Viene de la parte seis. En el de hoy, decibelios, facherío romántico, la Velvet-Que-Importa, chotearse de los revivals y montar la mayor fiesta parida sobre la tierra… o el espacio exterior.

The dB's - Stands for Decibels (1981)

El 15 de enero de 1981, Chris Stamey y Peter Holsapple lanzan el debut de un grupo que habían mimado y cultivado con cariño desde que en 1978 Holsapple se mudase a Nueva York y descubriese que Stamey era algo más que el guitarrista acompañante de Álex Chilton o Richard Lloyd (como si ser solo ese fuese poco). Durante varios años uno y otro compiten por preparar las mejores melodías pop que tienen dentro y sumergirlas en capas de extrañeza que nunca las aislarán en su propio mundo. Las canciones de The dB’s viven creyendo que aún existe un mundo capaz de asumir lo raruno con tal de que sea contagioso. Las de Holsapple, el poppie, agarrándote por el cuello desde el primer momento (ay, ¿no es ‘Bad Reputation’ el ejemplo de cómo debería ser el powerpop?); las de Stamey, haciéndote deslizar por un tobogán freak y psicodélico, resultado de haberse empapado de los discos de los Kinks y los Beach Boys durante años y aspirar aún así, con la insolencia del chaval, a tener algo propio (esa ‘She’s Not Worried’).

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El tiempo es inmisericorde y pasa para todos. Sí, ya han pasado 25 años desde 2001, y todas esas películas que te gustaban en tu juventud ya estarían en la universidad a estas alturas. Y aunque no pueda parecer en principio un año fuerte o plagado de clásicos incontestables, es uno plagado de films realmente interesantes, desde transgresoras obras de cine de autor e incluso algún blockbuster que marcaría tendencia.

Los distintos redactores de Hipersónica, como ya hiciéramos con los discos, hemos recogido algunos de los films que más nos gustaron de aquel año, los hemos explicado como buenamente hemos podido, y llegamos a la conclusión más lógica: 2001, gran año.

A.I. Inteligencia Artificial

Intentando terminar la turbia historia de deseo y voluntad de Stanley Kubrick dentro de la ciencia ficción androide, Steven Spielberg acaba creando un Pinocho oscuro disfrazado de fantasía aventurera y alucinante. Otra aproximación genial al género que luce de narices todavía hoy y que mira de manera agridulce el amor familiar encapsulado en el modelo normativo.

Baby Boy

Tras una irregular trayectoria siguiendo a su gran éxito con Los chicos del barrio, John Singleton decidió volver a las raíces tras el agridulce resultado de su versión de Shaft. Otra acertada exploración de la vida de los jóvenes afroamericanos en barrios marginales, con una interesante torsión con respecto a su ópera prima mostrando el estancamiento en una inmadurez permanente (mostrada por un fascinante plano inicial).

Donnie Darko

Destinada al culto desde su misma concepción, la peculiar obra de ciencia ficción de Richard Kelly se ha planteado como una obra de singular carácter que, sin embargo, no renuncia a referencias populares de los ochenta para hacer accesible su propuesta. Una obra particular sobre la fragilidad de la mente, del venenoso conservadurismo rancio de la era Reagan y de viajes en el tiempo muy confusos de seguir.

El espinazo del diablo

La primera película localizada en España de Guillermo Del Toro donde ya se consolida su particular sensibilidad a la hora de contar historias de monstruos en escenarios de época. Ataja también la Guerra Civil Española y la dictadura franquista por primera vez, explotando de nuevo su habilidad para mostrar a otros como los verdaderos monstruos e hilándolo con una historia de descubrimiento juvenil en forma de sencilla fábula terrorífica.

El hombre que nunca estuvo allí

Da la sensación a veces de que los hermanos Coen tendían a compensar cada película más aparentemente grande con una pequeña digresión o gracieta que, en ocasiones, termina siendo más guay que las importantes. Tomemos como ejemplo este retorcimiento más evidente del cine noir, donde todos los involucrados parecen estar a un nivel fantástico. Aquí los hermanos consiguen de nuevo el logrado equilibrio de «esencia noir» y «cotidianidad que cae en lo absurdo» que ha marcado buena parte de su carrera.

El señor de los anillos: La comunidad del anillo

Tan fabulosa como película de presentación de grupo como película de intentar construir esperanza teniendo la oscuridad en el umbral de la puerta (o de la comarca). El inicio de la trilogía estuvo por delante de todas esas películas con ánimo de iniciar franquicias, que presentan tenues elementos que tendrán lugar en las siguientes entregas (o te colarán en un videojuego), y por eso nunca renuncia a ser una película de entidad propia, que hace que sus varios personajes tengan sus conflictos y te puedas enamorar de ellos.

Suma a ello una habilidad increíble para saber a qué renunciar y a qué no de los libros originales, además de un acercamiento visual único y característico de Peter Jackson que mantiene esto en el umbral del fantástico puro, y tienes una joya.

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El tiempo es inmisericorde y pasa para todos. Sí, ya han pasado 25 años desde 2001, y todos esos discos que te gustaban en tu juventud ya estarían en la universidad a estas alturas. Algunos ya hasta se pueden considerar ya rock clásico. Lejos de la anécdota, este esfuerzo nostálgico viene a remarcar que sí, aquel fue un año bastante fundamental para la educación musical de muchos, tan sólo por la cantidad de discos alucinantes y esenciales que salieron entonces.

Los distintos redactores de Hipersónica hemos recogido algunos de los discos que más nos gustaron de aquel año, los hemos explicado como buenamente hemos podido, y llegamos a la conclusión más lógica: menudo año más brutal fue 2001.

Angels of Light – How I Loved You

Si hubiera que destacar sólo uno de los proyectos paralelos de Michael Gira, ese sería The Angels of Light. Hay varios motivos para ello, pero el más fuerte de todos es un disco como How I Loved You, donde acompañado de Dana Schechter, Christoph Hahn, Birgit-Cassis Staudt, Thor Harris (ese hombre) y Bliss Blood se aleja de las estridencias sonoras de Swans para abrazar el country gótico y el Folk desgarrador y realizar piezas estremecedoras y emotivas.

Björk – Vespertine

Vespertine llegó en uno de los momentos de mayor popularidad que Björk seguramente haya tenido jamás. Popularidad llena de controversia, algo habitual en la islandesa. Tras un año en el que su labor de actriz le trajo gran provecho profesional, pero un peaje en lo personal de la leche. Existía entonces gran curiosidad por si su mente podría alcanzar de nuevo la introversión necesaria para seguir en la línea de sus maravillosos discos previos. Aunque probablemente toda esta ceremonia previa, como muchas de las leyendas que envuelven a los grandes discos, no tenga base real en absoluto.

Lo cierto es que Björk siempre ha dicho que Vespertine nacía en ‘All is Full of Love‘, el último corte de su predecesor, Homogenic (uno de los mejores álbumes de la historia, por si hacía falta sumar un poquito más de presión). Y esa tendencia minimalista, con melodías de cuerdas llenas de magia y tensión vocal abrumadora, ahí siguió. Entre ‘Hidden Place‘, ‘Undo‘, ‘Pagan Poetry‘ o ese precioso final de ‘Unison‘. La figura de Björk trascendía lo musical. Hablamos de un absoluto icono pop, de una creadora inabarcable, que confirmaba con Vespertine (y con sus discos posteriores) que, como ella, nace una en un siglo.

Black Rebel Motorcycle Club – B.R.M.C.

Probablemente hay pocas cosas que griten más a viva voz «2001» que Black Rebel Motorcycle Club. El grupo de rock garagero ya ha caído en desgracia, prácticamente desaparecido en la actualidad, pero cautivaron enormemente en su momento con un álbum debut arrebatador, sexy, canalla y deslumbrante. Canciones como ‘Love Burns‘, ‘Spread Your Love‘ o ‘Rifles‘, con su desparpajo y su fuerza, poseían un magnetismo al que no nos pudimos resistir y terminamos abrazándolos a ellos con fervor. Luego les costó horrores poder replicar aquello. Fue un buen trile, pero nos dio mucho entonces.

Converge – Jane Doe

De un plumazo, Converge pasaron de grupo hardcore de nivel medio a uno de los grupos más esenciales del metal de este siglo con un disco que los propulsaba a otro nivel en muchos aspectos. Jane Doe es un disco que te devora sin piedad desde el minuto uno, con una velocidad vertiginosa y un colmillo feroz unidos a una perfectamente integrada exuberancia técnica que convertía ya en una realidad esa tendencia que conocemos como mathcore.

La banda de Salem encuentra además la manera de equilibrar todo ese crecimiento técnico con unas canciones urgentes, extraordinarias, que alzan todavía al disco como su obra a superar. No faltaron grandes discos posteriormente, pero este siempre será especial. Su influencia todavía es palpable.

Emperor – Prometheus: The Discipline of Fire & Demise

Prometheus: The Discipline of Fire & Demise supondría el final de la carrera de Emperor y el inicio de la de Ihsahn en solitario (de hecho algunos ya consideran al álbum como un proyecto personal del noruego). Su despedida era la culminación a sus ambiciones, que la llevaron a ser la banda de black metal más compleja de toda la generación del inner circle.

Un disco perfectamente trabajado a todo nivel, desde la ejecución técnica a su producción, donde su líder explora toda las dobleces posibles a su sonido mientras sigue ofreciendo un abrumador esfuerzo de rama sinfónica del género.

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El Mundial de fútbol, el 250º aniversario de Estados Unidos, el estreno de Nolan y la playlist de las canciones hipersónicas del verano. Ésos son, no necesariamente en ese orden, los grandes eventos del verano y por fin tenemos aquí el mayor de todos ellos.

De nuevo con la colaboración de los santos patronos del Discord (los lectores, vamos), emprendemos el viaje escapista de todos los años por estas fechas para encontrar la esencia de este verano 2026. De Burela a Siria pasando por Colombia o Italia y cubriendo todas nuestras cuotas habituales, del pop malcantao a la electrónica monóculo y cerdadas varias más alguna sorpresa, aquí están los 50 temazos que conforman nuestra cápsula del tiempo de este año. Que la disfrutéis1.

(También en Tidal, en Qobuz y en todos los sitios donde nos la pidáis. Si es que la pedís)

Fueron canciones del verano en veranos anteriores:

De los creadores del Cargamento ambiental de discos pendientes de 2024, o una docena de discos de electrónica de aquel año que se quedaron en en el tintero, ahora llega lo mismo pero en 2025. Trabajos pendientes que no pasaron por listas, tampoco por la nuestra, ni tampoco por la tier list. Acumulados que ven la luz ahora en marzo, porque, ¿cuándo acaba realmente 2025? Cuando nosotros queramos. Nunca. Seguir descubriendo y generando deberes es nuestra pasión. Así que aquí van sobre la veintena de álbumes que se traspapelaron, quedaron pendientes y otras tantas cosas.

Iku Sakan - Human Wave Music Vol. 2 CS

En noviembre veía la luz un nuevo lanzamiento del productor japonés Iku Sakan a través del sello Oryx_ Records, un refugio para ediciones limitadas de música ambiental o experimental impulsado por Abstrakce / B.F.E.. Es la segunda edición de Human Wave Music, y en la que homenajea a un pionero de la música de vanguardia nórdica de los 60, Pekka Airaksinen, en ‘Ikuisuuspallo’, el sonido y el baile de la repetición, y que permea a prácticamente todo el disco. Una propuesta minimalista de loops orgánicos con un tamiz futurista que recuerda a la música de Gábor Lázár y de Oval, lo que ayuda a incardinar las coordenadas sonoras. De pequeñas piezas a otras que llegan al cuarto de hora, este segundo volumen es un bello viaje secuencial, de ambient elocuente jalonado de detalles new age, pero de los que no echan para atrás, sino que aportan mucho valor añadido a sus aristas. Un trabajo excelente.

jp - We’re Here All The Time

Casi diez años de una colaboración en largo con otro artista, J.P. Wright debutaba en largo y en solitario con elocuente trabajo de un ambient techno inquieto que se iba por parajes de breakbeat de vuelos ensoñadores en temas de largo recorrido como ‘lite blue light’, y que también se paseaba por caminos más prototípicos de IDM suave en ‘agito (1975)’. Mucho break desplegado en diferentes variantes, y con unas coordenadas sonoras coloridas que recuerdan a producciones clásicas de la IDM de los 90s, con bonitos y cristalinos presets, ambientación para añadir algo de emoción, y esa ronda de breakbeat que siempre arropa bastante bien con casi todo. Otro álbum que se quedó en el tintero y que ofrece un resultado muy muy notable.

