De los creadores del Cargamento ambiental de discos pendientes de 2024, o una docena de discos de electrónica de aquel año que se quedaron en en el tintero, ahora llega lo mismo pero en 2025. Trabajos pendientes que no pasaron por listas, tampoco por la nuestra, ni tampoco por la tier list. Acumulados que ven la luz ahora en marzo, porque, ¿cuándo acaba realmente 2025? Cuando nosotros queramos. Nunca. Seguir descubriendo y generando deberes es nuestra pasión. Así que aquí van sobre la veintena de álbumes que se traspapelaron, quedaron pendientes y otras tantas cosas.

Iku Sakan - Human Wave Music Vol. 2 CS

En noviembre veía la luz un nuevo lanzamiento del productor japonés Iku Sakan a través del sello Oryx_ Records, un refugio para ediciones limitadas de música ambiental o experimental impulsado por Abstrakce / B.F.E.. Es la segunda edición de Human Wave Music, y en la que homenajea a un pionero de la música de vanguardia nórdica de los 60, Pekka Airaksinen, en ‘Ikuisuuspallo’, el sonido y el baile de la repetición, y que permea a prácticamente todo el disco. Una propuesta minimalista de loops orgánicos con un tamiz futurista que recuerda a la música de Gábor Lázár y de Oval, lo que ayuda a incardinar las coordenadas sonoras. De pequeñas piezas a otras que llegan al cuarto de hora, este segundo volumen es un bello viaje secuencial, de ambient elocuente jalonado de detalles new age, pero de los que no echan para atrás, sino que aportan mucho valor añadido a sus aristas. Un trabajo excelente.

jp - We’re Here All The Time

Casi diez años de una colaboración en largo con otro artista, J.P. Wright debutaba en largo y en solitario con elocuente trabajo de un ambient techno inquieto que se iba por parajes de breakbeat de vuelos ensoñadores en temas de largo recorrido como ‘lite blue light’, y que también se paseaba por caminos más prototípicos de IDM suave en ‘agito (1975)’. Mucho break desplegado en diferentes variantes, y con unas coordenadas sonoras coloridas que recuerdan a producciones clásicas de la IDM de los 90s, con bonitos y cristalinos presets, ambientación para añadir algo de emoción, y esa ronda de breakbeat que siempre arropa bastante bien con casi todo. Otro álbum que se quedó en el tintero y que ofrece un resultado muy muy notable.

Gazzi - Waves of Time

Cambiar de género y hacerlo tan bien parado es una muestra inequívoca de talento. A finales de año el andaluz Gazzi pasaba de esos largos más centrados en el UK Bass o epés de poso future garage, a un trabajo muy serio de ambient. Una incursión en la que se nota que ese progresivo asalto a las capas ambientales de los géneros que ha ido tocando en las referencias ha ido generando la necesidad de dar el salto a una obra más canónica a nivel de género. Un disco nítidamente ambient. Y Waves of Time es una joyita de final del ejercicio. A lo largo de nueve temas, haciendo virtud de la concisión, y también de los vocales que siempre han acompañado, ya en ese primer tema inaugural, ‘Sants’, se trata de una opera prima ambiental muy completa. Con níveos y etéreos arreglos para aumentar la emoción. A través de texturas de piano y ornamentación tubular, el disco va abrazándote poco a poco, a veces tirando una vez más de la sensación de nostalgia en piezas como ‘lila’, y finalmente con un gran tramo final donde hay también coordenadas new age que recuerdan a la cítara muy bien ejecutadas. Bravo.

Read more

Rain Parade - Emergency Third Rail Power Trip (1983)

No hay nada de malo en enamorarse de los Byrds. Ni de los Byrds psicodélicos, ni de los folk ni de los Country. Y no hay nada de malo en plantarse, antes de la mit…

Read more

• Viene de la parte 1 (50-36)

• Parte 2 (35-16)

• Parte 3 (15-1)

Después de tres semanas de los mejores discos de electrónica del primer cuarto de siglo con una lista separada en tres tandas (primera, segunda y tercera), el Departamento de Ruidos de Hipersónica™ entrega ahora el apéndice, un anexo para hablar de la estadística, del cómo se hizo y por sup…

Read more

• Viene de la parte 2

• Parte 1

• El apéndice

15. The Field - From Here We Go Sublime (Kompakt, 2007)

Los primeros compases de ‘Over The Ice’ rápidamente desprenden esa sensación de que será uno de esos discos de exquisita atmósfera, siempre cuidada por el sueco Axel Willner, y donde el crecimiento a base de loops no tendrá final. A base de pequeñas secuencias de repeticiones, con vocales y secciones troceadas, antes de llegar a los dos minutos la superposición de esas partes va generando nuevas melodías sobre las preexistentes. Un loop encima de otro loop. Es la esencia de su debut, a mitad de camino entre un minimal techno que estaba más centrado en rítmicas de pista de baile y repetición, pero no en este enfoque más ambiental de música que, literalmente, flota. Y que de forma paradójica, no esquiva la pista. Dentro de esas yuxtaposiciones y secciones que iban acumulándose había otras micromelodías que se iban generando y tirando por otras derivaciones estilísticas. Así es como hay aguijonazos de acid en el interior del armazón de ‘The Little Heart Beats so Fast’, o un deep house onírico troceado en ‘Everyday’. Pura fantasía y escapismo. Una colección de temas que no paran de regenerarse creando un loop infinito. Sin dejar de crecer, como harían después Fuck Buttons, The Field había creado un imaginario único, una vertiente juguetona y descaradamente pop de Gas, en las que vacila al oyente, desordenando las piezas de ‘Mobilia’ para después ir dándoles forma y articular un viaje sin fronteras. Un Looping State of Mind, que diría algunos años más tarde.

14. The Caretaker - An Empty Bliss Beyond this World (History Always Favours the Winners, 2011) / Leyland Kirby - The Death Of Rave (2006)

Escribió Nietzsche que “la ventaja de tener mala memoria es que uno disfruta varias veces de las mismas cosas buenas por primera vez”. Verdad lapidaria que encabeza el bandcamp de Leyland Kirby, más conocido para todos como The Caretaker, obsesionado con el alzheimer y los efectos neurodegenerativos. Pero también con eso que se llamó la hauntología, término acuñado por otro filósofo, Jacques Derrida. Antes de entrar en su (otra) gran (en cuanto a larga y completa) obra Everywhere at the End of Time (2016-2019), aquí ya ensayó la idea. Un ambient que se va desvaneciendo poco a poco, rasgándose, para no volver nunca. Tan solo por momentos. Como esas memorias tan frágiles. Difuminadas. Aspectos pasados aquí por el filtro hauntológico de la música ligera de primeros de siglo XX, con esa fascinación por arcaicos gramófonos, por los ecos de un pasado no vivido. Un disco inspirado en los pasajes de pacientes de alzheimer que aún pueden rescatar algunos recuerdos a través de viejas canciones. Estados de ánimo ciclotímicos mientras suenan cintas que rechinan constantemente, como una memoria que hace esfuerzos por no irse definitivamente. Una obra de resultados tan inquietantes como el valioso mensaje que Kirby quiere transmitir. Su ambient se va degradando salvo resquicios a los que aluden los títulos; como en el penúltimo tema, el último aliento antes de la muerte; los músicos del Titanic tocando mientras reina el caos y todo se hunde. Un homenaje a 78 RPM donde nada es casual. Como que su alias sea el cuidador, hablando de lo neurodegenerativo.

Junto a Everywhere at the End of Time, hay otra gran obra de The Caretaker que lleva la firma de su nombre de pila, Leiland Kirby, descatalogado hasta su rescate en bandcamp. Quizá de esas al borde del troleo. Más obsesiones memorísticas, aunque no cuando esta se rompe, sino haciendo su particular remember del fin de una era, la de la rave británica. Otra jodida o-b-s-e-s-i-ó-n. Después de una visita a Berghain en 2006, aquello le pegó fuerte y se marcó estos 111 temas de detritus sonoro; 10 horas de auténticos himnos o temas de la época británica que pone literalmente del revés, generando una suerte de drone, con piezas que suenan, decididamente o no, a esa hauntología de la música ligera en cortes como el 22. Si se deben tener en cuenta las cuestiones conceptuales más allá de lo musical, esto aúna ambas partes, con secciones que suenan básicamente apocalípticas, sepultando el final de una era. Una bendita locura a la que merece la pena asomarse para sentir qué se siente al ser centrifugado. El rosario de la aurora. El fin de las sinfonías. Otra destrucción de la memoria.

13. K. Hand - “Detroit-History” Part 1 (Tresor, 2001)

Nacida en Detroit pero criada y educada bailando entre las sesiones de Larry Levan en Paradise Garage, Kelli Maria Hand, más conocida como K. Hand, fue —falleció en 2021— una productora rompedora. Una de las primeras en el techno y la que abrió las puertas a otras artistas de la comunidad negra en una escena que como tantas otras, estaba dominada por hombres; y en cualquier caso, las que había estaban relegadas a la parte vocal. Con una extensa trayectoria a los platos y en el estudio, “Detroit-History” Part 1 es su último larga duración. Como vimos en anteriores tandas, si ya había discos que miraban al futuro, este, como han hecho otros de la vieja escuela, era otro intento por aglutinar las ramas e influencias que dieron pie al techno. Un álbum salvaje, donde comprobar tanto la destreza de Hand como las profundas raíces de la música negra sobre las que se educó y de las que nació el techno. Una sacudida a lo largo de 15 temas en los que pasa por encima de ti, pero no solo con un motor 4x4 diseñado para sudar hasta la deshidratación, sino con una auténtica exhibición de melodías, detalles y puro groove que dejan seco en ‘Noon (Midnite Mix)’.

Un disco que podría considerarse una joya de culto que seguramente de tener la rúbrica de algún otro grande tendría hoy un reconocimiento eterno. La visionaria y clásica ‘The Creator’ (¿homenaje a Juan Atkins?), el bajo matador de ‘Motor’, el magnetismo de ‘Demf Anthem’, el electrofunk de ‘Security’, el deep house de ‘Hart Plaza’, la dureza de ‘Pyramid’… Un dominio total del lenguaje de Detroit, pero con aroma también a Chicago, a veces pasado de acidorro, con usos de vocoder, y por encima de todo, con el aura de vieja escuela solo al alcance de los mejores.

12. Daft Punk – Discovery (Virgin, 2001)

Discovery acumula algunos de los clásicos de baile más aborrecibles de la historia contemporánea. O el, para ser más exacto: ‘One More Time’. Sin embargo, no es más que la consecuencia lógica de un rompepistas absoluto en el que Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo se redefinieron con una obra predestinada a ser un clásico con una consecución de hits que escuchada hoy libres de prejuicios por el aburrimiento, es mucho más que incontestable: One More Time - Aerodynamic - Digital Love - Harder Better, Faster Stronger… Y podríamos seguir. Una consecución perfecta y vibrante; todo lo que ha de tener el buen house, encapsulado en aquello que se llamó el french touch, y que llegó a donde nadie había llegado hasta entonces. Una colección con la que seguir brindando y disfrutando.

Desde el buen rollo de ‘Digital Love’ hasta lo cool que suena ‘Aerodynamic’, ambas emulando riffs de guitarra, porque lo Disco y el ritmo cinemático de Moroder estaba diseñado para seguir capturando al público del rock, como lograron los Chemical Brothers años antes. Una suerte de apuesta atrápalo-todo en la que funcionan estupendamente en un segundo nivel el fiestón de ‘Crescendolls’, el funk de ‘High Life’, el doblete house para cerrar… Y esa joya que en los últimos años, hartos de los ultra hits, ha facilitado rescatar ‘Veridis Quo’, una delicada melodía ambiental cuya sencilla oscilación lo hace todo. Y por encima de todo, hay un trabajo de sampleos en la construcción de los temas que para algunos es motivo de crítica por la extracción de otros clásicos, pero que precisamente por su tratamiento de la materia prima los construye en algo tan difícil como clásicos de toda la vida.

11. Actress - RIP (Honest Jon’s Records, 2012)

Durante varios años, Darren J. Cunningham estuvo haciendo lo que se llamó outsider house antes de que se llamara outsider house. Desde su debut en 2008, había estado recogiendo mucha herencia sonora de algunos de los sonidos que configuraron la década anterior, de una IDM abstracta a aristas del house y construcciones minimalistas que fue combinando de forma singular, a veces acercándose al sonido de Zomby, a quien había publicado a través de su sello Werk Discs. Su tercer largo, R.I.P (Honest Jon’s Records, 2012), llegó rodeado de misticismo, referencias religiosas y también conceptuales sobre su carrera, anunciando una suerte de muerte artística que quizá debíamos interpretar como una reformulación de su estilo que llegó después (replegando su sonido). Sin embargo, los temas no hablaban de la muerte, sino más bien de un nuevo nacimiento, como además sugerían los temas: nacimiento, ascenso, bautismo y… una bajada al inframundo.

Tras un disco más maquinal y lo-fi, Cunningham abría una fase más compleja, con una mejor producción que parecía dividir esas dos partes claras. Una primera de reencarnación y bajada a los infiernos, con una música replegada en sí, con gusto por una ornamentación cuidadísima y cristalina, con un tono sagrado y nostálgico en ‘Uriel’s Black Harp’, pero con un ritmazo de ese venidero outsider house en ‘Marble Plexus’ que avanzaba en varios EPs. Con esa contradicción en el ideario, iba abriendo sutilmente una hornada de nuevas texturas, de gusto por el minimalismo, con una ambientación exquisita e introspectiva en ‘Raven’ sin la cual quizá no podríamos entender a Huerco S. Tras el destello como interludio, llegaba un tramo final de un Actress desbocado entrando en el paraíso sonoro de ‘Caves of Paradise’ o el despliegue estilístico sobre mimbres minimalistas en ‘The Lord’s Graffiti’, que huele a los Daft Punk de su debut. Actress estaba remozando cantidad de etapas electrónicas anteriores, pasándolas por un filtro personal único que sin seguramente pretenderlo definió ese subestilo de house replegado y extraño que más tarde sería bautizado.

Read more

• Viene de la parte 1 (50-36)

• Parte 3 (15-1)

• El apéndice

35. Claro Intelecto - Neurofibro (Ai Records, 2004)

Lejos de los grandes nombres y tendencias, submundos como la IDM han dejado trabajos brillantes en este primer cuarto de siglo y milenio. Obras de culto como el debut en largo de Claro Intelecto, que ya había deslumbrado previamente con un EP que contenía algunos de los temas que en este Neurofibro (Ai Records, 2004) demuestran por qué debe ser rescatado. Coincidiendo con el momento de su producción, el mancuniano Mark Stewart sufría neurofibromatosis, un trastorno que genera tumoraciones en el sistema nervioso y que puede afectar a todo el cuerpo a distintos niveles. Utilizando ese momento vital para bautizar su primer LP, Neurofibro es un álbum deslumbrante a mitad de camino entre la IDM y el techno, pero también con algún ramalazo de suave electro.

Siendo 2004, es un disco que encuadrar en la segunda oleada de discos y artistas tras la articulación de la IDM una década antes. Un disco indudablemente drexciyano como muestra ese primer e impoluto ‘Peace of Mind’, donde armonía y motor grueso le dan una evocación tan nostálgica como bella. El tipo de gemas que encontrar en un disco que como la neurofibromatosis, se va extendiendo poco a poco con una factura precisa de sonidos angulosos y pequeños resquicios para el acid. Con temas rocosos e imperiales como ‘Mono’ o unas atmósferas tan increíbles como ‘Section’ (uf), pieza obligatoria con más de veinte años cuya factura y belleza es difícil de encontrar dos décadas después. Un álbum en el que conviven en perfecto equilibrio el detalle, la melodía y un techno a veces espartano. Como con las peores enfermedades, finalmente hay que sobreponerse y seguir adelante.

34. SHXCXCHCXSH - Linear S Decoded (Avian, 2014)

Antes de encabezar el mejor disco de electrónica en 2024, llevando su propuesta al máximo engorile, el dúo sueco publicó diez años antes un trabajo de quitar el hipo. Un techno moderno, de nuevo cuño, que disparaba en muchas direcciones, pero con una cohesión y ejes comunes claros: un sonido oscuro y pegajoso, a veces dub, que se hacía fuerte con unas rítmicas repetitivas que después contrastaban con texturas luminosas o acuosas. Un trabajo que aún hoy transmite una enorme versatilidad, con la atmósfera infecciosa que se va agrandando en ‘Elocution’, y que después se iba al dub y amagos de future garage en ‘The Under Shore’ o ‘The Roots’; con ambientación sacra, o un techno amable y rugoso en ‘Monolithic Conclusion’, mientras se iba desplegando sibilinamente desde los subsonidos. Frente a otros trabajos que jugaban y juegan con el ambient techno y las profundidades del sonido, SHXCXCHCXSH esculpieron un disco tremendamente ambivalente. Trece cortes en los que en cada uno se recrean, con ornamentaciones de todo tipo, salvo las previsibles. Un disco total.

33. Oneohtrix Point Never - R Plus Seven (Warp, 2013)

No se puede entender parte del zeitgeist cultural de nuestros tiempos sin Daniel Lopatin. Lo hizo el pasado año con Tranquilizer (Warp, 2025) y lo hizo durante su triplete Replica-R Plus Seven-Garden of Delete. El pasado curso pareció lanzar un manifiesto para decir que frenáramos, en auge del maximalismo e hiperconsumo en todo; también en la forma de relacionarnos con la música y la tecnología. Cuando definió el fenómeno vaporwave en Replica (Software, 2011) y le dio forma, acorde a estos tiempos líquidos de consumo rápido y nostalgia artificial sobre lo pasado, a través de músicas de anuncios como hilo conductor, R Plus Seven se encargó de nuevo de poner el freno (para rematar al vaporwave en 2015 con GoD). Pero haciéndolo con el que dijimos en su día, Nuevo Testamento Sample. Una serie de collages desde la electrónica progresiva en los que de nuevo deceleraba. Su labor ha sido la de una suerte de predicador, guía, o bajando un poco la pompa, como un marcapáginas de los tiempos culturales.

Un trabajo icónico también en parte por la reinterpretación de The Ravishing of Frank N. Stein de Georges Schwizgebel que hizo Robert Beatty para la portada, con su particular sampleo visual de la cinta VHS. El contenido del disco ya sonaba trascendente con ‘Boring Angel’. Quizá Lopatin ya se aburría de lo que había creado, o más bien, provocado, con todas esas pequeñas producciones de imitación. Así que empezó a elaborar unas intrincados collages que jugaban con el silencio, que frente a la expansión y la facilidad de replicar fórmulas como si la música fuera una cadena de montaje, se cerraban en banda (‘Inside World’, ‘Still Life’) con yuxtaposiciones que parecían dibujar una utopía virtual distinta, lejos de la producción fordista, donde todo fuera imprevisible y auténtico. Con acabados como el de ‘Problem Areas’, elaborando algo de muchos quilates desde sampleos seguramente lo más rebuscado y de serie B posibles. Haciendo de la sencillez suprema con los vocales, ‘He She’, esas piezas que observar detenidamente como un arte abstracto que no entiendes pero fascina por ser algo que no habías visto nunca. Una historia que sigue hoy, a pesar de sus giros algo más newageros recientes.

32. Nicolás Jaar - Archivos de Radio Piedras (Other People, 2024)

Jaar ha sido uno de los nombres propios durante la última década y media por derecho propio. Con una propuesta ecléctica, capaz de todo, y con diferentes akas, si algo ha dejado claro el artista chileno-estadounidense es que su creatividad es inmensa. Tanto, que primer capítulo emitido por Telegram en 2022 y hasta un año y medio después, el artista chileno-estadounidense demostró por qué. Una propuesta nacida como esta radioficción y ambientada en un Chile distópico, del futuro, tras un apagón digital por un grupo anarquista, Las Ocho. Una narración anidada de dos locutores que recuerdan la obra perdida del artista ficticio Salinas Hasbún. Más allá del talento y la creatividad para generar esto, esta colección hecha disco no solo es una oda a la radio, también a la memoria y a la resistencia.

