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La canción: ‘Redondo Beach’, de Patti Smith

Entre infancia y años formativos, Patti Smith se fue acostumbrando a ir de un lado para otro. Philadelphia, las diferentes esquinas de Nueva Jersey, París. Para cuando se estableció en Nueva York tenía serie de influencias y experiencias que quería explorar de diferentes maneras, empezando por la poesía y acabando inevitablemente en lo musical, primero escribiendo y luego interpretando.

Así se colocó al frente del Patti Smith Group, donde podía llevar su inquieta creatividad a la emergente escena punk donde cabía de todo, incluyendo la gran expresividad pop y artística de Television con los que compartían cartel a menudo. El grupo sacó finalmente ese Horses que unía ese punk rock con la mordaz poesía de su líder, que se permitía explorar sensaciones complejas a través de curiosos artefactos narrativos.

Entre su máximas expresiones está ‘Redondo Beach’, una marchosa pieza de influencia reggae donde explora la muerte de una mujer joven desde la perspectiva de un narrador que siempre discutía con ella. Considerada una tragedia lésbica, al ser nombrada por una zona frecuentemente visitada por el colectivo, Smith realmente la escribió a raíz de una discusión con su hermana a la que le siguió un día entero sin saber de su paradero y provocando su preocupación. Aun así, tiene su punto macabro hablar de estas cosas desde un marco de cultura surfera y tono relajado.

La película: ‘Perfect Days’, de Wim Wenders

Desde bien joven a Wim Wenders le gustaba escabullirse hacia otros lugares. Cuando nadie estaba atento, era capaz de hacer por su cuenta viajes desde Düsseldorf hasta Amsterdam sólo para visitar el Rijksmuseum. También se dirigió a París para ser pintor, pero no cumplió con los requisitos de admisión en la Universidad, volcando finalmente sus inquietudes artísticas en la fotografía y el cine.

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La canción: 'Ice Cream freestyle', de Wu-Tang Clan / Royal Fam

A finales de los ochenta, cuando Robert Diggs y Gary Grice todavía no tenían asentados sus alias de RZA y GZA respectivamente, ya se pudo ver a estos jóvenes neoyorquinos trabajar junto a Ol' Dirty Bastard en un proyecto de hip hop. Este no prosperó, pero puso sus nombres en la escena underground. Ahí los raperos y productores expandieron su libreta de colaboradores, Ghostface Killah, que acabarán siendo claves para la formación de un colectivo que forjará una leyenda en el género.

Combinando filosofía y símbolos shaolines y de kung fu con relatos de la dura vida en las calles de los barrios negros, Wu-Tang Clan se volvieron un ente muy particular dentro del hip hop de la costa Este, pero al mismo tiempo fundamental para volver a dicha escena el movimiento masivo de los noventa. De ese constante estilo de colaboración sin ataduras, y sin miedo a cruzar referencias dispares, salieron temazos como 'C.R.E.A.M.', reconocido como uno de los temas más icónicos del hip hop por su impecable estilo en las bases y en los fraseos de sus MCs.

Un tema que surgió mucho antes de la formación del colectivo, con RZA describiendo sus problemas llevando la vida criminal, y que permitió convertirles en una institución, donde se podían apadrinar proyectos menores como Royal Fam, y terminaban llegando a gente de todo tipo, incluyendo a cineastas curiosos.

La película: 'Ghost Dog, el camino del samurái', de Jim Jarmusch

Criado en los suburbios de Cuyahoga Falls, en Ohio, el joven Jim Jarmusch fue educado pronto cinematográficamente por su madre, crítica de cine y teatro. Ella le dejaba a menudo en dobles sesiones matinales con cintas de terror B mientras realizaba recados, y le llevaba al autocine a ver películas de adultos con más violencia y temas duros. Eso, unido a su interés por la literatura contracultural, forjaron una personalidad única que se ha convertido en una de las voces más fascinantes del cine indie estadounidense.

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La canción: ‘All the Things She Said’, de t.A.T.u.

En un momento donde era muy lucrativo formar boy-bands y girl-bands, Lena Katina y Julia Volkova eran de las chicas jóvenes que se presentaban a todos los castings posibles para dar el salto al estrellato. Ambas encontraron el curro buscado de la mano de un par de productores rusos, que tenían en mente un concepto provocador en torno a canciones que abordarsen el lesbianismo en un país tan increíblemente homófobo. Un toque que se trasladó también al nombre: t.A.T.u. (abreviando la expresión rusa que significa “ella la ama”).