Gazzi - Waves of Time

Cambiar de género y hacerlo tan bien parado es una muestra inequívoca de talento. A finales de año el andaluz Gazzi pasaba de esos largos más centrados en el UK Bass o epés de poso future garage, a un trabajo muy serio de ambient. Una incursión en la que se nota que ese progresivo asalto a las capas ambientales de los géneros que ha ido tocando en las referencias ha ido generando la necesidad de dar el salto a una obra más canónica a nivel de género. Un disco nítidamente ambient. Y Waves of Time es una joyita de final del ejercicio. A lo largo de nueve temas, haciendo virtud de la concisión, y también de los vocales que siempre han acompañado, ya en ese primer tema inaugural, ‘Sants’, se trata de una opera prima ambiental muy completa. Con níveos y etéreos arreglos para aumentar la emoción. A través de texturas de piano y ornamentación tubular, el disco va abrazándote poco a poco, a veces tirando una vez más de la sensación de nostalgia en piezas como ‘lila’, y finalmente con un gran tramo final donde hay también coordenadas new age que recuerdan a la cítara muy bien ejecutadas. Bravo.

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Rain Parade - Emergency Third Rail Power Trip (1983)

No hay nada de malo en enamorarse de los Byrds. Ni de los Byrds psicodélicos, ni de los folk ni de los Country. Y no hay nada de malo en plantarse, antes de la mit…

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• Viene de la parte 1 (50-36)

• Parte 2 (35-16)

• Parte 3 (15-1)

Después de tres semanas de los mejores discos de electrónica del primer cuarto de siglo con una lista separada en tres tandas (primera, segunda y tercera), el Departamento de Ruidos de Hipersónica™ entrega ahora el apéndice, un anexo para hablar de la estadística, del cómo se hizo y por sup…

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• Viene de la parte 2

• Parte 1

• El apéndice

15. The Field - From Here We Go Sublime (Kompakt, 2007)

Los primeros compases de ‘Over The Ice’ rápidamente desprenden esa sensación de que será uno de esos discos de exquisita atmósfera, siempre cuidada por el sueco Axel Willner, y donde el crecimiento a base de loops no tendrá final. A base de pequeñas secuencias de repeticiones, con vocales y secciones troceadas, antes de llegar a los dos minutos la superposición de esas partes va generando nuevas melodías sobre las preexistentes. Un loop encima de otro loop. Es la esencia de su debut, a mitad de camino entre un minimal techno que estaba más centrado en rítmicas de pista de baile y repetición, pero no en este enfoque más ambiental de música que, literalmente, flota. Y que de forma paradójica, no esquiva la pista. Dentro de esas yuxtaposiciones y secciones que iban acumulándose había otras micromelodías que se iban generando y tirando por otras derivaciones estilísticas. Así es como hay aguijonazos de acid en el interior del armazón de ‘The Little Heart Beats so Fast’, o un deep house onírico troceado en ‘Everyday’. Pura fantasía y escapismo. Una colección de temas que no paran de regenerarse creando un loop infinito. Sin dejar de crecer, como harían después Fuck Buttons, The Field había creado un imaginario único, una vertiente juguetona y descaradamente pop de Gas, en las que vacila al oyente, desordenando las piezas de ‘Mobilia’ para después ir dándoles forma y articular un viaje sin fronteras. Un Looping State of Mind, que diría algunos años más tarde.

14. The Caretaker - An Empty Bliss Beyond this World (History Always Favours the Winners, 2011) / Leyland Kirby - The Death Of Rave (2006)

Escribió Nietzsche que “la ventaja de tener mala memoria es que uno disfruta varias veces de las mismas cosas buenas por primera vez”. Verdad lapidaria que encabeza el bandcamp de Leyland Kirby, más conocido para todos como The Caretaker, obsesionado con el alzheimer y los efectos neurodegenerativos. Pero también con eso que se llamó la hauntología, término acuñado por otro filósofo, Jacques Derrida. Antes de entrar en su (otra) gran (en cuanto a larga y completa) obra Everywhere at the End of Time (2016-2019), aquí ya ensayó la idea. Un ambient que se va desvaneciendo poco a poco, rasgándose, para no volver nunca. Tan solo por momentos. Como esas memorias tan frágiles. Difuminadas. Aspectos pasados aquí por el filtro hauntológico de la música ligera de primeros de siglo XX, con esa fascinación por arcaicos gramófonos, por los ecos de un pasado no vivido. Un disco inspirado en los pasajes de pacientes de alzheimer que aún pueden rescatar algunos recuerdos a través de viejas canciones. Estados de ánimo ciclotímicos mientras suenan cintas que rechinan constantemente, como una memoria que hace esfuerzos por no irse definitivamente. Una obra de resultados tan inquietantes como el valioso mensaje que Kirby quiere transmitir. Su ambient se va degradando salvo resquicios a los que aluden los títulos; como en el penúltimo tema, el último aliento antes de la muerte; los músicos del Titanic tocando mientras reina el caos y todo se hunde. Un homenaje a 78 RPM donde nada es casual. Como que su alias sea el cuidador, hablando de lo neurodegenerativo.

Junto a Everywhere at the End of Time, hay otra gran obra de The Caretaker que lleva la firma de su nombre de pila, Leiland Kirby, descatalogado hasta su rescate en bandcamp. Quizá de esas al borde del troleo. Más obsesiones memorísticas, aunque no cuando esta se rompe, sino haciendo su particular remember del fin de una era, la de la rave británica. Otra jodida o-b-s-e-s-i-ó-n. Después de una visita a Berghain en 2006, aquello le pegó fuerte y se marcó estos 111 temas de detritus sonoro; 10 horas de auténticos himnos o temas de la época británica que pone literalmente del revés, generando una suerte de drone, con piezas que suenan, decididamente o no, a esa hauntología de la música ligera en cortes como el 22. Si se deben tener en cuenta las cuestiones conceptuales más allá de lo musical, esto aúna ambas partes, con secciones que suenan básicamente apocalípticas, sepultando el final de una era. Una bendita locura a la que merece la pena asomarse para sentir qué se siente al ser centrifugado. El rosario de la aurora. El fin de las sinfonías. Otra destrucción de la memoria.

13. K. Hand - “Detroit-History” Part 1 (Tresor, 2001)

Nacida en Detroit pero criada y educada bailando entre las sesiones de Larry Levan en Paradise Garage, Kelli Maria Hand, más conocida como K. Hand, fue —falleció en 2021— una productora rompedora. Una de las primeras en el techno y la que abrió las puertas a otras artistas de la comunidad negra en una escena que como tantas otras, estaba dominada por hombres; y en cualquier caso, las que había estaban relegadas a la parte vocal. Con una extensa trayectoria a los platos y en el estudio, “Detroit-History” Part 1 es su último larga duración. Como vimos en anteriores tandas, si ya había discos que miraban al futuro, este, como han hecho otros de la vieja escuela, era otro intento por aglutinar las ramas e influencias que dieron pie al techno. Un álbum salvaje, donde comprobar tanto la destreza de Hand como las profundas raíces de la música negra sobre las que se educó y de las que nació el techno. Una sacudida a lo largo de 15 temas en los que pasa por encima de ti, pero no solo con un motor 4x4 diseñado para sudar hasta la deshidratación, sino con una auténtica exhibición de melodías, detalles y puro groove que dejan seco en ‘Noon (Midnite Mix)’.

Un disco que podría considerarse una joya de culto que seguramente de tener la rúbrica de algún otro grande tendría hoy un reconocimiento eterno. La visionaria y clásica ‘The Creator’ (¿homenaje a Juan Atkins?), el bajo matador de ‘Motor’, el magnetismo de ‘Demf Anthem’, el electrofunk de ‘Security’, el deep house de ‘Hart Plaza’, la dureza de ‘Pyramid’… Un dominio total del lenguaje de Detroit, pero con aroma también a Chicago, a veces pasado de acidorro, con usos de vocoder, y por encima de todo, con el aura de vieja escuela solo al alcance de los mejores.

12. Daft Punk – Discovery (Virgin, 2001)

Discovery acumula algunos de los clásicos de baile más aborrecibles de la historia contemporánea. O el, para ser más exacto: ‘One More Time’. Sin embargo, no es más que la consecuencia lógica de un rompepistas absoluto en el que Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo se redefinieron con una obra predestinada a ser un clásico con una consecución de hits que escuchada hoy libres de prejuicios por el aburrimiento, es mucho más que incontestable: One More Time - Aerodynamic - Digital Love - Harder Better, Faster Stronger… Y podríamos seguir. Una consecución perfecta y vibrante; todo lo que ha de tener el buen house, encapsulado en aquello que se llamó el french touch, y que llegó a donde nadie había llegado hasta entonces. Una colección con la que seguir brindando y disfrutando.

Desde el buen rollo de ‘Digital Love’ hasta lo cool que suena ‘Aerodynamic’, ambas emulando riffs de guitarra, porque lo Disco y el ritmo cinemático de Moroder estaba diseñado para seguir capturando al público del rock, como lograron los Chemical Brothers años antes. Una suerte de apuesta atrápalo-todo en la que funcionan estupendamente en un segundo nivel el fiestón de ‘Crescendolls’, el funk de ‘High Life’, el doblete house para cerrar… Y esa joya que en los últimos años, hartos de los ultra hits, ha facilitado rescatar ‘Veridis Quo’, una delicada melodía ambiental cuya sencilla oscilación lo hace todo. Y por encima de todo, hay un trabajo de sampleos en la construcción de los temas que para algunos es motivo de crítica por la extracción de otros clásicos, pero que precisamente por su tratamiento de la materia prima los construye en algo tan difícil como clásicos de toda la vida.

11. Actress - RIP (Honest Jon’s Records, 2012)

Durante varios años, Darren J. Cunningham estuvo haciendo lo que se llamó outsider house antes de que se llamara outsider house. Desde su debut en 2008, había estado recogiendo mucha herencia sonora de algunos de los sonidos que configuraron la década anterior, de una IDM abstracta a aristas del house y construcciones minimalistas que fue combinando de forma singular, a veces acercándose al sonido de Zomby, a quien había publicado a través de su sello Werk Discs. Su tercer largo, R.I.P (Honest Jon’s Records, 2012), llegó rodeado de misticismo, referencias religiosas y también conceptuales sobre su carrera, anunciando una suerte de muerte artística que quizá debíamos interpretar como una reformulación de su estilo que llegó después (replegando su sonido). Sin embargo, los temas no hablaban de la muerte, sino más bien de un nuevo nacimiento, como además sugerían los temas: nacimiento, ascenso, bautismo y… una bajada al inframundo.

Tras un disco más maquinal y lo-fi, Cunningham abría una fase más compleja, con una mejor producción que parecía dividir esas dos partes claras. Una primera de reencarnación y bajada a los infiernos, con una música replegada en sí, con gusto por una ornamentación cuidadísima y cristalina, con un tono sagrado y nostálgico en ‘Uriel’s Black Harp’, pero con un ritmazo de ese venidero outsider house en ‘Marble Plexus’ que avanzaba en varios EPs. Con esa contradicción en el ideario, iba abriendo sutilmente una hornada de nuevas texturas, de gusto por el minimalismo, con una ambientación exquisita e introspectiva en ‘Raven’ sin la cual quizá no podríamos entender a Huerco S. Tras el destello como interludio, llegaba un tramo final de un Actress desbocado entrando en el paraíso sonoro de ‘Caves of Paradise’ o el despliegue estilístico sobre mimbres minimalistas en ‘The Lord’s Graffiti’, que huele a los Daft Punk de su debut. Actress estaba remozando cantidad de etapas electrónicas anteriores, pasándolas por un filtro personal único que sin seguramente pretenderlo definió ese subestilo de house replegado y extraño que más tarde sería bautizado.

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35. Claro Intelecto - Neurofibro (Ai Records, 2004)

Lejos de los grandes nombres y tendencias, submundos como la IDM han dejado trabajos brillantes en este primer cuarto de siglo y milenio. Obras de culto como el debut en largo de Claro Intelecto, que ya había deslumbrado previamente con un EP que contenía algunos de los temas que en este Neurofibro (Ai Records, 2004) demuestran por qué debe ser rescatado. Coincidiendo con el momento de su producción, el mancuniano Mark Stewart sufría neurofibromatosis, un trastorno que genera tumoraciones en el sistema nervioso y que puede afectar a todo el cuerpo a distintos niveles. Utilizando ese momento vital para bautizar su primer LP, Neurofibro es un álbum deslumbrante a mitad de camino entre la IDM y el techno, pero también con algún ramalazo de suave electro.