Cimentada por collages sonoros elaborados con fragmentos de Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa, Víctor Jara o Violeta Parra, o emisiones de la radio chilena durante la dictadura, Piedras nace como un proyecto para el Museo de la Memoria de Santiago. Una obra ambiciosa que musicalmente está acompañada por ambient, glitch y formas del deconstructed club en fragmentos, nunca mejor dicho, como ‘Agua pa fantasmas’. Un paseo tan repleto de resistencia como de melodías preciosas en ‘Rio de las tumbas’, donde las raíces latines exudan. Una obra también en la que Jaar homenajea a sus abuelas, y donde demuestra que puede haber mucha política, y explícita, en la electrónica. Algo más de tres horas magnéticas, y que pese a lo que pueda parecer, se pasa volando. En sentido literal y figurado con piezas como ‘Tormenta’ y otras tantas. Para los libres de prejuicios y quienes buscan memoria.

Completado después en bandcamp, ya sin radiodrama, solo música que dio pie a los Archivos.

31. Deepchord Presents Echospace - The Coldest Season (Modern Love, 2007)

Aunque todas las miradas suelen dirigirse a Liumen (Modern Love, 2010) y su captación del ruido nocturno de la ciudad, el debut en largo de Deepchord (Rod Modell) con Stephen Hitchell es un álbum que juega más y mejor con los ambientes, y no solo ello, sino que a pesar de la atmósfera hierática que pretende evocar, tiene un apartado especial para una mayor pulsión del ambient techno. Aunque en el terreno del dub techno ya prácticamente Basic Channel lo dejaron todo hecho, hay pocos proyectos que por profundidad y esa rítmica que no solo se centra en el dub sino en acelerar cuando es conveniente, Deepchord Presents Echospace cumplía esos estándares. De un álbum que te hace el abrazo del oso rápidamente, con un colchón sonoro que se crece en sus ecos, pasa a tamices y reverberaciones cristalinas en ‘Aequinoxium’, pero sobre todo, empiezan a dejar de enfriar a partir de la magna ‘Celestialis’ con ese pequeño ritmo percutivo que le da tanto, tanto, a esa ambientación siberiana. Un bucle de 8 minutos que podrías dejar sonando eternamente. La segunda mitad del disco tiene su fase más guerrera, con ‘Sunset’ o ‘Elysian’, y acaba, finalmente, volviendo al principio con esa bruma que te cubre. Has sido sepultado por una avalancha de estiloso y elocuente dub.

Read more

Enero es un mes de buenos propósitos, el breve lapso de tiempo en el que nos permitimos ser más bondadosos, más optimistas, más ilusionantes. Hemos convenido socialmente que durante los 31 primeros días del año tenemos permiso para ser las personas que siempre intentamos ser y nunca somos. Por eso en Hipersónica, un año más, hemos hecho propósito de enmienda: ser "mejores" implica reconocer todo aquello que olvidamos por el camino.

En nuestro caso eso se traduce en todos los discos que otros medios sí han incluido en sus listas del año y nosotros no. A nivel personal, enero es uno de mis meses favoritos del año: el reloj ya no cuenta hacia atrás, centenares de personas han publicado listas interesantísimas y uno puede navegar las amables aguas de la experimentación y el descubrimiento sin la sensación de estar perdiéndose nada, dado que nada o prácticamente nada se lanza en enero.

Así que en honor a nuestra sordera y al finísimo oído de otros respetables compañeros, aquí van un puñado de discos a los que no prestamos atención y hubiéramos debido.

julia amor - algo para regresar

género: en busca del mundo perdido

El universo de Julia Amor está plagado de islas perdidas, casas encantadas, manantiales mágicos, huidas hacia adelante. algo para regresar es la manifestación de un deseo: la posibilidad de reencontrarse tras el dolor. Ese reencuentro se manifiesta aquí en melodías agridulces, acolchadas por un mar de sintetizadores, estallidos de guitarra y letanías fantásticas. Las canciones de Julia Amor se encuentran en la intersección entre 'Bizarre Love Triangle', La Bien Querida y la BSO del Final Fantasy VII: son tristes, son luminosas, son de juguete, son de verdad.

Read more

• Parte 2 (35-16)

• Parte 3 (15-1)

• El apéndice

¿Recordáis cuando se hablaba del siglo XXI en términos de modernidad? Han pasado ya 25 años. Más (haremos como que esto se ha publicado a finales de 2025). De un final de los 80s en los que aún convivían los sintetizadores pop, el armazón y posterior creación del techno o el fenómeno rave, hasta los primeros años 00s, pasaron multitud de cosas. Ingente. Básicamente, la formación y consolidación de la música electrónica con un cúmulo de géneros y subgéneros al calor de rupturas de mercado, macrofestivales, cacharros analógicos, la llegada de internet y un software que se fue haciendo cada vez más accesible. Ya entrados los 00s, con el inicio del nuevo siglo y milenio, empezaron a llegar nuevas formas de producir, unas rupturistas con lo anterior, otras con una coherencia lógica que fue dando forma a las diferentes disciplinas que venían legadas.

Empezamos ahora un repaso de nuevo en formato lista con los mejores discos desde el 2001 al 2025; con medio centenar. Una vista atrás en la que con la perspectiva que ofrece el tiempo, se ve, y sobre todo puede sorprender, el carácter contemporáneo y vanguardístico de trabajos que hoy tienen más de dos décadas. Conviviendo en el ranking con una diáspora de discos en los que se nota ese salto a lo digital y trabajos con unos niveles de producción que suponen un salto de gigante. La tecnología del nuevo milenio. Sin embargo, ay, los clásicos. Y los que deberían ser más clásicos.

Esa retrospectiva permite ver de dónde viene esa gente que hoy te quita el hipo, esos discos que han marcado parte de tu vida o que te siguen poniendo la piel de gallina años y años después. Un top que más que un top canónico, pretende ser un ejercicio de acercamiento a lo que podrían ser los mejores discos de este cuarto de siglo. Siempre quedarán más: joyas secretas, cosas discutibles porque hubo y hay artistas que han dejado una impronta casi inabordable y merecerían tener algún trabajo más o analizar su obra en conjunto. Y cabría preguntarse si es lo mismo o debería pesar lo mismo que el hecho de que una obra sea ‘más importante’ o que sea ‘mejor’. Esto es un intento de aglutinarlo (a veces).

En cualquier caso, seguimos, como casi siempre, con solo LPs y uno por artista. Un viaje por el tiempo en el que poder comparar lo de hoy con lo de ayer, repasar y (re)descubrir, y donde lo importante siempre es el proceso. Sobreproducción frente a minimalismo, fuerza bruta frente a sonidos alienígenas, euforia frente a la quietud, superventas VS cosas aún casi anónimas… Una lista donde conviven algunos de los discos o artistas seminales y sus lógicos herederos, y donde también se puede valorar por lo que no está (podrían ser 50 más y seguramente no pasaría nada). Aquí sí nos hemos movido algo más que un ápice.

Vamos con ello.

50. Barker & Baumecker - Turns (Ostgut Ton, 2016)

Hoy Barker es uno de los productores que está arrimando el techno hacia nuevos horizontes mediante infiltraciones desde un sonido que es ajeno al género como el trance. Pero esta aventura no es nueva. Aunque ahora esa brecha está más abierta que nunca, hace diez años, junto a su compañero Andy Baumecker, ya empezaba la perforación. Este Turns (2016, Ostgut Ton) tenía pequeños retazos de ello, pero dentro de una receta más amplia de un ambient techno paciente, pesado, a veces casi industrial, que durante una hora iba conjugando la progresión con la fuerza; los sonidos pesados con contrastes más cristalinos que a veces ya parecían irse a ese trance. Una hora de progresiones, bombazo y sobre todo, por momentos con sonidos tan precisos como futuristas.

49. Oval - Popp (Uovooo, 2016)

Hace ahora diez años, Markus Popp, el gran creador del glitch y explorador nato, se alejaba de su habitual paleta más deconstruida a través de ese sonido del error para dar pábulo a un nuevo formato. Jugando con su apellido y el sonido fonético, ciertamente diseñaba un álbum más pop, repleto de capas y saturaciones que formaban un intrincado disco de once temas que va formando melodías eufóricas y alegres. Una sinfonía de collages sonoros vitalistas donde piezas como ‘my’ siguen mostrando hoy la enorme complejidad de su construcción. Ritmos rotos, contrastes de agudos y graves y voces entrecortadas van concatenando partes hasta llegar a una enorme polirritmia a lo largo de once temas que aún hoy sigue desbordando. Referente hace treinta años y referente hace diez. Un espejo en el que podrían haberse mirado Sophie, Iglooghost y multitud de pequeños productores asiáticos que hoy colapsan bandcamp con producciones de breaks y melodías que se acercan.

48. Roly Porter - The Third Law (Tri Angle, 2016)

The Third Law fue uno de los discos internacionales de 2016 en esta casa. En el extinto sello Tri Angle salía su consagración como uno de los grandes del dark ambient con una interpretación oscura y corpulenta, trufada de una épica que aún hoy cuesta superar. Meterse en sus discos, pero especialmente en este, era asomarse al ojo del huracán, al vacío espacial al que evocaba este The Third Law. Turbulencias y voces apocalípticas que aún hoy es difícil aguantar por su fuerza. Cortes como ‘In Flight’ son una sacudida que parece tan real que asusta. Ambient y drone para el fin de la civilización.

47. Arca - Mutant (Mute, 2015)

Durante esta última década, la venezolana Arca se ha convertido por derecho en uno de los nombres de la esfera internacional. En parte por su culpa hoy la electrónica ha ido asumiendo de una forma más natural ritmos latinos (hola, Blawan), además de haber liderado la ola del Deconstructed Club de artistas que hablaban en sus temas abiertamente de los derechos trans. Frente a la cadencia sugestiva de su primera mixtape y después de Xen, Mutant (Mute, 2015) supuso un trabajo más experimental, un viaje a la parte más interior por aquel entonces de Ghersi. Un viaje a sus adentros —sí, otro, antes de el disco homónimo— para poder expresar esa extraversión y relación con los demás que marcaba el disco. Más allá de lo político, fue un giro inesperado en el guión que hacía su propuesta mucho más excitante. A día de hoy la que más en su discografía. Una producción más ambiciosa, con una IDM de tintes tan delicados como dramáticos y contundentes (‘Mutant’), donde había espacio para el glitch hop y mucha deconstrucción, un manifiesto sonoro de su transición y todas las aristas, contradicciones e incomprensión que ello conlleva. Unas coordinadas que hoy siguen sonando casi inclasificables, mutantes.

46. Clark - Body Riddle (Warp, 2006)

Después de los grandes clásicos al albur de Rephlex, Warp y su entorno durante los 90s, Chris Clark adoptó en los 00s rápidamente su posición como uno de los compositores más brillantes de la siguiente hornada de IDM y uno de sus renovadores. Con un sonido singular, rápidamente característico, empezó a hilar unos tamices que aún siguen sin superar los de Body Riddle (Warp, 2006). Un álbum sin fronteras, de simbiosis jazzística, utilizada como pata de apoyo, que llegaba a unas sonoridades riquísimas (‘Frau Wav’), repletas de pequeños detalles y texturas que esconder en sus recovecos. Un talentazo echando la puerta abajo que después fue estirando ese sonido chicloso y juguetón tan vibrante, pero que aquí, en ‘Herzog’, ‘Ted’ sonaba y sigue resonando en una perfecta armonía. Con pequeñas incursiones en terrenos más cuidados y expansivos en su final. Qué cierre. Y qué producción.

45. Daniel Avery - Ultra Truth (Phantasy, 2022)

En este 2025 uno de los pinchazos inesperados ha sido el de Daniel Avery. Un regreso tras tres años de barbecho, y después de un discarral como era Ultra Truth (Phantasy Sound, 2022). Allí se veía a un productor en su punto álgido. Extático. A pesar de la musculatura de sus estructuras, con un fino equilibrio entre el ambient techno, unos amen breaks bien utilizados y melodías de refinado gusto. Otro de aquellos discos largos que también aparcaban en paisajes emotivos y nostálgicos que no hacían sino prepararte para la trituradora. De la meticulosa producción de 'Spider' al fusilamiento de 'Higher' (uf), pasando por el que fue uno de los temas de adelanto, 'Lone Swordsman', no es fácil encontrar unos temas así que levanten un disco. Las muestras de alguien en estado de gracia.

Read more

Hi, personicas:

Estáis todos de resacón pero no pasa nada, porque aún os quedan algunas píldoras difíciles de tragar. En concreto, las que habéis elegido vosotros mismos. Así queda el top internacional:

Y así queda el top nacional:

Y los EPs:

Y así el top de cine, con múltiples ex aequo, como si esto fuera un festival español:

Para los amantes del detalle, estos son los discos que los lectores han incluido en su top y la redacción NO:

A cambio, comparad con los que la redacción sí glorificó y los lectores dejaron pasar:

En el apartado español, también hay espacio para los discos olvidados, pero menos. Los editores premiaron a:

Y los lectores no se olvidaron de:

Y la tabla definitiva, la que compara los puestos de uno y otro top:

Esperamos que sigáis ahí en 2026, donde os aseguramos que van a pasar cosas normales1 .

Si aún no eres suscriptor, ¿a qué coño esperas?

Subscribe now

Feliz año, chavalería.

Hi, personicas.

Como otros años, el cuerpo nos pide repasar un poco los que nos ha dado el curso en terreno hip hop. No necesariamente hacer una recopilación de los mejores discos, sino coger lo más importantes y que dan más pie a un debate del estado de la Nación Rimas. Es decir, vamos a pasar por varios de los grandes subgéneros que nos siguen llamando…

Read more

Hi, personicas. Venimos de la parte uno y ahora toca la parte final.

15. On Falling

Se podría decir algo más de su manera de retratar tan pura y tan adecuada en su observación la precariedad y la soledad a la que te aboga el capitalismo tardío que tiene Laura Carreira, increíblemente lucida en ideas para estar en su debut. Pero realmente sólo nos sale decir: ABAJO EL TRABAJO.

14. Mi única familia

Detrás de esa traducción de feel good de la temporada se esconde otra tragicomedia árida de Mike Leigh con la que sigue indagando en las verdades incómodas de la existencia. La convivencia diaria con la frustración y la depresión convertida en una serie de personajes reconocibles, sea porque estén en tu propia familia o porque te los has encontrado montando un pollo en el parking del supermercado. El deliberado y progresivo drenaje de energía de la película podría resultar una barera, pero es muestra de una película dispuesta a plegarse a sus personajes y no al revés.

• En Filmin.

13. Sorda

Nadie iba a cuestionar nunca las buenas intenciones de una película como Sorda, tan preocupada por la experiencia de esta comunidad y también por la maternidad, pero su mayor triunfo es no quedarse ahí. Eva Libertad nos va introduciendo progresivamente en una serie de cismas y miedos que van perfilando las aristas de un personaje nada cómodo aunque completamente entendible, llevado magníficamente por una Miriam Garlo que da una de esas interpretaciones que se te graban.

Un descuido sin mala intención por aquí, un dependiente que te jode el día por allá, el tener que pasar por las sensaciones más angustiosas para no sentirse muy atrás (grandísimo el diseño de sonido con un elemento clave). Hay una construcción muy meticulosa y específica que, preciosamente por su singularidad, entra en unas sensaciones muy grandes. Un acierto muy destacable, tanto por lo obvio como por lo que no.

• En Movistar+.

12. La semilla de la higuera sagrada

Mohammad Rasoulof no será el primero ni el último de los directores iranís perseguidos y encarcelados por el régimen por el mero hecho de denunciar la horrible situación del país. Lejos de contenerse, el director de la increíble La vida de los demás se supera con una amplia y directa soflama con alma de thriller que señala sin pudor la injusticia del sistema judicial y la represión de las mujeres. Una obra de contundencia y ambición mayor que gana por completo por su rabia y por sus decisiones de cámara.

• En Filmin y en Movistar+.

11. Pavements

Con Her Smell ya ofrecía una perspectiva diferente en torno a las historias de música en los márgenes y autodestrucción, pero Alex Ross Perry consigue algo incluso más especial en su película musical para acabar con todos los biopics musicales. Pavements se nutre de la fabulosa ironía de Pavement y de su categoría de culto para desmontar el tipo de película básica que cabría esperar sobre ellos, además de las obras musicales o las exposiciones de museo que crean gloria y legado de experiencias complejas. También se ríe un poco de su condición de falso documental para dar con algo especial y diferente que también logra estar en consonancia con el grupo al que homenajea.

• En Filmin.

10. Materialistas

Celine Song se ha enfrentado aquí a una mezcla de lidiar con las expectativas ajenas tan una obra tan soberbia y prácticamente magistral como Vidas pasadas, y también con lo que muchos esperan de lo que le promocionan como una comedia romántica. Materialistas es una película que busca escaparse de todo esto, aunque quiera mantener diálogo con la concepción del amor que vimos en su debut y los cánones de la romcom.

Lo hace a través de hacer enfasis puro en lo que la mayoría del género esquiva: hablar de dinero. De cómo el capitalismo es también un factor en cómo puede triunfar o fracasar una relación, cómo el matrimonio sigue siendo una transacción y nuestra incapacidad de vernos más allá de cómo valores y activos a la hora de buscar a alguien con quien compartir nuestra existencia. Song explora esto siguiendo estrictamente la perspectiva de una protagonista construida desde la gélidez y la calculación, lo que incrementa la sensación de una roncom fallida por ser rígida.

Sus limitaciones quedan evidentes en un reparto que causa demasiadas ambivalencias al espectador, especialmente una Dakota Johnson que siempre queda la duda de si sus clases de interpretación las da en Marte o algo así. Pero sus problemas son ampliamente superados por sus interesantes virtudes que dan pie a muchas conversaciones fascinantes, así como la expansión de una autora en una determinada temática como es el amor de la que tiene un punto de vista bien marcado y diferente.

• En alquiler.

9. Las habitaciones rojas

Los últimos años nos están ofreciendo una interesante perspectiva sobre la obsesión por el true crime que han producido tanto documentales como podcasts. Esta elusiva pero inquietante película canadiense puede ser de las que mejor profundicen en sus extremos más malévolos, ofreciendo un estilo que traza puentes entre David Fincher y Michael Haneke, dos increíbles diseccionadores de la maldad humana desde enfoques casi opuestos.

Pero el ejercicio de Pascal Plante es capaz de evocar a ambos, al mismo tiempo que decide provocar al espectador desde lugares muy propios. Su manera muy intencionada de mantener a distancia a su espinosa protagonista, sus paneos fríos y analíticos por unas salas de juicios bien blancas, sus ideas para sugerir lo extremo de las dark webs en lugar de mostrarlo.

Las habitaciones rojas consigue ser una de esas películas que te llevan de la mano a los lugares más incómodos y perturbadores, y ni siquiera de una manera que es perversamente satisfactoria. En todo caso, de la forma que hace que imágenes y sonidos no se te despeguen de la piel ni con agua hirviendo.

• En Movistar+.

8. Los domingos

El desarrollo de Alauda Ruíz de Azúa hasta convertirse en una de las mejores exploradoras de la incomodidad y las úlceras sin curar de la sociedad es encomiable. Su sequedad bergmaniana va de maravilla a una historia donde el catoliscismo es un vector como lo podría ser el abrazo del derechismo extremo, no siendo didáctica pero tampoco equívoca en el peso que la dinámicas familiares tienen en tomar según qué decisiones. Los domingos se vuelve así una obra refinada de artesanía muy medida para preñar cada escena e interacción de toneladas de grises que muy pocos observan con tanta precisión.

7. April

Muchas veces el cine social no tiene que regirse por la elaboración artística de la forma porque tiene otras maneras de ser destacado, empezando por un fondo que, frecuentemente, es colocado tan superficialmente que desafía su propio nombre. La georgiana Dea Kulumbegashvili cree profundamente no sólo en la coexistencia de ambas partes de la experiencia cinematográfica, sino que considera que el desafío de una a la otra es una manera más de que se retroalimenten.

Tras un primer largometraje, Beginning, que ya fue Concha de oro en San Sebastian, su segunda película explora problemas incluso más acuciantes de una manera que pocos han concebido antes. Un ejercicio de chantalakermanismo profundo con su toque de mirada clínica hanekiana para tocar la todavía latente represión del aborto, la libertad femenina y la actuación médica incluso aunque no haya estrictos límites legales para ello. Una película que no aborda el tema de la manera más líneal, pero desde lo sensorial la consigue hacer frontal y rotunda.

