larkin’s All Time Top 1000 Albums (4) y 1001 discos que escuchar antes de morir. Y básicamente cualquier lista canónica.

¿Qué se decía entonces?

Debería haber una advertencia sanitaria impresa en la funda: No Reproducir Si Te Sientes Frágil.

Puede que los días de lamentos y poses hayan quedado atrás, pero no se lo digas al cantante de Radiohead, Thom Yorke. Ha sobrevivido al ocaso del grunge con toda su ansiedad y desilusión intactas. Lo cual no significa en absoluto que la música de su grupo no haya madurado. Al contrario, Radiohead es una de las pocas bandas de guitarras de mediados de los 90 que ha crecido a pasos agigantados. Cuando su primer sencillo, ‘Creep’, saltó del Buzz Bin de MTV en 1993, parecía una imitación de Nirvana salida del infierno; la dinámica obligatoria de fuerte/suave de la canción y las letras autocríticas de Yorke sonaban vacías. Pero basta con escuchar una vez el tercer álbum de Radiohead, OK Computer —una impresionante obra maestra del art-rock— para que te veas arrastrado de vuelta a su debut, Pablo Honey, y puedas apreciar la dramática evolución del grupo.

¿Qué se dice ahora?

Hay pocos discos tan audaces e innovadores que hayan captado la imaginación popular como OK Computer. Un triunfo artístico que no sólo marcó una nueva frontera en la exploración del rock, sino que también articuló el incipiente interés y preocupación por el peligro de la tecnología. En 12 canciones empapadas de olvido y terror, Thom Yorke se encuentra tan alienado por la sociedad que anhela ser secuestrado por extraterrestres para poder observar “the world as I’d love to see it”. Un ciclo de canciones perturbador con un raro poder magnético. Su reorganización de sonidos rockeros con la ambición de la música clásica lo convierte en una de las afirmaciones más radicales y necesarias del género.

Bien, ha llegado un momento que no causará nada de polémica ni controversia de ningún tipo. Justo lo que necesitaba una sección dedicada a rizar el rizo con hasta los discos que me gustan porque si no, a ver para qué narices escribir de ellos.

Pero antes de continuar hablando de gente que no despierta ningún tipo de inquietud ética o moral, dejamos aquí un enlace de posible interés.

Radiohead se habían convertido en una banda de un hit tan inmenso del que nadie podía escapar. Y, aun así, decidieron escapar de aquello y de lo que estaba intentando ser su debut Pablo Honey, sacando en el proceso un The Bends que les convirtió a ellos en una banda grande en el rock británico, casi ya en el punto de que nadie pudiera escapar de ellos. Sí que fue grande lo de The Bends que de un esqueje muy lejano en espacio y tiempo salió Vetusta Morla, y de sus peores ramas surgió el indietex.

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Artista/Grupo: Aretha Franklin

Disco: I Never Loved a Man the Way I Love You

Género: Soul, R&B.

Puesto en la lista: 40

Hay otros discos suyos en la lista: No.

¿Sale en otras listas canónicas?: Rolling Stone (13), Colin Larkin’s All Time Top 1000 Albums (352) y 1001 discos que escuchar antes de morir.

¿Qué se decía entonces?

La grandeza y el punto débil de Aretha es que nunca hace nada a la perfección, pero aquí se acerca tanto como le conviene: una saludable mezcla de soul rockero, pop ensoñador y confesiones reflexivas. No todas las canciones suenan inspiradas, pero en una recopilación que incluye el tema que da título al álbum, ‘Respect’, ‘Dr. Feelgood’, ‘Do Right Woman’ y (uf) ‘Don’t Let Me Lose That Dream’, eso realmente no importa mucho, ¿verdad?

¿Qué se dice ahora?

Fue la conjugación ideal de la artista y el sonido perfectos, en el momento preciso y con las canciones adecuadas, en muchas de las que había sido coautora: ‘Dr. Feelgood’, ‘Baby, Baby, Baby’ y ‘Don’t Let Me Lose This Dream’. Tras varios años en la industria, Franklin consiguió un gran éxito y fue así como esta cantante maravillosa se convirtió en la reina del soul.

Que aquellos con cierto kilometraje escuchando música nos volvamos reacios con los repasos a listas canónicas a las opciones que suenan demasiado accesibles o que se repiten con dudoso gusto o criterio es natural. Hay cierta sensación de imposición en estas opciones por parte de estos aparatos de “curación” o, peor aún, de una industria queriendo mantener como inamovibles ciertas vacas que más que sagradas son productivas.

Y es que no podemos olvidar que buena parte de lo que se inmortaliza y se promueve acaba teniendo promoción por parte de una industria férrea. O, al menos, su connivencia. El talento puede estar presente, y ser claramente innegable, pero siempre tiene que tener beneplácito externo de alguien con buen despacho que ve filón.