Siendo 2004, es un disco que encuadrar en la segunda oleada de discos y artistas tras la articulación de la IDM una década antes. Un disco indudablemente drexciyano como muestra ese primer e impoluto ‘Peace of Mind’, donde armonía y motor grueso le dan una evocación tan nostálgica como bella. El tipo de gemas que encontrar en un disco que como la neurofibromatosis, se va extendiendo poco a poco con una factura precisa de sonidos angulosos y pequeños resquicios para el acid. Con temas rocosos e imperiales como ‘Mono’ o unas atmósferas tan increíbles como ‘Section’ (uf), pieza obligatoria con más de veinte años cuya factura y belleza es difícil de encontrar dos décadas después. Un álbum en el que conviven en perfecto equilibrio el detalle, la melodía y un techno a veces espartano. Como con las peores enfermedades, finalmente hay que sobreponerse y seguir adelante.

34. SHXCXCHCXSH - Linear S Decoded (Avian, 2014)

Antes de encabezar el mejor disco de electrónica en 2024, llevando su propuesta al máximo engorile, el dúo sueco publicó diez años antes un trabajo de quitar el hipo. Un techno moderno, de nuevo cuño, que disparaba en muchas direcciones, pero con una cohesión y ejes comunes claros: un sonido oscuro y pegajoso, a veces dub, que se hacía fuerte con unas rítmicas repetitivas que después contrastaban con texturas luminosas o acuosas. Un trabajo que aún hoy transmite una enorme versatilidad, con la atmósfera infecciosa que se va agrandando en ‘Elocution’, y que después se iba al dub y amagos de future garage en ‘The Under Shore’ o ‘The Roots’; con ambientación sacra, o un techno amable y rugoso en ‘Monolithic Conclusion’, mientras se iba desplegando sibilinamente desde los subsonidos. Frente a otros trabajos que jugaban y juegan con el ambient techno y las profundidades del sonido, SHXCXCHCXSH esculpieron un disco tremendamente ambivalente. Trece cortes en los que en cada uno se recrean, con ornamentaciones de todo tipo, salvo las previsibles. Un disco total.

33. Oneohtrix Point Never - R Plus Seven (Warp, 2013)

No se puede entender parte del zeitgeist cultural de nuestros tiempos sin Daniel Lopatin. Lo hizo el pasado año con Tranquilizer (Warp, 2025) y lo hizo durante su triplete Replica-R Plus Seven-Garden of Delete. El pasado curso pareció lanzar un manifiesto para decir que frenáramos, en auge del maximalismo e hiperconsumo en todo; también en la forma de relacionarnos con la música y la tecnología. Cuando definió el fenómeno vaporwave en Replica (Software, 2011) y le dio forma, acorde a estos tiempos líquidos de consumo rápido y nostalgia artificial sobre lo pasado, a través de músicas de anuncios como hilo conductor, R Plus Seven se encargó de nuevo de poner el freno (para rematar al vaporwave en 2015 con GoD). Pero haciéndolo con el que dijimos en su día, Nuevo Testamento Sample. Una serie de collages desde la electrónica progresiva en los que de nuevo deceleraba. Su labor ha sido la de una suerte de predicador, guía, o bajando un poco la pompa, como un marcapáginas de los tiempos culturales.

Un trabajo icónico también en parte por la reinterpretación de The Ravishing of Frank N. Stein de Georges Schwizgebel que hizo Robert Beatty para la portada, con su particular sampleo visual de la cinta VHS. El contenido del disco ya sonaba trascendente con ‘Boring Angel’. Quizá Lopatin ya se aburría de lo que había creado, o más bien, provocado, con todas esas pequeñas producciones de imitación. Así que empezó a elaborar unas intrincados collages que jugaban con el silencio, que frente a la expansión y la facilidad de replicar fórmulas como si la música fuera una cadena de montaje, se cerraban en banda (‘Inside World’, ‘Still Life’) con yuxtaposiciones que parecían dibujar una utopía virtual distinta, lejos de la producción fordista, donde todo fuera imprevisible y auténtico. Con acabados como el de ‘Problem Areas’, elaborando algo de muchos quilates desde sampleos seguramente lo más rebuscado y de serie B posibles. Haciendo de la sencillez suprema con los vocales, ‘He She’, esas piezas que observar detenidamente como un arte abstracto que no entiendes pero fascina por ser algo que no habías visto nunca. Una historia que sigue hoy, a pesar de sus giros algo más newageros recientes.

32. Nicolás Jaar - Archivos de Radio Piedras (Other People, 2024)

Jaar ha sido uno de los nombres propios durante la última década y media por derecho propio. Con una propuesta ecléctica, capaz de todo, y con diferentes akas, si algo ha dejado claro el artista chileno-estadounidense es que su creatividad es inmensa. Tanto, que primer capítulo emitido por Telegram en 2022 y hasta un año y medio después, el artista chileno-estadounidense demostró por qué. Una propuesta nacida como esta radioficción y ambientada en un Chile distópico, del futuro, tras un apagón digital por un grupo anarquista, Las Ocho. Una narración anidada de dos locutores que recuerdan la obra perdida del artista ficticio Salinas Hasbún. Más allá del talento y la creatividad para generar esto, esta colección hecha disco no solo es una oda a la radio, también a la memoria y a la resistencia.

Cimentada por collages sonoros elaborados con fragmentos de Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Víctor Jara o Violeta Parra, o emisiones de la radio chilena durante la dictadura, Piedras nace como un proyecto para el Museo de la Memoria de Santiago. Una obra ambiciosa que musicalmente está acompañada por ambient, glitch y formas del deconstructed club en fragmentos, nunca mejor dicho, como ‘Agua pa fantasmas’. Un paseo tan repleto de resistencia como de melodías preciosas en ‘Rio de las tumbas’, donde las raíces latines exudan. Una obra también en la que Jaar homenajea a sus abuelas, y donde demuestra que puede haber mucha política, y explícita, en la electrónica. Algo más de tres horas magnéticas, y que pese a lo que pueda parecer, se pasa volando. En sentido literal y figurado con piezas como ‘Tormenta’ y otras tantas. Para los libres de prejuicios y quienes buscan memoria.

Completado después en bandcamp, ya sin radiodrama, solo música que dio pie a los Archivos.

31. Deepchord Presents Echospace - The Coldest Season (Modern Love, 2007)

Aunque todas las miradas suelen dirigirse a Liumen (Modern Love, 2010) y su captación del ruido nocturno de la ciudad, el debut en largo de Deepchord (Rod Modell) con Stephen Hitchell es un álbum que juega más y mejor con los ambientes, y no solo ello, sino que a pesar de la atmósfera hierática que pretende evocar, tiene un apartado especial para una mayor pulsión del ambient techno. Aunque en el terreno del dub techno ya prácticamente Basic Channel lo dejaron todo hecho, hay pocos proyectos que por profundidad y esa rítmica que no solo se centra en el dub sino en acelerar cuando es conveniente, Deepchord Presents Echospace cumplía esos estándares. De un álbum que te hace el abrazo del oso rápidamente, con un colchón sonoro que se crece en sus ecos, pasa a tamices y reverberaciones cristalinas en ‘Aequinoxium’, pero sobre todo, empiezan a dejar de enfriar a partir de la magna ‘Celestialis’ con ese pequeño ritmo percutivo que le da tanto, tanto, a esa ambientación siberiana. Un bucle de 8 minutos que podrías dejar sonando eternamente. La segunda mitad del disco tiene su fase más guerrera, con ‘Sunset’ o ‘Elysian’, y acaba, finalmente, volviendo al principio con esa bruma que te cubre. Has sido sepultado por una avalancha de estiloso y elocuente dub.

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Enero es un mes de buenos propósitos, el breve lapso de tiempo en el que nos permitimos ser más bondadosos, más optimistas, más ilusionantes. Hemos convenido socialmente que durante los 31 primeros días del año tenemos permiso para ser las personas que siempre intentamos ser y nunca somos. Por eso en Hipersónica, un año más, hemos hecho propósito de enmienda: ser "mejores" implica reconocer todo aquello que olvidamos por el camino.

En nuestro caso eso se traduce en todos los discos que otros medios sí han incluido en sus listas del año y nosotros no. A nivel personal, enero es uno de mis meses favoritos del año: el reloj ya no cuenta hacia atrás, centenares de personas han publicado listas interesantísimas y uno puede navegar las amables aguas de la experimentación y el descubrimiento sin la sensación de estar perdiéndose nada, dado que nada o prácticamente nada se lanza en enero.

Así que en honor a nuestra sordera y al finísimo oído de otros respetables compañeros, aquí van un puñado de discos a los que no prestamos atención y hubiéramos debido.

julia amor - algo para regresar

género: en busca del mundo perdido

El universo de Julia Amor está plagado de islas perdidas, casas encantadas, manantiales mágicos, huidas hacia adelante. algo para regresar es la manifestación de un deseo: la posibilidad de reencontrarse tras el dolor. Ese reencuentro se manifiesta aquí en melodías agridulces, acolchadas por un mar de sintetizadores, estallidos de guitarra y letanías fantásticas. Las canciones de Julia Amor se encuentran en la intersección entre 'Bizarre Love Triangle', La Bien Querida y la BSO del Final Fantasy VII: son tristes, son luminosas, son de juguete, son de verdad.

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• Parte 2 (35-16)

• Parte 3 (15-1)

• El apéndice

¿Recordáis cuando se hablaba del siglo XXI en términos de modernidad? Han pasado ya 25 años. Más (haremos como que esto se ha publicado a finales de 2025). De un final de los 80s en los que aún convivían los sintetizadores pop, el armazón y posterior creación del techno o el fenómeno rave, hasta los primeros años 00s, pasaron multitud de cosas. Ingente. Básicamente, la formación y consolidación de la música electrónica con un cúmulo de géneros y subgéneros al calor de rupturas de mercado, macrofestivales, cacharros analógicos, la llegada de internet y un software que se fue haciendo cada vez más accesible. Ya entrados los 00s, con el inicio del nuevo siglo y milenio, empezaron a llegar nuevas formas de producir, unas rupturistas con lo anterior, otras con una coherencia lógica que fue dando forma a las diferentes disciplinas que venían legadas.

Empezamos ahora un repaso de nuevo en formato lista con los mejores discos desde el 2001 al 2025; con medio centenar. Una vista atrás en la que con la perspectiva que ofrece el tiempo, se ve, y sobre todo puede sorprender, el carácter contemporáneo y vanguardístico de trabajos que hoy tienen más de dos décadas. Conviviendo en el ranking con una diáspora de discos en los que se nota ese salto a lo digital y trabajos con unos niveles de producción que suponen un salto de gigante. La tecnología del nuevo milenio. Sin embargo, ay, los clásicos. Y los que deberían ser más clásicos.

Esa retrospectiva permite ver de dónde viene esa gente que hoy te quita el hipo, esos discos que han marcado parte de tu vida o que te siguen poniendo la piel de gallina años y años después. Un top que más que un top canónico, pretende ser un ejercicio de acercamiento a lo que podrían ser los mejores discos de este cuarto de siglo. Siempre quedarán más: joyas secretas, cosas discutibles porque hubo y hay artistas que han dejado una impronta casi inabordable y merecerían tener algún trabajo más o analizar su obra en conjunto. Y cabría preguntarse si es lo mismo o debería pesar lo mismo que el hecho de que una obra sea ‘más importante’ o que sea ‘mejor’. Esto es un intento de aglutinarlo (a veces).

En cualquier caso, seguimos, como casi siempre, con solo LPs y uno por artista. Un viaje por el tiempo en el que poder comparar lo de hoy con lo de ayer, repasar y (re)descubrir, y donde lo importante siempre es el proceso. Sobreproducción frente a minimalismo, fuerza bruta frente a sonidos alienígenas, euforia frente a la quietud, superventas VS cosas aún casi anónimas… Una lista donde conviven algunos de los discos o artistas seminales y sus lógicos herederos, y donde también se puede valorar por lo que no está (podrían ser 50 más y seguramente no pasaría nada). Aquí sí nos hemos movido algo más que un ápice.

Vamos con ello.