6. Flow, un mundo que salvar

Por supuesto que de entrada quieres apoyar la película animada letona que protagoniza un gato, son casi 3,5 estrellas de entrada para cualquier cinéfilo gafitas. Aun así, el viaje que propone Gints Zilbalodis es la clase de respuesta que necesitamos ante una animación mainstream más complaciente y manufactura con una perfección cada vez más estéril.

Las imperfecciones de Flow casi parecen más apropiada de una época primitiva para la animación por ordenador, pero consigue desde ahí unos comportamientos animales muy creíbles y naturales, haciendo que no resulte tan edulcorado y fácil su discurso de la fuerza de la colaboración, especialmente en tiempos urgentes y tormentosos. Incluso experiencias tan espectaculares como la de Robot salvaje llegan a parecer menos deslumbrantes que lo que esta pequeña pieza de presupuesto 10 veces menor es capaz de lograr.

• En Filmin.

5. Una batalla tras otra

Cineastas de la generación de Paul Thomas Anderson se habían refugiado en hacer historias del pasado para, incluso intentando explorar inquietudes atemporales, esquivar tener que lidiar con el presente, incluyendo tener que filmar teléfonos móviles o Internet y su impacto en el presente. Por suerte para Anderson, ha encontrado la clase de historia contemporánea que puede contar sin tener que filmar todo eso, y hacerla tan del momento como atemporal

Su película bélica es una poliédrica exploración de los revolucionarios no muy distante en cuanto a estructura y ambición de su magistral Magnolia, aunque con menos energía cocainómana y más de padre porrero. Su azote contra los abusos del sistema, especialmente contra la inmigración, tiene hechuras de cine épico, pero también arrollador en su autenticidad además de divertido. Una torsión de La batalla de Alger en clave muy personal que se erige como otra imprescindible en una de las filmografías más alucinantes de la historia.

• En HBO Max.

4. Misericordia

El thriller más inusual del año lo entrega un Alain Guiraudie que retoma la inspiración que tanto nos cautivo en El desconocido del lago. Un retorno al pueblo que rápidamente se enrarece, con esa mezcla de malicia característica, personajes muy de terruño francés y unas ganas locas de remover límites humanos y morales mientras la sexualidad juega un papel. Es un juego que vas a tener que comprarle mucho, pero anda que no deja recompensas. Y también ganas de no tomarte un pastis en la vida.

• En Filmin.

3. La luz que imaginamos

Llegado a cierto punto has visto suficientes películas para no acordarte de la trama de ninguna, ni siquiera de las que más te gustan. Lejos de ser un problema (de las películas en cuestión o de uno mismo), muestra cómo es un elemento meramente accesorio frente a lo que realmente transpira del cine, que puede ir desde las imágenes extraordinarias hasta aproximarte a personajes que probablemente nunca te cruces, o incluso mantenerte en una poderosa gama de sensaciones.

Pocas películas recientes transpiran todas esas partes únicas del cine como esta. Una historia de mujeres mantenidas en una impermanencia que no debería proceder en su situación de independencia laboral y económica. Payal Kapadia se va moviendo con impresionante fluidez entre la ficción narrativa, el documental o el videoarte sin considerar cómo va a hacer progresar eventos, sino en cómo va a recrear esas sensaciones que viven sus personajes y la experimentemos sin tener sus vivencias.

Ese impulso por capturar con inmensa belleza lo más pequeño convierte en esto en una obra realmente mágica.

• En Filmin y en Movistar+.

2. The Brutalist

Hablar en términos mayúsculos se vuelve imperativo en una película como esta que casi demanda canonización inmediata, o al menos ser discutida en relación a maestros que van desde Luchino Visconti hasta Paul Thomas Anderson. Su andamiaje claramente busca una majestuosidad que puede contraponerse demasiado a su voluntad en meterse en jardines, en abordar claroscuros muy complejos en torno al arte, su creación y su propiedad.

Pero Brady Corbet consigue salir bastante bien parado de su compleja empresa, especialmente por sus decisiones narrativas. La perspectiva que elige complica lo que vemos, la estructura con intermedio nos hace la experiencia bastante especial además de digerible, y sus formas para retratar personajes, paisajes y estructuras son increíbles. Estamos ante una obra que aparenta buscar la perfección, pero lo que la hace extraordinaria está en cómo indaga en lo aberrante, tanto a nivel de historia como interno.

• En SkyShowtime.

1. Romería

Tanto en la entrega anterior como en esta habéis podido comprobar que el cine español ha tenido una presencia potente, además con variedad de aproximaciones y temas. Quizá no haya mejor año para reconocer una película de nuestra filmografía que este, incluso aunque escoger la ganadora pueda ser debatible porque todas han mostrado un nivel increíble. Pero en un instante donde hay que luchar todavía por preservar el recuerdo porque aquello que no están, y que algunos prefieren que sean cosa del pasado, la elección es clara.

Su brillantez a la hora de marcar punto de vista y explorar dinámicas familiares entre lo que se habla y lo que no se habla ya hacían de Carla Simón una cineasta imprescindible en nuestro país. Sin embargo, Romería logra ser aún más grande y desbloquear más cosas todavía en su propio cine, desde esa contundencia para hablar de temas deliberadamente escondidos como las muertes estigmatizadas por el SIDA y la droga hasta ese salto al vacío en material surreal y mágica.

La catalana aprovecha los enigmas del lenguaje cinemática para hacer un acto de reparación y justicia, además de uno profundamente emocionante. Ha conseguido hacer una de las secuencias del año a ritmo de Siniestro total y nos deja los dientes largos de cara a que un día haga un musical. Acojonante a muchísimos niveles, y título de referencia de aquí a varias generaciones. Por eso, es la película de este año.

Hi, personicas.

No parece que haya mucho que celebrar en el mundo del cine cuando todo podría ser devorado por el streaming y Netflix, o en el peor de los casos la IA, devastando archivos históricos para crear contenido infinito e inolvidable. Pero siempre está la industria (y en especial Hollywood) por un lado y el cine bueno por otro.

Y este año hay bastante que celebrar, desde diferentes cinematografías del mundo (Irán sigue molando), terror de distintos palos y bastante cosa notable de Españita. Aquí reunimos lo que consideramos que ha sido lo más memorable de un año para levantar las manos por el cine al estilo Martin.

30. Destino final: Lazos de sangre

Destino final ha sido habitualmente una de las franquicias de terror que mejor ha llevado el disparate consciente y la diversión por la muerte desenfrenada, creando gran entretenimiento por ver a un montón de gente morir de maneras locas y sangrientas. Su regreso en tiempos de secuelas legado no decepciona, e incluso se coloca entre las mejores entregas de la saga, pasándoselo en grande con secuencias creativas, algunas subvirtiendo expectativas, y hasta ofreciendo una gran escena de despedida para un mito del terror como Tony Todd.

• En HBO Max.

29. Una casa llena de dinamita

"Hemos ensayado esto miles de veces", lo hemos probado de todas las maneras y hasta lo tenemos en carpetitas encuadernadas con colorinchis. Pero da todo igual. Primero porque los ensayos no valen de nada, precisamente por serlo. Y segundo porque los planes los tienen que ejecutar personas y a las personas, ya se sabe, se les puede poner el niño malo u olvidársele como hacer una llamada a tres (relatable). O sea, que no importa tener una habitación llena de gente súper lista y muy buena en lo suyo: nos vamos a la mierda igual.

La primera parte que rueda Kathryn Bigelow es DIOS, pero DIOS en plan señor con barba blanca que señala con el dedo y lanza un trueno. Y las otras dos montan en torno a la primera un artefacto muy inteligente y sobre todo muy preciso, donde cada frase, cada objeto, cada sonido es una pieza de rompecabezas que como espectador reconoces y colocas inmediatamente.

No tardes otros ocho años, Kathryn, por favor te lo pedimos.

• En Netflix.

28. Weapons

Dos películas revelación después, queda claro que a Zach Cregger le sobra talento para rodar y tiene mucha inquietud con los horrores que se ocultan en los sótanos de Estados Unidos. Su cuento de hadas oscuro en los suburbios tiene imágenes que no te dan de la mano para interpretarlas, y eso es sugerente en un tiempo donde se verbalizan demasiado los mensajes sobre el trauma y la pérdida.

Weapons va de esas cosas y de otras más, aunque su autoimposición de estructurarse con la épica de una Magnolia o una Pulp Fiction sean más una exhibición de talento que un logrado tapiz sobre temores humanos y sociales. Pero qué bien va cogiendo el tono (los tonos), lo bien usados y dosificados que están los sustos, el despiporre final. Sam Raimi estará orgulloso.

• En HBO Max.

27. Superman

James Gunn entiende muy bien que estas películas de superhéroes crecen bastante cuando dejan de lado orígenes que la gente ya tiene más o menos sabidos. Resulta aún así impresionante que lo intente hacer con el regreso de Superman en solitario en más de una década, que tiene que además lanzar todo su nuevo Universo justo cuando el género ya parece que va a su decadencia.

Le sale increíblemente bien, porque sabe abrazar la iconografía más reconocible del personaje así como su espíritu, y acaba no necesitando tantas explicaciones. Le lleva, eso sí, a dedicar mucho esfuerzo a lanzar muchas cosas como las referencias más sci-fi posibles que se puedan ligar a Superman o esa Pandilla de la justicia de la que habría hecho su película hace una década. Pero consigue que todo vaya a ritmo estable y entretenidísimo, adaptándose él mismo a la naturaleza optimista e inspiradora del personaje en lugar de llevarlo completamente a su terreno sinvergüenza y casi listillo de más.

Clásica pero actualizada, llevada por un alma pop punk que saca con mucho brillo al igual que ese ramalazo político sobre Palestina y la dominación techno-bro que culmina su voluntad de hacer que estos superpersonajes comenten también el mundo en el que vivimos.

• En HBO Max.

26. Memorias de un caracol

El esperado regreso de Adam Elliot con su animación en stop-motion centrado en aspectos tan ligeros de la experiencia humana como la soledad, el trauma o la depresión no va a dejar mal sabor de boca. Al menos a los que ya saben a lo que entran.

Con diseños ultraespecíficos y una textura visual casi palpable, el director de Mary and Max ofrece aquí una estructura de viñetas casi antológica con algunos deslices, pero siempre desvela una manera muy empática de entrar en las vivencias duras de sus personajes. Ha habido que esperar tiempo para ver de nuevo este enfoque tan particular en el medio, pero puede tomarse todos los años que necesite si es capaz de entregar pequeñas joyas como esta.

• En Movistar+.

25. Los sudarios

David Cronenberg coge ritmos, tonos, imágenes e ideas de sus anteriores películas más pobres (esa increíble trilogía de los horrores que casi finiquita su carrera y ese regreso autoderivativo en Crímenes del futuro), pero las vuelve interesantes en un techno-thriller donde abrazar la teoría de la conspiración se vuelve el acto de amor más radical. Su idea del duelo indaga en la necesidad de control hasta el extremo de la descomposición, así como en concebir la ausencia de otra persona como la extirpación de un miembro que aún se siente como un fantasma.

Lo hace con un humor absurdo, pero increíblemente bien tirado, y llevando a nuevo territorio ideas que ya han estado presente en su obra pasada. Sin estar amarrado con precisión quirúrgica, su irregularidad la lleva a reflexiones complejas en las que vale la pena indagar, profesando más que nunca su militancia atea y política en cómo aborda el cine de género.

• En Filmin.

24. The Order (La hermandad silenciosa)

El hilado fino entre el thriller guarro para señores y el que tiene ideas además de invitar a ponerse el bombín y ponerse un coñac. Este extraño artefacto con factura internacional e historia americana y blanca recoge lo mejor de los gran reserva del género para padres, incluyendo a William Friedkin, Michael Mann y Kathryn Bigelow.

Todo para hacer un explosivo artefacto sobre los influyentes tentáculos del supremacismo blanco y héroes que no lo son tanto. Justin Kurzel da con una bomba de relojería estupenda que funciona a niveles diferentes, tanto para retozar en el barro como para apretar tus botones para el cabreo, y eso la convierte en joya inmediata.

• En Amazon Prime Video.

23. 28 años después

Uno podría pensar que Danny Boyle y Alex Garland se han puesto celosos de que The Last of Us les hayan robado el título de título seminal de zombies en el siglo XXI (aunque la segunda temporada de la serie les ha devuelto el título). La realidad es que su regreso a su particular universo de terror parece más espoleado por éxitos como Tren a Busan por cómo manejan y amplifican tonos grotescos, absurdos y melodramáticos.

El resultado es un shock, pero uno altamente disfrutable e incluso estimulante. La estética del iPhone consigue darle una textura diferente a esta aproximación zombie casi desde el folk horror, las ideas conectan con la alineación y el aislamiento post-Brexit (toda la saga ha tenido siempre bastante tino a la hora de conectar con el momento político británico) y también logra llegar a terreno emocional en su aproximación a la muerte. No conecta todo precisamente de una manera cuerda, pero que Boyle y Garland hayan reactivado el modo psicótico y también el emotivamente hortera para esto es fascinante.

• En alquiler.

22. The Mastermind

Siempre desde unos parámetros militantemente indie, Kelly Reichardt replantea géneros clásicos con una mirada muy observadora y hasta con cierta mala baba para según que personajes. Aquí lo hace de maravilla con un cine de atracos liderado por un fabuloso Josh O’Connor como pijo acomodado creyéndose el rebelde con sustancia que en realidad nunca es. Finísima y con un fabuloso sentido del humor articulando una odisea perfectamente patética.

• En MUBI.

21. Un simple accidente

Jafar Panafi vuelve a jugarse el tipo para denunciar los crímenes y la represión del régimen iraní, grabando clandestinamente en partes traseras de furgonetas y lugares apartados. Todo esto aporta continuamente una atmósfera claustrofóbica que contribuye a una incómoda historia de venganza que de vez en cuando trastoca con toques de humor (los datáfonos recurrentes), pero va continuamente avanzando hacia una oscuridad que concluye en un plano final extraordinario que te deja realmente estomagado.

20. Amigos

Hay escasez de nuevas estrellas cómicas, pero es que algunas de las mejores mentes del mundillo tienen muy complicado trasladarse fuera de sus formatos libres y experimentales. Sin embargo, la esencia de Tim Robinson y I Think You Should Leave salta a la perfección en esta amarga exploración con marca A24 de la amistad y soledad masculinas, que incide todo lo posible en el absurdo más tóxico. Mucho más que curiosa, es una de las películas de culto del año.

• En Movistar+.

19. Banda sonora de un golpe de Estado

Los peores crímenes de occidente en torno al colonialismo y la fulminación de derechos y vidas en el Congo a ritmo del jazz más libre y vibrante. El belga Johan Grimonprez nos mete en el documental más formalmente atrevido y políticamente encendido de los últimos años, denunciando las tropelías de su propio país en África y su participación en el horrible asesinato de Patrice Lumumba.

Lo hace trazando interesantes líneas con la cultura jazzística estadounidense, y cómo esta fue empleada por los gobiernos para afianzar su influencia en el continente y en el Congo para evitar la expansión soviética. Un amargo doble filo para artistas que claramente estaban comprometidos con los oprimidos, pero eran utilizados a veces sin saberlo. Grimonprez recontextualiza su música en una vibrante narración a pinceladas que ofrece una visión general contundente, mientras va dejando trazos de bibliografía que están ahí para quien quiera expandir y sirven perfectamente para contarnos la historia. Un trabajo experimental que termina siendo sensacional.

• En Filmin.

18. Sirāt

Es muy fina la línea que separa el éxtasis de la pesadilla. Lo sabe cualquiera que se haya acercado por la zona de carpita/establo/garage electrónica de un Primavera Sound, y lo sabe un Oliver Laxe que crea una odisea techno por el desierto que sacude por todos los frentes. Una bomba de relojería hacia el hedonismo que también calibra bien cómo meter sus giros sorpresas y su discurso sobre los dramas bélicos que se sufren en áreas de África. Muy a favor de su banda sonora para bailar con el monóculo puesto.

• En Movistar+.

17. Los pecadores

En un momento donde la zona media del cine peligra, y ya no hay mucho espacio para moverse para cineastas que tienen que escoger cine indie o blockbusters, Ryan Coogler ha conseguido tenerlo todo y dinamitarlo. Siguiendo su periplo con Rocky y Marvel decide cobrarse unos cuantos cheques pendientes para hacer una original variación de Abierto hasta el amanecer con música blues y valores de producción añejos, aunque también la ambición de un Jordan Peele en cómo emplear el subtexto.

El resultado es un agradable retorno a ese cine más lanzado y también bien situado entre la superproducción y lo pequeño, pero también es una divertida subversión llena de ideas. Una historia llena de creación de espacios seguros, de la música (negra) como catalizador del dolor hacia el éxtasis y de la intersección en la opresión. Cine que hurga en la herida, pero que también se lo quiere pasar en grande como si de una Vampiros de John Carpenter se tratase. Mejor que a tu nena se la lleve un vampiro que el KKK.

• En HBO Max.

16. Confidencial (Black Bag)

Con Steven Soderbergh sacando dos películas al año aproximadamente, se acaba estableciendo la concepción de que una es la especialmente buena. Este thriller de espías ha acabado siendo esa, pero es fácil cuando parece jugar en casa con una serie de intrigas bien entrelazadas con cuestiones personales que implican mentiras, sexo y drones de vigilancia.

Su alianza con un guionista tan preocupado por la eficiencia y por hacer entretenimiento adulto como David Koepp ha llegado tarde, pero está resultando fructífera. Black Bag (Confidencial) es su esfuerzo más completo, pero tampoco uno sobrecargado (Soderbergh reserva eso para las luces sobreexpuestas), enfocando el clásico drama de espionage con una perspectiva más íntima y emocional (además de divertida) de lo que suele ser tradicional, sacando oro de un reparto maravilloso que hace lo necesario para que te quedes con todos los personajes y por qué pueden ser sospechosos.

Un divertimento puro y extraordinario, no sólo porque esta película parece que ya no existe en las prioridades de Hollywood sino porque saca lo máximo de sus 95 minutos.

• En SkyShowtime.

Es casi una tradición que los ruidos tarden en salir. Esa gente que publica el disco a última hora, la reescucha de aquello que tenías pendiente, el coche escoba por si había alguna perla escondida… En cualquier caso, lo que está fuera de duda es que ha sido un año tremendo. Sea con los discos de última hora, entrado diciembre, o los que posiblemente no conozcan ni en su casa —y así lo atestiguan a veces otras comunidades amplias aunque de nicho, como Rate Your Music—, las calentadas o las míticas sobrerreacciones: uf, qué año.

Bombazos, regreso de clasicazos, gente que está mirando al futuro, gente que sigue a su rollo, fuera de modas… Un año excelente de technarro, de derivaciones dub, de progresiones ambientales, de ritmos para la pista, híbridos y marcianos que han pegado fuerte. Esta vez con 25, porque la ocasión lo merece. Y chuleta Tidal por si la necesitas con una referencia por lanzamiento de este año.

Va.

26. Irini - Lost in Dreams

Ya ocurrió en 2023 (entonces con Planet Uterus). Traumprinz, Dj Healer, Primer Minister of Doom, Dj Metatron… La entidad que se esconde detrás de todos los alias suele aparecer con jugadas inesperadas. Este año ha sido con un mix que en realidad es de 2021, con temas inéditos sin publicar y que este año han visto la luz en un LP que pronto quedó agotado, como todo lo que ocurre con él. El motivo es sencillo, y basta con escucharlo, además de lo que se ha generado de rumorología en torno a este querido y anónimo productor. Tres horas de altos vuelos, de meterse en harina con el dub, el trance y casi lo que le echen, tamizado con ese sello estilístico de trazas suaves y elegantes. Pero esta vez con un mayor músculo y tempo al que nos tiene acostumbrados. Pero también con unos cruces entre géneros muy poco habituales, robando texturas y sonidos canónicos del dub para metérselo a una estructura trance y salir airoso. De lo mejor que ha hecho en tiempo, entre Dj Healer o Prince of Denmark.