Entre las candidatas a hitazo que fuese cantado por ellas se encontró una que Elena Kiper empezó a fantasear mientras estaba drogada en la consulta del dentista, imaginando un sueño lésbico durante el procedimiento y despertando con la frase “I’ve lost my mind”. Las alusiones al lesbianismo sobrevivieron a una serie de co-compositores impuestos y productores, así como la traducción de un rey Midas del pop como Trevor Horn, que enfatizó el sonido más noventero posible en su producción. Eurodance y nu-metal amplificaban el carisma de ‘All the Things She Said’.

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La canción: ‘In Dreams’, de Roy Orbison

Durante los años 50, Roy Orbison firmó por Sun Records como cualquier rockero aspirante a seguir los pasos de Elvis Presley, esperando que le propulsase como estrella rockabilly. Claramente tenía las tablas para interpretar y componer, pero su periplo fue haciéndose más insatisfactorio con la falta de fe y también el éxito decreciente. En su cambio de sello discográfico, ya en los 60, optó por desarrollar sus canciones pop en una clave diferente, todavía examinando los sonidos populares de la década previa.

Así nacieron canciones con más pausa, más melodía, moviendo también la balada hacia un terreno casi de nana. Ese carácter ensoñador se hizo más crucial con una canción como ‘In Dreams’, que Orbison afirmó componer a partir de empezar a imaginar notas y letras mientras dormía. Al poco de despertar lo artículo en una canción más entera, aunque todavía poseedora de un carácter onírico que claramente inspiró a otros artistas, especialmente uno obsesionado con esos mundos de sueños.

La película: ‘Terciopelo azul’, de David Lynch

La decepción profunda a todos los niveles con Dune había dejado claro a David Lynch que alejarse demasiado de sus inquietudes y de los medios que conoce no le iba a sentar nada bien. Con todo, Dino De Laurentiis se compadeció y quiso resarcirse de la terrible experiencia que fue grabar el fallido blockbuster, ofreciéndole producir algo que realmente conectase con él.

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La canción: ‘Relax’, de Frankie Goes to Hollywood

Habiendo ya tenido éxitos masivos como ‘Video Killed the Radio Star’ y hasta desfogarse como cantante de Yes durante un breve periodo de tiempo, Trevor Horn estaba a la caza del próximo gran pelotazo que moldear con su visión y dar forma definitiva al sonido pop de los ochenta. Lo encontró en The Tube, el programa de la televisión Channel 4, donde unos lozanos chavales de Liverpool llamados Frankie Goes to Hollywood estaban tocando una marchosa y casi funky pieza con todo el potencial del mundo.

Poco después los abordó para grabarles y que aquella ‘Relax’ fuera su gran single de debut. Llevarla a cabo fue un largo proceso de regrabaciones, de replanteamiento de ideas, de dejar al margen a todos los que no fueran los cantantes del grupo, hasta dar con ese pelotazo de sintes que debía volverse una sensación. Debía, al menos por sonido, aunque su letra jugase a algo mucho más obsceno que no iba a cuajar en la radiodifusión británica.

Aunque lo intentaron negar inicialmente para evitar la controversia que se acabó formando, y poder hacer viable su paso por cadenas y radios públicas, los miembros de Frankie Goes to Hollywood acabaron admitiendo el carácter sexual de unas letras muy irónicas. Referencias a la eyaculación contenida que luego fueron adornada con un videoclip de temática sadomasoquista y homosexual, razón por la que fue vetado tras una corta emisión y la BBC se negó a emitir el tema. Intentaron hacer versiones alternativas que fuesen más accesibles, aunque una de ellas incluía un set de rodaje de una película porno perteneciente a un thriller psicosexual con similar malicia y negro sentido del humor.

La película: ‘Doble cuerpo’, de Brian De Palma

El cine no se cruzó realmente en la vida de Brian De Palma hasta bien avanzada su formación. En un origen, este italoamericano de Nueva Jersey se dedicaba a desmontar radios u otros aparatos tecnológicos porque estaba obsesionado en aprender cómo funcionaban, y la mejor manera que se le ocurría era despiezarlos y montarlos de nuevo. En el instituto era capaz de montar ordenadores, e iba para estudiante de física.