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Artista/Grupo: Kacey Musgraves

Disco: Golden Hour

Género: Pop, Country.

Puesto en la lista: 85

Hay otros discos suyos en la lista: No.

¿Sale en otras listas canónicas?: Rolling Stone (270) y 1001 discos que escuchar antes de morir.

¿Qué se decía entonces?

Casi lo mismo que ahora.

¿Qué se dice ahora?

Golden Hour es una obra maestra del pop country más etéreo: psicodélico a veces, vanguardista en otras, unido por el ingenio y la voz conmovedora de Musgraves. ‘Slow Burn’, con sus rasgueos iniciales, filtra sus inclinaciones acústicas tempranas a través de un caleidoscopio de nuevos sonidos, mientras que ‘Space Cowboy’ es una balada country errante y perfecta. ‘Rainbow’, que cierra el álbum, es una ofrenda atemporal que consuela a la juventud queer y reafirma el compromiso de la vocalista con esta comunidad. Con Musgraves, la música country rebasa los límites de la imaginación y todos estamos invitados a acompañarla.

Siendo como son estas listas canónicas algo mayormente anglosajón, y también estadounidense al tener ellos los grandes imperios mediáticos (y tecnológicos) que el capitalismo puede ofrecer, aún parecen esquivarse determinados localismos. No hay tanta abundancia de country como puede parecer, o al menos lo que hay siempre tiene suficiente componente folk para disimularlo.

Se aprecia también en cómo el género es cubierto en la prensa especializada y “de pedigrí”, que aun tratándose de uno de los géneros más masivos a nivel de escuchas y alcance radiofónico no suele tocarse demasiado. A menos, claro, que los grupos indie lo replanteen con gusto, o salga una voz pop lo bastante camuflable como algo trascendente dentro del género.

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Artista/Grupo: The Beatles

Disco: Abbey Road

Género: Rock, Pop, Psicodelia, ¿Prog?.

Puesto en la lista: 3

Hay otros discos suyos en la lista: Sí.

¿Sale en otras listas canónicas?: Rolling Stone (5), Colin Larkin’s All Time Top 1000 Albums (8), y 1001 discos que escuchar antes de morir. Y muchas más, son demasiadas para recopilarlas.

¿Qué se decía entonces?

Probablemente sea lo peor que han hecho los Beatles desde que cambiaron de batería. Esto da paso a la «Suite», que cierra la cara del disco. Se trata de seis canciones cortas, cada una de poco menos de dos minutos de duración, todas ellas tan recargadas en la producción que resultan difíciles de escuchar.

El hecho de que los Beatles sean capaces de unir fragmentos musicales y garabatos líricos aparentemente incontables en una suite uniformemente maravillosa, tal y como han hecho en la cara B, parece un claro testimonio de que no, que están lejos de haber perdido el toque, y no, que no han dejado de intentarlo. No, al contrario, aquí han logrado lo más parecido hasta ahora al estilo libre de los Beatles, fusionando ideas musicales y líricas más diversas e intrigantes en una obra que es mucho más que la simple suma de esas ideas.

La suite de ‘Abbey Road’ sigue siendo un éxito rotundo. Dicho esto, también debo decir que el resto del álbum es un auténtico desastre.

Supongo que no se me han ocurrido nuevos elogios para los Beatles, aunque tampoco es que los necesiten.

¿Qué se dice ahora?

El undécimo y penúltimo álbum de The Beatles fue el último en el que los cuatro miembros trabajaron en el estudio como un grupo, de manera simultánea. Y aunque no tiene sentido destacar un disco como el más impactante, Abbey Road, de 1969, es el más eterno al tratarse de una colección inmaculada e inigualable de una banda que estaba cambiando el mundo en su apogeo creativo.

Las disertaciones sobre las listas canónicas en esta sección han sido, igual, un poco excesivas en sus aspectos críticos, incluyendo cómo caen en determinados lugares comunes con convicción de autómata. De vez en cuando está bien cuando rompen una lanza por esos pequeños artistas recónditos que merecen ser comentados de una vez por todas.

Porque… ¿qué sería de The Beatles si no estuvieran las listas como ésta diciéndonos lo guays que son sus discos?

A estas alturas con The Beatles muchos prefieren marcan distancia precisamente por uno de los dos tipos de persona que afirman que les gustan: gente que te da una chapa importante sobre ellos por inventar el rock o algo así, que te berrean siempre las mismas canciones y más cosas que invitan a poner salvapantallas. Gente que no te invita a ser el otro tipo de gente, que se pone los discos y realmente ve cosas guays por casi todos lados.

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Artista/Grupo: Rage Against the Machine

Disco: Rage Against the Machine

Género: Rap Metal, Funk Metal, proto-Nu Metal.

Puesto en la lista: 97

Hay otros discos suyos en la lista: No.

¿Sale en otras listas canónicas?: Rolling Stone (221) y 1001 discos que escuchar antes de morir.