25. Abul Mogard - Quiet Pieces

Guido Zen se ha hecho ya un sitio por pura autoridad en la esfera ambiental (y por supuesto, en esta casa donde lo etéreo suma de más). Solo o con amigues, en los últimos años lleva facturando trabajos como mínimo notables. Y en este Quiet Pieces, Abul Mogard vuelve por la puerta grande. Rescatando música clásica de la colección de un familiar fallecido, se ha dedicado a samplear algunas de esas piezas para mezclarlas con archivos inacabados. El resultado es un disco de drone monacal, de lugares abandonados; ese que evoca lugares que ya no son y cuya portada ayuda a imaginar. No encontrarás aquí, en el acabado final, un trabajo muy distinto de lo que ha venido haciendo en solitario en esta etapa, pero tiene esa novedad para él mismo en la fase procedimental, en la construcción del trabajo. (Tier list 3 de junio)

24. Skee Mask - E

Un álbum que refleja, por otra parte, la calidad del productor, y también su etapa creativa a cuenta de los años en los que se grabó, con un sonido cercano a su primer gran disco, Compro (Ilian Tape, 2018). Además, con la diferencia de que aunque se acerca, no llega a la complejidad de los trabajos auténticamente bárbaros que está registrando estos años, como Resort de 2024, sin ir más lejos.

Con todo, y siendo un álbum menor dentro de su trayectoria, por ejemplo con piezas ambient más normalitas, hay cortes que son una gozada, como el pepinarro de ‘501v2’ en la segunda. La clase de temas que muestran que es un fuera de serie. U otros como ‘OVdub’, ya en el tramo final, que están más cerca de esos temas que decíamos más complejos a los que nos tiene más acostumbrados actualmente. En cualquier caso, un conjunto de piezas que ha rescatado que tenía sueltos por la encimera y que ya quisiera más de uno en su haber. (Tier list 2 de septiembre)

23. Mark Ernestus’ Ndagga Rhythm Force - Khadim

Un abordaje, como ya lo fue hace casi una década, puramente respetuoso, en el que no hay una reinterpretación ni apropiación, solo un acercamiento sutil, dejando que sean las percusiones y los vocales sugerentes de la familia Seck las que lleven el peso. Ahora con más programación. Ernestus se encarga de los sintes y darle el fino toque electrónico, generalmente con pequeños detalles en colchones sonoros que arropan la instrumentación, como en ‘Dieuw Bakhul‘. Otras, llevando algo tan rudimentariamente folk como esta música senegalesa a un electrizante ritual, pero este más reconocible, y a la vez universal, como el del baile, en ‘Khadim‘. Ciertos olores a Basic Channel. Un recuerdo de que en la fiesta y en el baile las diferencias étnicas, de clase o de género desaparecen. (Tier list 16 de septiembre)

22. Surgeon - Shell~Wave

El cirujano más célebre no falla a su cita operacional de grueso bisturí. Nueve temas de techno marca Birmingham: sobrio y mecánico, coqueteando con lo industrial. Y en manos de Anthony Child, tejiendo redes de sonido infeccioso alrededor. Así es como suena a lo largo de nueve temas donde no baja el pistón. Un ritmo exigente en el que hay espacio tanto para melodías deformadas (’Soul Fire’), como para distintas líneas rítmicas que conviven en un mismo tema (’Forgotten Gods’). (Tier list 6 de mayo)

21. Steve Hauschildt - Aeropsia

A priori, Aeropsia puede engañar porque en una escucha superficial parece virar hacia el anodino campo de la New Age. Pero lejos de ello, aunque se adentre en esas estructuras más ligeras, Hauschildt sigue siendo un talentazo inconmensurable que dibuja melodías que se enredan y que se superponen unas a otras ofreciendo un bello resultado (’Your Call is Important’). Con lo progresivo latente. Un trabajo con sonidos más orgánicos, más tranquilo, aunque ello no es excluyente de mantener estructuras tremendamente ricas (’Forgetting in the Static’). Se ha notado su traslado a Tbilisi, como alejado de un mundo en constante perturbación. El álbum que cuenta además con su parte canónica de ambient preciosista y arreglos instrumentales. Atención porque va a trascender del oyente medio ambiental, con engalanados acercamientos a los progs. Tiene visos de lo que antes decíamos un grower. (Tier list 21 octubre)

20. Use Knife - État coupable

Use Knife es el proyecto de los belgas Stef Heeren y Kwinten Mordijck junto al iraquí Saif Al-Qaissy. Un conjunto imbricado política por contenido y continente. En este Estado Culpable, su segundo álbum, Heeren comparte vocales con el percusionista Al-Qaissy, quien huyó de Iraq, y que ahora asume mayor protagonismo para darle todo el sentido a un álbum que rompe ese viejo prejuicio de que la electrónica es ajena a la política. Como es obvio, además de los detalles como el mirar a la música árabe, configurada aquí con sus percusiones y las de sintetizadores casi industriales, el músico iraquí aprovecha para mirar en las contradicciones occidentales. Y más que contradicciones, con la mirada etnocéntrica y hegemonía de Occidente, gritando contra sus invasiones y discrecionalidad para otorgar la ‘libertad’ a terceros. (Tier list 26 de agosto)

Read more

En un año en el que los discos tristes se han colado a cuentagotas en nuestro Top internacional, quedaría la sensación de que no nos hemos enfrentado a una gran cosecha. Y lo cierto es que no creo que haya sido así.

En una etiqueta siempre un tanto ambigua, seguramente apta para abarcar propuestas francamente variopintas, casi siempre intentamos acotar el terreno al folk, canción de autor, cositas ambient/drone… pero vaya, que entra lo que me da la gana a mí. Si queréis hacer vosotros vuestra lista, os montáis una web.

Este año hay un hecho sin precedentes. Se ha colado un disco que no reseñé yo (Chou) en su día. Algo que para mi ego y mi afán de protagonismo es doloroso. Pero en tiempos de conflicto Keaton nos quiere magnánimos. Creemos que, al fin y al cabo, os traemos diez discos bien majos para escuchar en caso de que alguno se os hubiese pasado por alto.

Vamos al lío:

10: Annahstasia - Tether

Género: soul atrapaalmas

Hay gente que tiene atractivos algo extraños. Evidentes a los ojos de muchos, absolutamente ajenos a los de otros tantos. Y luego hay gente atractiva casi por decreto. Guapos objetivos. Alguien podrá venir aquí a decir que “pues a mí esto no me gusta” y no pasará nada, tenemos esto lleno de lectores que son lerdos, así que se sentirá como en casa. En principio, Tether, disco de debut de Annahstasia, es uno de esos trabajos de los que nadie jamás podrá hablar realmente mal. Uno de esos trabajos vocales de tal calibre que tan solo nos queda preguntarnos cómo coño ha llegado tanto en llegar a pesar de que gente como Kendrick Lamar le tuviesen ya echado el ojo.

Tether trae irremediablemente a la memoria a gente como Tracey Chapman, obviamente, haciéndolo particularmente obvio en cortes como ‘Villain’. Aunque si se buscan referencias más contemporáneas y menos evidentes, aquí se nos ha venido a la memoria la obra de Anna B. Savage. Un canto tanto a lo espiritual como a lo meramente carnal, entre ‘Unrest’ y ‘Satisfy Me’, con el continuo hilo conductor de una voz que podría firmar un disco prácticamente a capella sin que echásemos nada en falta. Y si además encuentra un maridaje idóneo en las colaboraciones de Obongjayar o Aja Monet, miel sobre hojuelas.

Luego llegan momentos como los de ‘Waiting’, en los que una Annahstasia que en general consigue mantener su voz libre de adornos innecesarios, eleva aquí el tono y se luce ante cualquiera que tenga oídos. Esa es otra gran virtud de Tether, que como tantos otros casos podría perderse aquí en el “mira qué bien canto” y consigue alternar esas demostraciones de talento desbocado con otros pasajes más ligeros como ‘Overflow’. Y, en el muy improbable caso de que queden agnósticos a esas alturas, ‘Believer’ remata un disco incontestable. (Chou en la tier del 8 de julio)

9: Mydreamfever + Huremic - 3. How I See Nothing but You

Género: Hay fiesta en el osario común.

Voy a confesar que llegué libre de prejuicio alguno a este álbum, hace apenas unos días (lleva ya dos meses en bandcamp). El nombre que se escondía detrás de Mydreamfever me resultaba una completa incógnita, y el hecho de que estuviese firmado a pachas con Huremic en mi mente fue automáticamente guardado como “una colaboración de alguien con este tipo del que sí me suena haber leído algo”. Al hecho de que tanto Mydreamfever como Huremic son otros alter ego de un Parannoul que por otra parte ya venía firmando algún disco en el pasado con este proyecto.

Llegar pues, por diferentes caminos y desde la ignorancia, a la misma conclusión de que nuestro coreano favorito (tras las Guerreras) vive en su particularísimo estado de gracia es muy reconfortante. Si fue con el estupendo ‘Seeking Darkness’ como se coló en nuestra lista de lo mejor del año, la propuesta más caótica y droneniana de ‘3. How I See Nothing but You’ me ha volado tanto o más la cabeza. Un camino siempre desconocido, y pese a ello extrañamente familiar, hacia la oscuridad, las criptas y las tinieblas. Seguramente con menos oportunidades para paisajes más oxigenados, no muy numerosos en sus otros trabajos pero sí algo más presentes, y así apenas mostrables en los inicios de ‘Night Wishes’. Un sí a todo siempre con este hombre. (Chou)

Read more

Hi, personicas.

Hemos tenido un año extraño en el género, a pesar de que nunca han faltado discos para comentar o destacar. Encontrar los trascendentes, los que combinan inventiva o personalidad con experiencia arrolladora, no ha sido fácil. Aun así, es un año de muchos discos que abren caminos, que plantean posibilidades que pueden cristalizar en cosas …

Read more

Hi, personicas. Ya tuvimos la parte uno, vamos con lo que queda.

9. Adolescencia (Miniserie)

La prominencia del discurso en torno al plano secuencia ha permitido destacar a este potente trabajo de drama social con todas las preguntas correctas y una amarga realidad de ausencia de respuestas claras. También es un artefacto de doble filo, especialmente en los primeros episodios, de mayor carácter de thriller donde el movimiento continuo acaba forzando a la historia a seguir la forma impuesta por Philip Barantini, en lugar de que esta realce el buen trabajo de Jack Thorne y Stephen Graham en el guion.

Pero los dos episodios finales, con escala más reducida y más marcadamente dramática, consiguen un funcionamiento más orgánico que justifica porque es una de las series del momento. Concienzuda y cercana hasta el extremo, incluso aunque quiera apretarte las tuercas emocionales todo lo posible. Funciona en un nivel bastante especial que muy pocas series podrían atreverse a indagar, no hablemos ya una de Netflix. (Black Gallego)

• En Netflix.

8. La empresa de las sillas (S01)

La comedia extrema e incómoda de Tim Robinson había encontrado culto en forma de sketch libre e impredecible sostenido en cierto punto de partida plausible que acaba derivando al dadaísmo sensacional. Cómo podía trasladarlo al terreno de la ficción era una duda razonable, pero hace unos meses lo logró en forma de largometraje en Amigos y vuelve a encontrar cierta vía para lograrlo de la mano del director Andrew DeYoung.

Su serie para HBO vuelve a partir de una chorrada que le puede pasar a cualquiera (un accidente con la silla en medio de una presentación importante en el trabajo) que pasa hacia la pesadilla e, incluso, al thriller conspiranoico clásico. Tiene bastantes digresiones para cuestionar su longevidad como serie, pero al mismo tiempo te caza siempre con la habilidad para tirar de repente a personajes extraños en lo que iba a ser una escena corriente o una línea de diálogo absurda gritada (“I’M NOT YOUR MAMA BARBIE”). En algún momento se le caerá el castillo de naipes, pero nunca deja de ser fascinante ver los accidentes que Robinson provoca. (Black Gallego)

• En HBO Max.

7. Andor (S02)

Con cierta ansiedad por aterrizar bien el caza estelar, pero también siempre fiel a la idea y la artesanía que la han hecho la única serie realmente diferencial del universo Star Wars (y también una de las mejores obras de su historia), Andor vuelve a meternos en la intensa y compleja existencia que conlleva el compromiso con la rebelión.

Thriller político de alto nivel, nutrido de referencias a revoluciones armadas reales, decidido a tener cosas que contar desde su propia esquina del universo y explorar personajes por los que siente pasión genuina. Su mera existencia ya es algo increíble, pero Tony Gilroy ofrece resultados que la hacen totalmente meritoria de halagos. (Black Gallego)

• En Disney+.

6. Pluribus (S01)

Nos estamos lanzando un poco a la piscina con casi media serie todavía por emitir, pero es loable que acabemos pensando tras cada episodio “MUY GUAY, pero al siguiente seguro que me va a cansar” y que nunca te canses. Vince Gilligan crea una increíble distopía de amabilidad donde la persona que tiene que salvar al mundo es la persona amargada definitiva. Una a la que estas forzado a seguir y, sorpresa, la acabas entendiendo.

Ninguna serie explora tanto los rincones del universo que crea sin que te esté vomitando lore, y ninguna te va a castigar tanto si decides coger el móvil por un segundo por su manera de apoyarse en pura narración visual. Totalmente a contracorriente de tendencias, con ideas que defiende de manera increíble. Si todo se va a pique en algún punto, el rato recorrido hasta el momento ha molado bastante. (Black Gallego)

• En Apple TV.

5. Los ensayos (S02)

El cerebro galaxia más neurodivergente que existe ahora mismo regresa tras haber hecho un monumento con la primera temporada de Los ensayos, una abstracta comedia sobre el control y los oscuros impulsos detrás de ello. La segunda temporada consigue no quedar demasiado atrás de la genialidad incluso disparando por doquier más ideas disparatadas. El demiurgo considerado payaso intentando arreglar los accidentes aéreos, pero acabando por accidente en concursos de canciones, intentos de eugenesia, autorealizaciones sobre autismo, acusaciones de nazismo a plataformas de streaming y la interpretación como un peligroso demonio.

Es todo un desternillante compendio de absurdo con muchas ideas tan brillantes como potencialmente peligrosas. El accidente de avión que uno no puede dejar de ver, porque es increíble. (Black Gallego)

• En HBO Max.

4. Verdades ocultas (S01)

Si Reservation Dogs fue la serie que lo puso en el mapa y nos deslumbró a todos1, Verdades ocultas puede ser la que consagre a Sterlin Harjo como una de las nuevas voces más interesantes de la tele actual. Planteada como un neonoir sureño rabiosamente contemporáneo y con mucha comedia negra, para haceros una idea del tono digamos que alterna con asombrosa facilidad a Raymond Chandler con los hermanos Coen (¡han cantado Justified!) y a la vez con algo absolutamente propio, y que lo hace además sin dejar de armar con todo este mejunje algo entretenidísimo y capaz de arrancar auténticas carcajadas en medio de una bien hilada trama criminal.

Ethan Hawke completa un año increíble en su carrera y está fantástico en su papel de perdedor narcisista negligente (y en su cabeza también buen padre y buen periodista) y llena de carisma una serie tan digna de elogio por el mundo que plantea como por lo bien que sabe llevar tanto su trama como sus personajes. Junto a él hacen cola para todos los premios a mejor secundario de la temporada Kyle MacLachlan, Jeanne Tripplehorn, Tim Blake Nelson y más de un cameo que mejor no desvelar, o sea que casi nada.

Sus ocho episodios se toman su tiempo para dejar respirar la narración, pero al mismo tiempo evitan caer en un solo tiempo muerto, hasta llegar a un desenlace francamente redondo y satisfactorio, de esos que te hacen desear tanto que haya como que no haya una segunda temporada algún día. Una de las series del año y uno de los mejores ratos de televisión que puedes pasar ahora mismo. Directísimo al excel. (Poliptoton)

• En Disney+ el 26 de diciembre.

3. Poquita fe (S02)

Los trucos de Poquita fe que quedaron claros en su primera temporada regresan aquí poco alterados, no vaya a ser que se pierda la especial química que habían logrado general. Eso mataría por completo la frescura de una serie menor, pero Pepón Montero y Juan Maidagán se han aprovechado de la confianza renovada para ir pequeños pasitos hacia adelante (los planos y la voz en off del momento peluquín, unido al montaje, es para que Scorsese llore).

Pocas series además están dispuestas a hablar tan directamente de cómo la crisis de la vivienda actual está erosionando cualquier atisbo de tejido social y emocional entre las personas. Maravillosa y, por descontado, divertidísima. (Black Gallego)

• En Movistar+.

2. The Pitt (S01)

Una serie muy del momento, aprovechando el tirón histórico de los dramas médicos y enfocándola con un toque ligero de thriller de cámara inquieta para hacerlo más urgente (je). Al mismo tiempo, muy a contracorriente de la ficción del streaming para hacerlo más como la de toda la vida, mostrándose como el verdadero spin-off de Urgencias que estaba destinado a ser (no es sólo por Noah Wyle de protagonista y R. Scott Gemmill de creador, es que el proyecto se inició como un revival de la mítica serie).

Quince episodios, una duración que no tiene realmente ninguna otra serie, estructurados todos en torno a una hora de un turno continuado de 15. Todo unido a un énfasis en el rigor que ha sido apreciado por muchos profesionales sanitarios, pero sin perder nunca de vista el hacer televisión trepidante, adictiva y humana de toda la vida.

Personajes variados, con personalidades reconocibles al instante y conflictos que llevan en microavances a lo largo de la temporada, algunos funcionando mejor que otros. Y, por supuesto, Wyle siendo un pilar de garantías, sintiéndose uno seguro con lo que va a ver sólo por cómo se coloca el estetoscopio alrededor del cuello cuando va a conversar o soltando términos médicos como si estuviera plenamente convencido de lo que son. (Black Gallego)

• En HBO Max.

1. The Studio (S01)

Sí, la mejor serie de 2025 va casi exclusivamente de cine. Porque nada resume tan bien el 2025 que estamos viviendo, sobre todo en meses recientes muy locos que han acelerado lo que ya se veía como una espiral descendente, que un climático momento donde se corea en una convención “MOVIES, MOVIES, MOVIES” como si no estuviera ardiendo todo.

Seth Rogen y Evan Goldberg se han salido con la suya guisándoselo y comiéndoselo en una sátira muy a pijo sacao de Hollywood, pero que no se ha terminado quedando corta en apenas nada. Los planos secuencias para burlarse de los planos secuencia, los paniqueos por cualquier reacción o noticia inesperada en redes sociales, ponerse pedo en unos Globos de oro mientras se negocian nombres en los agradecimientos, las puñaladas a los héroes cinematográficos de la infancia porque hay que sacar la película de Kool Aid que realmente guste a los accionistas.

Todo es un deleite si sigues un poco cómo se cuecen las habas en la industria audiovisual (leñe, si escuchas The Town aquí te están haciendo guiños todo el rato). Si no, te va a reir igualmente esperando a ver con qué se va a tropezar Seth Rogen para caerse al suelo. Pero pocas cosas han arrancado más risas en un año donde realmente hay que reírse si no se quiere saltar por la ventana.

• En Apple TV.

Hi, personicas.

Otros años habríamos sacado este ya tradicional repaso de series que nos han gustado con una colección de 20 destacables, tanto para comer como para sentarse un rato y cambiar el móvil en la mano por una copa de vino. Este año lo dejamos en 18, porque tampoco es plan estirar tanto en un año de televisión un tanto regulero. Aun así, momentos guays entre estas propuestas.

18. The Paper (S01)

Podría parecer que vendernos The Paper como un pseudo spin-off de The Office1 pone a lo nuevo de Greg Daniels un listón imposible, pero también se beneficia de un hecho conocido: a The Office (como a Parks & Recreations después) le costó una temporada y pico encontrarse, hubo que darle paciencia para que acabara convertida en lo que fue. Por eso es inevitable analizar este nuevo producto un poco a medias entre lo que es y lo que puede llegar a ser: porque hay muchos elementos prometedores aquí, pero también varios problemas que la habrían condenado a la irrelevancia en otras circunstancias, pero aquí nos harán darle otra oportunidad por venir de donde viene.

Entre lo primero: la serie fluye bastante bien bastante pronto, hay momentos francamente inspirados y en general está bien llevado el tema de fondo de la decadencia del periodismo, con la dosis justa de nostalgia, idealismo y mala leche, pero sin pasarse con la negrura. De lo segundo: necesita claramente perfilar mejor a su protagonista (según el capítulo, es un Jim, un Michael o un Andy), otros personajes deben dosificarse más para no empalagar (alguno es el prototipo del que el showrunner se carga en la T2) y en general los arcos dejan una sensación de ser una temporada de 22 episodios apresuradamente condensada en 10 que te obliga como espectador a comprar cosas que la serie todavía no se ha ganado. Bueno, y que no soy fan del mockumentary tan autoconsciente que se ve obligado a meter al equipo de rodaje en las tramas.