50. Barker & Baumecker - Turns (Ostgut Ton, 2016)

Hoy Barker es uno de los productores que está arrimando el techno hacia nuevos horizontes mediante infiltraciones desde un sonido que es ajeno al género como el trance. Pero esta aventura no es nueva. Aunque ahora esa brecha está más abierta que nunca, hace diez años, junto a su compañero Andy Baumecker, ya empezaba la perforación. Este Turns (2016, Ostgut Ton) tenía pequeños retazos de ello, pero dentro de una receta más amplia de un ambient techno paciente, pesado, a veces casi industrial, que durante una hora iba conjugando la progresión con la fuerza; los sonidos pesados con contrastes más cristalinos que a veces ya parecían irse a ese trance. Una hora de progresiones, bombazo y sobre todo, por momentos con sonidos tan precisos como futuristas.

49. Oval - Popp (Uovooo, 2016)

Hace ahora diez años, Markus Popp, el gran creador del glitch y explorador nato, se alejaba de su habitual paleta más deconstruida a través de ese sonido del error para dar pábulo a un nuevo formato. Jugando con su apellido y el sonido fonético, ciertamente diseñaba un álbum más pop, repleto de capas y saturaciones que formaban un intrincado disco de once temas que va formando melodías eufóricas y alegres. Una sinfonía de collages sonoros vitalistas donde piezas como ‘my’ siguen mostrando hoy la enorme complejidad de su construcción. Ritmos rotos, contrastes de agudos y graves y voces entrecortadas van concatenando partes hasta llegar a una enorme polirritmia a lo largo de once temas que aún hoy sigue desbordando. Referente hace treinta años y referente hace diez. Un espejo en el que podrían haberse mirado Sophie, Iglooghost y multitud de pequeños productores asiáticos que hoy colapsan bandcamp con producciones de breaks y melodías que se acercan.

48. Roly Porter - The Third Law (Tri Angle, 2016)

The Third Law fue uno de los discos internacionales de 2016 en esta casa. En el extinto sello Tri Angle salía su consagración como uno de los grandes del dark ambient con una interpretación oscura y corpulenta, trufada de una épica que aún hoy cuesta superar. Meterse en sus discos, pero especialmente en este, era asomarse al ojo del huracán, al vacío espacial al que evocaba este The Third Law. Turbulencias y voces apocalípticas que aún hoy es difícil aguantar por su fuerza. Cortes como ‘In Flight’ son una sacudida que parece tan real que asusta. Ambient y drone para el fin de la civilización.

47. Arca - Mutant (Mute, 2015)

Durante esta última década, la venezolana Arca se ha convertido por derecho en uno de los nombres de la esfera internacional. En parte por su culpa hoy la electrónica ha ido asumiendo de una forma más natural ritmos latinos (hola, Blawan), además de haber liderado la ola del Deconstructed Club de artistas que hablaban en sus temas abiertamente de los derechos trans. Frente a la cadencia sugestiva de su primera mixtape y después de Xen, Mutant (Mute, 2015) supuso un trabajo más experimental, un viaje a la parte más interior por aquel entonces de Ghersi. Un viaje a sus adentros —sí, otro, antes de el disco homónimo— para poder expresar esa extraversión y relación con los demás que marcaba el disco. Más allá de lo político, fue un giro inesperado en el guión que hacía su propuesta mucho más excitante. A día de hoy la que más en su discografía. Una producción más ambiciosa, con una IDM de tintes tan delicados como dramáticos y contundentes (‘Mutant’), donde había espacio para el glitch hop y mucha deconstrucción, un manifiesto sonoro de su transición y todas las aristas, contradicciones e incomprensión que ello conlleva. Unas coordinadas que hoy siguen sonando casi inclasificables, mutantes.

46. Clark - Body Riddle (Warp, 2006)

Después de los grandes clásicos al albur de Rephlex, Warp y su entorno durante los 90s, Chris Clark adoptó en los 00s rápidamente su posición como uno de los compositores más brillantes de la siguiente hornada de IDM y uno de sus renovadores. Con un sonido singular, rápidamente característico, empezó a hilar unos tamices que aún siguen sin superar los de Body Riddle (Warp, 2006). Un álbum sin fronteras, de simbiosis jazzística, utilizada como pata de apoyo, que llegaba a unas sonoridades riquísimas (‘Frau Wav’), repletas de pequeños detalles y texturas que esconder en sus recovecos. Un talentazo echando la puerta abajo que después fue estirando ese sonido chicloso y juguetón tan vibrante, pero que aquí, en ‘Herzog’, ‘Ted’ sonaba y sigue resonando en una perfecta armonía. Con pequeñas incursiones en terrenos más cuidados y expansivos en su final. Qué cierre. Y qué producción.

45. Daniel Avery - Ultra Truth (Phantasy, 2022)

En este 2025 uno de los pinchazos inesperados ha sido el de Daniel Avery. Un regreso tras tres años de barbecho, y después de un discarral como era Ultra Truth (Phantasy Sound, 2022). Allí se veía a un productor en su punto álgido. Extático. A pesar de la musculatura de sus estructuras, con un fino equilibrio entre el ambient techno, unos amen breaks bien utilizados y melodías de refinado gusto. Otro de aquellos discos largos que también aparcaban en paisajes emotivos y nostálgicos que no hacían sino prepararte para la trituradora. De la meticulosa producción de 'Spider' al fusilamiento de 'Higher' (uf), pasando por el que fue uno de los temas de adelanto, 'Lone Swordsman', no es fácil encontrar unos temas así que levanten un disco. Las muestras de alguien en estado de gracia.

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Hi, personicas:

Estáis todos de resacón pero no pasa nada, porque aún os quedan algunas píldoras difíciles de tragar. En concreto, las que habéis elegido vosotros mismos. Así queda el top internacional:

Y así queda el top nacional:

Y los EPs:

Y así el top de cine, con múltiples ex aequo, como si esto fuera un festival español:

Para los amantes del detalle, estos son los discos que los lectores han incluido en su top y la redacción NO:

A cambio, comparad con los que la redacción sí glorificó y los lectores dejaron pasar:

En el apartado español, también hay espacio para los discos olvidados, pero menos. Los editores premiaron a:

Y los lectores no se olvidaron de:

Y la tabla definitiva, la que compara los puestos de uno y otro top:

Esperamos que sigáis ahí en 2026, donde os aseguramos que van a pasar cosas normales1 .

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Feliz año, chavalería.

Hi, personicas.

Como otros años, el cuerpo nos pide repasar un poco los que nos ha dado el curso en terreno hip hop. No necesariamente hacer una recopilación de los mejores discos, sino coger lo más importantes y que dan más pie a un debate del estado de la Nación Rimas. Es decir, vamos a pasar por varios de los grandes subgéneros que nos siguen llamando…

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Hi, personicas. Venimos de la parte uno y ahora toca la parte final.

15. On Falling

Se podría decir algo más de su manera de retratar tan pura y tan adecuada en su observación la precariedad y la soledad a la que te aboga el capitalismo tardío que tiene Laura Carreira, increíblemente lucida en ideas para estar en su debut. Pero realmente sólo nos sale decir: ABAJO EL TRABAJO.

14. Mi única familia

Detrás de esa traducción de feel good de la temporada se esconde otra tragicomedia árida de Mike Leigh con la que sigue indagando en las verdades incómodas de la existencia. La convivencia diaria con la frustración y la depresión convertida en una serie de personajes reconocibles, sea porque estén en tu propia familia o porque te los has encontrado montando un pollo en el parking del supermercado. El deliberado y progresivo drenaje de energía de la película podría resultar una barera, pero es muestra de una película dispuesta a plegarse a sus personajes y no al revés.

• En Filmin.

13. Sorda

Nadie iba a cuestionar nunca las buenas intenciones de una película como Sorda, tan preocupada por la experiencia de esta comunidad y también por la maternidad, pero su mayor triunfo es no quedarse ahí. Eva Libertad nos va introduciendo progresivamente en una serie de cismas y miedos que van perfilando las aristas de un personaje nada cómodo aunque completamente entendible, llevado magníficamente por una Miriam Garlo que da una de esas interpretaciones que se te graban.

Un descuido sin mala intención por aquí, un dependiente que te jode el día por allá, el tener que pasar por las sensaciones más angustiosas para no sentirse muy atrás (grandísimo el diseño de sonido con un elemento clave). Hay una construcción muy meticulosa y específica que, preciosamente por su singularidad, entra en unas sensaciones muy grandes. Un acierto muy destacable, tanto por lo obvio como por lo que no.

• En Movistar+.

12. La semilla de la higuera sagrada

Mohammad Rasoulof no será el primero ni el último de los directores iranís perseguidos y encarcelados por el régimen por el mero hecho de denunciar la horrible situación del país. Lejos de contenerse, el director de la increíble La vida de los demás se supera con una amplia y directa soflama con alma de thriller que señala sin pudor la injusticia del sistema judicial y la represión de las mujeres. Una obra de contundencia y ambición mayor que gana por completo por su rabia y por sus decisiones de cámara.

• En Filmin y en Movistar+.

11. Pavements

Con Her Smell ya ofrecía una perspectiva diferente en torno a las historias de música en los márgenes y autodestrucción, pero Alex Ross Perry consigue algo incluso más especial en su película musical para acabar con todos los biopics musicales. Pavements se nutre de la fabulosa ironía de Pavement y de su categoría de culto para desmontar el tipo de película básica que cabría esperar sobre ellos, además de las obras musicales o las exposiciones de museo que crean gloria y legado de experiencias complejas. También se ríe un poco de su condición de falso documental para dar con algo especial y diferente que también logra estar en consonancia con el grupo al que homenajea.

• En Filmin.

10. Materialistas

Celine Song se ha enfrentado aquí a una mezcla de lidiar con las expectativas ajenas tan una obra tan soberbia y prácticamente magistral como Vidas pasadas, y también con lo que muchos esperan de lo que le promocionan como una comedia romántica. Materialistas es una película que busca escaparse de todo esto, aunque quiera mantener diálogo con la concepción del amor que vimos en su debut y los cánones de la romcom.

Lo hace a través de hacer enfasis puro en lo que la mayoría del género esquiva: hablar de dinero. De cómo el capitalismo es también un factor en cómo puede triunfar o fracasar una relación, cómo el matrimonio sigue siendo una transacción y nuestra incapacidad de vernos más allá de cómo valores y activos a la hora de buscar a alguien con quien compartir nuestra existencia. Song explora esto siguiendo estrictamente la perspectiva de una protagonista construida desde la gélidez y la calculación, lo que incrementa la sensación de una roncom fallida por ser rígida.

Sus limitaciones quedan evidentes en un reparto que causa demasiadas ambivalencias al espectador, especialmente una Dakota Johnson que siempre queda la duda de si sus clases de interpretación las da en Marte o algo así. Pero sus problemas son ampliamente superados por sus interesantes virtudes que dan pie a muchas conversaciones fascinantes, así como la expansión de una autora en una determinada temática como es el amor de la que tiene un punto de vista bien marcado y diferente.

• En alquiler.

9. Las habitaciones rojas

Los últimos años nos están ofreciendo una interesante perspectiva sobre la obsesión por el true crime que han producido tanto documentales como podcasts. Esta elusiva pero inquietante película canadiense puede ser de las que mejor profundicen en sus extremos más malévolos, ofreciendo un estilo que traza puentes entre David Fincher y Michael Haneke, dos increíbles diseccionadores de la maldad humana desde enfoques casi opuestos.

Pero el ejercicio de Pascal Plante es capaz de evocar a ambos, al mismo tiempo que decide provocar al espectador desde lugares muy propios. Su manera muy intencionada de mantener a distancia a su espinosa protagonista, sus paneos fríos y analíticos por unas salas de juicios bien blancas, sus ideas para sugerir lo extremo de las dark webs en lugar de mostrarlo.

Las habitaciones rojas consigue ser una de esas películas que te llevan de la mano a los lugares más incómodos y perturbadores, y ni siquiera de una manera que es perversamente satisfactoria. En todo caso, de la forma que hace que imágenes y sonidos no se te despeguen de la piel ni con agua hirviendo.

• En Movistar+.

8. Los domingos

El desarrollo de Alauda Ruíz de Azúa hasta convertirse en una de las mejores exploradoras de la incomodidad y las úlceras sin curar de la sociedad es encomiable. Su sequedad bergmaniana va de maravilla a una historia donde el catoliscismo es un vector como lo podría ser el abrazo del derechismo extremo, no siendo didáctica pero tampoco equívoca en el peso que la dinámicas familiares tienen en tomar según qué decisiones. Los domingos se vuelve así una obra refinada de artesanía muy medida para preñar cada escena e interacción de toneladas de grises que muy pocos observan con tanta precisión.