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La canción: ‘Crying, Laughing, Loving, Lying’, de Labi Siffre

Desde bien temprano Labi Siffre descubrió que el mundo no iba a ser benévolo con él. Un ateo estudiando en un colegio católico. Un hijo de una británica con ascendencia de Barbados y un nigeriano en un país donde un bar podía tener un cártel de “No se admiten negros ni perros”. Un hombre gay cuando los disturbios de Stonewall empezaron a suceder. La vida le estaba dejando arañazos sólo por existir.

Aun así, coger una guitarra y tocar en clubes folk fue una oportunidad sanadora, para ir abriendo en canal algunas de sus heridas personales relativas al amor y la vida, con la melancolía casi psicodélica que estaba entrelazando a gente como Donovan, Nick Drake o Rodríguez. Consiguió colarse entre los éxitos de manera tímida con canciones como ‘Crying, Laughing, Loving, Lying’, una exploración en cuatro actos sobre emociones. Sobre su utilidad y también sobre negarlas. De qué sirve llorar. Reír quizás si sirva. ¿Amar? Desde luego no sirve en la maleta que quiere llevar a cuestas.

Pero claro, creer eso es engañarse a uno mismo.

La película: ‘Los que se quedan’, de Alexander Payne

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La canción: 'Pay to Cum', de Bad Brains

Formados originalmente como Mind Power, una banda de jazz fusión, un grupo de jóvenes afroamericanos de DC rápidamente cambiaron de dirección debido a dos contactos que les marcaron. Uno fue el concierto de Bob Marley, que les animó a experimentar con el reggae. Otro fue descubrir el punk de mano de su amigo Sid McCray, que les llevó a cambiar de estilo de vida y hasta de nombre, tomando de base una canción de los Ramones.

Así, Bad Brains empezaron a hacerse un nombre en la escena capitalina con un punk especialmente cargado, acelerado y destructivo, que animaba a los asistentes a ser aún más destructivos. El grupo estaba dando forma a algo completamente nuevo, el hardcore punk, y eso alarmaba a la escena de conciertos de DC.

Muchos locales les vetaron, y al final no les quedó más remedio que moverse a Nueva York, donde tuvieron más éxito en implantar una escena de hardcore violento y brutal (aunque ellos se desentendieron de la etiqueta del hardcore punk, al fin y al cabo también les apetecía tocar reggae). Una escena que ayudaron a forjar a distancia por el culto a sus directos y por sus primeros singles, especialmente ‘Pay to Cum’, un misil perfectamente dirigido en su proceder caótico donde se señala la mercantilización y cómo todo se ha vuelto consumo.

La película: '¡Jo, qué noche!', de Martin Scorsese

La década de los ochenta se complicó muy rápido para Martin Scorsese. A pesar de tener la aclamadísima Toro salvaje para abrir la década, el Nuevo Hollywood al que pertenecía empezaba a pagar los excesos de libertades que concedían los estudios. Tras aquel monumento de película, se reunió con Robert De Niro para hacer la fabulosa comedia negra El rey de la comedia.

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La canción: ‘Put the Blame on Mame’, de Allan Roberts y Doris Fisher

Allan Roberts era un contable de Brooklyn con cierta pasión por el piano y la composición, que fue realizando a nivel modesto hasta que conoció a Doris Fisher, otra aspirante a compositora hija de un notable miembro de la industria musical. Juntos elaboraron canciones de gran éxito y renombre como ‘Into Each Life Some Rain Must Fall’ o ‘That Ole Devil Called Love’, llevadas a la inmortalidad por Ella Fitzgeral y Billie Holiday.

Ambos recibieron un contrato por siete años de Columbia Pictures, donde debían realizar canciones para algunas de sus películas. En aquel momento, todavía en fases finales de la Segunda Guerra Mundial, el musical y el cine noir proporcionaban contrastes en la experiencia de escapar a los cines, pero ambos debían nutrirse de canciones. Su primera colaboración fílmica ya fue todo un éxito, escribiendo la romántica ‘Amado mío’ y la más desafiante ‘Put the Blame on Mame’ para una imprescindible del noir como es Gilda.

La película: ‘Gilda’, de Charles Vidor

Ambas canciones estaban compuestas y pensadas para ser cantadas en pantalla por el personaje de Rita Hayworth, aunque la voz que sonase por los altavoces fuera la de Anita Kert Ellis. Uno de los múltiples ejemplos de cómo el proyecto, dirigido por Charles Vidor, estaba pensado perfectamente para la imagen de Hayworth, aunque no por ella en su totalidad.