A pesar de todo, el conjunto es bastante notable y sobre todo es de ésas que de alguna forma te convence de que la gente detrás del proyecto sabe ver perfectamente como tú lo que no funciona y sabrá arreglarlo. Si dan con las teclas adecuadas, la segunda temporada podría ser un Excel, pero de momento aún no estamos ahí. (Poliptoton)

• En SkyShowtime.

17. Efectos secundarios (S01)

Qué placer cuando el mundo de la animación adulta se escapa de la estética clónica y las tramas de adolescentes y/o padres de familia contestones e incompetentes. El animador y dibujante de comics ​Deron Bennett y el guionista Steve Hely (con créditos en diversos late nights, 30 Rock o The Office) presentan una historia inusual de dos amigos de instituto (hoy ella es asistente del CEO de una farmacéutica, él un hippy sin ocupación conocida) que reconectan cuando este último descubre un hongo que parece tener la capacidad de curar todas las enfermedades conocidas, para terror de las farmacéuticas y quizá también del gobierno.

Combina el thriller conspiranoico a lo Expediente X con el de patanes a lo hermanos Coen y lo sazona todo con un humor sequísimo y casi surrealista que le da al conjunto un tono especial y una voz propia que se agradece mucho en un contexto tan saturado. Terminados los diez episodios, no tengo necesariamente la sensación de querer ver más, pero entrega una temporada francamente intachable. (Poliptoton)

• En HBO Max.

16. Muerte por un rayo (Miniserie)

Muchas miniseries tienen muchos problemas para esconder que en realidad están añadiendo metraje a lo que previamente era una película. Fácilmente podríamos haber visto la versión de 2 horas y 20 minutos de la historia de asesinato de James Garfield provocada por una mezcla de polarización y cloacas del Estado que se estrena en invierno para rascar premios.

Aquí lo tenemos más extendido, pero a cambio coge varias cosas positivas que permite la tele en streaming donde todo vale: llenar todo el reparto de esos secundarios gloriosos que siempre están bien y aquí son protagonistas cada uno de su historia (Michael Shannon, Matthew Macfadyen, Shea Whigham, Nick Offerman) y ponerse juguetón con un tono menos solemne de lo que cabría esperar. Bien jugado por Matt Ross y Mike Makowsky. (Black Gallego)

• En Netflix.

15. Adults (S01)

Oh, no, amigos, otra comedia de veinteañeros que comparten piso y tratan de encontrar su lugar en el mundo aunque sus vidas y sus relaciones sentimentales son un desastre. Y son todos como medio ricos o medio nepobabies o algo y ni siquiera es un piso, sino una casa en Queens, y ni siquiera la pagan, porque es la casa de los padres de uno de ellos, que están de viaje indefinido. Pero un momento, porque viene con giro inesperado: la serie tiene… ¡gracia! Incluso, ojo a la locura, mucha gracia.

Excepto por un par de brochazos emocionales y un vago eco de algo parecido a una tensión sexual no resuelta, Adults lo juega todo a los chistes todo el rato y le da igual lo demás y la jugada le sale muy bien. La colonoscopia que se complica, el stalkeo a una rata con air tags, el chat con el asesino compartiendo pantalla…

Casi todos los capítulos tienen al menos un momento simplemente tronchante y en general la ratio de líneas buenas vs malas es más que positiva, incluso en el siempre temible subgénero de “chistes de GenZers contra millennials”. Y el principal problema de la serie (que todos los personajes son idiotas y abofeteables) está bien resuelto, tanto por el lado de los actores (con un timing cómico impecable) como por el de los guiones, que hacen de su estupidez parte del chiste y consiguen que entres en el juego.

Una hangout comedy con episodios de veintipocos minutos y una temporada que se hace cortísima: la serie pacomé del mes, y candidata a ser la del año. (Poliptoton)

• En Disney+.

14. Hacks (S04)

Algunos (unos pocos) tuvimos ciertas dudas con una tercera temporada notable pero ligeramente dispersa de una de las comedia de referencia actuales, pero teníamos claro que el cliffhanger ponía a la serie en buen camino para continuar. Y se cumplió, los guionistas han sabido recoger su propio guante para reiniciar como es debido la dinámica de Ava y Deborah.

Las extorsiones mutuas no han devorado la temporada, y han sabido jugar con el funcionamiento de un programa late night para que las protagonistas se pregunten qué hacen exactamente en el mundo de la comedia, además de que algunos añadidos (como la nerd de RRHH que tiene que estar pegada como una lapa o Julianne Nicholson como petarda normie que se hace famosa por TikTok) caen como mínimo simpáticos. No saben siempre qué hacer con los representantes, pero acaban sacando también buenas risas para acompañar el vinito.

También es de reconocer que hayan sabido desarrollar la relación entre las dos para que vayas identificando las trazas tóxicas que ésta está desarrollando, pero no hasta el punto que no quieras verlas improvisando todo el rato. Una vez más, una serie fantástica que está sabiendo medir sus tiempos. (Black Gallego)

• En HBO Max.

13. Smiling Friends (S03)

Sonreir en el infierno tardocapitalista que nos toca vivir es casi imposible, y nadie lo entiende mejor que Smiling Friends que no duda en abrazar el aura de shitposting del Internet dosmilero para mostrarnos que todo es caos. Miles de estilo de animación chocando entre ellos para crear aventuras surrealistas, cortitas y al pie, además de inquietantes por lo real que son en el fondo. (Black Gallego)

• En HBO Max.

12. Superestar (Miniserie)

Bravo Vigalondo por intentar condensar Españita Dos Mil en seis perspectivas surrealistas alrededor del Tamarismo, pero realmente el mayor triunfo es darnos una cosa:

GUASEMEN.

• En Netflix.

11. Dying for Sex

El alambre en el que se mueve una historia en clave de comedia sobre una enferma de cáncer terminal que decide dejar a su marido para entregarse al sexo para lo que le queda de vida es finísimo. Pero finísimo. Está el riesgo de banalizar la enfermedad, el de forzar el humor negro para hacer acopio de cinismo, el de sucumbir ante el terrorismo emocional… Incluso el riesgo inherente a cualquier interpretación de Michelle Williams, esa actriz prodigiosa a la que sin embargo su gusto por la intensidad hace descarrilar de vez en cuando.

Las creadoras de Dying for Sex los evitan todos de una manera honesta y a veces encantadoramente torpe: en más de una ocasión, para evitar romper una ventana acaban pisando un cable y eso está bien porque encaja con la naturaleza de montaña rusa emocional de la historia que cuenta. Y qué actrices: Jenny Slate se roba la pantalla con un trabajo complejísimo como quizá no habíamos visto nunca1 y las breves apariciones de Sissy Spacek o Paula Pell, cada una en su momento, le otorgan todavía más capas de intensidad emocional. Te tiene entre la carcajada y la lagrimita hasta la puñetera última escena y cuando acaba ya te aviso que vas a necesitar UN RATO. Divertida, dolorosa, fantástica. (Poliptoton)

• En Disney+.

10. Long Story Short (S01)

No os podemos culpar si no os habéis enterado hasta ahora que el creador de BoJack Horseman ha vuelto a Netflix para hacer otra serie animada sobre traumas e insatisfacción vital además de subtramas payasas. La estrategia de lanzar todos los espaguettis todos los días es contraproducente para pequeñas propuestas de autor como esta, pero Raphael Bob-Waksberg pone todo en el asador para que su propuesta se distinga mientras dice cosas distinguidas.

Su propia versión de Un tipo serio expande su visión sobre familias desestructuradas y su impacto a la hora de hacernos que nos topemos con un muro abordando la vida. Lo hace a través de saltos adelante y atrás en el tiempo, alternando bruscamente entre una melancolía existencial y fabulosas ocurrencias sobre lobos invadiendo un instituto, que fueron su fórmula de éxito con su anterior serie. Qué oportunidad tiene para desarrollarlo del todo dependerá de la paciencia cada vez más impredecible de Netflix, pero ojalá sepan cuidar lo que tienen. (Black Gallego)

• En Netflix.

Que no ha sido un buen año en España es algo que compartimos varios por aquí; ya os lo contamos en el discurso de Navidad. Se nos han quedado, de forma dolorosa, cantidad de discos buenos de la lista Internacional y, en cambio, hemos decidido dejar en sólo quince el top nacional, que ya hace años que llegaba hasta veinte. Los que están, sí son, desde luego.

15. Pumuky - No sueltes lo efímero

género: nuestro postrockshoegaze canario favorito de cada diez años

A Pumuky los queremos mucho. No vamos a gastar ni un segundo en intentar aparentar lo contrario. Los queremos como quieres a aquel primo lejano con el que pasabas alguna semana en verano y luego perdiste de vista. Ahora solo lo ves en la comida familiar que organizan tus tíos cada 2-3 años, pero su mera presencia te llena el alma y la memoria de momentos alegres.

Jair y Noé Ramírez llevaban diez años sin entregarnos un nuevo LP. Es cierto que por el camino hubo alguna colaboración y un notabilísimo EP, pero nadie nos quitaba de encima esa sensación de orfandad, de abandono. Hasta hoy (bueno, para vosotros hasta el 28 de febrero, pero estamos encantados de poneros los dientes largos). No sueltes lo efímero es un disco mayúsculo. Grabado con Raúl Pérez y mezclado por un tal Rafael Antón Irisarri, sus adelantos ya daban fe de que se cocinaba un trabajo inapelable, lleno de contundencia y, sobre todo, de infinita emoción.

Encontramos vulnerabilidad, profundo amor en ‘Terriblemente bello’. Guitarras mejor afiladas que nunca en ‘Si no sabemos dónde ir’ (no vayáis a ningún lado, quedaos a vivir en esta canción). La bienvenida a la derrota, siempre mil veces más atractiva que esa cultura del éxito, en ‘Escapismo o barbarie’ y el abrazo a la delicadeza de ‘Hablando con los animales’. Una colección de canciones fascinante, conmovedoras, palminantes y turbadoras. Un trabajo que, ahora mismo, nos hace creer que por más años que hayan pasado, Pumuky nunca habían estado en tan buena forma como ahora. (Chou)

14. nara is neus - isochron

Género: Ambient y sintes de muchos quilates

La productora barcelonesa vuelve a publicar en largo, el formato en el que mejores producciones ha compuesto, para dejar patente el talento que atesora en el plano ambiental. Con un excelente gusto analógico que se traslada a isochron con quietud y notables texturas, nara is neus explora el paso del tiempo y cómo los momentos de introspección, cuando te zambulles en esos momentos —y música mediante— su percepción puede desaparecer. Un trabajo para las delicias ambientales, con pequeñas grabaciones de campo, y donde estira o estrecha a placer el grosor del sonido, con frecuencias que se expanden de forma preciosa en ‘mai’ o ‘and don’t tell them’.

Y que deja un regusto analógico muy satisfactorio con líneas eléctricas pero austeras en ‘interlude’, y que a veces pueden recordar a la Caterina Barbieri más melancólica en ‘and don’t tell them’. Un disco que surge también de una ruptura sentimental y cuya raíz sonora, aunque parezca delicada en superficie, se nota fuerte con esas melodías que, por muy jalonadas que estén por drones de casi órgano eclesiástico en el cierre, tienen ese poso sólido y resistente. Lo analógico siempre sobrevive al paso del tiempo. Un álbum de esos que en directo va a ser una experiencia singular, y este año estará en el Mira, por cierto. (Ferraia)

13. Uner - CONTICINIUM

Genero: Sorprendente technoreset

Después de quince años de trayectoria, Uner recupera su principal aka para protagonizar una metamorfosis de las que quitan el hipo. Tras toda una vida dedicada a producciones de tech house, aunque mucho más esmeradas que esa pachanga que hoy renace, aparcó el proyecto para dedicarle varios años a Nin3s, más orientado a la neoclásica. Ahora, el artista ilerdense vuelve a ser Uner. Con la diferencia de que lo hace simple y llanamente desatado. Un proyecto con mucho más empaque, vida e interés que la anterior etapa tech house con su aka más conocido. Una composición de once temas vertebrada por techno y derivados y un motor que tiene ganas de quemar todo lo que hay a su paso, al tiempo que lo combina con melodías de una forma bastante inteligente. Un resultado que de ser firmado por gente como Special Request, podría ser aclamado por el establishment mediático anglosajón.

Aunque algunos de los temas siguen recurriendo a esos sonidos reconocibles de su pasado, de una electrónica muy centrada en los sintes, CONTICINIUM (Veil Theory, 2025) ofrece un amplio espectro en el que irse de ese techno melódico e hipervitaminado de ‘Chrysalis’ —dejando claro con fuerza que lo de la metamorfosis no es solo algo nominativo— a una IDM de ‘Agelast’ que recuerda a la implementada por Clark. Entre medias, un disco en el que se ve a un artista con ganas de resurgir, de marcar distancias con el pasado y mostrar un nuevo enfoque, pero sin rezumar ansiedad para que se note ese giro radical.

Percusiones que retumban y vuelven a golpear frenéticas en ‘Symbionic’, y texturas eléctricas en ‘Supine’ para dejar patente que el cambio no viene solo en lo rítmico, sino en todo lo que rodea a ese motor de mayor empaque. Frenetismo, alma y algo de breaks en un muy buen trabajo en el que además de tener tres o cuatro pepinos de cabecera, hay un colchón de buenos temas que los arropan. Coherencia y equilibrio. Qué cambio. Lo mejor que ha hecho hasta la fecha. (Ferraia)

12. Architectural - Good Night, Whatever That Is

Género: El techno en Asturias, una maravilla, si te preguntan

El asturiano Juan Rico, aka Reeko, aka Architectural, uno de los primeros espadas del techno patrio, vuelve al formato LP después de cinco años con ese último alias. Y lo hace sacando a pasear sinuosas líneas de bajo, algún tema exultante y en general una producción sobria, que muestra por qué el techno norteño es aval de garantía. Con una producción depurada desde hace años, en discos como este Good Night, Whatever That Is, Rico muestra por qué ha llegado a publicar en R&S. Ahora, bajo la escudería canadiense Turbo Recordings, lanza un álbum de techno serio como siempre, sobre todo más en la percusión, en ocasiones en sus formas más añejas mirando al pasado (’Rousing Rhythms’), o imbuido en pequeñas ambientaciones para dejar que todo fluya como la seda, para esos sets de volar que no necesitan pisar el acelerador para disfrutarlo (’Vapours’).

Si con Reeko en los últimos años suele recurrir más a ese ambient techno donde las melodías trabajadas salen a la palestra en la superficie, en la pista principal, con Architectural en las referencias más recientes el ovetense suele sacar punta a más orgánicas de las canciones, a vertientes más experimentales o retraídas a nivel sonoro. Este disco es un ejemplo; mucha percusión y profundidad, aunque con sinuosas curvas de bajo como la de ‘Tubular Funk’, cuyo nombre lo dice todo, o ese cierre más centrado en el ensamblaje rítmico. Ahora, la joya del disco, la joyísima, es ‘Eternity Land’. Primer tema del LP y que rompe más con todo el concepto del disco, de un cariz más apagado, pero que muestra a un Architectural exuberante, con una pieza más frecuente últimamente de Reeko. Muchas capas superpuestas a la vez, un sonido muy vitalista, radiante, de los que te hacen vibrar. Cuando enchufa el modo melodías y texturas raya a otro nivel. Un clásico ya del techno español. (Ferraia)

11. Fantasmage - No salgas más

Género: vuelve a bailar, maldito, como cuando no te crujían las rodillas.

Han vuelto Fantasmage. Si no habéis estado atentos (es decir, si no leéis nuestra newsletter), lo mismo no os habíais enterado. El dúo gallego nos volvió locos a generación y media de personas en el lejano 2012 con aquel álbum homónimo de debut para, muy poco después, decir que hasta ahí habían llegado. Se mezclaba entonces, claro, las prestaciones de un disco sobresaliente con el hecho de que iba a ser el único y la mística estaba montada.

Ahora resulta que No salgas más ha venido para dar tardía continuación al proyecto. La cuestión es que Fantasmage consiguen muchas cosas aquí. Entre ellas, soltar un disco absolutamente congruente con el sonido que parieron entonces y que siga funcionando igual de bien. En una época en la que no abundan apuestas tan francas por las guitarras, Fantasmage entregan un puñado de canciones tan viscerales como honestas. Además, No salgas más llega no solo a contagiarte su energía, sino a convencerte de que esta no es artificial. No se trata de que recuerdes lo feliz que eras hace trece años, cuando bailabas sus canciones en aquel bar que ya ha cerrado. Se trata de que ‘Estatua de Sal‘, ‘Luisa‘ o ‘Da igual‘ te enervan hoy, de forma sincera, absolutamente pura, sin artificios ni el menor atisbo de nostalgia.

Si a ello le sumas que Fantasmage muestran cierta cintura para que la única pega que alguien pudiese querer ponerles (estaba llegando ya el del monóculo a decirte que se repiten un tanto) se borra del mapa en los atisbos stoner de ‘Baixada infernal‘ o en la resurrección de Los Brincos a la que asistimos en ‘Playa Mental‘ solo nos queda constatar que ‘No salgas más’ es uno de los discos que más nos va a acompañar en lo que queda de año. No hay momento en el que no sepa a gloria. (Chou)

10. .bd. - Economato textil

género: ¿Nuestro grupo será tu vida?

Tres años, una maqueta y un Humo-fichaje después, .bd. publican su esperado EP, Economato Textil. Son cantidad, (CANTIDAD), los pequeños grupos que habitan las escenas —o ni tan siquiera escenas— de provincias de todo el país. Chavales sin pretensiones que no llegarán pero lo disfrutarán, otros que quizá no se crucen con la gente adecuada para el impulso, y otros que tienen ese ‘duende’; esas trazas que hacen pensar que pueden llegar a ser algo grande. O más que grande, especial. Esos que podrían llegar a las canciones que podrían ser tu vida. En esas coordenadas están los madrileños .bd., que como suele ocurrir, de una maqueta, sala/pasos/perdidos, a Economato textil, es un grupo diferente.

Con la obviedad, tanto aquí como en los singles siguientes, incorporados en este EP, de unos temas mejor mezclados, hay algo más. De canciones que miraban más a un indie rock, incluso en inglés, que aunque sin sonar mal, seguramente les podría haber llevado a un camino sin salida, más clónico —o a quedarse entre los que no dan el salto—, cogieron la vía de ‘Cien y Cientos‘; una vía más post-rocker. Y a veces no tanto o no solo, sino también a una melodía pop con una ornamentación apabullante.

Economato textil es la prueba, por ahora irrefutable, de que el fichaje por un sello importante no es gratuito. Decía atinadamente probertoj el otro día que habían decidido echar la puerta abajo con unas formas que parecen obvias, a lo Black Country, New Road. Progresiones emocionantes, acordes y diálogos entre las guitarras o arreglos que suenan a ellos en ‘Ahora Sí‘. En algún lugar entre el art rock/art punk, con esos tramos valle, la suave voz de Marta Fernández y un torrente de energía. Uno de los cortes nuevos y en los que se respira esa magia de asistir en directo a su particular momento decisivo. Algo similar, inevitablemente, por parentescos estilísticos y época, a lo vivido con la ramperneta.

Pero en la jerga hipersónica del post/art-punk; en el post todo, sendos grupos pertenecen a clubes de lectura distinta —no todos leen a Slint—. Y de entre la lírica angst o poética, los arreglos de guitarra que suplen muy bien secciones de viento o cuerda o esos punteos tan Explosions in the Sky en ‘Hemos Roto los Espejos‘, hay una reminiscencia que me parece más singular, y que quizá, al menos para mí lo hace más emocionante. Y son las pequeñas explosiones de ‘Cien y Cientos’. Dentro de sus barridos, paradas y susurros, esa ornamentación de intensidad y emoción me recuerda por momentos a El Niño Gusano de El Efecto Lupa. Buscado o no, y en el baile de referencias, siempre hay un poso que permea entre generaciones.