7. April

Muchas veces el cine social no tiene que regirse por la elaboración artística de la forma porque tiene otras maneras de ser destacado, empezando por un fondo que, frecuentemente, es colocado tan superficialmente que desafía su propio nombre. La georgiana Dea Kulumbegashvili cree profundamente no sólo en la coexistencia de ambas partes de la experiencia cinematográfica, sino que considera que el desafío de una a la otra es una manera más de que se retroalimenten.

Tras un primer largometraje, Beginning, que ya fue Concha de oro en San Sebastian, su segunda película explora problemas incluso más acuciantes de una manera que pocos han concebido antes. Un ejercicio de chantalakermanismo profundo con su toque de mirada clínica hanekiana para tocar la todavía latente represión del aborto, la libertad femenina y la actuación médica incluso aunque no haya estrictos límites legales para ello. Una película que no aborda el tema de la manera más líneal, pero desde lo sensorial la consigue hacer frontal y rotunda.

6. Flow, un mundo que salvar

Por supuesto que de entrada quieres apoyar la película animada letona que protagoniza un gato, son casi 3,5 estrellas de entrada para cualquier cinéfilo gafitas. Aun así, el viaje que propone Gints Zilbalodis es la clase de respuesta que necesitamos ante una animación mainstream más complaciente y manufactura con una perfección cada vez más estéril.

Las imperfecciones de Flow casi parecen más apropiada de una época primitiva para la animación por ordenador, pero consigue desde ahí unos comportamientos animales muy creíbles y naturales, haciendo que no resulte tan edulcorado y fácil su discurso de la fuerza de la colaboración, especialmente en tiempos urgentes y tormentosos. Incluso experiencias tan espectaculares como la de Robot salvaje llegan a parecer menos deslumbrantes que lo que esta pequeña pieza de presupuesto 10 veces menor es capaz de lograr.

• En Filmin.

5. Una batalla tras otra

Cineastas de la generación de Paul Thomas Anderson se habían refugiado en hacer historias del pasado para, incluso intentando explorar inquietudes atemporales, esquivar tener que lidiar con el presente, incluyendo tener que filmar teléfonos móviles o Internet y su impacto en el presente. Por suerte para Anderson, ha encontrado la clase de historia contemporánea que puede contar sin tener que filmar todo eso, y hacerla tan del momento como atemporal

Su película bélica es una poliédrica exploración de los revolucionarios no muy distante en cuanto a estructura y ambición de su magistral Magnolia, aunque con menos energía cocainómana y más de padre porrero. Su azote contra los abusos del sistema, especialmente contra la inmigración, tiene hechuras de cine épico, pero también arrollador en su autenticidad además de divertido. Una torsión de La batalla de Alger en clave muy personal que se erige como otra imprescindible en una de las filmografías más alucinantes de la historia.

• En HBO Max.

4. Misericordia

El thriller más inusual del año lo entrega un Alain Guiraudie que retoma la inspiración que tanto nos cautivo en El desconocido del lago. Un retorno al pueblo que rápidamente se enrarece, con esa mezcla de malicia característica, personajes muy de terruño francés y unas ganas locas de remover límites humanos y morales mientras la sexualidad juega un papel. Es un juego que vas a tener que comprarle mucho, pero anda que no deja recompensas. Y también ganas de no tomarte un pastis en la vida.

• En Filmin.

3. La luz que imaginamos

Llegado a cierto punto has visto suficientes películas para no acordarte de la trama de ninguna, ni siquiera de las que más te gustan. Lejos de ser un problema (de las películas en cuestión o de uno mismo), muestra cómo es un elemento meramente accesorio frente a lo que realmente transpira del cine, que puede ir desde las imágenes extraordinarias hasta aproximarte a personajes que probablemente nunca te cruces, o incluso mantenerte en una poderosa gama de sensaciones.

Pocas películas recientes transpiran todas esas partes únicas del cine como esta. Una historia de mujeres mantenidas en una impermanencia que no debería proceder en su situación de independencia laboral y económica. Payal Kapadia se va moviendo con impresionante fluidez entre la ficción narrativa, el documental o el videoarte sin considerar cómo va a hacer progresar eventos, sino en cómo va a recrear esas sensaciones que viven sus personajes y la experimentemos sin tener sus vivencias.

Ese impulso por capturar con inmensa belleza lo más pequeño convierte en esto en una obra realmente mágica.

• En Filmin y en Movistar+.

2. The Brutalist

Hablar en términos mayúsculos se vuelve imperativo en una película como esta que casi demanda canonización inmediata, o al menos ser discutida en relación a maestros que van desde Luchino Visconti hasta Paul Thomas Anderson. Su andamiaje claramente busca una majestuosidad que puede contraponerse demasiado a su voluntad en meterse en jardines, en abordar claroscuros muy complejos en torno al arte, su creación y su propiedad.

Pero Brady Corbet consigue salir bastante bien parado de su compleja empresa, especialmente por sus decisiones narrativas. La perspectiva que elige complica lo que vemos, la estructura con intermedio nos hace la experiencia bastante especial además de digerible, y sus formas para retratar personajes, paisajes y estructuras son increíbles. Estamos ante una obra que aparenta buscar la perfección, pero lo que la hace extraordinaria está en cómo indaga en lo aberrante, tanto a nivel de historia como interno.

• En SkyShowtime.

1. Romería

Tanto en la entrega anterior como en esta habéis podido comprobar que el cine español ha tenido una presencia potente, además con variedad de aproximaciones y temas. Quizá no haya mejor año para reconocer una película de nuestra filmografía que este, incluso aunque escoger la ganadora pueda ser debatible porque todas han mostrado un nivel increíble. Pero en un instante donde hay que luchar todavía por preservar el recuerdo porque aquello que no están, y que algunos prefieren que sean cosa del pasado, la elección es clara.

Su brillantez a la hora de marcar punto de vista y explorar dinámicas familiares entre lo que se habla y lo que no se habla ya hacían de Carla Simón una cineasta imprescindible en nuestro país. Sin embargo, Romería logra ser aún más grande y desbloquear más cosas todavía en su propio cine, desde esa contundencia para hablar de temas deliberadamente escondidos como las muertes estigmatizadas por el SIDA y la droga hasta ese salto al vacío en material surreal y mágica.

La catalana aprovecha los enigmas del lenguaje cinemática para hacer un acto de reparación y justicia, además de uno profundamente emocionante. Ha conseguido hacer una de las secuencias del año a ritmo de Siniestro total y nos deja los dientes largos de cara a que un día haga un musical. Acojonante a muchísimos niveles, y título de referencia de aquí a varias generaciones. Por eso, es la película de este año.

Hi, personicas.

No parece que haya mucho que celebrar en el mundo del cine cuando todo podría ser devorado por el streaming y Netflix, o en el peor de los casos la IA, devastando archivos históricos para crear contenido infinito e inolvidable. Pero siempre está la industria (y en especial Hollywood) por un lado y el cine bueno por otro.

Y este año hay bastante que celebrar, desde diferentes cinematografías del mundo (Irán sigue molando), terror de distintos palos y bastante cosa notable de Españita. Aquí reunimos lo que consideramos que ha sido lo más memorable de un año para levantar las manos por el cine al estilo Martin.

30. Destino final: Lazos de sangre

Destino final ha sido habitualmente una de las franquicias de terror que mejor ha llevado el disparate consciente y la diversión por la muerte desenfrenada, creando gran entretenimiento por ver a un montón de gente morir de maneras locas y sangrientas. Su regreso en tiempos de secuelas legado no decepciona, e incluso se coloca entre las mejores entregas de la saga, pasándoselo en grande con secuencias creativas, algunas subvirtiendo expectativas, y hasta ofreciendo una gran escena de despedida para un mito del terror como Tony Todd.

• En HBO Max.

29. Una casa llena de dinamita

"Hemos ensayado esto miles de veces", lo hemos probado de todas las maneras y hasta lo tenemos en carpetitas encuadernadas con colorinchis. Pero da todo igual. Primero porque los ensayos no valen de nada, precisamente por serlo. Y segundo porque los planes los tienen que ejecutar personas y a las personas, ya se sabe, se les puede poner el niño malo u olvidársele como hacer una llamada a tres (relatable). O sea, que no importa tener una habitación llena de gente súper lista y muy buena en lo suyo: nos vamos a la mierda igual.

La primera parte que rueda Kathryn Bigelow es DIOS, pero DIOS en plan señor con barba blanca que señala con el dedo y lanza un trueno. Y las otras dos montan en torno a la primera un artefacto muy inteligente y sobre todo muy preciso, donde cada frase, cada objeto, cada sonido es una pieza de rompecabezas que como espectador reconoces y colocas inmediatamente.

No tardes otros ocho años, Kathryn, por favor te lo pedimos.

• En Netflix.

28. Weapons

Dos películas revelación después, queda claro que a Zach Cregger le sobra talento para rodar y tiene mucha inquietud con los horrores que se ocultan en los sótanos de Estados Unidos. Su cuento de hadas oscuro en los suburbios tiene imágenes que no te dan de la mano para interpretarlas, y eso es sugerente en un tiempo donde se verbalizan demasiado los mensajes sobre el trauma y la pérdida.

Weapons va de esas cosas y de otras más, aunque su autoimposición de estructurarse con la épica de una Magnolia o una Pulp Fiction sean más una exhibición de talento que un logrado tapiz sobre temores humanos y sociales. Pero qué bien va cogiendo el tono (los tonos), lo bien usados y dosificados que están los sustos, el despiporre final. Sam Raimi estará orgulloso.

• En HBO Max.

27. Superman

James Gunn entiende muy bien que estas películas de superhéroes crecen bastante cuando dejan de lado orígenes que la gente ya tiene más o menos sabidos. Resulta aún así impresionante que lo intente hacer con el regreso de Superman en solitario en más de una década, que tiene que además lanzar todo su nuevo Universo justo cuando el género ya parece que va a su decadencia.

Le sale increíblemente bien, porque sabe abrazar la iconografía más reconocible del personaje así como su espíritu, y acaba no necesitando tantas explicaciones. Le lleva, eso sí, a dedicar mucho esfuerzo a lanzar muchas cosas como las referencias más sci-fi posibles que se puedan ligar a Superman o esa Pandilla de la justicia de la que habría hecho su película hace una década. Pero consigue que todo vaya a ritmo estable y entretenidísimo, adaptándose él mismo a la naturaleza optimista e inspiradora del personaje en lugar de llevarlo completamente a su terreno sinvergüenza y casi listillo de más.

Clásica pero actualizada, llevada por un alma pop punk que saca con mucho brillo al igual que ese ramalazo político sobre Palestina y la dominación techno-bro que culmina su voluntad de hacer que estos superpersonajes comenten también el mundo en el que vivimos.

• En HBO Max.

26. Memorias de un caracol

El esperado regreso de Adam Elliot con su animación en stop-motion centrado en aspectos tan ligeros de la experiencia humana como la soledad, el trauma o la depresión no va a dejar mal sabor de boca. Al menos a los que ya saben a lo que entran.

Con diseños ultraespecíficos y una textura visual casi palpable, el director de Mary and Max ofrece aquí una estructura de viñetas casi antológica con algunos deslices, pero siempre desvela una manera muy empática de entrar en las vivencias duras de sus personajes. Ha habido que esperar tiempo para ver de nuevo este enfoque tan particular en el medio, pero puede tomarse todos los años que necesite si es capaz de entregar pequeñas joyas como esta.

• En Movistar+.

25. Los sudarios

David Cronenberg coge ritmos, tonos, imágenes e ideas de sus anteriores películas más pobres (esa increíble trilogía de los horrores que casi finiquita su carrera y ese regreso autoderivativo en Crímenes del futuro), pero las vuelve interesantes en un techno-thriller donde abrazar la teoría de la conspiración se vuelve el acto de amor más radical. Su idea del duelo indaga en la necesidad de control hasta el extremo de la descomposición, así como en concebir la ausencia de otra persona como la extirpación de un miembro que aún se siente como un fantasma.

Lo hace con un humor absurdo, pero increíblemente bien tirado, y llevando a nuevo territorio ideas que ya han estado presente en su obra pasada. Sin estar amarrado con precisión quirúrgica, su irregularidad la lleva a reflexiones complejas en las que vale la pena indagar, profesando más que nunca su militancia atea y política en cómo aborda el cine de género.

• En Filmin.

24. The Order (La hermandad silenciosa)

El hilado fino entre el thriller guarro para señores y el que tiene ideas además de invitar a ponerse el bombín y ponerse un coñac. Este extraño artefacto con factura internacional e historia americana y blanca recoge lo mejor de los gran reserva del género para padres, incluyendo a William Friedkin, Michael Mann y Kathryn Bigelow.