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Una canción, una escena es una sección Hipersónica donde se repasan algunos de los mejores momentos musicales en la historia del cine. O los mejores momentos cinematográficos de nuestras canciones favoritas. Sea lo que sea, es un perfecto cruce de nuestras grandes obsesiones.

La canción: 'White Rabbit', de Jefferson Airplane

Grace Slick estaba en una banda de rock llamada The Great Society, compartida con su entonces marido y con su cuñado, pero también se tenía que ganar el jornal trabajando de modelo en unos grandes almacenes. Era el motor creativo más interesante de aquel grupo, pero no es que le viese el menor futuro. Un día, en una de sus varias experiencias con el LSD, empieza a desarrollar una de las canciones más definitorias de su carrera, y también de la discografía de Jefferson Airplance, su posterior banda.

Se trajo dos canciones, que eran la perfecta expresión del sonido psicodélico y también del fenómeno del Verano del Amor. Una era 'Somebody to Love', compuesta por su cuñado Darby para The Great Society. La otra era 'White Rabbit', un fabuloso compendio del mundo alucinógeno de Alicia de Lewis Carroll y los solemnes sonidos de influencia española de Sketches from Spain de Miles Davis y el 'Bolero' de Ravel. El pulso rockero y psicodélico de los Jefferson Airplane llevaron a ambas canciones a su última dimensión, himnos de la música psicodélica y de la contracultura que respondía a las rígidas imposiciones del canon occidental.

'White Rabbit' en concreto se volvió un pilar en la representación de las drogas en la cultura popular, empleando El mundo de las maravillas como metáfora de la liberación (femenina pero también de pensamiento) y también para señalar la hipocresía de aquellos que esperan que sus hijos no consuman cuando están expuestos a imágenes psicotrópicas como las de estos libros. Es por ello que en películas se usa constantemente para representar a personajes en estado de alucinación o de entrada a un mundo de ilusiones del que hay que despertar.

La película: 'Miedo y asco en Las Vegas', de Terry Gilliam

Miedo y asco en Las Vegas fue una novela escrita por Hunter S. Thompson que incluía el subtítulo de "Un viaje salvaje al corazón del sueño americano". A través de un pseudónimo describe sus experiencias surrealistas a causa del consumo masivo de drogas mientras está realizando reportajes en la ciudad del pecado, esperando encontrar allí la ciudad del pecado.

Al igual que El almuerzo desnudo, probablemente una de las obras literarias que mejor capturan la percepción de una mente en estado de intoxicación, hilvanando con mirada crítica al contexto sociopolítico. Material para hacer una novela de culto, que al mismo tiempo resulta inadaptable.

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La canción 'Army of Me', de Björk

Motivada por su padrastro, una estrella del rock en Islandia, Björk se mostró interesada desde una tierna edad por componer e interpretar música. Con el apoyo de este, a los 10 años ya había publicado un disco con versiones de grupos y artistas de su agrado. Sin embargo, ese primer contacto con la industria no fue de su agrado, pasando a un retiro donde se siguió formando y fue saltando entre bandas de punk y experimentales, consiguiendo aclamación con The Sugarcubes.

Finalmente su estreno con propiedad en solitario fue en 1993, con un Debut que tuvo culto y éxito internacional para poder hacer una gira. En dicha gira fue dando forma a canciones aún más particulares y desafiantes que darían forma a Post, entre ellas una muy personal 'Army of Me', dedicada a su hermano y sus dificultades para superar determinados problemas personales, animándole a reunir fuerzas para volver a obtener control de su propia vida. Experimentando con una suerte de pop oscuro en medio de guitarras industriales con un objetivo muy claro:

Imagina que estás en un club lleno de gente del heavy metal y del grunge; 'Army Of Me' es como si la abuela de alguien sonara por la megafonía y dijera: '¡Deja de quejarte! ¡Lávate el pelo!'.

La película: 'Sucker Punch', de Zack Snyder

Criado en las artes pictóricas y fotográficas por su madre, que enseñaba ambas disciplinas en un colegio privado de Greenwich, en Connecticut1, Zack Snyder terminó decantándose por el cine. Su músculo se fue desarrollando en el terreno de la publicidad y los videoclips, como muchos directores destacados que le precedieron, teniendo su primera gran oportunidad en un remake de Zombi de George A. Romero, escrito por James Gunn, que causó sensación.

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La canción: ‘Petal’, de Lee Jung Hwa

En la mediados de los cuarenta Corea se liberó de la colonización japonesa, pero a cambio recibió el intenso intervencionismo de otras dos naciones imperialistas. Las regiones Norte y Sur de la región quedaron divididas a merced, respectivamente, de los comunistas soviéticos y de los capitalistas americanos, que se asentaron militarmente allí para garantizar que la sombra roja no extendiera su influencia.