O puede que solo sea cosa mía, pero que a alguien le suenen a cosas tan especiales no es solo bonito, es símbolo de todo lo que .bd. tienen entre manos. Canciones, ahora sí con una producción limpia y cristalina, valga el tópico, que no parecen de unos prácticamente debutantes. (Ferraia)

9. Nuevos Mundos - Nuevos Mundos

Género: noisepsicodelia para hacerte el centro del mundo

Apenas un EP, Mis Plantas, era poco para saber si lo de Nuevos Mundos podía cristalizar en algo de relumbrón. El cuarteto madrileño apuntaba ya maneras objetivos (el reverb, la neopsicodelia, el ruido) pero, claro... sólo tres canciones.

Ahora, el debut homónimo (editado en Cuarto Sonoro) en largo despeja dudas: hay grupo y hay banda. Hay canciones de sobra para sostener la incursión en un territorio donde muchos nos sentimos a gusto, pero tampoco aceptamos a cualquiera. Esa zona en la que habitan los Yisus que ya no ponían el taladro de feedback en primer plano. Ese lugar en el que el noise-pop endulza pero se expande. Los mundos de Jason Pierce (con o sin Sonic Boom). Los de Los Planetas antes del advenimiento del flamenco, de esas canciones que habitaban entre los hits pop. Los de, ay, Acetone: el grupo que más triunfó en el corazón de menos gente.

‘La levedad’ abre el disco para colocarte exactamente donde todo va a estar: el ruido y la calma, a la vez, en la misma canción, incluso en el mismo momento. Un lugar de voces ligeras que miran el panorama desde lejos, de guitarras atmosféricas y bases que Óscar Moreno (Nudozurdo, La Débil) ha producido para que el globo pueda echar a volar. Y vaya si lo hacen: ya sea a base de ruido dulzón noventero (’Atasco M-30’), ya mediante melancolía a chorro (’Biblioteca nacional’). Canciones para tumbarse en el suelo, cerrar los ojos, que te pasen por encima, echarte a flotar.

No, nada de shoegaze; más bien space-noise. Anda que no nos gustan aquí estas cosas. (probertoj)

8. Frente abierto - Guerra a Todo Eso

género: doom jondo

Existe la tentación de despachar a Frente Abierto con un displicente “aquí ya hemos estado”. En Morente, en Lagartija Nick, en La Leyenda del Tiempo y del Espacio, en Orthodox, en la Semana Santa, en la fusión, en el Nuevo Flamenco en agregado.

Y sería normal. Cada cierto tiempo brota un nuevo proyecto que aspira a superar las superadísimas fronteras del flamenco y a insertarlo en un terreno nuevo, por explorar, experimental. Dada la identidad de los ideólogos de Frente Abierto (Marcos Serrato y Borja Díaz, Orthodox), no es de extrañar que ese terreno, esta vez, trate del sludge y del stoner, del metal pasado por un filtro arcaizante.

La cuestión es que les sale muy, muy bien. Hay fondo y forma en las densas y oscuras canciones de Guerra a todo esto, demostrando que el flamenco, a su modo, no es más que doom jondo: un enorme lamento, oscuro y lento, un lamento que pesa y desgarra el alma. Los palos se insertan dentro del metal con una naturalidad pasmosa, a lo que contribuye el elevadísimo nivel de todos los cantaores involucrados en el disco.

En fin. Nuevo flamenco. Siempre que creas que ya lo habías escuchado todo, cree otra vez. (Mohorte)

7. Teitanblood - From the Visceral Abyss

género: capilla sixtina de lo oscuro

Teitanblood han construido desde hace tiempo una inmensa reputación como banda de culto en el metal extremo europeo, incidiendo cada vez más en un sonido intenso y oscuro que ante oídos de turistas se siente como una bola de ruido impenetrable. Pero son unos grandísimos arquitectos de lo brutal, estableciendo una escritura fina y trabajada sin dejar de moverse en un territorio lo-fi.

En From the Visceral Abyss pueden haber conseguido la producción más extraordinaria de su carrera, y aun así sigue sonando a un cañón que no se limpia tras cada explosión. Un death metal violento que toma sin pudor lo que quiere del black metal más incendiario, desde el que construyen piezas inmensas que no dejan apenas un solo respiro. De momento el grupo no concibe dar esos descansos, pero cuando crean temas destructivos con los riffs más extraordinarios, tocados a un ritmo perfecto, no son necesarias concesiones. Han creado una capilla sixtina de lo oscuro. (Black Gallego, Directo al excel de la tier del 15 de abril)

6. Casa dragón - No será para tanto

Género: Expats de la vida

Ah, la decadencia, qué guay, qué de imágenes potentes, poemas poderosos, libros inolvidables y canciones geniales nos ha dejado. Estamos encantados de poder intelectualizar sobre ella, pero tengo que confesaros el secreto: la decadencia es poética salvo que estés sumido hasta el cuello en ella. Ahí ya se revela como la putamierda real que siempre fue.

Casa Dragón saben de esto. No voy a decir que lleven toda su vida en decadencia, porque al fin y al cabo me están pagando por hacerles las liner notes de su disco y siempre parece mal, pero aunque su música viva más lozana que nunca, ellos llevan tragando decadencia hasta que ya no han podido más. Y, llegados a este punto, habiendo huido hacia las regiones devastadas (Soria, Mérida), han intentado articular palabra y les ha salido un disco de caras enfurruñadas, diversión beoda y muchísima mala hostia.

Tendréis que coincidir conmigo en que solo puedes estar de mala leche cuando la ciudad en la que vives te expulsa o te obliga a vivir en zulos. Cuando el sistema laboral se basa en excels absurdos que todos rellenan para que nadie mire con verdadera atención. Cuando te dan la cita médica para dentro de un año. Cuando son las 9:30 y ya te has aburrido de trabajar. Cuando la escalada de turra que llega por todas partes es insoportable. Patrick Stickles articulaba aquello, fundamental, de que “el enemigo está por todas partes y nadie parece preocupado o que le importe un carajo”. Casa Dragón especifican y señalan: “gente pija en todas partes con pulseritas repugnantes”.

En canciones cortas, construidas con ritmos trogloditas, aires Alehop! y los espacios en blanco que Neil Michael Hagerty y Jon Spencer no terminaron de escribir porque el primero le dio a la mandanga y el segundo al pijerío, Casa Dragón acaban encontrando la manera de salir de la decadencia. Se puede resistir, pero hay poco hueco: la huida (“Quiero ir con vosotros y con los colegas donde no haga calor y no gane la derecha”), el amor (“No será para tanto porque te tengo a ti”), gritar “abajo el trabajo” (y, más importante, cagar en horario laboral). O, directamente, gritar todas y cada una de sus nuevas consignas, en especial esta: “tengo un KPI para ti: que te mueras y me dejes vivir”.

La vida, ya lo decían Los Enemigos, mata. Lentamente, además. Tiene cientos de sicarios para irte dando boleto. Miguel, Cecilia y Muriel tocan, cantan y gritan para espantarlos y se agencian a Javier Ortiz para que ponga la suficiente lija al sonido y a Rosendo como imprevisto aliado contra la mierda. Solo así pueden acabar gritando que no será para tanto. No lo será: les tenemos a ellos.

5. La María - Robina

género: Petits grans milacres

Semana a semana llegan por aquí discos buenos, discos regulares, discos a los que asesinarías; algunos de los que machacas y después te olvidas, y quizá de vez en cuando alguno que podría cambiar tu vida. Y hay otros, de los que menos, que generan la sensación de que son un milagro. Es el caso del nuevo de La Maria, Robina (Propaganda pel Fet!, 2025). Un trabajo repleto de paradojas, que habla de los distintos procesos en el amor y en las relaciones, dividido en tres secciones, con mucha parte de autobiográfico. Con no pocas letras tristes que hablan de las pequeñas cosas en esas relaciones.

Y al mismo tiempo, es un disco que hace feliz por el resultado final y que resuena grande. Gracias, principalmente, a la portentosa voz de La Maria. Maria es Maria Bertomeu (Oliva, 1998), de quien ya destacamos su debut L’assumpció de 2023, y que entrega ahora Robina, mucho más desnudo, dejando que sean sus cuerdas vocales las que inunden todo el espacio.

Su debut, aunque bueno, daba más paso a un caparazón electrónico efectivo, y que llevaba a la actualidad la música tradicional valenciana. Y las tradiciones valencianas. Sin embargo, Robina es un LP que deja, acertadamente, mucha más rienda suelta a la vena folk. Donde los arreglos electrónicos son los menores, en pro de piano y a veces instrumentación propia de las bandas de tantos y tantos pueblos valencianos. Una forma más de enraizar en la tradición (e identidad), junto al propio uso de la lengua, demostrando que la llengua està viva. Especialmente en estos tiempos en los que algunos insisten en confundir, confrontar y disfrazar el arrinconamiento de libertad de elección.

Hace un mes, cuando se publicó el vídeo de ‘Consagració’ en directo, ya se vislumbraba el salto de un disco a otro, tanto con el enfoque como esa imagen que proyectaba de una artista, valga la redundancia, en proceso de consagración. Mientras que otros compañeros de generación y territorio juegan con esa efectista parte electrónica, La Maria reduce la marcha para centrarse en un disco más valiente, tanto por lo que trata, con versos muy crudos, como por hacerlo desde esa perspectiva todavía más tradicional. Más sencillo, haciéndolo a su vez más bello. Un camino que puede recordar al de Silvia Pérez Cruz. El gran acierto del disco: dejar que la música solo acompañe y arrope, sin intentar competir con una voz que modula y maneja a su antojo.

De esa emocionante ‘Ruptura’ inicial, casi a capela y subiendo de intensidad, a ‘Perdona Maria’ hay un precioso recorrido por las fases, por el desamor, la ruptura, el desconcierto, el aprendizaje o la reafirmación. Siempre sin quebrarse. También, en medio, momentos para el rescate al cancionero popular, para el fandango, las havaneras —qué maravilla esos coros finales en ‘Havanera papallones’—, para el estremecedor Consagració/Consagració/Consagració/Consagracio... Un disco para llorar de tristeza. Y de alegría por la fuerza que proyecta. Qué pequeño y qué grande a la vez. Qué maravilla. Y qué regalo también, joder. Bravíssima. (Ferraia, Directo al Excel en la tier del 11 de marzo)

4. EZEZEZ - Kabakriba

Género: Sísísí

Aunque lo fundamental pareciese lo contrario, lo relevante del post-postpunk siempre fue el primer “post”. No se trataba de volver al género original para hacer exactamente lo mismo, sino de ir más allá, coger lo necesario para echar a volar. Esto se ha ido haciendo cada vez más palpable a medida que más y más grupos volvían a esa influencia fundamental: los que lo entendían, como la chavalada del Windmill, y los que no, convertidos en postpostpostpostpostpunk, regurgitando una y otra vez exactamente lo mismo pero cada vez peor, menos arriesgado, menos post. Como la IA generativa nutriéndose de sus propios textos y degradando más y más lnternet por el camino, el ciempiés humano del slop. Slop-punk (hola, valéncia).

Pero, de repente, alguien lo vuelve a entender y se centra en una cosa, o varias, del post-punk para llevarla más lejos. Para juguetear con ella y, a la vez, construir algo nuevo. EZEZEZ empezaron titubeantes y en inglés y dieron un primer salto identitario con Katuzaldia, y ahora con Kabakriba han conseguido lo que buscaban: un disco lleno de tensión eléctrica y giros que te rompen la cadera, pero también uno que no quiere dejar de sonreír, divertidísimo y que contagia su sentido del humor.

Con una portada que es un espejo en el que te verás reflejado, y producido y grabado por Eneko Ajangiz y Álvaro Olaetxea en dos tandas, Kabakriba cumple la promesa de su título, acrónimo de Katuzaldia Baino Kriatura Bakanagoak: “Criaturas más extraordinarias que Katuzaldia”. Vaya que sí es extraordinario: ‘puntofinal’ lo abre con un sprint imposible, una carrerilla eléctrica en la que brillan esos “Yo soy Nino tu Amélie gure bakardadeari jarriko dotzegu punto final (Yo soy Nino tu Amélie / a nuestra soledad le pondremos punto final)“ y “Nire sudurra es muy de vasco diñozte asko y te ha enamorau (Mi nariz es muy de vasco me lo dicen mucho y te ha enamorau)”. Van saltando por el euskera y el español como lo harán todo el rato: da igual que canten sobre los despojados del siglo XV (”No se puede quitar lo que no se puede reclamar” en ‘Zorozelai’, donde claro que acabarás gritando “misil, misil, misil de la rue”) o de ir al mercado y no tener qué comprar: el descojono, asombro, contagio infinito de ‘No hay pescau’, que se cierra con “Ya no hay chipirones y menos marmitako / Patatas en salsa es lo que tenemos hoy / Le tenía que haber hecho caso a la alarma / Levantarse siempre a la hora que manda“.

Da igual si se ponen más metálicos en su aproximación funk (’noraezean’) o más libérrimos (la aparición del saxo en ‘Static Txomin’: todo el mundo sabe que la saxoneta es el vehículo al que subirse y ama a los zorros; al menos, todo el mundo correcto). Kabakriba está lleno de canciones repletas de imaginación, de esquivar los tropos normales del postpunk, de tensión acumulada que nunca se libera y de canciones buenísimas que no se quieren parar quietas en un solo punto: ‘ez da irirsten’ con su aire nirvanero, ‘new york’ y su calma psicodélica, ‘Laberinto Club’ y su aire “más normal”, que en su primera estrofa ya te ha soltado “Deja que me empache que se vienen baches / Llegaré tarde al bolo de Tatxers / Los piojos de mi tripa piden más piojos / Y a las cuatro de la mañana 1943¹ yo era Albert Hoffman en bicicleta al revés“. O ‘108.00 FM’ saliendo del coche (con quienes comparten ideas), que inaugura una recta final a-co-jo-nan-te.

Hay discos que desde la primera escucha sabes que nunca jamás te van a aburrir. Discos de apariencia directa que contienen luego cientos de detalles inaudibles en primera, segunda, tercera escucha, que te obligan a volver siempre sobre tus pasos. Discos que, por lo que sea, nacen y ya te dicen “voy a ser la hostia de importante en tu colección, de mí no vas a poder pasar”. Que te cantan “Babesleku baten babestu / Lagunez inguratu“ y el refugio son ellos. (probertoj, directo al excel)

3. Lorena Álvarez - El poder sobre una misma

Género: canciones de corazón encogido y puño en alto

Si tiramos de aquello de repasar artistas infravalorados, pongamos el nombre de Lorena Álvarez sobre la mesa. La asturiana se ha acostumbrado a entregarnos unos trabajos cuidadísimos y en los que la capacidad para cantar a lo mundano desde una belleza extraordinaria es tarjeta habitual de presentación. ‘El poder sobre una misma’, lejos de ser una excepción, podría ser el mayor ejemplo de ello en toda su carrera. Canciones que te llevan de viaje haciendo parada en la duda, la vulnerabilidad, la fragilidad, pero también en un ejercicio interno de reivindicación, autocuidado y puñetazo sobre la mesa.

Una sucesión de temas que transitan sin rubor entre lo asfixiante y lo encantador. En los que Álvarez aprovecha para cuidar las letras más que nunca (que ya es decir) sin importar el trabajo que vaya en ello, incluyendo más de la mitad de las canciones por encima de los cinco minutos. Una transición entre las rumiaciones de ‘Los pensamientos’, el engaño de melodía alegre pero letra bien dura de ‘El poder sobre una misma’... pero por encima de todo ese monumento de tema, esa canción catedralicia que es ‘Guíame’, que podría ser perfectamente la mejor canción de la carrera de Lorena.

Un disco que se puede bailar, cantar a voz en grito como durante ‘Increíble’ o escuchar con el corazón encogido en ‘Una mirada oscura’. Una obra maestra. (Chou, Directo al excel en la tier del 14 de octubre)

2. Balago - Ningú

Género: Ambient reconstruido

Más de veinte años después, Balago siguen tocando cualquier registro a mano, lejos de autoplagios y de pilotos automáticos, las dos peores caras de artistas que empiezan a acumular carreras dilatadas. En el caso de los catalanes, del post rock y el ambient glitcheado a lo Fennesz de sus inicios, al cinemático y profundo sonido de Darder, a los collages en las tres suits de su último disco, en el año pandémico. De aquellas suites, ahora Balago siguen con los collages en Ningú, con dos piezas de más de veinte minutos que sin embargo vertebran un poderoso y precioso ambient.

Como buen collage, dentro de él habitan pequeñas canciones y fragmentos. Simple y llanamente con algunos de los mejores pasajes que han construido en tiempo. Cine, glitch, drone épico y momentos entre el dub y el downtempo —que por cierto, recuerdan a las Cabras, aka Pentagrams of Discordia— para un viaje que te succiona a su universo en la Cara A. Un recorrido que sigue en la Cara B, donde tiene más peso un ambient más relativamente canónico o sencillo, sin tantas texturas, con tramos clasicistas y de nuevo lo mismo que en el anterior tema: épica y emoción pacientemente edificadas. Un trabajo experimental pero coherente, con muchos poros que siguen un mismo hilo vertebrador. Que parece que se va pero siempre vuelve. Como en tanto ruido del que hoy nos rodeamos, enmarañados en lo secundario y sin despejar lo mollar, ellos mantienen ese ruido pero nunca distraen la atención de lo importante; ese ambient final reconstruido. Una pasada. (Ferraia, directo al Excel en la tier del 7 de octubre)

1. Rachid B - Al Ghorba

Género: Bill Callahan con nostalgia por la tierra que tuvo que dejar

Como un La Estrella de David árabe, como un Dominique A atravesado por una tristeza muy particular, la de la soledad del que emigra, como un Smog norteafricano, así suena Rachid B todo el rato en Al Ghorba. Precisamente él mismo explica que “la palabra árabe “Ghorba” encapsula esa melancolía única, esa nostalgia profunda que siente el que emigra” y por todos los rincones de sus excelentes canciones se va filtrando ese aire. Como cuando en ‘Naas Ghalien’ canta “No me queda nada de aquel pasado maravilloso, su gente, sus fiestas, todo se lo ha tragado el ghorba” y podríamos estar perfectamente en un corte de Knock Knock.

O cuando su traje de cantautor electrónico y acústico le queda perfectamente ajustado. Parece que todo está desnudo, porque los arreglos son pocos, pero qué certero todo aquí, qué fácil de sentirse dentro.

Hay algo de blues (poco sahariano), muchísima música triste y, en medio, un par de arrebatos líricos de felicidad (‘Sadekki’, musicado como Nick Drake); algún arreón de optimismo (la canción que le da título y también ‘Holmm’); un par de reggaes excéntricos (en uno de ellos, ‘Al Ohm’, recuerda a su madre de forma contundente: “Dicen que es fácil olvidar. No creo, mis recuerdos contigo me devoran cada instante, te echo de menos constantemente. Dicen que ser extranjero mola mucho, que dejar tu hogar es un orgullo… a mí me ha sido difícil asumirlo. Echo de menos tu voz, tus abrazos, echo de menos…”) y muchas, muchas, muchísimas razones para que sea excel en nuestro corazón. (probertoj, directo al Excel en la tier del 21 de octubre)

Subscribe now

• Parte 1

• Parte 2

• Parte 3

• Parte 4

• Parte 5

10. Massage - Coaster

Parecía, y así fue al principio, que la perdida de The Pains of Lolailo iba a ser difícil de sanar. El grupo que mejor resumió 20 años de indie-pop a base de rehacer el indie, el college, el twee o el jangle en un sólo mejunje se fue y, al desperdigarse, parecieron dejar grupos majos-pero-ok. Como Massage en sus comienzas.

Ok, asumo que como oyentes siempre somos exigentes de más, que para algunos de nosotros un “han vuelto, y a lo mismo” puede no ser suficiente. Es más: admito que la distancia entre “lo mismo” y “sus mejores canciones, las más emocionantes, las que me han hecho sonreír a la primera, esas en las que, desde primera escucha, sé que voy a vivir para siempre” es pequeñísima.

Sí, pequeñísima. Coaster han dado los dos o tres pasos necesarios para pasar del simplemente-OK Oh, Boy a la colección de himnos pop casi perfecta que es Coaster. Massage no quiere recordarte a nadie, pero lo hacen. Y, a la vez, como lo saben, cada una de las veces que crees que van a caer en la trampa de todos los demás (el bajo new order, el recuerdo The Cure, el influjo britpop), ya te han dejado la cintura como las rodillas de Militao: hecha un cisco, preguntándote cómo es posible que “lo mismo” sea “las canciones que me han hecho sonreír a la primera, esas en las que, desde primera escucha, sé que voy a vivir para siempre”.