Todo para hacer un explosivo artefacto sobre los influyentes tentáculos del supremacismo blanco y héroes que no lo son tanto. Justin Kurzel da con una bomba de relojería estupenda que funciona a niveles diferentes, tanto para retozar en el barro como para apretar tus botones para el cabreo, y eso la convierte en joya inmediata.

• En Amazon Prime Video.

23. 28 años después

Uno podría pensar que Danny Boyle y Alex Garland se han puesto celosos de que The Last of Us les hayan robado el título de título seminal de zombies en el siglo XXI (aunque la segunda temporada de la serie les ha devuelto el título). La realidad es que su regreso a su particular universo de terror parece más espoleado por éxitos como Tren a Busan por cómo manejan y amplifican tonos grotescos, absurdos y melodramáticos.

El resultado es un shock, pero uno altamente disfrutable e incluso estimulante. La estética del iPhone consigue darle una textura diferente a esta aproximación zombie casi desde el folk horror, las ideas conectan con la alineación y el aislamiento post-Brexit (toda la saga ha tenido siempre bastante tino a la hora de conectar con el momento político británico) y también logra llegar a terreno emocional en su aproximación a la muerte. No conecta todo precisamente de una manera cuerda, pero que Boyle y Garland hayan reactivado el modo psicótico y también el emotivamente hortera para esto es fascinante.

• En alquiler.

22. The Mastermind

Siempre desde unos parámetros militantemente indie, Kelly Reichardt replantea géneros clásicos con una mirada muy observadora y hasta con cierta mala baba para según que personajes. Aquí lo hace de maravilla con un cine de atracos liderado por un fabuloso Josh O’Connor como pijo acomodado creyéndose el rebelde con sustancia que en realidad nunca es. Finísima y con un fabuloso sentido del humor articulando una odisea perfectamente patética.

• En MUBI.

21. Un simple accidente

Jafar Panafi vuelve a jugarse el tipo para denunciar los crímenes y la represión del régimen iraní, grabando clandestinamente en partes traseras de furgonetas y lugares apartados. Todo esto aporta continuamente una atmósfera claustrofóbica que contribuye a una incómoda historia de venganza que de vez en cuando trastoca con toques de humor (los datáfonos recurrentes), pero va continuamente avanzando hacia una oscuridad que concluye en un plano final extraordinario que te deja realmente estomagado.

20. Amigos

Hay escasez de nuevas estrellas cómicas, pero es que algunas de las mejores mentes del mundillo tienen muy complicado trasladarse fuera de sus formatos libres y experimentales. Sin embargo, la esencia de Tim Robinson y I Think You Should Leave salta a la perfección en esta amarga exploración con marca A24 de la amistad y soledad masculinas, que incide todo lo posible en el absurdo más tóxico. Mucho más que curiosa, es una de las películas de culto del año.

• En Movistar+.

19. Banda sonora de un golpe de Estado

Los peores crímenes de occidente en torno al colonialismo y la fulminación de derechos y vidas en el Congo a ritmo del jazz más libre y vibrante. El belga Johan Grimonprez nos mete en el documental más formalmente atrevido y políticamente encendido de los últimos años, denunciando las tropelías de su propio país en África y su participación en el horrible asesinato de Patrice Lumumba.

Lo hace trazando interesantes líneas con la cultura jazzística estadounidense, y cómo esta fue empleada por los gobiernos para afianzar su influencia en el continente y en el Congo para evitar la expansión soviética. Un amargo doble filo para artistas que claramente estaban comprometidos con los oprimidos, pero eran utilizados a veces sin saberlo. Grimonprez recontextualiza su música en una vibrante narración a pinceladas que ofrece una visión general contundente, mientras va dejando trazos de bibliografía que están ahí para quien quiera expandir y sirven perfectamente para contarnos la historia. Un trabajo experimental que termina siendo sensacional.

• En Filmin.

18. Sirāt

Es muy fina la línea que separa el éxtasis de la pesadilla. Lo sabe cualquiera que se haya acercado por la zona de carpita/establo/garage electrónica de un Primavera Sound, y lo sabe un Oliver Laxe que crea una odisea techno por el desierto que sacude por todos los frentes. Una bomba de relojería hacia el hedonismo que también calibra bien cómo meter sus giros sorpresas y su discurso sobre los dramas bélicos que se sufren en áreas de África. Muy a favor de su banda sonora para bailar con el monóculo puesto.

• En Movistar+.

17. Los pecadores

En un momento donde la zona media del cine peligra, y ya no hay mucho espacio para moverse para cineastas que tienen que escoger cine indie o blockbusters, Ryan Coogler ha conseguido tenerlo todo y dinamitarlo. Siguiendo su periplo con Rocky y Marvel decide cobrarse unos cuantos cheques pendientes para hacer una original variación de Abierto hasta el amanecer con música blues y valores de producción añejos, aunque también la ambición de un Jordan Peele en cómo emplear el subtexto.

El resultado es un agradable retorno a ese cine más lanzado y también bien situado entre la superproducción y lo pequeño, pero también es una divertida subversión llena de ideas. Una historia llena de creación de espacios seguros, de la música (negra) como catalizador del dolor hacia el éxtasis y de la intersección en la opresión. Cine que hurga en la herida, pero que también se lo quiere pasar en grande como si de una Vampiros de John Carpenter se tratase. Mejor que a tu nena se la lleve un vampiro que el KKK.

• En HBO Max.

16. Confidencial (Black Bag)

Con Steven Soderbergh sacando dos películas al año aproximadamente, se acaba estableciendo la concepción de que una es la especialmente buena. Este thriller de espías ha acabado siendo esa, pero es fácil cuando parece jugar en casa con una serie de intrigas bien entrelazadas con cuestiones personales que implican mentiras, sexo y drones de vigilancia.

Su alianza con un guionista tan preocupado por la eficiencia y por hacer entretenimiento adulto como David Koepp ha llegado tarde, pero está resultando fructífera. Black Bag (Confidencial) es su esfuerzo más completo, pero tampoco uno sobrecargado (Soderbergh reserva eso para las luces sobreexpuestas), enfocando el clásico drama de espionage con una perspectiva más íntima y emocional (además de divertida) de lo que suele ser tradicional, sacando oro de un reparto maravilloso que hace lo necesario para que te quedes con todos los personajes y por qué pueden ser sospechosos.

Un divertimento puro y extraordinario, no sólo porque esta película parece que ya no existe en las prioridades de Hollywood sino porque saca lo máximo de sus 95 minutos.

• En SkyShowtime.

Es casi una tradición que los ruidos tarden en salir. Esa gente que publica el disco a última hora, la reescucha de aquello que tenías pendiente, el coche escoba por si había alguna perla escondida… En cualquier caso, lo que está fuera de duda es que ha sido un año tremendo. Sea con los discos de última hora, entrado diciembre, o los que posiblemente no conozcan ni en su casa —y así lo atestiguan a veces otras comunidades amplias aunque de nicho, como Rate Your Music—, las calentadas o las míticas sobrerreacciones: uf, qué año.

Bombazos, regreso de clasicazos, gente que está mirando al futuro, gente que sigue a su rollo, fuera de modas… Un año excelente de technarro, de derivaciones dub, de progresiones ambientales, de ritmos para la pista, híbridos y marcianos que han pegado fuerte. Esta vez con 25, porque la ocasión lo merece. Y chuleta Tidal por si la necesitas con una referencia por lanzamiento de este año.

Va.

26. Irini - Lost in Dreams

Ya ocurrió en 2023 (entonces con Planet Uterus). Traumprinz, Dj Healer, Primer Minister of Doom, Dj Metatron… La entidad que se esconde detrás de todos los alias suele aparecer con jugadas inesperadas. Este año ha sido con un mix que en realidad es de 2021, con temas inéditos sin publicar y que este año han visto la luz en un LP que pronto quedó agotado, como todo lo que ocurre con él. El motivo es sencillo, y basta con escucharlo, además de lo que se ha generado de rumorología en torno a este querido y anónimo productor. Tres horas de altos vuelos, de meterse en harina con el dub, el trance y casi lo que le echen, tamizado con ese sello estilístico de trazas suaves y elegantes. Pero esta vez con un mayor músculo y tempo al que nos tiene acostumbrados. Pero también con unos cruces entre géneros muy poco habituales, robando texturas y sonidos canónicos del dub para metérselo a una estructura trance y salir airoso. De lo mejor que ha hecho en tiempo, entre Dj Healer o Prince of Denmark.

25. Abul Mogard - Quiet Pieces

Guido Zen se ha hecho ya un sitio por pura autoridad en la esfera ambiental (y por supuesto, en esta casa donde lo etéreo suma de más). Solo o con amigues, en los últimos años lleva facturando trabajos como mínimo notables. Y en este Quiet Pieces, Abul Mogard vuelve por la puerta grande. Rescatando música clásica de la colección de un familiar fallecido, se ha dedicado a samplear algunas de esas piezas para mezclarlas con archivos inacabados. El resultado es un disco de drone monacal, de lugares abandonados; ese que evoca lugares que ya no son y cuya portada ayuda a imaginar. No encontrarás aquí, en el acabado final, un trabajo muy distinto de lo que ha venido haciendo en solitario en esta etapa, pero tiene esa novedad para él mismo en la fase procedimental, en la construcción del trabajo. (Tier list 3 de junio)

24. Skee Mask - E

Un álbum que refleja, por otra parte, la calidad del productor, y también su etapa creativa a cuenta de los años en los que se grabó, con un sonido cercano a su primer gran disco, Compro (Ilian Tape, 2018). Además, con la diferencia de que aunque se acerca, no llega a la complejidad de los trabajos auténticamente bárbaros que está registrando estos años, como Resort de 2024, sin ir más lejos.

Con todo, y siendo un álbum menor dentro de su trayectoria, por ejemplo con piezas ambient más normalitas, hay cortes que son una gozada, como el pepinarro de ‘501v2’ en la segunda. La clase de temas que muestran que es un fuera de serie. U otros como ‘OVdub’, ya en el tramo final, que están más cerca de esos temas que decíamos más complejos a los que nos tiene más acostumbrados actualmente. En cualquier caso, un conjunto de piezas que ha rescatado que tenía sueltos por la encimera y que ya quisiera más de uno en su haber. (Tier list 2 de septiembre)

23. Mark Ernestus’ Ndagga Rhythm Force - Khadim

Un abordaje, como ya lo fue hace casi una década, puramente respetuoso, en el que no hay una reinterpretación ni apropiación, solo un acercamiento sutil, dejando que sean las percusiones y los vocales sugerentes de la familia Seck las que lleven el peso. Ahora con más programación. Ernestus se encarga de los sintes y darle el fino toque electrónico, generalmente con pequeños detalles en colchones sonoros que arropan la instrumentación, como en ‘Dieuw Bakhul‘. Otras, llevando algo tan rudimentariamente folk como esta música senegalesa a un electrizante ritual, pero este más reconocible, y a la vez universal, como el del baile, en ‘Khadim‘. Ciertos olores a Basic Channel. Un recuerdo de que en la fiesta y en el baile las diferencias étnicas, de clase o de género desaparecen. (Tier list 16 de septiembre)

22. Surgeon - Shell~Wave

El cirujano más célebre no falla a su cita operacional de grueso bisturí. Nueve temas de techno marca Birmingham: sobrio y mecánico, coqueteando con lo industrial. Y en manos de Anthony Child, tejiendo redes de sonido infeccioso alrededor. Así es como suena a lo largo de nueve temas donde no baja el pistón. Un ritmo exigente en el que hay espacio tanto para melodías deformadas (’Soul Fire’), como para distintas líneas rítmicas que conviven en un mismo tema (’Forgotten Gods’). (Tier list 6 de mayo)

21. Steve Hauschildt - Aeropsia

A priori, Aeropsia puede engañar porque en una escucha superficial parece virar hacia el anodino campo de la New Age. Pero lejos de ello, aunque se adentre en esas estructuras más ligeras, Hauschildt sigue siendo un talentazo inconmensurable que dibuja melodías que se enredan y que se superponen unas a otras ofreciendo un bello resultado (’Your Call is Important’). Con lo progresivo latente. Un trabajo con sonidos más orgánicos, más tranquilo, aunque ello no es excluyente de mantener estructuras tremendamente ricas (’Forgetting in the Static’). Se ha notado su traslado a Tbilisi, como alejado de un mundo en constante perturbación. El álbum que cuenta además con su parte canónica de ambient preciosista y arreglos instrumentales. Atención porque va a trascender del oyente medio ambiental, con engalanados acercamientos a los progs. Tiene visos de lo que antes decíamos un grower. (Tier list 21 octubre)

20. Use Knife - État coupable

Use Knife es el proyecto de los belgas Stef Heeren y Kwinten Mordijck junto al iraquí Saif Al-Qaissy. Un conjunto imbricado política por contenido y continente. En este Estado Culpable, su segundo álbum, Heeren comparte vocales con el percusionista Al-Qaissy, quien huyó de Iraq, y que ahora asume mayor protagonismo para darle todo el sentido a un álbum que rompe ese viejo prejuicio de que la electrónica es ajena a la política. Como es obvio, además de los detalles como el mirar a la música árabe, configurada aquí con sus percusiones y las de sintetizadores casi industriales, el músico iraquí aprovecha para mirar en las contradicciones occidentales. Y más que contradicciones, con la mirada etnocéntrica y hegemonía de Occidente, gritando contra sus invasiones y discrecionalidad para otorgar la ‘libertad’ a terceros. (Tier list 26 de agosto)

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En un año en el que los discos tristes se han colado a cuentagotas en nuestro Top internacional, quedaría la sensación de que no nos hemos enfrentado a una gran cosecha. Y lo cierto es que no creo que haya sido así.