¿Qué se decía entonces?

Un debut impactante y con conciencia política. Zack de la Rocha es una auténtica estrella que combina sobre el escenario un carisma al estilo de Bob Marley con un dominio del rap al estilo de Chuck D., y la música en sí es tan contundente e implacable como sus letras.

Música metal para los amantes del rap... y los que odian la ópera

¿Qué se dice ahora?

Al igual que el hard rock, los MC y revolucionarios que los inspiraron, Rage Against the Machine existe en mayúsculas. Sus letras más trascendentes, “Some of those that work forces/Are the same that burn crosses” (“Killing In the Name”), “Anger is a gift” (“Freedom”), tienen la memorabilidad instantánea de un canto de protesta. La inmediatez no es sólo una metáfora de su mensaje; es una manera de correr la voz y poner el poder en manos de la gente. Es un álbum que puedes escuchar en el gimnasio o del cual podrías elaborar un programa de estudios.

La representación política en las listas canónicas, en caso de que se produzca de manera deliberada, responde inevitable a las necesidades del momento en que se publica. Primero por los discos en concreto, que cuando son políticos suelen serlo respondiendo a un conflicto del instante en que se produjeron y cuyas tensiones todavía existen en el presente. No obstante, el canon se considera especialmente político de la misma manera que lo hace la cultura popular: a través de diversidad visible y, de nuevo, representativa de lo que ocupa la conversación.

Por lo general, los discos políticos que se resaltan no están siendo abiertamente militantes con los polos ideológicos, más bien con causas que se pueden vender como transversales. Tanto progresistas como conservadores pueden, en teoría, tener preocupación por los problemas de las mujeres o del racismo, si se presentan en términos lo bastantes simples. Al fin y al cabo, son listas principalmente estadounidenses, necesitan que las elecciones tengan un carácter común. Por lo que no deberíamos esperar algo que se presenta abiertamente de izquierdas.

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Artista/Grupo: Prince

Disco: Sign O’ the Times

Género: Funk, R&B, Pop Rock, Soul.

Puesto en la lista: 51

Hay otros discos suyos en la lista: SÍ.

¿Sale en otras listas canónicas?: Rolling Stone (93), NME (16), Paste (4), Hot Press (3), VH1 (35), The Times (29), All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin (19) y 1001 discos que escuchar antes de morir.

¿Qué se decía entonces?

Simplemente el músico pop más talentoso de su generación demostrando lo cabrón que es durante los dos discos de principio a fin. Con la ayuda de Camille, Susannah, Sheila E. y Sheena Easton, vuelve a sus trucos de hombre orquesta, por lo que los fans de la creación colectiva deberían estar agradecidos de que, al menos, el segundo tema más caliente aquí, después del galvanizante ‘U Got the Look’, sea Revolution en directo.

Prince está empezando a ser un enigma. Sign o’ the Times, su noveno álbum en lo que ahora es una carrera discográfica de nueve años, es, por supuesto, en gran parte deslumbrante; dieciséis temas repartidos en dos LPs, la mitad de ellos brillantes, la otra mitad simplemente mejores que el noventa por ciento de lo que se escucha en la radio. Realmente no hay nadie como él (aunque muchos lo intentan), y sigue siendo ese raro artista pop al que se le puede atribuir la palabra genio —o artista, para el caso— sin que nos dé náuseas.

¿Qué se dice ahora?

Sign O’ The Times no es sólo el álbum más completo del catálogo de Prince, sino uno de los más íntegros del pop. Todo lo que exploró en sus primeros 10 años como artista está aquí: R&B, soul, rock y góspel, viñetas al estilo de The Beatles (’Starfish and Coffee’, ‘The Ballad of Dorothy Parker’) y funk carnal (’U Got the Look’) sin la banda The Revolution. Es tan contemporáneo y políticamente relevante como el rap (’Sign O’ The Times’) y tan clásico como una balada doo-wop (’Adore’), y en ambos descubre el sonido minimalista pero altamente expresivo que lo hace ser Prince.

Los discos que persigue el canon tienen que servir para mapear con facilidad los grandes cambios de la historia musical, o al menos aquella que se recoge a partir del establecimiento del concepto “disco” como algo más que la compilación de temas de turno. Tienen que tener, por lo general, una aceptación masiva que lleva a una clara predominancia de fenómenos pop de los respectivos momentos, funcionando más como radiografía de lo aceptado que de lo especial del arte.

Para que se den ambas tiene que darse una alienación de astros especial, porque lo que termina permeando hacia esas supuestas ligas mayores tienden a explotar los mínimos denominadores comunes, o vuelven accesible aquello que era objeto de culto con más pureza. Hay, indudablemente gente con gracia para lo último. Lo extraño, en realidad, es que alguien posea la capacidad de volverse masivo sin que tenga que considerar el contenerse en absoluto.

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