Y, luego, es un disco jodido. Saltarín en su mood musical, pero hecho trizas en su lírica. “Este tira y afloja me marea / y me dan ganas de rendirme./ Eso es lo que quieren. No te rindas”, sueltan al final de ‘Daffy Duck’. “Me siento marchito, no es la primera vez”, te escupen suavemente al comenzar ‘We’re Existential’.

Esquivando la normalidad indie justo cuando van a pisarla, plantándote una sonrisa en la cara mientras a la vez te rascan la herida existencial hasta dejar a la vista el hueso (el vacío, en realida), comportándose como uno de esos pocos discos me hacen click inmediato, aprovechando la nota de promo (por cierto, da gusto leerla) para soltar perlas como “supongo que eso es madurar: aceptar que no eres el centro del universo”, dejando que Gabrielle Ferrer suba el tono, abrazando arpegios de 12 cuerdas y soltando el libro de oro del Indie Que Importa (cagüensós, hasta llamadas a los Twerps), Massage se han hecho imprescindible. Listo, herida sanada. (probertoj, en el frikexín #24)

9. Horsegirl - Phonetics On and On

Género: Softmuertismo indie

De la hornada de grupos de indie rock estadounidense que llegan anualmente, el debut en 2022 de Horsegirl ofrecía un trabajo interesante. Un primer disco acercado al canon, con las habituales distorsiones abiertas para dejar que las guitarras se erigieran como jefas del ruido, aunque había un pequeño margen para temas más pausados y mostrando que no había necesidad de escalar. Tres años después, sin prisas, y trabajado pacientemente, Phonetics On and On acaba por demostrar que puede no tratarse de otro-grupo-de-indie-norteamericano. Hay que reconocer que el debut, siendo notable y estando en esas coordenadas, corría ese riesgo. Sin embargo, este segundo largo va precisamente por los derroteros contrarios a los que habría seguido cualquier grupo en ese contexto. Un (feliz) cambio de planes inesperado.

Frente a más pedal y estruendo, Horsegirl rebajan las revoluciones. Lo que redunda en un disco igualmente excitante al dejar más protagonismo a las voces, sin renunciar al papel protagonista de las guitarras, corales a pesar de no ser tan eléctricas y mirar más a una sencilla ecuación más pop. Una deliberada bajada de las marchas para a veces jugar en canciones que parecen desnudas como las de Beat Happening. Y una acertada apertura a derivados del twee y jangle pop. Aunque el disco empieza con un buen raca-raca, poco a poco va mostrando que el camino a seguir no será ese, sino sentirse cómodo y calentito en guitarras afiladas pero con ese olor a campanamuertismo débil.

Muchos detalles como el cambio de ritmo de ‘Rock City’, la musicalidad del no-bajo en ‘2468’ y su constante diálogo entre las guitarras, tanto allí como en ‘Switch Over’ con la guitarra solista, dibujando por encima otra melodía... Una revolución de colores dentro del indie USA. Ante el riesgo de caer en unos enésimos Pile o Speedy Ortiz sin recorrido, una casilla más cercana a la de Veronica Falls o Vivian Girls. Sí, menos era más. Chapó. (Ferraia, Excel en la tier del 18 de febrero)

8. Efdemin - Poly

Género: Ruidos infinitos

Dentro de la escena europea, Efdemin fue uno de los que mejor recogió el guante de la esencia minimal de Robert Hood. Con trabajos que inicialmente convergían también en el deep house, el artista alemán fue desplazando su propuesta a un terreno más esencialmente minimal techno, lo que le daba más músculo a su propuesta. Y sin que ello implicase renunciar a otros postulados más centrados en el detalle. Con ello, aunque New Atlantis, de 2019, asomaba el lomo de forma más interesante, con una propuesta más compleja, se quedó a medio gas.

Seis años después, y con toda la paciencia del mundo, Phillip Sollmann ha compuesto un álbum bárbaro. Lo más completo que ha hecho hasta ahora. Un disco que va en muchas direcciones; si pudiéramos coger el sonido con ambas manos, se nos escaparía por todas partes. Una obra que se va abriendo cual cebolla, soltando sus capas, como mostrando sus credenciales, hasta llegar al gran petardazo, ‘Microphase’. Euforia, recortada a bocajarro y de fondos, líneas melódicas, casi escondidas, que van añadiendo más texturas. Presets característicos del minimal, con ese caniqueo, que le dan empaque a un esplendoroso tema que sigue a la suya abriendo más y más capas. Efdemin desbocado.

Hasta llegar a ese punto, el epicentro, pequeñas sacudidas que ya avisan, como ‘Drift’, el sonido orgánico de ‘Poly’, el dub de ‘Signal to Noise’... Y para acabar viajes de bonita ornamentación, muy onírico 00s, como ‘Radical Hope’, pero después golpeando en seco. Con un final barbitúrico, pero con otra maravilla en el penúltimo corte. En fin, un disco que no se acaba nunca. Y todo embutido en once temas, sin tener que irse a minutajes demasiado largos. Pero un disco en el que pasan tantas, tantas cosas, que parece casi inabordable. Comparado con sus inicios, aquello parece un juego de niños. Por eso te advierte en la portada: pon la oreja atentamente. Magistral regreso. Mereció la pena esperar. (Ferraia, Excel en la tier del 18 de noviembre)

7. BRUIT ≤ - The Age of Ephemerality

género: they might be giants

No es sencillo embadurnarse de maneras experimentales, de coartadas conceptuales y de un contenido expresamente político y salir indemnde. No es sencillo, en suma, pisar los terrenos quebradizos y resbaladizos de GY!BE y devolver un producto limpio, refinado, reflexionado, con altas dosis de imaginación y originalidad. No es sencillo ser BRUIT ≤ y dar continuidad al que ya fuera un disco sensacional, aquel The Machine Is Burning and Now Everyone Knows It Could Happen Again.

The Age of Ephemerality es todo lo que uno esperaría de un grupo adherido al siempre conflictivo apelativo “post-rock”: una deconstrucción de usos y maneras sobre la que se vierten nuevos significados. Hay aquí arreglos de cuerdas, guitarras solitarias, samples electrónicos, algo de shoegaze, algo de industrial, algo de field recording. BRUIT ≤ navegan todas las aguas de forma solvente y logran que el viejo truco del género, ese arriba-abajo como atajo para elevar el espíritu, funcione sin que debamos arquear la ceja.

En ese sentido, BRUIT ≤ se arriman aquí a los mejores Mogwai, aquellos que encontraban cosas hermosas en estructuras derruidas y en paisajes devastados. Los ensimismamientos industriales de ‘Progress / Regress’ y ‘Technoslavery / Vandalism’ son el mejor ejemplo de ello. Pero hay mucho más que referencias; hay, de hecho, un discurso orgulloso que no le debe nada a nadie. Sirva esa emoción entrecortada e inquietante de ‘The Intoxication Of Power’, sin duda el punto culminante del disco, como prueba de su inmenso talento. (Mohorte, Excel en la tier del 26 de agosto)

6. Golomb - The Beat Goes On

Género: A la izquierda del dial aún queda espacio

Qué bonitos los discos que cada vez que te los pones te recuerdas por qué necesitabas volver a ellos. No siempre pasa: la elección de qué nos ponemos es, muchas veces, una nacida de lo emocional, no de lo racional. De dejarse llevar, no de pensar.

Golomb debutaron en 2022 con un disco que no escuché en su día y al que he tenido que hacer caso ahora, cuando su The Beat Goes On ha ido dejándome muchos días de verano la necesidad irracional de regresar a sus canciones. El trío de Ohio ha firmado 35 minutos de ese college rock que levantó las bases del indie-rock noventero. Oyes en sus canciones los ecos a Yo La Tengo, a Built to Spill, a Guided By Voices. La gente que extraía del final de los 60 y de los 70 menos pantagruélicos el tuétano que luego regaron con ruido.

No se casan con el pop (’Experience Humanness’), pero saben cuándo encamarse con él (’Staring’). Le dan bien a gusto a los riffs (’Real Power’), seguramente han estado tan enamorados de Kim Deal como toda persona sensata puede estarlo (’Pressure’, ‘The Beat Goes On’). No le temen a sonar sureños, de bajona potente (’Dog’) ni tampoco a enchufarse a las venas de Jason Pierce (y mira que yo tendría cuidado con eso). Y en ese desnorte vital en el que nadan a gusto me río un rato cuando llega ‘Other Side on Earth’. A tope con ellos precisamente porque tanta disgresión les va a poner a un huevo de gente en contra a medida que el runrún de que molan crezca. (probertoj, Excel en la tier del 19 de agosto)

5. McKinley Dixon - Magic, Alive!

género: el hip hop y la fiesta sin límites

El duelo es un proceso complejo y personal, que cada uno puede explorar de maneras diversas. Se mira mal cuando alguien que experimenta trauma o pérdida parece mostrarse aliviado o incluso contento demasiado pronto, pero la catarsis eufórica es necesaria para la sanación. Así lo ha entendido McKinley Dixon, uno de los raperos más excitantes de los últimos años haciendo su particular exploración libre y apasionante sobre sus pérdidas.

Magic, Alive! lo lleva a un territorio incluso más extraordinario y festivo, desplegando mezclas de sonidos y bases de marcado carácter de jazz libre pero siempre guiado hacia el éxtasis. Es un disco muy vivo sobre los lazos inefables que todavía se mantienen con quienes ya no están ahí. Puede ser rarísimo hablar de un disco extremadamente disfrutable con semejante hilo temático.

Pero es justo lo que ha hecho de Dixon una arrolladora presencia en los últimos años, y Magic, Alive! es perfectamente una de sus mejores facetas expresada a su máximo nivel creativo además de disfrute. Digresiones y zigzags sonoroso estimulantes que cristalizan uno de los mejores discos de hip hop de este año. (Black Gallego, Excel en la tier del 17 de junio)

4. Tómarúm - Beyond Obsidian Euphoria

género: la extrema técnica contra el extremo centro

El declive de muchos grupos de metal progresivo de la década pasada invitaba a poco optimismo para el futuro de esta clase de variación progresiva, pero esta ha terminado encontrando nueva fuerza y relevancia como elemento de muchos grupos extremos americanos que, por si fuera poco, están destacando más allá del nicho. El buen hacer de Blood Incantation o Tomb Mold no ha pasado desapercibido, y tampoco debería hacerlo el de Tómarúm.

Su debut ya era sensacional, azuzando las raíces del death metal técnico noventero e introduciendo también las intensas artes de un black metal de querencia melódica. Beyond Obsidian Euphoria consigue ser un paso adelante en todas las áreas, con el grupo expandiéndose hacia una dirección más personal además de ambiciosa. El grupo desarrolla interesantes detalles de refinamiento tanto en instantes de pausa bien elaborados (y limpios) así como en sus exabruptos más épicos.

La producción realza como es debido la amplitud de miras a la que aspira su sonido y también la evolución fabulosa de las piezas, construidas con fabuloso mimo además de un brío abrumador. Es un disco que se presenta inmenso de primeras, e incluso poco convencional por momentos, tornándose cada vez más rico y extraordinario conforme se profundiza en él. Un nuevo alegato de cómo el metal extremo sigue siendo uno de los géneros más vivos y que más grupos ofrece capaces de replantear sus reglas. (Black Gallego, Excel en la tier del 22 de abril)

3. Caroline - Caroline 2

Género: lo perturbador como zona de confort

Aunque habrá mil matices, supongo que cuando uno se encuentra con un éxito insospechado puede seguir, a grandes rasgos, dos caminos en lo sucesivo. Por un lado está la opción de mantener la misma línea, suavizarla incluso de ser preciso, pues es demasiado goloso seguir capitalizando todo eso que nunca pensaste que llegarías a tener (aunque sea más a nivel de crítica y todavía no te hayas hecho millonario por el camino). Por otra banda, existe la opción de que, ya que te han comprado lo anterior, seguir buscando vueltas de tuerca para ver quién te sigue el camino. Seguramente el segundo plan es mucho más arriesgado, por mucho que sepas que cuentas ya con cierto bote salvavidas en la borda. Aunque a los aquí presentes sin duda es el que más nos excita.

No sé hasta qué punto los londinenses Caroline sabían que tenían un éxito entre manos cuando lanzaron su primer disco. Supongo que la ilusión siempre está ahí, pero el éxito es algo al fin y al cabo un tanto azaroso. Así, hace tres años, su propuesta a medio camino entre mil etiquetas (fue aquel un disco de post-rock?, fue una apuesta por sonidos incluso neoclásicos? se trató tan solo de un disco de rock al que le dimos demasiadas vueltas?) nos enamoró a muchos. De la misma forma en la que lo ha vuelto a hacer su siempredifícilsegundodisco. ‘Caroline 2’ despeja aquellas dudas sobre qué camino seguir de las que hablábamos en ‘Total euphoria’, un primer corte ya conocido que opta por un sonido en el que los riffs discordantes, la irritación e incomodidad se convierten, de nuevo, en la mejor carta de presentación de Caroline.

No hay nada en ‘Caroline 2’ que no me genere profunda y sincera emoción. Desde esos pasajes en los que se busca irritar a cortes un tanto más pop al uso (qué gozada la colaboración con la Polachek en ‘Tell Me I Never Knew That’!). Seguramente mención especial a ese crescendo rock que llega en ‘Two Riders Down’ y que me quita dolores articulares presentes para devolverme a la energía que creía perdida, tras haber dejado atrás esa maravilla de trazas boniverianas en ‘U R UR ONLY ACHING’. Caroline se asientan con su segundo disco en esa zona que les garantiza poder vivir de esto cuando menos unos años más si ellos lo desean. ‘Beautiful ending’ pone un broche, de nuevo atípico (cómo si no?) a su disco de confirmación absoluta. (Chou, Excel en la tier del 3 de junio)

2. Ex-Voïd - In Love Again

Género: Enamoraos de la vida, aunque a veces duela

Enamorados de nuevo. El título del segundo disco de Ex-Voïd también nos define por aquí. Sí, lo tenía fácil: sus guitarrazos de cuando Dinosaur Jr. pisan el pop, su tensión dulce a lo Sugar, esa Lan McArdle comportándose como lo que tenía que haber pasado en realidad en esta dimensión, que Juliana Hatfield le hubiese completado la OPA amistosa a Evan Dando para firmar del tirón los dos mejores discos de power-campamuertismo posibles (sólo firmaron uno y un cuarto).

Ahí vamos, a que uno tiene muchísimo derecho a echar de menos los Lemonheads GUAYS. Puede soñar con que, hey hey my my, el noise-pop will never die y portar la antorcha de ‘Pinhead’ como señal. O imaginar que le envías una toma en directo cutre y PERFECTO del ‘Lonely Girls’ de Lucinda Williams a Robert Pollard.

Uno, y por uno me refiero a mí mismo, se derrite cuando esas guitarras, tan saturadas como elegantísimas, van dejando por el camino notas por las que llorarías. Uno, y de nuevo me refiero A MÍ, se muere de envidia, y de gusto, cuando sin aparente esfuerzo dos voces empastan tan bien como las que habitan en lo nuevo de Ex-Voïd. Que mirad que parece fácil lo que hacen en ‘Sara’.

Tres de las Bs-que-importan de la historia de la música (los Byrds, Big Star y Beenage Banclub) lo atraviesan absolutamente todo y demuestran que la culpa de los que influyen MAL siempre es de los demás.

Al final, va a haber que convenir que Joanna Gruesome, la banda de noise-pop que mejor aprovechó el nombre de Joanna Newson, fue el germen de algunas de las mejores bandas de la década de los 20s, puesto que ya tenemos claro que The Tubs sacaron un discazo y apuntan a que sacarán otro y Ex-Voïd... nos han enamorado de nuevo. (probertoj, Excel en la tier del 21 de enero)

1. Candelabro - Deseo, carne y voluntad

género: el espacio de la creencia

Víctor Jara, Funeral, Artaud, Gabriela Mistral, Humberto Maturana, Juan Pablo II, el Concilio Vaticano II, Viva Chile, la escena de Canterbury, Black Country, New Road, la Biblia en verso.

Es tentador escuchar Deseo, carne y voluntad, el segundo trabajo de Candelabro, y juzgarlo a través de sus referencias. Son tan abundantes y tan transparentes que uno podría justificar su opinión hacia el disco a través de ellas. Al fin y al cabo, ¿quién podría aunar tanta conceptualidad, tantos aires de grandeza, tanta religiosidad sin incurrir en el pecado del exhibicionismo? Candelabro, así, elegirían ser juzgados a través de sus ademanes.

Sucede que Deseo, carne y voluntad es un disco compuesto de sustancia: la que brota de canciones muy vivas, obsesionadas con los cuerpos y con las almas. Cuando Candelabro arrancan a gritar “¡desalambrar, sentir las voces!” en ‘Domingo de ramos’, referencia a la canción que Víctor Jara compuso por la reforma agraria chilena, todas las dudas sobre Deseo, carne y voluntad desaparecen: es ahí, justo ahí, en el sentido coral y catárquico de su música, donde Candelabro rellenan de sustancia los conceptos etéreos sobre los que pivotan.

Sucede una y otra vez a lo largo del disco: no importa lo artie, prog o místicos que se pongan, Candelabro salen airosos de todos sus arabescos porque agarran a sus canciones desde lo flamígero tal y como hicieron Arcade Fire en sus inicios. Pasa en la tremenda recta final de ‘Haz de mí’ (”Y en mi cabeza no para de sonar / son años de deseo, carne y voluntad”), en la letanía de ‘Ángel’ (“no me desampares por favor, ni ahora ni en mi muerte”) y en el monólogo exasperado de ‘Liebre’, consecuencia natural de un disco borracho de espiritualidad.

Pero esa espiritualidad está bajada a tierra en todo momento. Deseo, carne y voluntad no es un disco religioso sino un disco sobre el hecho religioso: el que vive cada uno en su fuero interno, complejo y contradictorio, y el que se expresa social y políticamente. Esto es evidentísimo en ‘Pecado’ y en ese Dios al que solo vamos a encontrar en los barrios más pobres de Santiago (“Dios no elige a su pueblo, el pueblo elige a su Dios”) y también en ‘Tierra Maldita’, donde Candelabro le cantan al Dios católico las mismas verdades del barquero que Ezra Koenig le cantaba a Yahvé (”¿Cuántos cuerpos vas a cargar en tu nombre, oh señor?”). Más que una elegía, Candelabro le están rindiendo cuentas a Dios: si esta es tu obra no sé cómo no te mueres de vergüenza.

Yo entiendo todos los “peros”. Candelabro plantean tantas barreras teóricas que es difícil no estrellarse contra ellas. Pero hay cosas ante las que no cabe raciocinio, tan solo corazón. Y no hay canción este año con más cuerpo, alma y corazón que ‘Cáliz’, una catarsis apabullante sobre el cuerpo como templo, el cuerpo como cáliz, el cuerpo como defecto y el cuerpo como herramienta para descubrir no a Dios, sino a uno mismo, en la paz y en la gloria que nos demos, amén.

Un disco absolutamente descomunal. (Mohorte, Excel en la tier del 14 de octubre)

Hi, personicas:

Si en todos los “¡Valladolid, buenos días!” tenemos nuestro momento para pausar la actualidad, ¿cómo no ibamos a tenerlo en medio de la lista de lo mejor del año? Iba a ser una recopilación de memes de otros, pero, al final, hemos preferido hacer ha acabado siendo algo muy distinto para recordar que lo mejor siempre es una breve interrupción.

Además, va a servir para que penséis. Si sois capaces de adivinar qué discos forman el top 10 de Hipersónica Y los tres primeros puestos están en el orden correcto, os regalamos una suscripción de un año para vosotros y otra a la persona que nos digáis. Adelante, escribidnos la respuesta a hipersonica@substack.com. Tenéis sólo hasta las 7 AM hora española del domingo para hacerlo.