En una etiqueta siempre un tanto ambigua, seguramente apta para abarcar propuestas francamente variopintas, casi siempre intentamos acotar el terreno al folk, canción de autor, cositas ambient/drone… pero vaya, que entra lo que me da la gana a mí. Si queréis hacer vosotros vuestra lista, os montáis una web.

Este año hay un hecho sin precedentes. Se ha colado un disco que no reseñé yo (Chou) en su día. Algo que para mi ego y mi afán de protagonismo es doloroso. Pero en tiempos de conflicto Keaton nos quiere magnánimos. Creemos que, al fin y al cabo, os traemos diez discos bien majos para escuchar en caso de que alguno se os hubiese pasado por alto.

Vamos al lío:

10: Annahstasia - Tether

Género: soul atrapaalmas

Hay gente que tiene atractivos algo extraños. Evidentes a los ojos de muchos, absolutamente ajenos a los de otros tantos. Y luego hay gente atractiva casi por decreto. Guapos objetivos. Alguien podrá venir aquí a decir que “pues a mí esto no me gusta” y no pasará nada, tenemos esto lleno de lectores que son lerdos, así que se sentirá como en casa. En principio, Tether, disco de debut de Annahstasia, es uno de esos trabajos de los que nadie jamás podrá hablar realmente mal. Uno de esos trabajos vocales de tal calibre que tan solo nos queda preguntarnos cómo coño ha llegado tanto en llegar a pesar de que gente como Kendrick Lamar le tuviesen ya echado el ojo.

Tether trae irremediablemente a la memoria a gente como Tracey Chapman, obviamente, haciéndolo particularmente obvio en cortes como ‘Villain’. Aunque si se buscan referencias más contemporáneas y menos evidentes, aquí se nos ha venido a la memoria la obra de Anna B. Savage. Un canto tanto a lo espiritual como a lo meramente carnal, entre ‘Unrest’ y ‘Satisfy Me’, con el continuo hilo conductor de una voz que podría firmar un disco prácticamente a capella sin que echásemos nada en falta. Y si además encuentra un maridaje idóneo en las colaboraciones de Obongjayar o Aja Monet, miel sobre hojuelas.

Luego llegan momentos como los de ‘Waiting’, en los que una Annahstasia que en general consigue mantener su voz libre de adornos innecesarios, eleva aquí el tono y se luce ante cualquiera que tenga oídos. Esa es otra gran virtud de Tether, que como tantos otros casos podría perderse aquí en el “mira qué bien canto” y consigue alternar esas demostraciones de talento desbocado con otros pasajes más ligeros como ‘Overflow’. Y, en el muy improbable caso de que queden agnósticos a esas alturas, ‘Believer’ remata un disco incontestable. (Chou en la tier del 8 de julio)

9: Mydreamfever + Huremic - 3. How I See Nothing but You

Género: Hay fiesta en el osario común.

Voy a confesar que llegué libre de prejuicio alguno a este álbum, hace apenas unos días (lleva ya dos meses en bandcamp). El nombre que se escondía detrás de Mydreamfever me resultaba una completa incógnita, y el hecho de que estuviese firmado a pachas con Huremic en mi mente fue automáticamente guardado como “una colaboración de alguien con este tipo del que sí me suena haber leído algo”. Al hecho de que tanto Mydreamfever como Huremic son otros alter ego de un Parannoul que por otra parte ya venía firmando algún disco en el pasado con este proyecto.

Llegar pues, por diferentes caminos y desde la ignorancia, a la misma conclusión de que nuestro coreano favorito (tras las Guerreras) vive en su particularísimo estado de gracia es muy reconfortante. Si fue con el estupendo ‘Seeking Darkness’ como se coló en nuestra lista de lo mejor del año, la propuesta más caótica y droneniana de ‘3. How I See Nothing but You’ me ha volado tanto o más la cabeza. Un camino siempre desconocido, y pese a ello extrañamente familiar, hacia la oscuridad, las criptas y las tinieblas. Seguramente con menos oportunidades para paisajes más oxigenados, no muy numerosos en sus otros trabajos pero sí algo más presentes, y así apenas mostrables en los inicios de ‘Night Wishes’. Un sí a todo siempre con este hombre. (Chou)

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Hi, personicas.

Hemos tenido un año extraño en el género, a pesar de que nunca han faltado discos para comentar o destacar. Encontrar los trascendentes, los que combinan inventiva o personalidad con experiencia arrolladora, no ha sido fácil. Aun así, es un año de muchos discos que abren caminos, que plantean posibilidades que pueden cristalizar en cosas …

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Hi, personicas. Ya tuvimos la parte uno, vamos con lo que queda.

9. Adolescencia (Miniserie)

La prominencia del discurso en torno al plano secuencia ha permitido destacar a este potente trabajo de drama social con todas las preguntas correctas y una amarga realidad de ausencia de respuestas claras. También es un artefacto de doble filo, especialmente en los primeros episodios, de mayor carácter de thriller donde el movimiento continuo acaba forzando a la historia a seguir la forma impuesta por Philip Barantini, en lugar de que esta realce el buen trabajo de Jack Thorne y Stephen Graham en el guion.

Pero los dos episodios finales, con escala más reducida y más marcadamente dramática, consiguen un funcionamiento más orgánico que justifica porque es una de las series del momento. Concienzuda y cercana hasta el extremo, incluso aunque quiera apretarte las tuercas emocionales todo lo posible. Funciona en un nivel bastante especial que muy pocas series podrían atreverse a indagar, no hablemos ya una de Netflix. (Black Gallego)

• En Netflix.

8. La empresa de las sillas (S01)

La comedia extrema e incómoda de Tim Robinson había encontrado culto en forma de sketch libre e impredecible sostenido en cierto punto de partida plausible que acaba derivando al dadaísmo sensacional. Cómo podía trasladarlo al terreno de la ficción era una duda razonable, pero hace unos meses lo logró en forma de largometraje en Amigos y vuelve a encontrar cierta vía para lograrlo de la mano del director Andrew DeYoung.

Su serie para HBO vuelve a partir de una chorrada que le puede pasar a cualquiera (un accidente con la silla en medio de una presentación importante en el trabajo) que pasa hacia la pesadilla e, incluso, al thriller conspiranoico clásico. Tiene bastantes digresiones para cuestionar su longevidad como serie, pero al mismo tiempo te caza siempre con la habilidad para tirar de repente a personajes extraños en lo que iba a ser una escena corriente o una línea de diálogo absurda gritada (“I’M NOT YOUR MAMA BARBIE”). En algún momento se le caerá el castillo de naipes, pero nunca deja de ser fascinante ver los accidentes que Robinson provoca. (Black Gallego)

• En HBO Max.

7. Andor (S02)

Con cierta ansiedad por aterrizar bien el caza estelar, pero también siempre fiel a la idea y la artesanía que la han hecho la única serie realmente diferencial del universo Star Wars (y también una de las mejores obras de su historia), Andor vuelve a meternos en la intensa y compleja existencia que conlleva el compromiso con la rebelión.

Thriller político de alto nivel, nutrido de referencias a revoluciones armadas reales, decidido a tener cosas que contar desde su propia esquina del universo y explorar personajes por los que siente pasión genuina. Su mera existencia ya es algo increíble, pero Tony Gilroy ofrece resultados que la hacen totalmente meritoria de halagos. (Black Gallego)

• En Disney+.

6. Pluribus (S01)

Nos estamos lanzando un poco a la piscina con casi media serie todavía por emitir, pero es loable que acabemos pensando tras cada episodio “MUY GUAY, pero al siguiente seguro que me va a cansar” y que nunca te canses. Vince Gilligan crea una increíble distopía de amabilidad donde la persona que tiene que salvar al mundo es la persona amargada definitiva. Una a la que estas forzado a seguir y, sorpresa, la acabas entendiendo.

Ninguna serie explora tanto los rincones del universo que crea sin que te esté vomitando lore, y ninguna te va a castigar tanto si decides coger el móvil por un segundo por su manera de apoyarse en pura narración visual. Totalmente a contracorriente de tendencias, con ideas que defiende de manera increíble. Si todo se va a pique en algún punto, el rato recorrido hasta el momento ha molado bastante. (Black Gallego)

• En Apple TV.

5. Los ensayos (S02)

El cerebro galaxia más neurodivergente que existe ahora mismo regresa tras haber hecho un monumento con la primera temporada de Los ensayos, una abstracta comedia sobre el control y los oscuros impulsos detrás de ello. La segunda temporada consigue no quedar demasiado atrás de la genialidad incluso disparando por doquier más ideas disparatadas. El demiurgo considerado payaso intentando arreglar los accidentes aéreos, pero acabando por accidente en concursos de canciones, intentos de eugenesia, autorealizaciones sobre autismo, acusaciones de nazismo a plataformas de streaming y la interpretación como un peligroso demonio.

Es todo un desternillante compendio de absurdo con muchas ideas tan brillantes como potencialmente peligrosas. El accidente de avión que uno no puede dejar de ver, porque es increíble. (Black Gallego)

• En HBO Max.

4. Verdades ocultas (S01)

Si Reservation Dogs fue la serie que lo puso en el mapa y nos deslumbró a todos1, Verdades ocultas puede ser la que consagre a Sterlin Harjo como una de las nuevas voces más interesantes de la tele actual. Planteada como un neonoir sureño rabiosamente contemporáneo y con mucha comedia negra, para haceros una idea del tono digamos que alterna con asombrosa facilidad a Raymond Chandler con los hermanos Coen (¡han cantado Justified!) y a la vez con algo absolutamente propio, y que lo hace además sin dejar de armar con todo este mejunje algo entretenidísimo y capaz de arrancar auténticas carcajadas en medio de una bien hilada trama criminal.

Ethan Hawke completa un año increíble en su carrera y está fantástico en su papel de perdedor narcisista negligente (y en su cabeza también buen padre y buen periodista) y llena de carisma una serie tan digna de elogio por el mundo que plantea como por lo bien que sabe llevar tanto su trama como sus personajes. Junto a él hacen cola para todos los premios a mejor secundario de la temporada Kyle MacLachlan, Jeanne Tripplehorn, Tim Blake Nelson y más de un cameo que mejor no desvelar, o sea que casi nada.

Sus ocho episodios se toman su tiempo para dejar respirar la narración, pero al mismo tiempo evitan caer en un solo tiempo muerto, hasta llegar a un desenlace francamente redondo y satisfactorio, de esos que te hacen desear tanto que haya como que no haya una segunda temporada algún día. Una de las series del año y uno de los mejores ratos de televisión que puedes pasar ahora mismo. Directísimo al excel. (Poliptoton)

• En Disney+ el 26 de diciembre.

3. Poquita fe (S02)

Los trucos de Poquita fe que quedaron claros en su primera temporada regresan aquí poco alterados, no vaya a ser que se pierda la especial química que habían logrado general. Eso mataría por completo la frescura de una serie menor, pero Pepón Montero y Juan Maidagán se han aprovechado de la confianza renovada para ir pequeños pasitos hacia adelante (los planos y la voz en off del momento peluquín, unido al montaje, es para que Scorsese llore).