En el sur, las bases militares estadounidenses mantenían un acceso a distancia de la cultura popular de su hogar natal. Su nostalgia del hogar fue sosegada gracias a las radios que emitían canciones pop y rock de allí, sirviendo indirectamente de plataforma de difusión de nuevas formas artísticas para la música coreana que se encontraba cercana a dichas bases. Una pequeña escena de psicodelia se fue formando a mediados y finales de los sesenta en una Corea del Sur fascinadas por nuevas maneras de expresiones pop, tal y como queda recogido en un fascinante recopilatorio que abarca casi década y media.

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La canción: 'Just Like Honey', de The Jesus and Mary Chain

¿Es 'Just Like Honey' la mejor canción de amor sobre la cocaína jamás hecha? ¿Es una desordenada fantasía de sumisión por un amor complejo, correspondido o no? ¿Es simplemente un encuentro sexual? Hay muchas cosas contenidas en la primera canción del primer largo de The Jesus and Mary Chain, una banda en constante encrucijada con un tiempo en el que no sentían que encajaban, pero al mismo tiempo no podían evitar ser irremediablemente modernos.

Los Reid estaban obsesionados con la corrosiva y distorsionada experimentación industrial de Einstürzende Neubauten, pero también con el pop de los sesenta, especialmente de la corriente "wall of sound" como las Shangri-Las o las Ronnettes ('Be My Baby' y su batería lenta y ruidosa fueron referencia para 'Just Like Honey'). The Velvet Underground fueron imprescindibles para unir ambas cosas, creando magnéticas explosiones de ruido y sentimiento que podían comunicar tanto en lo expansivo como en lo íntimo.

La película: 'Lost in Translation', de Sofia Coppola

Al principio Sofia Coppola no tenía mucho interés en mantener el negocio familiar cinematográfico, con su propio padre siendo uno de los directores más míticos y muchos de sus primos encontrando hueco como autores. Al principio era motivo de distancia, con sus padres yendo por todo el mundo mientras ella se quedaba en casa, pero luego sus pequeños pasos como actriz en las películas de Francis permitieron la cercanía. Aunque también causarían una de sus mayores tragedias, con su actuación en El Padrino III siendo brutalmente criticada y hasta siendo (injustamente) acusada de producir el descalabro en la obra de su progenitor.

Pero ella no tenía verdaderos deseos de ser actriz, así que no fue un problema renunciar a eso tras la debacle. Pero su destino con el cine estaba marcado en el momento que leyó Las vírgenes suicidas por sugerencia de su amigo Thurston Moore y escribió inmediatamente un guion que la adaptase. Se salió con la suya, e hizo uno de los coming-of-age más demoledores jamás creados. Ciertamente había encontrado algo que canalizaba sus obsesiones artísticas y humanas en torno a la feminidad, así que tenía todo el sentido del mundo seguir.

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La canción: '867-5309/Jenny', de Tommy Tutone

Liderados por Tommy Heath y Jim Keller, Tommy Tutone fueron uno de esos claros ejemplos de "one hit wonders", con un éxito que es difícil de no encontrar en un recopilatorio de los ochenta. '867-5309/Jenny' arrasó totalmente en las listas de singles en Billboard en 1982, creando un fascinante fenómeno en el que gente de todo Estados Unidos llamaba al número para ver si había realmente una Jenny, para desgracia de cualquier usuario o empresa que tuviera realmente dicho número.

Pero, ¿a santo  de qué este número? Keller y Heath han ido alimentando a lo largo de los años que Jenny era una chica a la que conocían y con la que se llegaron a liar, y que pusieron el número en la canción (y en algún baño de hotel) por la gracia. Tuvo que salir años después el co-compositor Alex Call para desmentir todo aquello: no hay ninguna Jenny, el número se lo inventaron y no hay una mínima relación con algún pasado amorío de algún miembro de la banda.

Realmente no existe ninguna Jenny con ese número de teléfono. No hay historia, enredos de amor, del demonio, ni es la novia de algún guitarrista, ni nada de eso. Sería más divertido si en realidad así fuera. Lo que me divierte es saber que muchas mujeres me han escrito y me cuentan que han utilizado ese número para quitarse tipos de encima en fiestas.

La película: 'Jennifer's Body', de Karyn Kusama

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