(si no veis el post al completo, entrad en el enlace de la web, que el correo admite lo que admite y éste va BIEN pesado)

First of all, fuck you all

Queremos resumir esta nuestra Comunidad en una imagen

O en otra

Pero no podemos, porque la tercera es aún peor:

… Así que os cuento. Nos gusta la música

Porque de la geopolítica no podemos vivir

No se puede negar que tenemos un don para mantener suscripciones

Y que nuestro Club de Lectura tiene los mejores prescriptores

Y hasta nos hemos echado a nuestro Juan Cruz:

Parece que somos buenos en cosas

Y las madres de los grupos preguntan por nosotros

(Atiende, mamá de Ramper)

Podemos decir que dejamos a la gente satisfecha

Pero mejor dejemos de hablar de nosotros

Hablemos de nuestros lectores. Gente con cabeza

Personas que saben que hay cosas que no son incompatibles

Que no tienen miedo a decir lo que piensan

Y que hacen turismo de interior

Gente con contactos

Personas serias y respetables

Que saben cuál es el Ciclo del Hombre

Y del Niño

Gente con capacidad de discusión fuera de duda

Grandes dotes para la lírica

Buena vista

Estupendo oído

EXTRAORDINARIO oído

Sensacional caminar

Y que prefieren los vinilos

Gente con familia

Algunos, ya con una edad

Incluso puede que al borde del ictus

Pero aún con buen pelo

Read more

• Parte 1

• Parte 2

• Parte 3

• Parte 4

• Parte 5

20. Shallowater - God’s Gonna Give You a Million Dollars

género: Jason Molina vive en las voces y las guitarras de otros

Se ha hecho muy palpable la emergencia del nuevo indie folk-country este año, con frescas Rodas de artistas creando su propia escena. Hay tantos creciendo en tantas direcciones que hasta están saliendo los hijos perdidos de Jason Molina, que este año están bien representados con el último de Friendship (todavía descorazonador) y ahora también el sophomore de Shallowater.

En God’s Gonna Give You a Million Dollars el trío retoma las lecciones seminales de los Magnolia Electric Co. y las refrescan para las nuevas generaciones que están redescubriendo las raíces de mano de los MJ Lenderman, Wednesday y compañía. Claramente Shallowater son mucho más tristones y supuran más en cada pasaje de guitarra que los otros, pero son también representantes de una legión dispuesta a mostrar que gente como Molina no morirá nunca mientras suene en las voces y guitarras de otros.

Su manera de crecerse y expandirse dentro de sus propias canciones, casi como si estuvieran descubriendo rincones en tiempo real junto al oyente, hace los desarrollos de las mismas grandiosos, aunque nunca grandilocuentes. Siempre hay un alma muy genuina que está con las llagas a vista de todo el mundo, y es capaz de romperte en severos pedazos desde la tensa melodía y también desde el estallido de ruido más conseguido posible. Una bola de demolición en todos los sentidos posibles. (black gallego, Excel en la tier del 16 de septiembre)

19. Gold Dust - In The Shade of The Living Light

Tengo que reconocer que me flipa la portada de este disco de Gold Dust, pero que no esperaba que, tras ella, el grupo de Stephen Pierce explorase los recovecos de las guitarras emocionales de J Mascis. Creía que iba a entrar en un universo tristón y de bajona, y, por contra, caí en uno de enérgica melancolía.

Luego me enteré de que el propio Mascis participa en ‘An Early Translation of a Later Work’ pero para entonces ya estaba prendido de canciones que deberían gustarte si lo mejor de Dinosaur Jr siempre te ha parecido la facilidad con la que plantaban las semillas de futuras lágrimas.

Hay mucho más que Mascis aquí: por allí resoplan Fairport Convention, por allá folk del terruño o un vistazo a Automatic for The People y por acá ‘Moths To Glow’ y su pátina ácida que, brevemente, construye una hermosa letra:

There are thousands of methods of lighting a room,
Some people hold candles while others just burn
And some will stand transfixed, like moths to the glow
And singe their wings off in the warmth

Hala, a meter a Stephen Pierce en la libreta del indie-folk que merece la pena seguir. (probertoj, en el Frikexín #22)

18. Use Knife - État Coupable

Género: Sacudida electroarábica

Use Knife es el proyecto de los belgas Stef Heeren y Kwinten Mordijck junto al iraquí Saif Al-Qaissy. Un conjunto imbricado política por contenido y continente. En este Estado Culpable, su segundo álbum, Heeren comparte vocales con el percusionista Al-Qaissy, quien huyó de Iraq, y que ahora asume mayor protagonismo para darle todo el sentido a un álbum que rompe ese viejo prejuicio de que la electrónica es ajena a la política. Como es obvio, además de los detalles como el mirar a la música árabe, configurada aquí con sus percusiones y las de sintetizadores casi industriales, el músico iraquí aprovecha para mirar en las contradicciones occidentales. Y más que contradicciones, con la mirada etnocéntrica y hegemonía de Occidente, gritando contra sus invasiones y discrecionalidad para otorgar la ‘libertad’ a terceros.

Un álbum en el que además de desmenuzar estas cuestiones, ofrece una rica simbiosis entre la electrónica y la música Khaliji, propia de los países árabes del Golfo Pérsico, con sus ritmos y percusiones, de las que se encarga Al-Qaissy, y que funcionan tremendamente bien, como se siente en su eléctrico arranque. Casi EBM y derivados industriales juntos en el desierto en ‘Demain Sera Mieux’ —por cierto con unos vocales que casi parecen The Knife—, festival percutivo y tribal en ‘Iraqi Drum Set’ y puro trance también en ‘Kadhdaab’. Además del gusto por marcar las rítmicas que tiene el disco, los vocales de Al-Qaissy aportan sin duda un eje transversal que le da una carga folclórica y fuerte al disco. Un recorrido casi rave en el tema que da nombre al disco, descargando todo con un crescendo que lleva casi al éxtasis pistero, al tiempo que durante todo el álbum se van mostrando las cicatrices aún abiertas. No solo en Iraq o los países árabes. También en Occidente. (Ferraia, fue Excel en la tier del 26 de agosto)

17. Friendship - Caveman Wakes Up

Género: amigos de Manuel José

La categoría de “coleguitas de Manuel José Lenderman” no ha dejado de crecer en los dos últimos años y es llamativo que sea él, y el entorno Wednesday, el que esté focalizando un resurgimiento del indie-rock folk-country. Aquí encontramos a Dan Wriggins (voz principal y guitarra), Peter Gill (guitarra, sintetizador, vibráfono), Michael Cormier-O’Leary (batería, percusión, piano, órgano) y Jon Samuels (bajo, sintetizador), y de ellos, Samuels toca en el grupo de MJ Lenderman y Cormier-O’leary y Samuels dirigen el sello que edita a Florry o Fust. Es decir, buenísima mandanga toda en la misma línea.

El cuarto de Friendship nace de Dan Wriggins viviendo like a rolling stone: encharcado en una decepción amorosa, primero, y otra vital, después, vivía sin hogar fijo hasta que Karly Hartzman y MJ Lenderman le ofrecieron refugio en una casa en las afueras de Asheville. Ahí empieza a escribir canciones que acabarán sonando a Jason Molina y letras y voces que recuerdan a David Berman.

Es un disco de decisiones valientes: la de la empatía suprema (incluso con una primera dama adicta, como Betty Ford), la de elegir (y grabar) ‘Free Association’ como single, la de los ruidos guturales en los que el cavernícola se enfanga en la recta final de ‘Hollow Skulls’, el acertado retrato del fin del amor de ‘Love Vape’ (”Demasiado tarde para dar marcha atrás ahora / si no sabes cómo terminarlo, simplemente puedes desvanecerte“), las narraciones de treintañeros enganchados a los videojuegos porque ¿a qué del resto de la vida te vas a enganchar?...

Mucho Songs:Ohia, mucho Silver Jews, un poquito de Smog y bastante de Crazy Horse viven en un disco que, de primeras, parece que no da todo lo que tiene, pero que lo va soltando hasta que te tiene. Un disco-gramínea. (probertoj, fue excel en la tier del 17 de junio porque antes…)

género: el cowboy triste juega al Resident Evil

Son buenos tiempos últimamente para un folk country de sensibilidad totebag gracias a una nueva ola indie que está encontrando voces interesantes en la reinterpretación de las raíces, en el rescate de los otros discos que también importan de Neil Young. Varios de nuestros discos favoritos de los últimos años, como los de Big Thief o M.J. Lenderman, eclosionan años de ir madurando progresivamente en esa escuela.

Friendship parecen dispuestos a conquistarnos también luciendo lo que hay en su totebag decorada con un emoji de un cowboy triste. Más apoyados en el country, así como de una artesanía lenta y elegante a lo Tindersticks, en Caveman Wakes Up van dejando una gran exhibición de melancolía que decoran con algún detalle sorprendente de cuando en cuando. Instrumentaciones inusuales y producción que quiere ir más allá de lugares comunes, dando más lustre a canciones que van exhibiendo una voz bastante especial y distinguible, que además te crees cuando está cerca de romperse mientras habla de quedarse a jugar al Resident Evil. (Black Gallego lo había metido al sí)

16. Ninajirachi - I Love My Computer

Género: coca + keta = voltereta

Hay algo en la propuesta de Ninajirachi que roza el placer culpable. En realidad es seguramente el hecho de no atravesar con frecuencia los terrenos EDM. No estás seguro, pues, de que las petardadas continuas soltadas por este ex-cel-so álbum de debut sean más bien temas de exceso mal dirigido. Las dudas sobre si dejarte llevar y disfrutar plenamente de una concatenación de jits bailables incontestable o si, por lo contrario, mantienes bien limpio tu monóculo están ahí. Duran, exactamente, medio tema. Te sorprendes a ti mismo moviendo el culo sobre la silla en ‘London Song’, pero para cuando empieza ‘iPod Touch’ ya has decidido apagar las luces del salón y encender aquella bola de luces que le regalaste a tus hijas para montar fiestas de cumpleaños.

La australiana mejora hasta tal punto tu día que probablemente debería convertirse ipso facto en una de tus mejores amigas. ‘CSIRAC’ te inyecta más energía que un concentrado de taurina, es imposible no acabar saltando en el sofá y asustarse un tanto porque las palpitaciones te abordan. Seguramente lo más sensato sería parar un poco aquí, beber algo de agua, respirar, recuperar el pulso. Pero no es algo compatible ni con ‘Delete’, ni con ‘All I Am’, ni con ‘Infohazard’ ni con nada que habite esta presentación al mundo de Nina Wilson. Imparable, absolutamente reivindicable y merecedora del más fervoroso rendimiento de culto. (Chou, Excel en la tier del 9 de septiembre)

15. Gingerbee - Apiary

género: yeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeey

Escuchando a Gingerbee uno no puede sino retraerse a aquellos años del indie post-milenarista donde catorce chavales se subían al escenario y aporreaban furibundamente toda clase de instrumentos: violines, trompetas, guitarras, bajos, pianos, acoreones, doscientos coros, todo a la vez en todas partes y a toda velocidad, como si no hubiera un mañana —no lo había—. ¿Echáis de menos a Los Campesinos y tener 17 años? Yo muchísimo.

En fin, Gingerbee son la encarnación genzer de aquel frenesí millennial: Apiary es un disco compuesto desde once ciudades del mundo, discutido en Discord, grabado en habitaciones distantes a miles de kilómetros entre sí y montado en plataformas de edición digital. El resultado es un tanto caótico: Gingerbee oscilan entre la pausa y la contemplación brasileña —uno de sus miembros es brasileño y la sambra impregna varias pistas del disco— y los estallidos aleatorios de screamo, todo ello sostenido sobre una verborrea jazz fascinante.

Las canciones son tres, quince, ciento cuarenta y dos cosas en una; el número de instrumentos empleado en la grabación es insultante —”guitar, cavaquinho, bass, lyrics, clean vocals, synths, keyboard, upright piano, electric piano, melodica, percussion, miku otamatone, slide whistle, percussion (cuíca, clave, bongos, tambourine, triangle, tamborim, pandeiro, agogo bells, egg shaker, cowbell, 40-inch gong, glockenspiel)”—; el resultado deja a uno patidifuso.

Apiary es un disco luminoso (’Samba do Nosso Céu’) y un poquito triste, como fueron siempre los chavales (’Feeling Like Children’). Es también una montaña rusa adictiva (’Petal Dance’) y el mejor argumento posible para quienes os digan que todo está inventado, que ya nadie piensa en la música, que los chavales están perdidos y que todo se va al carajo. (mohorte, disco que SÍ en la tier del 26 de agosto)

14. S.G. Goodman - Planting by the Sings

género: folk Justified

Aunque nos encontramos ante el tercer disco de S.G. Goodman, por aquí no habíamos conocido la existencia de la artista de Kentucky hasta ahora. Puede que el motivo sea que, manteniendo siempre una propuesta nacida de las raíces de la americana, el acceso a la propuesta de Goodman parece más digerible en Planting by the Sings que en sus dos discos predecesores (repasados en esta santa casa a raíz del advenimiento del aquí presente).

Planting by the Sings es una delicia. Una propuesta llena de confianza en sí misma¹, que consigue cantar a los temas de siempre (amor, pérdida, amor otra vez...) mezclando los sonidos folk obvios con una evidente alma de rock’n roll. Alternando con maestría los cortes más directos (’Fire Sign‘) y con otros en los que es necesario ir buscando tu propio tempo, tu edificio montado desde la calma, como en la extraordinaria ‘Michael Told Me‘ o, más austeramente, la asfixiante ‘Solitaire‘. Apuesta también idónea para atraer a voces acompañantes, principalmente de ese mundo del country/americana, como se aprecia en la fantástica muestra que da nombre al álbum, cantada mano a mano con Matthew Roman.

Seguramente la música de Goodman no consiga atraer a tantos fans como los que buscan un tono más cercano al pop (que nadie busque aquí una nueva muestra de Sharon Van Etten o Phoebe Bridges, si acaso a algún ramalazo de Angel Olsen), por lo que difícilmente su nombre empezará a copar carteles de festivales. Y, con todo, canciones tan catedralicias como ‘Heaven Song‘ no hacen otra cosa que merecerlo. (chou, Excel en la tier del 8 de julio)

13. East of Oceans - Ride or Die

Género: Atmospheric quemada de calorías con drum&bass

En 2024, el bueno de Brock Van Wey, volvía a hacer uno de los discos de 2024. Pero afortunadamente no como bvdub, su proyecto más conocido y habitual —otro con incontinencia productiva—, sino como East of Oceans, el cual rescataba desde hacía más de una década. Hace apenas diez días veía la luz la continuación del excelente Tsunami. Si bvdub es un fusilamiento lento, erosivo y a veces aturullado de breaks en escenas imprevisibles; East of Oceans es el lado salvaje, el del desahogo. El de sudar todo el líquido corporal. En Ride or Die, Van Wey parece querer descubrir su particular manifiesto de qué es East of Oceans. O más bien, por qué un proyecto donde vierte ese lado mucho más agresivo y eufórico que el ambiental. Aquí se encapsula lo que entiende por pasado y futuro; donde la inmediatez de expresarse como un postulado vital, seguir adelante o morir. Todo o nada. Plata o plomo.

Ocho largos temas, como siempre, de altos vuelos de drum&bass atmosférico como pocos saben hacerlo. Frente a discos de tendencia de Rate Your Music cortados por el mismo patrón, aunque superficialmente pueda parecerlo, en East of Oceans el productor norteamericano introduce con destreza esos vocales femeninos tan evocativos que forman parte de bvdub y que en el vendaval de bienvenida ‘Your Eyes in the Morning’ van apareciendo progresivamente, entrecortados en el ojo del huracán. El guión de después, inesperado: ir a más. A noquear en los diez minutos de ‘Bring On the Rain’, donde todo se levanta cuando parece que decae, y donde van apareciendo más melodías, algunas de ellas tan burialísticas, en medio del terremoto de breaks.

Pero no siempre te mete el gancho de primeras. A veces da los buenos días como en el tercer corte, para ir metiendo ya el motor de combustión y toda la parafernalia. Un disco que hace adelgazar con las escuchas y cuyo valor no solo reside en el evidente despliegue eufórico, sino en los juegos de melodías y vocales que va construyendo dentro de ese motor donde parece que no puede caer nada. Detalles, capas y más capas. Con variaciones cuando crees que lo lineal se impone. Tan sucio y urgente como emocional. Dejando esas producciones caseras de d’n’b de tendencias en juegos de niños. Dice que ha dedicado mucho tiempo a este disco. “Incalculable”. Donde vierte alegría, euforia, esperanza, creatividad y sentimiento. Aunque pueda no parecerlo, lo hay. Una oda a vivir, aunque en este caso, sea a hacerlo rápido. Si todo se va a a la mierda, que no nos jodan. Dejar que te pasen por encima o ser tú quien lo haga. Ride or Die. (Ferraia, Excel en la tier del 28 de octubre)

12. Semi Trucks - Georgia Overdrive

Género: Siempre puedes confiar en el Sepe

Ahora que en, por ejemplo, Rateyourmusic todo parece llamarse slacker rock, está bien recordar que no es así y que los discos con ideas extraidas directamente del indie-rock noventero pueden o no tener trazas de aquello. Resumamos: no hay nada slacker en el Painful de Yo La Tengo, ni en los discos de Buffalo Tom; y aún así claro que los meterías en el indie-rock.

Lo sabe bien Brendan Sepe, el cerebro tras Semi Trucks, que en su segundo disco transita de forma casi perfecta por esas zonas de distorsión melódica y emoción a flor de piel sin que su música parezca hecha con desidia. Liberado de su zona más Beat Happening, y con Robbie Cody (también productor de Wand) a los mandos en el estudio, Sepe consigue que Semi Trucks parezcan sacados directamente de la época en la que podías jugar constantemente con la melodía siempre y cuando hubieses subido al once la saturación de los amplis.

Cantando estupendamente, reinventando sus propias canciones (’Motorbike Riding Star’), enganchados al electr-o-purismo y al painfulismo (’Famethrower’), guiñándole a Lou Reed y Eddie Sewick y pareciendo derivativos sólo en muy pocas ocasiones (la que más, en ‘Mustang’), Semi Trucks firman un álbum que podría haber estado en la zona menos salvaje de SST Records. Un disco que, si eres tú español, hará cosas tan improbables en pleno 2025 como que quieras volver a escuchar algunas de las buenas canciones que tenía el debut de Australian Blonde. (probertoj, Disco que Sí en la tier del 6 de mayo)

11. Ethel Cain – Perverts

Género: Drone, ambient, shoegaze... cosas que te disparan al corazón

Hace ya unos cuantos años fui a un taller de escritura. Lo impartía un autor de nombre razonablemente conocido, que un día nos puso como tarea llevar una idea de estructura de novela para la clase siguiente. Un boceto sobre el argumento, los personajes, cómo evolucionaría la trama... A la semana siguiente llegué frustrado, porque yo quería ser un novelista de culto, intelectual y todo eso, y la idea que había tenido era bastante comercial. Él me sonrió y abrazó el boceto, “no te preocupes, te haces de oro con tu primera novela y luego que se jodan, le sueltas un poemario para tu segunda obra”.

Justo cuando Ethel Cain había alcanzado un notable éxito con su disco de debut (obviemos sus grabaciones previas no editadas aunque al alcance de cualquiera que explore su bandcamp), va y decide lanzar un EP de 89 minutos en los que explora terrenos absolutamente inhóspitos. Una prueba de fuego para el oyente que es, a la vez, un escupitajo en la cara de su discográfica, con la que tenía firmado un EP antes de poder librarse del contrato firmado. Desde luego, seguramente nadie esperaba un lugar en el que las grabaciones experimentales en el estudio de Cain ocupasen más de una hora de nuestras vidas, entre cortes más cercanos a ‘Preacher’s Daughter’, como la ‘Punish’ que se dio a conocer en primer lugar, o... bueno, nada más. Porque hasta los temas menos difíciles, caso de ‘Vacillator’ u ‘Onanist’ insisten en llevar la apuesta hasta extremos en los que seguramente nadie que conociese a Cain por ‘American Teenager’ va a aceptar que hablamos de la misma artista.

Este es el poemario de aquella que lo petó con su primera novela. Sin duda unos cuantos miles de fans no lo entenderán (¿cómo coño vas a entender esto?). Nadie acabará de poder concluir si ‘Perverts’ es una genialidad, una troleada o ambas cosas. Sería injusto, eso sí, no leer todo el dolor que posee, y toda la sangre que emana de cada composición de una Hayden Silas Anhëdonia que amenaza con romperse a cada segundo. Yo poco puedo reprocharle, que ni siquiera he escrito todavía aquella novela que me convertiría en millonario. Si no, ¿qué coño haría escribiendo todavía aquí? (Chou, Excel en la tier del 14 de enero)