Pocas series además están dispuestas a hablar tan directamente de cómo la crisis de la vivienda actual está erosionando cualquier atisbo de tejido social y emocional entre las personas. Maravillosa y, por descontado, divertidísima. (Black Gallego)

• En Movistar+.

2. The Pitt (S01)

Una serie muy del momento, aprovechando el tirón histórico de los dramas médicos y enfocándola con un toque ligero de thriller de cámara inquieta para hacerlo más urgente (je). Al mismo tiempo, muy a contracorriente de la ficción del streaming para hacerlo más como la de toda la vida, mostrándose como el verdadero spin-off de Urgencias que estaba destinado a ser (no es sólo por Noah Wyle de protagonista y R. Scott Gemmill de creador, es que el proyecto se inició como un revival de la mítica serie).

Quince episodios, una duración que no tiene realmente ninguna otra serie, estructurados todos en torno a una hora de un turno continuado de 15. Todo unido a un énfasis en el rigor que ha sido apreciado por muchos profesionales sanitarios, pero sin perder nunca de vista el hacer televisión trepidante, adictiva y humana de toda la vida.

Personajes variados, con personalidades reconocibles al instante y conflictos que llevan en microavances a lo largo de la temporada, algunos funcionando mejor que otros. Y, por supuesto, Wyle siendo un pilar de garantías, sintiéndose uno seguro con lo que va a ver sólo por cómo se coloca el estetoscopio alrededor del cuello cuando va a conversar o soltando términos médicos como si estuviera plenamente convencido de lo que son. (Black Gallego)

• En HBO Max.

1. The Studio (S01)

Sí, la mejor serie de 2025 va casi exclusivamente de cine. Porque nada resume tan bien el 2025 que estamos viviendo, sobre todo en meses recientes muy locos que han acelerado lo que ya se veía como una espiral descendente, que un climático momento donde se corea en una convención “MOVIES, MOVIES, MOVIES” como si no estuviera ardiendo todo.

Seth Rogen y Evan Goldberg se han salido con la suya guisándoselo y comiéndoselo en una sátira muy a pijo sacao de Hollywood, pero que no se ha terminado quedando corta en apenas nada. Los planos secuencias para burlarse de los planos secuencia, los paniqueos por cualquier reacción o noticia inesperada en redes sociales, ponerse pedo en unos Globos de oro mientras se negocian nombres en los agradecimientos, las puñaladas a los héroes cinematográficos de la infancia porque hay que sacar la película de Kool Aid que realmente guste a los accionistas.

Todo es un deleite si sigues un poco cómo se cuecen las habas en la industria audiovisual (leñe, si escuchas The Town aquí te están haciendo guiños todo el rato). Si no, te va a reir igualmente esperando a ver con qué se va a tropezar Seth Rogen para caerse al suelo. Pero pocas cosas han arrancado más risas en un año donde realmente hay que reírse si no se quiere saltar por la ventana.

• En Apple TV.

Hi, personicas.

Otros años habríamos sacado este ya tradicional repaso de series que nos han gustado con una colección de 20 destacables, tanto para comer como para sentarse un rato y cambiar el móvil en la mano por una copa de vino. Este año lo dejamos en 18, porque tampoco es plan estirar tanto en un año de televisión un tanto regulero. Aun así, momentos guays entre estas propuestas.

18. The Paper (S01)

Podría parecer que vendernos The Paper como un pseudo spin-off de The Office1 pone a lo nuevo de Greg Daniels un listón imposible, pero también se beneficia de un hecho conocido: a The Office (como a Parks & Recreations después) le costó una temporada y pico encontrarse, hubo que darle paciencia para que acabara convertida en lo que fue. Por eso es inevitable analizar este nuevo producto un poco a medias entre lo que es y lo que puede llegar a ser: porque hay muchos elementos prometedores aquí, pero también varios problemas que la habrían condenado a la irrelevancia en otras circunstancias, pero aquí nos harán darle otra oportunidad por venir de donde viene.

Entre lo primero: la serie fluye bastante bien bastante pronto, hay momentos francamente inspirados y en general está bien llevado el tema de fondo de la decadencia del periodismo, con la dosis justa de nostalgia, idealismo y mala leche, pero sin pasarse con la negrura. De lo segundo: necesita claramente perfilar mejor a su protagonista (según el capítulo, es un Jim, un Michael o un Andy), otros personajes deben dosificarse más para no empalagar (alguno es el prototipo del que el showrunner se carga en la T2) y en general los arcos dejan una sensación de ser una temporada de 22 episodios apresuradamente condensada en 10 que te obliga como espectador a comprar cosas que la serie todavía no se ha ganado. Bueno, y que no soy fan del mockumentary tan autoconsciente que se ve obligado a meter al equipo de rodaje en las tramas.

A pesar de todo, el conjunto es bastante notable y sobre todo es de ésas que de alguna forma te convence de que la gente detrás del proyecto sabe ver perfectamente como tú lo que no funciona y sabrá arreglarlo. Si dan con las teclas adecuadas, la segunda temporada podría ser un Excel, pero de momento aún no estamos ahí. (Poliptoton)

• En SkyShowtime.

17. Efectos secundarios (S01)

Qué placer cuando el mundo de la animación adulta se escapa de la estética clónica y las tramas de adolescentes y/o padres de familia contestones e incompetentes. El animador y dibujante de comics ​Deron Bennett y el guionista Steve Hely (con créditos en diversos late nights, 30 Rock o The Office) presentan una historia inusual de dos amigos de instituto (hoy ella es asistente del CEO de una farmacéutica, él un hippy sin ocupación conocida) que reconectan cuando este último descubre un hongo que parece tener la capacidad de curar todas las enfermedades conocidas, para terror de las farmacéuticas y quizá también del gobierno.

Combina el thriller conspiranoico a lo Expediente X con el de patanes a lo hermanos Coen y lo sazona todo con un humor sequísimo y casi surrealista que le da al conjunto un tono especial y una voz propia que se agradece mucho en un contexto tan saturado. Terminados los diez episodios, no tengo necesariamente la sensación de querer ver más, pero entrega una temporada francamente intachable. (Poliptoton)

• En HBO Max.

16. Muerte por un rayo (Miniserie)

Muchas miniseries tienen muchos problemas para esconder que en realidad están añadiendo metraje a lo que previamente era una película. Fácilmente podríamos haber visto la versión de 2 horas y 20 minutos de la historia de asesinato de James Garfield provocada por una mezcla de polarización y cloacas del Estado que se estrena en invierno para rascar premios.

Aquí lo tenemos más extendido, pero a cambio coge varias cosas positivas que permite la tele en streaming donde todo vale: llenar todo el reparto de esos secundarios gloriosos que siempre están bien y aquí son protagonistas cada uno de su historia (Michael Shannon, Matthew Macfadyen, Shea Whigham, Nick Offerman) y ponerse juguetón con un tono menos solemne de lo que cabría esperar. Bien jugado por Matt Ross y Mike Makowsky. (Black Gallego)

• En Netflix.

15. Adults (S01)

Oh, no, amigos, otra comedia de veinteañeros que comparten piso y tratan de encontrar su lugar en el mundo aunque sus vidas y sus relaciones sentimentales son un desastre. Y son todos como medio ricos o medio nepobabies o algo y ni siquiera es un piso, sino una casa en Queens, y ni siquiera la pagan, porque es la casa de los padres de uno de ellos, que están de viaje indefinido. Pero un momento, porque viene con giro inesperado: la serie tiene… ¡gracia! Incluso, ojo a la locura, mucha gracia.

Excepto por un par de brochazos emocionales y un vago eco de algo parecido a una tensión sexual no resuelta, Adults lo juega todo a los chistes todo el rato y le da igual lo demás y la jugada le sale muy bien. La colonoscopia que se complica, el stalkeo a una rata con air tags, el chat con el asesino compartiendo pantalla…

Casi todos los capítulos tienen al menos un momento simplemente tronchante y en general la ratio de líneas buenas vs malas es más que positiva, incluso en el siempre temible subgénero de “chistes de GenZers contra millennials”. Y el principal problema de la serie (que todos los personajes son idiotas y abofeteables) está bien resuelto, tanto por el lado de los actores (con un timing cómico impecable) como por el de los guiones, que hacen de su estupidez parte del chiste y consiguen que entres en el juego.

Una hangout comedy con episodios de veintipocos minutos y una temporada que se hace cortísima: la serie pacomé del mes, y candidata a ser la del año. (Poliptoton)

• En Disney+.

14. Hacks (S04)

Algunos (unos pocos) tuvimos ciertas dudas con una tercera temporada notable pero ligeramente dispersa de una de las comedia de referencia actuales, pero teníamos claro que el cliffhanger ponía a la serie en buen camino para continuar. Y se cumplió, los guionistas han sabido recoger su propio guante para reiniciar como es debido la dinámica de Ava y Deborah.

Las extorsiones mutuas no han devorado la temporada, y han sabido jugar con el funcionamiento de un programa late night para que las protagonistas se pregunten qué hacen exactamente en el mundo de la comedia, además de que algunos añadidos (como la nerd de RRHH que tiene que estar pegada como una lapa o Julianne Nicholson como petarda normie que se hace famosa por TikTok) caen como mínimo simpáticos. No saben siempre qué hacer con los representantes, pero acaban sacando también buenas risas para acompañar el vinito.

También es de reconocer que hayan sabido desarrollar la relación entre las dos para que vayas identificando las trazas tóxicas que ésta está desarrollando, pero no hasta el punto que no quieras verlas improvisando todo el rato. Una vez más, una serie fantástica que está sabiendo medir sus tiempos. (Black Gallego)

• En HBO Max.

13. Smiling Friends (S03)

Sonreir en el infierno tardocapitalista que nos toca vivir es casi imposible, y nadie lo entiende mejor que Smiling Friends que no duda en abrazar el aura de shitposting del Internet dosmilero para mostrarnos que todo es caos. Miles de estilo de animación chocando entre ellos para crear aventuras surrealistas, cortitas y al pie, además de inquietantes por lo real que son en el fondo. (Black Gallego)

• En HBO Max.

12. Superestar (Miniserie)

Bravo Vigalondo por intentar condensar Españita Dos Mil en seis perspectivas surrealistas alrededor del Tamarismo, pero realmente el mayor triunfo es darnos una cosa:

GUASEMEN.

• En Netflix.

11. Dying for Sex

El alambre en el que se mueve una historia en clave de comedia sobre una enferma de cáncer terminal que decide dejar a su marido para entregarse al sexo para lo que le queda de vida es finísimo. Pero finísimo. Está el riesgo de banalizar la enfermedad, el de forzar el humor negro para hacer acopio de cinismo, el de sucumbir ante el terrorismo emocional… Incluso el riesgo inherente a cualquier interpretación de Michelle Williams, esa actriz prodigiosa a la que sin embargo su gusto por la intensidad hace descarrilar de vez en cuando.

Las creadoras de Dying for Sex los evitan todos de una manera honesta y a veces encantadoramente torpe: en más de una ocasión, para evitar romper una ventana acaban pisando un cable y eso está bien porque encaja con la naturaleza de montaña rusa emocional de la historia que cuenta. Y qué actrices: Jenny Slate se roba la pantalla con un trabajo complejísimo como quizá no habíamos visto nunca1 y las breves apariciones de Sissy Spacek o Paula Pell, cada una en su momento, le otorgan todavía más capas de intensidad emocional. Te tiene entre la carcajada y la lagrimita hasta la puñetera última escena y cuando acaba ya te aviso que vas a necesitar UN RATO. Divertida, dolorosa, fantástica. (Poliptoton)

• En Disney+.

10. Long Story Short (S01)

No os podemos culpar si no os habéis enterado hasta ahora que el creador de BoJack Horseman ha vuelto a Netflix para hacer otra serie animada sobre traumas e insatisfacción vital además de subtramas payasas. La estrategia de lanzar todos los espaguettis todos los días es contraproducente para pequeñas propuestas de autor como esta, pero Raphael Bob-Waksberg pone todo en el asador para que su propuesta se distinga mientras dice cosas distinguidas.

Su propia versión de Un tipo serio expande su visión sobre familias desestructuradas y su impacto a la hora de hacernos que nos topemos con un muro abordando la vida. Lo hace a través de saltos adelante y atrás en el tiempo, alternando bruscamente entre una melancolía existencial y fabulosas ocurrencias sobre lobos invadiendo un instituto, que fueron su fórmula de éxito con su anterior serie. Qué oportunidad tiene para desarrollarlo del todo dependerá de la paciencia cada vez más impredecible de Netflix, pero ojalá sepan cuidar lo que tienen. (Black Gallego)

• En Netflix.